Alam Khan, Arjun K. Verma, Del Sol Quartet - The Resonance Between (2023)

 

Apesar de suas muitas semelhanças estéticas, a música clássica indiana e a música clássica europeia raramente foram combinadas, geralmente em meras justaposições e não com integração perfeita. The Resonance Between apresenta um novo nível revolucionário de fusão entre esses gêneros culturais, criando um som instrumental contemporâneo para esta obra original única que é muito mais do que a simples soma de suas partes.
O maestro de Sarod Alam Khan e o aclamado sitarista Arjun K. Verma, expressando sua busca ao longo da vida por identidade por meio de suas heranças indiana e euro-americana, compuseram a obra em colaboração com o renomado pianista e compositor intercultural Jack Perla (respeitado por suas misturas distintas de jazz, improvisação, world music e música clássica), misturando habilmente o esplendor ressonante da tradição clássica indiana com as sensibilidades clássicas ocidentais, misturando artisticamente melodias de raga indianas em uma combinação refinada e contemporânea.
O Quarteto Del Sol , liderado pelo violista Charlton Lee, adota uma abordagem musical igualmente inovadora. Líderes da música de câmara do século XXI, eles se afastam da tradição do quarteto de cordas europeu para abraçar um espírito contemporâneo e intercultural. Em The Resonance Between , suas cordas complementam primorosamente os instrumentos indianos, trazendo uma familiaridade acessível às paisagens sonoras cinematográficas: majestosas e cerebrais, mas emocionalmente expressivas, às vezes edificantes e brilhantes, outras vezes atmosféricas e contemplativas. Suas performances combinam estilos diversos, desde solos indianos clássicos e contrapontos beethovenianos até ambientes texturais modernos. A música transmite movimento e aventura, suspense e expectativa, exibindo sua paleta de sons com delicadeza e grande força.
Khan, Verma e o Del Sol Quartet são acompanhados na gravação por alguns dos melhores jovens percussionistas de tabla do mundo: Ojas Adhiya, Ishaan Ghosh e Nilan Chaudhuri.
Apesar de sua grande originalidade, The Resonance Between também é uma continuação digna das majestosas tradições da música clássica indiana no mundo moderno. Alam Khan é neto de Allauddin Khan, a lenda musical que produziu os mestres da música indiana e embaixadores culturais do século XX, Ali Akbar Khan e Ravi Shankar, ambos reverenciados por seu surpreendente virtuosismo clássico, bem como por suas colaborações visionárias entre Oriente e Ocidente. Ele também é filho do altamente respeitado Ali Akbar Khan, com quem estudou e fez muitas turnês, e em cuja famosa Faculdade de Música Ali AkbarAtualmente, San Rafael ministra aulas de nível avançado. Ele viaja pelo mundo, reconhecido mundialmente como o verdadeiro herdeiro criativo de seu pai e o rosto de uma nova geração de tocadores de sarod na tradição Maihar Gharana.

"Fazer essa música foi minha maneira de homenagear as inovações do meu avô e do meu pai, ao mesmo tempo em que tentava promovê-las. Incorporar minha esfera de influências musicais e minha natureza conceitual me permitiu expressar esse mundo entre mundos ", diz Khan. "Como um músico mestiço multidisciplinar, criar a partir deste mundo entre mundos é minha maneira de compartilhar minha identidade e minha criação única, tanto musical quanto culturalmente. É de suma importância transmitir isso por meio de meus trabalhos contemporâneos."
Arjun K. Verma , filho do estimado sitarista Roop Verma, começou a estudar sitar com seu pai aos cinco anos de idade e, mais tarde, estudou com Ali Akbar Khan, em cujo estilo Maihar Gharana de música clássica hindustani sua forma de tocar é baseada. Ele se apresentou na ONU, na televisão americana e gravou com artistas que vão da Orquestra Sinfônica de Londres ao vencedor do Grammy John Beasley. As linhagens extraordinárias de Verma e Khan estabeleceram as bases tanto para o rigor tradicional quanto para a inovação artística do projeto The Resonance Between .
The Resonance Between é uma das primeiras obras musicais compostas expressamente para a combinação de sarod, cítara, violino, viola, violoncelo e tabla, com os instrumentos criando um som elegante e contínuo. Mixado e masterizado por Neil Godbole , o álbum equilibra artisticamente os sons desses vários instrumentos.
Verma comenta: “Tantos projetos transculturais com instrumentos indianos se baseiam em outros gêneros, então criar um álbum contemporâneo baseado na música clássica indiana é um sonho que se tornou realidade. Mas não tínhamos muitos precedentes. Compor para quarteto de cordas ao lado de instrumentos indianos abriu muitas possibilidades de harmonia e novas texturas, mas ao mesmo tempo nos desafiou a explorar como fazer cada instrumento brilhar por si só sem ser ofuscado pelos outros. No final das contas, acho que descobrimos muito território musical novo e estou animado para compartilhá-lo com o mundo . ”
The Resonance Between é uma jornada conceitual de seis anos que explora as muitas facetas das emoções humanas além de raça e cultura, revelando nossas semelhanças, apesar de estarmos enraizados em mundos diferentes. A música complexa e em camadas de The Resonance Between avança por capítulos distintos — refletindo estágios da busca dos próprios compositores pelo que significa pertencer a mais de uma cultura — e expressa a luta para atingir um verdadeiro senso de identidade.
No final, independentemente de nossas origens étnicas ou culturais, estamos todos conectados pela gama de emoções humanas que compartilhamos e pela ressonância dessas emoções entre nós. Este é o fio que nos une e molda nossa identidade: A Ressonância Entre. Apresentando belas ilustrações em aquarela e tinta do artista Matthew Gibbons . 

tracks list:
01. Awaken
02. Embark
03. Soliloquy
04. The Passage
05. Messenger
06. Two Worlds
07. Rebirth
08. Open Eyes
09. Ascent
10. The Moon and the Mountain

António Zambujo - Rua Da Emenda (2014)

 

Da nova geração de vozes masculinas portuguesas, destaca-se António Zambujo com um estilo próprio . Diz-se que é o mais brasileiro dos cantores portugueses num espectacular grupo de fadistas (Camané, Pedro Montinho, Ricardo Costa Félix…). O seu ponto de partida tem sido o fado, quando questionada sobre as suas primeiras referências cita nomes como a grande Amália Rodrigues e, a partir daí, Maria Teresa de Noronha ou Alfredo Marceneiro. Ao longo de sua discografia, ele progrediu na busca por uma linguagem musical distinta que os críticos passaram a descrever como neofado , envolvendo e matizando com sucesso suas peças com elementos e referências musicais transatlânticas. Prova disso foi o que Caetano Veloso escreveu, afirmando que "dá arrepios e até choro" ouvi-lo, tamanha era a impressão que Veloso tinha como espectador atento dos concertos que Zambujo dava quando percorria cidades brasileiras.

Em seu trabalho de estúdio anterior, inequivocamente intitulado Quinto (em referência ao número de sua discografia e que foi seguido por um álbum ao vivo em Lisboa), ele se aproximou ainda mais do Brasil. Agora, suas viagens contínuas o levam a se expandir musicalmente, além de Portugal e Brasil, passando pela França (Serge Gainsbourg), Uruguai (Jorge Drexler) e África lusófona. É acompanhado por Ricardo Cruz (baixo português), Bernardo Couto (guitarra portuguesa), José Miguel Conde (clarinete baixo) e João Moreira (trompete). O álbum transforma-se numa típica rua lisboeta, onde circula um antigo elétrico, dando suporte musical com ecos portugueses magnificamente nutridos pela dedicação, sensibilidade e calor de uma voz extraordinária, à qual é impossível escapar sem se deixar levar pelo seu encanto.

tracks list:
01. Fatalidade
02. Valsa do Vai não Vás
03. Pica do 7
04. Flinstones
05. Barata Tonta
06. Valsa de um pavão ciumento
07. Canção de Brazzaville
08. Despassarado
09. Zamba del Olvido
10. Último desejo
11. Pantomineiro
12. O Tiro Pela Culatra
13. Valsa Lisérgica
14. La chanson de Prévert
15. Viver de ouvido

Sissoko Segal Parisien Peirani - Les Égarés (2023)

 

O álbum Les Égarés é mais do que apenas um álbum. É um espaço lúdico habitado por duas duplas que há anos se destacam na arte de cruzar sons e transcender gêneros. Formado pelo ícone do kora Ballaké Sissoko e pelo violoncelista francês Vincent Ségal, o grupo se tornou famoso por criar música de câmara original, com elementos europeus e africanos, capturados nos aclamados álbuns Chamber Music (2009) e Musique de Nuit (2015). Por sua vez, o francês Émile Parisien tornou-se, com seus saxofones alto e soprano, um campeão do jazz europeu, sem renunciar a incorporar em sua linguagem a tradição do folclore e o rigor da música clássica contemporânea. Ele demonstrou isso em vários álbuns, alguns deles em dueto com seu compatriota Vincent Peirani (acordeonista, arranjador e compositor), como Belle Époque (2014) ou Abrazo (2020), ambos publicados pela ACT.
A capa do álbum de estreia do quarteto, uma aquarela com tons impressionistas, representa perfeitamente o conteúdo do álbum, uma sonoridade que parte do jazz para captar a essência de diversas músicas do mundo em um diálogo florido entre quatro vozes instrumentais que se transforma em sedutora música de câmara contemporânea.
As peças que a abrem e fecham, "Ta Nyé" e "Banja", são duas antigas melodias do repertório mandingo da kora que são despojadas de sua africanidade para dotá-las de um sentido minimalista e melancólico, além de infundi-las com um halo jazzístico cortesia do saxofone e sem abrir mão das cascatas cristalinas da harpa de Sissoko, responsáveis ​​por levar a melodia de volta às suas origens.
Em "Izao", o saxofone soprano dá um ar armênio, enquanto as notas alongadas do acordeão são como uma âncora de fundo e, ao mesmo tempo, o pulso no qual a kora dança. "Amenhotep", com o violoncelo em modo pizzicato como um contrabaixo e os tons agudos de um acordeão que soa como uma concertina, é como uma meditação à qual a contribuição do vento infunde grande calor.

"Esperanza" é uma versão viciante e dançante de uma música do acordeonista Marc Perrone. "Orient Express" preserva a melodia original de Joe Zawinul, mas dispensa quaisquer elementos eletrizantes e enfatiza o clima oriental graças ao magnífico trabalho do violoncelo e do saxofone soprano.
A faixa-título do álbum, "La Chanson des Égarés" (égaré significa "perdido, extraviado ou extraviado") reflete perfeitamente uma paisagem rural cheia de langor e parcimônia, em um pulso preguiçoso liderado pelo saxofone e acordeão em diálogo com a kora. Partindo dessa tonalidade, "Dou", introduzido e sustentado pela kora, evolui num movimento de vai e vem em que se destaca a melodia preciosa e aérea desenhada pelo saxofone enquanto o acordeão a duplica e se solta.
O misterioso e onírico "Nomad's Sky" exibe mais uma vez uma fragrância oriental, com o violoncelo novamente no modo contrabaixo, um acordeão em estilo noturno e o saxofone soprano passeando por um mercado persa. E a referência ao grupo Bumcello, que é o breve "Time Bum", preserva o swing do original, embora mude o groove para uma brisa jazzística em um som tão inclassificável quanto viciante.
Nem jazz, nem tradicional, nem câmara, nem vanguarda, mas um pouco de tudo ao mesmo tempo, Les Égarés é o tipo de álbum que faz do ouvido o rei de todos os instrumentos. É uma magia coletiva que, fazendo outra comparação pictórica, permite classificá-la como um jardim musical de delícias.

lista de faixas :

01. Ta Nyé
02. Izao
03. Amenhotep
04. Orient Express
05. La chanson des Égarés
06. Esperanza
07. Dou
08. Nomad´s Sky
09. Time Bum
10. Banja

Aziza Brahim – Mawja (2024)

 

O quinto álbum de Aziza Brahim , Mawja (que significa "onda" em árabe hassaniya) combina percussão saariana e ibérica com sutis figuras de guitarra de blues do deserto e baixo quente fornecidos por seu colaborador musical Guillem Aguilar . As ondas do título podem se referir a esses ritmos contrastantes e envolventes, ou às ondas de rádio, às ondas do Atlântico, às ondas de migração, exílio e reassentamento que Brahim e seu povo vivenciaram, e também às ondas da história.
A voz de Brahim, imbuída de emoções profundas enraizadas nas suas experiências de crescimento nos campos de refugiados saharauis, transmite temas de desejo, luta e amor. Mawja simboliza as ondas da história e do som, refletindo a jornada de Brahim desde sua infância imersa em transmissões de rádio até suas viagens e diáspora pessoal, moldando sua evolução musical. "A música permite que você enriqueça seus sons originais com outros que você aprende ", diz Brahim. "Mawja reflete tudo o que me envolve . "
Apesar de enfrentar desafios pessoais, incluindo ansiedade, Covid e guerra em sua terra natal, Brahim encontrou inspiração para Mawja , infundindo-lhe um espírito de esperança e exploração. Um ano depois, mais más notícias. "Minha avó Ljadra faleceu. Ela foi uma poetisa muito importante da revolução e da cultura saharaui ", diz Brahim. "Pessoas como ela são imortais e seu legado viverá para sempre na memória de muitas pessoas. "Duaa" é uma oração para honrar sua memória. A casa dos meus avós era chamada de "a grande haima", onde ela era a grande matriarca. É onde eu nasci e cresci. Onde pudemos aprender a ser orgulhosos, tenazes, a ser ativistas. Primeiro em El Aaiún, depois nos campos de refugiados e hoje em Bucraa, na Argélia. A vida nunca foi fácil para o povo saarauí . "

Morar em Barcelona teve um efeito na música de Brahim. Reflete o que ele assimilou dos sons ibéricos, especialmente ritmos e percussão. "Há o pandeiro, o pandeiro quadrado, o pilão que se ouve na música folclórica por toda a península. Mas eu misturei com outros instrumentos de percussão africanos, e até de outros continentes. Há uma fusão na raiz de cada canção . "
As fotografias no encarte do álbum retratam o deserto e os campos de refugiados, servindo como lembretes emocionais do passado e do presente de Brahim. À medida que navega pelas ondas da história e do som, Mawja se destaca como um testemunho da conexão duradoura de Brahim com suas raízes e seu compromisso inabalável com a narrativa por meio da música.

tracks list:
01. Bein trab u lihjar (Among stones and sand)
02. Thajliba
03. Duaa (Prayer)
04. Marhabna 2.1 (Welcome 2.1)
05. Bubisher
06. Ljaima likbira (The big haima)
07. Mawja (Wave)
08. Metal, madera (Metal, wood)
09. Haiyu ya zuwar (Cheer, Oh, revolutionaries)
10. Fuadi (My heart)

Classificando todos os álbuns de estúdio de Carrie Underwood

 

Houve quase uma pontuação de vencedores do American Idol. No entanto, a mais bem-sucedida delas seria Carrie Underwood , que usou sua vitória para lançar uma carreira como uma cantora e compositora country extremamente bem-sucedida. Para provar isso, não procure mais do que o fato de que ela vendeu 70 milhões de discos ao redor do mundo, o que é o suficiente para torná-la uma das artistas mais vendidas que já existiram. Até agora, Underwood lançou oito álbuns de estúdio. Além disso, considerando a taxa em que ela lança novas músicas, parece razoável especular que haverá mais delas nos tempos que virão.

8. My Gift

My Gift é o sétimo álbum de Underwood. No entanto, ele se destaca porque também é seu primeiro álbum de Natal. Sem surpresa, isso significa que a maioria de suas músicas são interpretações de Underwood de clássicos de Natal, embora haja um pequeno número de originais com temas de Natal também. My Gift não é necessariamente ruim, mas, fundamentalmente falando, álbuns de Natal são álbuns de Natal. Como tal, é bastante limitado quando comparado com outros lançamentos de Underwood.

7. My Savior

Falando nisso, My Savior é o oitavo álbum de Underwood. Desta vez, é um álbum gospel em vez de um álbum de Natal, o que significa que é focado nas interpretações de Underwood de canções gospel conhecidas como "Jesus Loves Me" e "Amazing Grace". É interessante notar que My Savior foi criado para ser edificante. Algo que era muito necessário por causa da crise da COVID-19 em 2020. Dito isso, o álbum obtém uma classificação no final da lista pelo mesmo motivo de seu antecessor imediato, ou seja, ele vê Underwood mostrando suas habilidades de canto, mas não suas habilidades de composição.

6. Storyteller

Storyteller foi lançado no final de 2015. No entanto, é interessante notar que Underwood suspendeu seu trabalho nele por um tempo, o que foi necessário porque ela estava grávida de seu primeiro filho. Independentemente disso, o produto final possuía muitas semelhanças com seus quatro predecessores, embora se destacasse por ser mais descontraído por natureza. Mesmo assim, Storyteller foi muito bem. Não estreou na posição número um na Billboard 200, mas estreou na posição número dois na mesma parada, permitindo assim que Underwood reivindicasse um recorde para artistas country no processo.

5. Play On

No geral, Play On foi muito bom. Isso pode ser visto em como ele foi multi-platina, deixando ainda mais claro que Underwood era um nome de destaque que não iria embora tão cedo. Se Play On tivesse um problema, seria que era mais do mesmo, o que significa que faltava um senso de inovação.

4. Cry Pretty

Cry Pretty seria o mais recente dos lançamentos convencionais de Underwood, tendo sido lançado em 2018. Ele se destaca por uma série de razões. Para citar um exemplo, Cry Pretty é a primeira vez que ela coproduz. No entanto, o que é ainda mais notável é que pode ser o lançamento mais pessoal de Underwood até agora. Para contextualizar, ela escreveu a faixa-título após sofrer três abortos espontâneos em dois anos. Algo que se tornou ainda mais desagradável pelo fato de que ela teria que sorrir para entrevistas, sessões de fotos e coisas do tipo regularmente. Como tal, Cry Pretty possui um certo grau de peso emocional que muitos álbuns não têm.

3. Some Hearts

Underwood passou de sua vitória no American Idol para um sucesso estrondoso com Some Hearts. Afinal, a maioria dos artistas não obtém álbuns de estreia multiplatinados. Não importa um que se tornou o álbum country mais vendido em uma década. Surpreendentemente, Some Hearts não tem muitos dos problemas nascidos da inexperiência que são comuns para artistas mais novos. Algo que contribuiu muito para seu desempenho incrível porque era simplesmente consistentemente bom.

2. Carnival Ride

Carnival Ride é o segundo álbum do álbum de estreia do Some Hearts. Se ainda houvesse pessoas que suspeitassem que os sucessos anteriores de Underwood tinham sido acasos, ele dissipou essas dúvidas em um instante. Carnival Ride viu os quatro primeiros de seus cinco singles alcançarem a posição número um na parada Billboard Hot Country Songs, que foi a primeira vez que uma artista solo feminina conseguiu o feito desde Shania Twain em 1995 e 1996. Naturalmente, o álbum recebeu muitos elogios, o que foi particularmente interessante porque era tão variado em natureza. Algumas pessoas elogiaram o álbum por sua autenticidade. Outros o elogiaram porque suas músicas melhoraram consistentemente em relação às suas antecessoras em Some Hearts. Até a apresentação pessoal de Underwood recebeu elogios. Aparentemente, ela conseguiu tirar a imagem de garota da porta ao lado, mantendo coragem suficiente para se salvar do terrível destino de ser genérica. Um ato de equilíbrio que pode ser muito mais fácil dizer do que fazer.

1. Blown Away

Grande parte do material anterior de Underwood seguiu a mesma trilha geral. No entanto, ela não estaria onde está sem a capacidade de inovar e também melhorar seu próprio trabalho. Algumas das melhores evidências disso podem ser vistas no quarto álbum de Underwood, Blown Away, que foi um excelente vendedor e também conseguiu mostrar muito crescimento. O álbum cobriu tópicos mais sérios do que antes, com exemplos incluindo abuso, arrependimento e vingança. Enquanto isso, a música era variada, como mostrado pelas baladas poderosas que coexistiam com uma série de contrapartes divertidas e otimistas. Todas executadas com a excelência de canto característica de Underwood. Além disso, deve-se lembrar que Underwood escreveu muito para o álbum, que ganhou o Grammy do ano de Melhor Canção Country. Graças a isso, Blown Away também deixou bem claro que ela havia crescido muito como compositora também.