CRONICA - DAY BLINDNESS | Day Blindness (1969)

 

Uma das bandas obscuras do final dos anos 60 que lançou um álbum em completo anonimato, apenas para cair rapidamente no esquecimento.

O grupo foi formado em 1968 em Daily City, Califórnia, em torno do organista Felix Bria, do baterista Dave Mitchell e do guitarrista Gary Pihl. O trio leva o nome de Cegueira Diurna ou a capacidade de enxergar no escuro. Tentando a sorte em São Francisco, ele abriu shows para Sly & The Family Stone e Big Brother & The Holding Company, de Janis Joplin. Em 1969, a banda lançou um LP homônimo pelo selo Studio 10.

Um vinil que segue os passos do Doors, sem o talento criativo, é preciso admitir. Mas que oferece bons momentos. A sombra do grupo de Los Angeles paira sobre faixas como a balada rock "Middle Class Lament", com seus aromas góticos, mas especialmente a ácida "Live Deep", cheia de hélio.

No entanto, o estilo do Day Blindness é mais pesado, com este órgão esmagador e esta guitarra elétrica de seis cordas de som denso que bate às portas do hard rock. Resumindo, Day Blindness produz um álbum de proto-metal psicodélico próximo ao Iron Butterfly e Blue Cheer. Além disso, a voz principal (Gary Pihl, aparentemente, mas o grupo geralmente canta em coro) é muito mais próxima de Doug Ingle do que de Jim Morrison.

Começa com um estrondo em “Still Life Girl”, dilacerado por momentos delicados com este teclado pesado, esta guitarra pesada com refrões ácidos e apavorantes. Cruzada por solos de guitarra encorpados e cortantes, a instrumental "Jazz Song" que se segue é um heavy metal jazzístico furioso, assim como "Young Girl Blues", um blues chapado. O que se segue é um rhythm & blues devastador, a revigorante "I Got No Money" com seu break galopante e a breve "House And A Dog" que parece urgente.

Mas a atração deste álbum é o título final, "Holy Land", com 12 minutos de duração, com uma introdução misteriosa, assombrosa e ácida, que deixa surgir uma sequência tribal e convulsiva. Então, em um clima caleidoscópico, a música evolui para um ritmo de blues tranquilo, cheio de querosene, antes de se tornar vertiginoso.

Um disco de 33 rpm que reflete uma era que oscilou entre a psicodelia e o hard rock, mas não estava destinada a encontrar o sucesso. Então chegará o tempo da desilusão e da separação. Os outros membros foram esquecidos, apenas Gary Pihl se destacaria ao emprestar seus serviços ao cantor Sammy Hagar antes de se juntar ao Boston.

Faixas:
1. Still Life Girl
2. Jazz Song
3. Middle Class Lament
4. I Got No Money
5. House And A Dog
6. Live Deep
7. Young Girl Blues
8. Holy Land

Músicos:
Gary Pihl: Guitarra, Vocal
Felix Bria: Órgão, Vocal
Dave Mitchell: Bateria, Vocal

Produção: Tom Preuss

CRONICA - GRATEFUL DEAD | Aoxomoxoa (1969)

 

Após o lançamento de Anthem Of The Sun em 1968, o pianista/organista Tom Constanten se tornou um membro pleno do Grateful Dead. Ele se junta aos guitarristas Jerry Garcia e Bob Weir, aos bateristas Bill Kreutzmann e Mickey Hart, ao baixista Phil Lesh e ao organista/percussionista Ron "Pigpen" McKernan.

O objetivo do Anthem Of The Sun era redescobrir a magia do palco, onde a dupla de São Francisco se sente muito mais confortável, no estúdio. A colagem de trechos de gravações ao vivo com sequências de estúdio mostra um disco que parece um projeto "faça você mesmo", mesmo que seja excelente para se mandar para o planeta Marte.

Como esse processo técnico ainda não está pronto, precisamos procurar em outro lugar. Por que não adquirir um gravador de 16 canais, que era novidade na época? Foi com esse brinquedo tecnológico de ponta que os Dead criariam Aoxomoxoa , com sua capa psicodélica, que chegou às prateleiras em junho de 1969 pela Warner Bros. Dispositivo que talvez lhe permita produzir um excelente LP. Em qualquer caso, o mais caro, mais de 180.000 dólares serão gastos em um período de 6 meses de gravação.

O álbum começa com a magnífica “St. Stephen” onde o grupo mais uma vez revela seu senso melódico. Abertura country psicodélica que alterna tempos e climas. Isso vai desde a doçura frágil de um rock blues épico e estratosférico, que parece espaços abertos atravessados ​​por momentos celestiais, até algumas incursões jazzísticas ou até mesmo música concreta. À espreita, o baixo é ouvido com alegria, a bateria é vertiginosa, os teclados voam. Quando, de repente, uivos rústicos introduzem esta extravagante guitarra elétrica de seis cordas que desencadeará um coro terrível. Não seria surpreendente se o Grateful Dead arrastasse esse título para um show por um tempo, em longas improvisações.

Claramente o Dead colocou o padrão muito alto. Depois desse começo brilhante vem "Dupree's Diamond Blues", um bluegrass picante com esse órgão mágico que nos convida para um carrossel mágico. Encontramos essa atitude despreocupada na eufórica e vertiginosa "China Cat Sunflower", assim como no country acid rock "Doin' That Rag", de uma beleza perturbadora. A combinação de órgão profundo e guitarras nostálgicas tem muito a ver com isso. O mesmo vale para a balada folclórica “Mountains of the Moon”, que segue caminhos pastorais, até mesmo falsamente medievais, com este cravo caleidoscópico. No meio está a curta balada folclórica “Rosemary”, suave, sensível e melancólica.

Há, no entanto, uma longa faixa de mais de 8 minutos que causa confusão: "What's Become of the Baby". Nós nos perguntamos onde Jerry Garcia queria nos levar com sua canção encantatória. Título feito em transe (assim como o resto do álbum), para uma bad trip cósmica e mística. Em uma peregrinação xamânica, Jerry Garcia usa sua voz ocupando o espaço sonoro para nos mergulhar em um estado comatoso.

O caso termina com "Cosmic Charlie", um blues country de salão com ácido, feito com belas melodias de slide guitar.

Se Aoxomoxoa é um sucesso artístico e uma referência no rock psicodélico, é um abismo financeiro para o Grateful Dead, que ficará em dívida com a Warner Bros. Teremos que começar do zero. A solução provavelmente é pensar em explorar ao máximo uma área onde o grupo é campeão em todas as categorias: o palco.

Observe que na contracapa, onde vemos o Grateful Dead como uma família, está a filha de 4 anos do empresário da banda (Hank Harrison), chamada Love Michelle Harrison, que ficaria conhecida como Courtney Love.

Faixas:
1. St. Stephen
2. Dupree's Diamond Blues  
3. Rosemary  
4. Mountains Of The Moon  
5. China Cat Sunflower        
6. What's Become Of The Baby       
7. Cosmic Charlie

Músicos:
Jerry Garcia: Guitarra solo, vocais
Phil Lesh: Baixo, vocais
Bob Weir: Guitarra base, vocais
Ron “Pigpen” McKernan: Órgão, gaita, vocais
Bill Kreutzmann: Bateria
Mickey Hart: Bateria
Tom Constanten: Piano, efeitos eletrônicos

Produção: Grateful Dead

CRONICA - JOE COCKER | Civilized Man (1984)

 

Se desde sua estreia em 1969, Jo Cocker viveu altos e baixos em sua vida pessoal e em sua carreira, podemos facilmente dizer que os anos 80 a trouxeram ao firmamento. Sucesso internacional em 1982, "Up Where We Belong", álbum oscilando entre pop e reggae, Sheffield Steel , que obteve grande sucesso de crítica, enfim, o ano de 82 foi uma safra bastante boa para o britânico. Depois de vários shows, o cantor está de volta ao trabalho para nos oferecer seu nono álbum, Civilized Man .

Como de costume com Joe Cocker, uma multidão de músicos participou da gravação, começando com a espinha dorsal do grupo Toto, que escreveu todo o lado A. Na verdade, este álbum foi gravado em duas sessões. O primeiro com o trio mágico Toto foi gravado em Los Angeles, enquanto o segundo foi feito em Nashville com os grandes nomes da Music City. Se o álbum anterior parecia tomar um rumo pop, Civilized Man é definitivamente voltado para o pop rock, começando com "Civilized Man", título que abre o álbum. Este título com uma melodia viciante nos mostra outro lado de Joe Cocker com uma voz quase pacífica e só podemos apreciar a interpretação discreta, mas terrivelmente eficaz, de Steve Lukather. “There Goes My Baby” e “Come On In” assumem o controle, misturando habilmente melodia pop e coros gospel antes de “Tempted” chegar para chutar nossas bundas com seu groove quase hipnótico.

A aliança entre a voz magnética de Joe Cocker, a interpretação de David Paich e os metais brilhantes fazem maravilhas neste título. Reconhecemos o toque de Toto na balada "Long Drag Off a Cigarette" antes de "I Love the Night" chegar para reenergizar a coisa toda. É certamente o título mais comercial deste álbum, mas comercial não significa necessariamente uma porcaria, e admito que esse título ficou na minha cabeça nos últimos dois dias em que estive trabalhando no álbum. Apesar do título, “Crazy in Love” é uma linda balada que antecede a funky “A Girl Like You”. Este título mexe com minhas articulações e a associação entre o baixo de Bob Wray e os metais faz maravilhas. “Hold On (I Feel Our Love Is Changing)” e “Even a Fool Would Let Go” fecham este álbum com um tom decididamente pop.

É claro que com Civilized Man , Joe Cocker se encaixa perfeitamente na época e, além disso, este álbum continua sendo um grande sucesso comercial na Europa, mesmo que o melhor ainda esteja por vir, com três álbuns de platina. Mas essa é outra história…

Títulos:
1. Civilized Man
2. There Goes My Baby
3. Come On In
4. Tempted
5. Long Drag Off a Cigarette
6. I Love the Night
7. Crazy in Love
8. A Girl Like You
9. Hold On (I Feel Our Love Is Changing)
10. Even a Fool Would Let Go

Músicos:
Vocais – Joe Cocker
Guitarras – Steve Lukather, Reggie Young, Larry John McNally, Dann Huff, Dean Parks, Domenic Troiano, Jon Goin, Pete Bordonali
Baixo – Nathan East, David Hungate, Bob Wray
Bateria – Jeff Porcaro, Larrie Londin, Jim Keltner, James Stroud
Percussão – Paulinho da Costa, Starz Vander Lockett
Teclados – David Briggs, Rob Mounsey, David Paich, Greg Phillinganes, Bob Telson, Shane Keister, Randy McCormick
Vocais de apoio – Mary Davis, Bobbie Butler, Sam Butler, James W. Carter, Cissy Houston, Zachary Sanders, Julia Tillman Waters, Maxine Willard Waters, Luther Waters, Oren Waters, Frank Floyd, Deirdre Tuck Corley
Saxofones – Lenny Pickett, Jim Horn, David Tofani
Trombone – Dave Bargeron
Trompete – Randy Brecker
Orquestração – Sid Sharp
Arranjos – Bob Telson, David Briggs

Capitólio

Songs: Ohia - The Magnolia Electric Co (2003)

The Magnolia Electric Co (2003)

Songs: Ohia

A música não pode ser descrita adequadamente com palavras, embora possamos querer desesperadamente fazê-lo. Uma faixa ressoa com sua alma, e o máximo que você pode esperar é que ela ressoe na do seu irmão também, que você possa olhá-lo nos olhos e saber que sob sua carne há outra subjetividade inacessível e remota que, através de seus próprios tímpanos e em seu próprio sangue, sente o poder da arte. A verdade real sobre isso é que os mapas só funcionam se outra pessoa puder experimentar o território.

Jason Molina foi o raro artista que conseguiu fazer música enquanto ele próprio estava profundamente ciente desse fato, da profunda solidão existencial da alma humana, do vazio que existe entre nós, apesar das pontes mal iluminadas que construímos para cruzar. Ele me lembra mais Jeff Mangum do que qualquer outra pessoa, talvez não seja uma conexão óbvia, mas o que é óbvio sobre Songs: Ohia? Magnolia Electric Co. não soa nada como In the Aeroplane Over the Sea, mas os compositores são ambos infinitamente honestos, embora cientes das mentiras que contam, ambos amadores em sons laterais e letras esotéricas, sábios do mato, bardos caipiras cortando obliquamente a morte, o sexo, a responsabilidade e Deus.

Eles também são profundamente solitários em meio a suas visões. O poder recorrente desses álbuns é a maneira como eles revelam uma coisa enquanto escondem duas. Quanto mais conhecemos Molina, mais sabemos que há além da nossa visão. Metáforas em cascata e estética inconfundível apontam para algum lugar terrível brilhando com escuridão, algum lugar que Molina e Mangum querem desesperadamente nos levar. Esses homens nos mostram o caminho, mas não podem nos fazer segui-lo. "Capturando sinais que soam no escuro", "o fantasma sempre quase me conta o segredo".

A maioria das músicas que você pode aproveitar. O artista olha para seus sapatos ou para uma vasta multidão, e você é livre para se esgueirar como uma pega e pegar seus próprios significados.

Esta música obriga . Jason Molina está em algum lugar nos olhando bem nos olhos. Podemos estar segurando a última luz que ele vê.

Clarence Clarity - No Now (2015)

No Now (2015)

Clarence Clarity

Pense na música pop mais cativante que você já ouviu, e então imagine-a voando pelo Grande Colisor de Hádrons a 299,8 milhões de metros por segundo, sendo transmitida para seus fones de ouvido por um sistema de teletransporte de áudio ligeiramente defeituoso. O espetacular álbum de estreia de Clarence Clarity, No Now, de 2015, contém dezenas desses golpes musicais superfractais, uma hora de música onde os elementos pop são exagerados em sua glória melódica e maximalista completa, enquanto os elementos barulhentos e cheios de falhas são exagerados em sua glória densa e alucinatória completa também.

Há tantos exemplos de músicas pop incrivelmente máximas e cheias de falhas para falar que mal sei por onde começar, então acho que vou mergulhar fundo na primeira música adequada do álbum, Will to Believe. Uma bateria personalizada ad hoc de várias amostras eletrônicas abre esta música, antes de Clarence gemer um verso melódico que vê seus vocais batalharem com fragmentos de glockenspiel, ruído metálico, rajadas de som invertidas. Um gancho chega, uma chamada e resposta distorcidas entre a frase cantada de Clarence e guinchos de sintetizador e amostras vocais com falhas. O baixo fica distorcido, quase contido. Então, uma ponte feliz e pacífica com textura gospel, antes do refrão propriamente dito chegar, e, bem, é um bom. E o coração nem sempre pode sentir / Mas a cabeça sempre pode sonhar / E então pare de sonhar, seja / E eu vou. Os vocais de Clarence são hinos em camadas, às vezes docemente se curvando em falsete, mas então rugindo com sentimento no "e eu vou". Saxofones gritam na periferia, harmonizados com o baixo distorcido e a bateria estrondosa. Um final falso. Então explode em uma repetição ainda mais densa e rica do refrão: YEAHHHHHHHH!!!!!! grita Clarence enquanto a perfeição pop caótica explode ao seu redor.

Algumas músicas como Alive in the Septic Tank puxam mais do hip-hop, pelo menos instrumentalmente, com linhas de baixo barulhentas que não deveriam ser simultaneamente tão dramáticas e tão funky. Em outros lugares, as coisas são mais devedoras do R&B, com resultados irritantemente lindos. Clarence Clarity é abençoado com uma voz de tenor ágil e gemida que poderia concebivelmente caber em uma música dos Backstreet Boys, e ele tira total proveito de sua qualidade expressiva em faixas de partir o coração como Cancer in the Water. Esta música, cujo instrumental é prenunciado em forma falha e manipulada no final de muitas músicas não relacionadas em No Now, abre com uma figura de sintetizador melancólica e analógica que se aproxima mais de um estilo pop dos anos 80 do que do R&B maníaco endividado dos anos 90 e 00 do resto do álbum. Ele inala. “Antes que eu saia, eu vou colocar câncer na água / Antes que você saia, você me colocou câncer em mim”, ele ruge, sua voz como um solista gospel na forma como combina imperfeição distorcida com peso profundamente melódico e diafragmático. Bateria e outros instrumentos entram em ação. É um hino de luto, de luto por entes queridos perdidos na vida pessoal do artista e comentando sobre a forma como essas tragédias podem parecer transmitir uma semente cancerosa nas pessoas que deixam para trás. Um ouvinte particularmente atento pode notar que toda essa música é gradualmente deslocada para cima alguns semitons à medida que avança, aquele refrão lindo e trágico em loop tão suavemente que é quase impossível ouvir a manipulação digital acontecendo. Acho que isso encapsula muito bem a beleza e a emoção de No Now – canções pop vertiginosamente densas, tão emotivas e bem escritas que as rajadas de falhas e ruídos parecem a coisa mais natural do mundo.

Horsegirl - Phonetics On and On (2025)

Phonetics On and On (2025)

Horsegirl

Em 2022, o trio de indie rock nascido em Chicago Horsegirl fez um pequeno avanço com seu LP de estreia, Versions of Modern Performance. Seu primeiro álbum completo pegou muitas notas de bandas de indie rock barulhentas do passado (incluindo participações dos ex-membros do Sonic Youth Steve Shelley e Lee Ranaldo, uma banda que é obviamente uma das influências mais proeminentes do Horsegirl ao longo daquele disco), e ainda assim foi mais do que capaz de destacar uma nova abordagem de um som antigo fornecido por músicos jovens e famintos de Illinois. Phonetics On and On atua como uma continuação de Versions of Modern Performance, e certamente pode ser visto como uma decepção para aqueles que esperavam que o Horsegirl seguisse uma direção mais caótica e abstrata. Em vez de distorcer ainda mais seu som, o segundo esforço do trio leva algum tempo para parar e sentir o cheiro das rosas enquanto eles tornam tudo um pouco mais twee.

Deve-se notar que este disco ainda parece intencionalmente derivado de um som mais antigo; é apenas um som diferente desta vez. Isso não é uma coisa ruim. Faixas como "Switch Over" e "2468" e sua descontração alegre parecem um pouco Raincoats-y e abraçam o tipo de pop twee descontraído que veio do rescaldo inicial do nascimento do pós-punk. Para aqueles que podem apreciar esse som mais minimalista, Horsegirl o faz extremamente bem. Como dito anteriormente, Phonetics On and On frequentemente vê o trio retirar quaisquer enfeites extras que possam ter sido encontrados em seus trabalhos anteriores em favor de fazer um disco intencionalmente mais básico que destaca sua afinidade pelo indie rock melódico e sem filtros perfeitamente.

Apesar de ser um grupo com influências óbvias, Horsegirl já provou ser músicos com determinação para se diferenciar do material de origem de onde extraem, tornando sua arte o mais séria possível. Phonetics On and On prova ser mais um exemplo bem-sucedido disso em seu catálogo, pois parece consistentemente a execução bem-sucedida do que poderia ser visto como seu objetivo: transformar suas várias influências em algo que apenas Horsegirl poderia fazer.

A produção aqui também é realmente excelente, e você pode agradecer à favorita indie e aclamada cantora e compositora experimental Cate Le Bon por seu trabalho nos bastidores nesse departamento. O disco inteiro tem uma vibração adequada, aconchegante e íntima que parece fácil de se envolver e se relacionar. Esse tipo de atmosfera é verificada quando você considera que essas músicas foram gravadas em apenas algumas semanas em um inverno brutalmente frio de Chicago no início do ano. Embora Phonetics On and On possa estar longe de ser uma lareira musical crepitante para aquecer suas mãos, parece uma companhia agradável no meio de um frio do meio-dia. Esse tipo de intimidade eleva toda a experiência auditiva. Também permite que o trabalho vocal inexpressivo de Nora Cheng e Penelope Lowenstein destaque a emoção matizada de alguns dos cortes mais emocionantes, como "Julie".

O segundo álbum de estúdio do Horsegirl é uma continuação um pouco mais contida do álbum de estreia do trio, mas continua sendo uma continuação digna da qualidade que eles entregaram imediatamente em 2022. As influências twee em exibição aqui fazem com que pareça algo novo, e os meios rápidos e sinceros pelos quais foi gravado resultam em um disco que é igualmente vulnerável e musicalmente impressionante. Os fãs de sua estreia podem ficar um pouco desanimados com a rejeição do Horsegirl a qualquer tipo de maximalismo, mas é essa disposição exata de se transformar em algo sonora e estilisticamente menor que faz com que este disco pareça tão criativamente grande quanto é.

The Mars Volta - Frances the Mute (2005)

Frances the Mute (2005)

The Mars Volta

Frances the Mute é profundamente trágico, um disco que excita por meio da musicalidade grotesca e do lirismo tecido pela história. Ao longo da jornada de uma hora e dezessete minutos que este álbum proporciona, você passa por reviravoltas frenéticas enquanto as facadas angulares da guitarra de Rodriguez-Lopez e os grooves travados de Peña e Theodore levam este conto à mania, perfurado pelas performances vocais agressivamente rápidas, mas abrangentes, de Zavala.

Do funk dissonante de "Cygnus..... Vismund Cygnus" que prepara o cenário da narrativa de vingança de nossos protagonistas por meio do uso dinâmico habilmente elaborado e mudanças de ritmo cinematográficas, aos breakdowns de salsa e sussurros sutis de "L'Via L'Viaquez" que dão um ar de mistério, este álbum toca como um filme cheio de dramaticidade e intriga perfeitas. Culminando com o épico encerramento de "Cassandra Gemini", ouvir este LP na íntegra induz a chicotadas, pois você será levado por uma jam técnica psicodélica justaposta com bateria hardcore e síncope rápida de guitarra. Mas é uma experiência profundamente gratificante que o deixa ponderando sua ansiedade.

Enterrado sob toda a complexidade, você encontrará fundações harmônicas, rítmicas e melódicas estelares. Mesmo afirmando que este é o empreendimento mais abstrato do The Mars Volta, ainda há ideias concretas de "música" aqui, por assim dizer, para não permitir que você se dissocie completamente. "The Widow" fornece uma estrutura muito necessária em meio ao caos, com uma progressão influenciada pelo blues que permite um foco duplo na cativante e na atenção da força motriz da narrativa, a misteriosa morte da mãe de Cygnus e o nascimento horrível que se seguiu, combinando com a composição lenta.

Esta é a peça mais grandiosa do The Mars Volta, que é uma declaração das eras, dada a força de seu catálogo inicial. Apesar dos interlúdios ambientais muito ocasionais que, embora forneçam uma transição adequada, muitas vezes ultrapassam o seu tempo de recepção, este disco nunca desacelera em sua pura excitação. Eu poderia dizer com confiança que esta é uma das melhores realizações do rock progressivo e experimental.

Joost - Unity (2025)

Unity (2025)

Joost

Normalmente, tenho problemas com gêneros sendo recriados após sua década de origem porque seu som específico será turvo pela influência de técnicas modernizadas, mas este álbum parece genuinamente se importar em manter a estrutura dos gêneros dos quais ele toma influência.
Joost entende a energia e o som do hardcore feliz. E honestamente, eu gosto do produto final: as batidas influenciadas por gabber, as pontes cantadas em músicas como "We'll Meet Again" e "Internetcafe 24/7", "BOOM BOOM!!" tendo um instrumental house, o design de som nas esquetes entre as músicas. Eu até argumentaria que a cadência de Joost é semelhante ao breakdown do rap encontrado em músicas eurodance. Há uma clara dedicação à estética dos anos 90. A

interpolação de diversão de "1". We Are Young e "Kunst und musik" de "Kunst und musik" usando uma música memeada Hallo aus Berlin provam esse ponto, sendo semelhante a como as próprias músicas de hardcore feliz teriam samples excêntricos. É um grampo do gênero.

Minha principal reclamação é que se você segue Joost, este álbum parece mais um "maiores sucessos", já que sete das quinze músicas já foram lançadas e as "novas" adições são músicas que ele tocou apenas em shows desde meados de 2024, mas estou feliz em saber que "Gabberland" finalmente teve um lançamento de estúdio.

Posso ver a recepção deste álbum sendo dividida, especialmente porque o happy hardcore e o eurodance como um todo tendem a ser gêneros mais triviais e sarcásticos. No entanto, eu diria que Joost sabe disso, como é evidente com a forma como o álbum começa com "Why Not???" ou o irônico "United by Music", que ainda tem aquele som happy hardcore, apesar dos sentimentos flagrantes de Joost em relação à política hipócrita da EBU. O mesmo pode ser dito sobre a escolha deliberada da esquete "Epiphany of Love: The Origin" tocando logo antes de "Europapa". Este álbum usa bem seus gêneros como um oxímoro.
Eu diria que se você está procurando uma recriação decente de música hardcore feliz (com uma pitada de influência gabber), este álbum definitivamente tem méritos audíveis.

Trauma Bond - Summer Ends. Some Are Long Gone. (2025)

Summer Ends. Some Are Long Gone. (2025)

Trauma Bond

Que disco pesado, pesado . A agressividade exibida aqui não é nenhuma novidade para a dupla do Reino Unido, que agora tem três álbuns em um quarteto de álbuns temáticos de temporada. Este é o álbum "de verão", mas como é evidente pela capa e pelo título, não foi feito para ser um caso caloroso e alegre. Este disco está enraizado no hardcore, mas a maior parte dele é um grindfest lamacento que te espanca até virar polpa. Se você gostou de Umbilical do Thou do ano passado, você encontrará muito o que amar aqui - especialmente em uma faixa como Chewing Fat , com seus grooves profundos e contundentes.

Apesar do curto tempo de execução, muito terreno é coberto em termos de gênero ao longo da lista de faixas. Regards é um banger grindcore com um breakdown matador, Wolfing the Lamb to Mutton se inclina fortemente para o ruído industrial, e o encerramento de nove minutos e meio, Dissonance , é um sludge/doom slow burn. Há tantas ideias ótimas reunidas neste álbum que às vezes isso pode realmente funcionar em seu detrimento, fazendo-o parecer desconexo. Constantemente parece que eles estão à beira de algo realmente especial, e você pode ouvir o crescimento e a experimentação de seus dois primeiros álbuns. Há muitas bandas de metal que são assumidamente pesadas como esta, mas não frequentemente de uma forma tão sutil e instigante.

Lemon Demon - Spirit Phone (2016)

 

Spirit Phone (2016)

Lemon Demon

As primeiras faixas são sobre os tipos de horrores que você encontraria em filmes B dos anos 80 - Um serial killer se transformando em um fliperama, um mistério bizarro envolvendo a morte de um homem com estátuas sangrando e pinturas assustadoras - mas conforme o álbum avança, ele muda.

Os horrores das últimas faixas são mais reais. Um pai se encontrando incapaz de se conectar com seu filho, se perguntando qual foi o sentido de sua vida. Uma pessoa sonhando loucamente com uma criação, mas nunca tendo a motivação para realizá-la. As políticas econômicas de Ronald Reagan.

A faixa final, "Spiral of Ants", usa a imagem de uma espiral real de formigas - um fenômeno onde as formigas ficam presas andando em círculos até morrerem devido aos feromônios - como um símbolo da ideia de trabalhar para viver e viver para trabalhar.

Em certo sentido, a última metade deste álbum critica fortemente o "sonho americano" e como, na prática, tudo o que ele causa é sofrimento maçante.

A faixa de abertura prenuncia isso brilhantemente. É ao mesmo tempo, uma música sobre cientistas loucos trazendo os mortos de volta à vida, mas também uma crítica à indústria da performance - a única razão pela qual essas pessoas estão sendo trazidas de volta é para se apresentar no palco, fazendo alguns figurões ganharem milhões, tudo sob o pretexto de dar ao músico uma segunda chance.

Toda essa conversa sobre os temas do álbum e eu nem mencionei o fato de que este álbum é tão cativante. Com sintetizadores pesados ​​e alguns dos melhores ganchos que já ouvi, este álbum não é apenas tematicamente incrível, mas musicalmente também.

Não espero que o próximo álbum do Lemon Demon alcance a qualidade deste, este é um álbum difícil de bater. Mas estou animado mesmo assim, pois certamente será um momento muito bom.