RARIDADES

Virgo - Four Seasons (1977)

don't hang around, enjoy good music!

Pat Martino - 1998 "Stone Blue"

 

 

O guitarrista Pat Martino exibe sua apreciação de longa data pelo estilo de vida urbano de Nova York e Filadélfia em seu último álbum Stone Blue. Aquele sentimento arrogante de autoconfiança que se desenvolve ao viver e trabalhar na cidade dá origem a ritmos pavoneados, tempos deliberados e melodias que variam de grupos de confetes carregados de semicolcheias a gritos oníricos no céu. Compartilhando a linha de frente com o saxofonista tenor Eric Alexander, Martino apresenta nove de suas composições com o apoio do tecladista Delmar Brown, do baixista James Genus e do baterista Kenwood Dennard. Você pode encontrar informações biográficas completas sobre o guitarrista Pat Martino em http://www.patmartino.com/ .

O baixo elétrico de seis cordas do Genus e o passeio de címbalo de Dennard conduzem o álbum; todas as peças, exceto uma, são apresentadas em andamento acelerado com ênfase em ritmos deliberados e conversas de primeira linha. A voz do saxofone tenor de Alexander é terrena e confiante, enquanto a guitarra de Martino entusiasma com seu desejo de falar. Juntos, eles se unem como uma só voz. A balada "Never Say Goodbye" é uma dedicatória chorosa ao guitarrista Michael Hedges, que faleceu em novembro passado em um trágico acidente automobilístico aos 43 anos. Mais de vinte anos atrás, enquanto Martino se recuperava de uma cirurgia no cérebro, Hedges o visitou no hospital e tocou para ele ao lado de sua cama.

Outras dedicatórias no álbum incluem acenos a Wes Montgomery e Jack McDuff. "13 To Go" e "Mac Tough" incluem brincadeiras de órgão de Brown. "Joyous Lake" é uma melodia alegre que foi gravada originalmente em 1977, pouco antes do hiato de dez anos de Martino. Seguindo o tema urbano do álbum, o arranjo justapõe um cenário de carnaval brasileiro com ofertas líricas de guitarrista, saxofonista e tecladista. Um entusiasmo aberto e uma linha de frente calorosa conduzem o último álbum de Martino pelas ruas atemporais da cidade. Recomendado.

Poucos músicos em qualquer gênero ou instrumento podem se gabar da combinação do guitarrista Pat Martino de mobilidade rápida e flexível e controle rico e firme. Na década de 1960, Martino ganhou sua habilidade tocando em vários combos de órgão com Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes e Jimmy Smith, então o conceito geral de música funky e contundente é familiar ao guitarrista há décadas. Em Stone Blue, ele empurra o conceito com seu som geralmente rotundo e destreza na velocidade da luz, extraindo o baixo elétrico sinuoso de James Genus e a execução ultra-apertada do saxofone tenor de Eric Alexander. Martino leva muitas das músicas para o reino do jazz fusion por volta de meados dos anos 1970, graças em parte aos teclados de Delmar Brown. A música é sempre exploratória, misturando a sensação coletiva funky do grupo e as linhas tensas de Martino, onde ele executa frases paralelas em ritmos surpreendentes e, em seguida, deixa sua guitarra cantar no fundo enquanto seus acompanhantes detonam solos funky. Um raro veterano no jazz, Martino mostra um gênio frio como pedra em Stone Blue.

"O mestre da guitarra está de volta nesta coleção de músicas originais. Misturando bop e funk com doses pesadas de pop, ele oferece um álbum muito audível com muito caráter". Jim Santella do All About Jazz observou: "O guitarrista Pat Martino exibe sua apreciação de longa data pelo estilo de vida urbano da cidade de Nova York e Filadélfia em seu último álbum Stone Blue. Aquele sentimento arrogante de autoconfiança que se desenvolve ao viver e trabalhar na cidade dá origem a ritmos pavoneados, tempos deliberados e melodias que variam de grupos de confetes carregados de semicolcheias a gritos oníricos no céu".

Esta gravação ressuscita uma banda soberba de alguns anos atrás, Joyous Lake. O inimitável Pat Martino é o solista em destaque na guitarra elétrica, mas não domina o disco.

As músicas tendem a ter um pouco de funk ou rock, mas variam em tom e textura. A primeira faixa dispara alto na estratosfera do jazz firme, balançante e saltitante - com uma cabeça inesquecível. Claro, cada solo do Sr. Martino é excelente, dado seu tom, velocidade, fraseado, oitavas e acompanhamento. O baterista, Sr. Dennart é uma maravilha - infinitamente inventivo com uma mão esquerda mágica na caixa. O Sr. Alexander no saxofone tenor sabe como entrar e sair com destreza. Você ouve um pouco de Coltrane e Bird nesta execução, mas ele é seu próprio homem.

A execução do teclado é boa, mas usa mais efeitos especiais do que eu preferiria. Dê-me o Hammond B-3 com um músico talentoso a qualquer momento, como Pat Bianci, que agora está em turnê com o trio de Pat Martino. Deveríamos ser gratos por música desse calibre. Há beleza objetiva no universo, como manifestada por essas criaturas talentosas.

O crítico do All About Jazz, Josef Woodard, comentou: "O que soa atemporal aqui é o líder, lamentando com uma espécie de sabedoria simultânea e comprometimento total com o abandono improvisacional. A verdade é que Martino se levanta toda vez que toca. Dicas do poder único de Martino estão contidas em cada episódio de sua obra, incluindo este último capítulo".

RIP Pat Martino

Lista de faixas:

Todas as composições de Pat Martino

    "Uptown Down" – 4:25
    "Stone Blue" – 6:46
    "With All the People" – 9:15
    "13 to Go" – 7:27
    "Boundaries" – 8:09
    "Never Say Goodbye" – 3:40
    "Mac Tough" – 6:13
    "Joyous Lake" – 13:26
    "Two Weighs Out" – 0:33

Pessoal:

    Pat Martino – guitarra
    Eric Alexander – saxofone tenor
    Delmar Brown – teclado
    James Genus – baixo
    Kenwood Dennard – bateria, percussão

Pat Martino - 2000 "Live at Yoshi's"

 

 Live at Yoshi's é um álbum gravado pelo guitarrista de jazz Pat Martino em 2001. Foi indicado ao Grammy Award de 2002 de Melhor Álbum Instrumental de Jazz.

Que o novo Live at Yoshi's de Pat Martino seja uma exibição impressionante de proezas na guitarra de jazz não deve ser nenhuma surpresa para ninguém familiarizado com a lenda das seis cordas. Que o disco seja um daqueles álbuns ao vivo sortudos que captura uma noite em que tudo parecia estar se encaixando para Martino e seu trio do organista Joey DeFrancesco e do baterista Billy Hart é talvez mais do que até mesmo os admiradores mais fervorosos do guitarrista poderiam esperar. DeFrancesco e Hart são previsivelmente inspiradores, mas é a química telepática entre os três membros da banda e o público compreensivelmente emocionado que realmente leva Live at Yoshi's a um reino mais elevado de álbuns de jazz ao vivo. A interação do trio na versão descontraída de "All Blues" parece atingir um novo pico a cada refrão, culminando na bela cadência de encerramento sem acompanhamento de Martino, e o guitarrista e DeFrancesco parecem inspirar um ao outro a alturas cada vez maiores na balada "Welcome to a Prayer". Aqueles apaixonados pelo heroísmo rápido de Martino terão muito com o que se banquetear aqui - do ritmo alucinante da abertura "Oleo" ao swing forte "El Hombre", Martino e DeFrancesco trocam versos com uma segurança que poucos músicos conseguem reunir. Martino tem uma das histórias pessoais mais inspiradoras da música. Uma lenda da guitarra nos anos 70, ele teve que reaprender completamente o instrumento após um aneurisma cerebral quase fatal em 1980 - e agora ele pode reivindicar um dos álbuns ao vivo mais inspiradores lançados em anos.

Com Live at Yoshi's, sua 20ª gravação como líder e terceiro lançamento para o selo Blue Note, o lendário Pat Martino completou o ciclo. Acompanhado por Joey DeFrancesco no Hammond B-3 e Billy Hart na bateria, o hard bop e o funky soul-jazz deste trio certamente agradarão os entusiastas do trio de guitarra, órgão e bateria. Martino, herdeiro do estilo de guitarra quente e blues de Wes Montgomery, toca oito grandes composições, incluindo duas grandes versões estendidas das composições clássicas de Miles Davis "All Blues" e "Blue in Green". Em "All Blues", a voz criativa da guitarra toca a melodia com interpretações emocionantes e ressonância musical sutil. A versão de Martino de "Blue in Green" cria um mundo de melancolia e o guitarrista toca sua guitarra com a mesma doce tristeza que Miles fez com o apoio do solo de órgão de DeFrancesco adicionando tons adicionais de emoção. As músicas selecionadas para esta gravação de performance "ao vivo" também aparecem em projetos de Martino gravados anteriormente, incluindo seu álbum Desperado de 1970 e seu CD Stone Blue de 1998. No entanto, os ouvintes agora recebem o benefício de ter a performance definida disponível em tempo real. Do som da plateia em Live at Yoshi's, a destreza alucinante do sábio da guitarra e os tons legais em "Catch" estão mais animados do que nunca, e depois de ouvir este CD, você estará inclinado a concordar. 

RIP Pat Martino.

Lista de faixas:

Todas as composições de Pat Martino, exceto as indicadas

    "Oleo" (Sonny Rollins) (7:02)
    "All Blues" (Miles Davis) (12:05)
    "Mac Tough" (10:05)
    "Welcome to a Prayer" (10:33)
    "El Hombre" (10:32)
    "Recollection" (8:00)
    "Blue in Green" (Bill Evans, Miles Davis) (7:21)
    "Catch" (11:06)

Personnel:

    Pat Martino - guitar
    Billy Hart - drums
    Joey DeFrancesco - organ

MUSICA&SOM

Pat Martino - 2003 "Think Tank"

 

O guitarrista Pat Martino temperou seu estilo de improvisação serpenteante e metralhadora ao longo dos anos em um estêncil de papel quadriculado de foco suave. Sua execução, ao mesmo tempo matematicamente densa e puritana em sua economia, pode impressionar com longas explosões de complexidade harmônica e floreios estilísticos que cruzam o chicken scratch de rockabilly com a repetição no estilo ECM. Tudo isso está em exibição em seu álbum cerebral e com toques de blues Think Tank de 2003. Seu terceiro álbum para a Blue Note desde All Sides Now de 1997, o encontra emparelhado com os talentos igualmente proteicos do saxofonista Joe Lovano, do pianista Gonzalo Rubalcaba, do baixista Christian McBride e do baterista Lewis Nash. Juntos, eles tocam com uma intensidade pensativa que é ao mesmo tempo meditativa e explodindo com ideias improvisadas. Lovano é um contraste especialmente intuitivo para o guitarrista com um estilo flutuante e cinético que é bem adequado para essas composições fluidas. Ambos giram em espiral pela música-título, um teorema científico intrigante de uma melodia que Martino construiu a partir das letras do nome de John Coltrane. A faixa, como grande parte de Think Tank, os encontra dançando em torno do groove sempre presente do baterista Lewis Nash e dos drones funky do baixista Christian McBride. Igualmente envolvente é a balada "Sun on My Hands", na qual o pianista Gonzalo Rubalcaba e Martino delicadamente brincam um com o outro em uma espécie de chamada e resposta lamentosa que traz à mente o álbum sombrio e reflexivo de Martino de 1976, We'll Be Together Again. Em outro lugar, Martino oferece a modalidade sinistra e tingida de Oriente Médio de "Africa", a exuberância pós-bop de "Earthlings" e a névoa salpicada de sol de "Before You Ask". Think Tank é um álbum profundo, mas nunca frio.

No sentido de que um think tank é uma coleção de pensadores brilhantes, a caracterização do guitarrista Pat Martino para seu novo CD realmente se sustenta para esta sessão única. Martino divide a linha de frente com o tenor Joe Lovano, o pianista Gonzalo Rubalcaba, o baixista Christian McBride e o baterista Lewis Nash para formar uma banda mainstream muito forte.

Desde que ressurgiu em 1994 após um aneurisma cerebral efetivamente tornar necessário reaprender a tocar seu instrumento, Pat Martino se viu em uma variedade de situações de gravação. A maioria de seus álbuns recentes como líder foi feita para a Blue Note, mas mesmo uma breve pesquisa deles revela Martino como um espírito inquieto, constantemente mudando de estilo e companheiros de banda para perseguir sua musa em constante evolução. Nos últimos anos, o guitarrista abandonou amplamente os exercícios modais ligeiramente psicodélicos que informaram seus melhores LPs Prestige do final dos anos 60 em favor de retornar às suas raízes do soul jazz, como no Live at Yoshi's de 2001 e sua participação especial no projeto The Philadelphia Experiment. Só por esse motivo, seu novo lançamento Think Tank provavelmente levantará mais do que algumas sobrancelhas,pois marca um retorno ao hard bop com sabor modal no qual sua reputação é amplamente baseada.

Martino também não poupa esforços, como uma olhada na formação que ele montou para sua jornada rapidamente prova. A banda é o mais próximo de um all-star que se pode chegar no jazz atualmente, com o saxofonista Joe Lovano (ele mesmo um frequentador regular do Blue Note), o pianista Gonzalo Rubalcaba, o baixista Christian McBride e o baterista Lewis Nash. Como é frequentemente o caso (fãs do Lakers, me apoiem aqui), reunir uma coleção de toques não necessariamente se traduz no brilhantismo intransigente que pode ser alcançado por um grupo de trabalho, mas os resultados de sua reunião, conforme coletados no Think Tank, certamente valem a pena conferir.

A banda é mais eficaz em uma trilogia de peças espiritualmente inclinadas: "Think Tank", "Africa" ​​e "Quatessence". De acordo com Martino, o CD se tornou uma espécie de tributo não intencional a John Coltrane, principalmente depois que Martino compôs a faixa-título usando um sistema matemático baseado nas letras do nome do saxofonista. Além de sua construção acadêmica, no entanto, é facilmente o destaque do disco, equilibrando os arpejos nervosos do guitarrista, o trabalho requintado de caixa de Nash e a contenção aquecida de Lovano para capturar efetivamente o espírito de seu tributo. Sua interpretação de "Africa" ​​de Coltrane também vale a pena mencionar, mesmo que seja apenas pela genialidade absoluta da execução de Rubalcaba (que, aliás, está em exibição ao longo do CD). O pianista se expõe como um acompanhante altamente hábil, seja reservando-se com uma economia espacial que é a antítese perfeita para as execuções volumosas de Martino, ou atingindo a combinação ideal de ritmo e harmonia para unir o solista e a seção rítmica.

 Lista de faixas:

1. The Phineas Trane 6:36
2. Think Tank 12:07
3. Dozen Down 7:54
4. Sun On My Hands 9:16
5. Africa 11:43
6. Quatessence 9:56
7. Before You Ask 6:51
8. Earthings 5:32

Pessoal:

Guitarra, Produtor, Arte por [Capa] – Pat Martino
Saxofone tenor – Joe Lovano
Baixo – Christian McBride
Bateria – Lewis Nash
Piano – Gonzalo Rubalcaba
Encarte – Bela Fleck*

MUSICA&SOM

Jimi Hendrix - 2002 "Blue Wild Angel" - Live at the Isle of Wight

 

Em 1970, Jimi Hendrix retornou ao país onde ele havia disparado para a fama e fez suas primeiras apresentações em quase dois anos quando foi a atração principal do festival Isle of Wight. Infelizmente, essa também seria sua última grande aparição pública: menos de três semanas depois, ele estaria morto. Compiladas daquela apresentação (também disponível na íntegra como um disco duplo de edição limitada), essas gravações revelam uma lenda da guitarra de bom humor, mas explorando incansavelmente as direções musicais mais amplas que ele tinha acabado de estabelecer nas sessões para o que se tornaria First Rays of the New Rising Sun (inicialmente lançado postumamente como The Cry of Love). Apoiado pelo baterista do Experience, Mitch Mitchell, e pelo baixista do Band of Gypsys, Billy Cox, Hendrix varia da cacofonia improvisada de "Machine Gun" e uma reformulação de seu treino de blues padrão "Red House" para interpretações de "Dolly Dagger", "Freedom" e "Hey Baby" que negociam com as influências mais rítmicas de R&B e jazz que ele diligentemente trabalhou em sua música. Às vezes irregular e forçando as limitações do formato de trio (Hendrix havia refletido publicamente sobre trabalhar com uma big band pouco antes de sua morte), é, no entanto, uma pista apaixonada e intrigante sobre as verdadeiras ambições e potencial de Hendrix além de seu hype e estrelato iniciais.

Blue Wild Angel: Live at the Isle of Wight é um álbum póstumo ao vivo de Jimi Hendrix lançado em 12 de novembro de 2002. O álbum documenta a última apresentação ao vivo de Hendrix no Reino Unido no Isle of Wight Festival em 31 de agosto de 1970, três semanas antes de sua morte. O set list do show continha músicas dos álbuns originais do Experience, bem como músicas novas. Algumas estavam disponíveis anteriormente em Isle of Wight (1971) e Live Isle of Wight '70 (1991). "Power to Love (Message of Love)", "Midnight Lightning" e "Foxy Lady" lançadas nos EUA no conjunto de três discos The First Great Rock Festivals of the 70s: Isle of Wight/Atlanta Pop Festival" lançado pela Columbia Records em 1971.

"Isle of Wight" é um dos últimos sets ao vivo gravados por Jimi Hendrix e é um vencedor! Houve alguma restauração de fitas de roadie para preencher alguns sons ruins, mas você nunca saberia. O All Music Guide criticou duramente esta apresentação (assim como o excelente set de Woodstock), mas não deixe que isso o desencoraje. Eu prefiro este set a "Band of Gypsies" e ele ainda inclui uma versão matadora de "Machine Gun" sem os gritos e berros de Buddy Miles. Ele não era sutil. Mitch Mitchell está de volta na bateria junto com Billy Cox no baixo (seu instrumento principal é o baixo, ao contrário do dublê Noel Redding). Todo o fogo e energia que todos nós amamos de Jimi e companhia estão em exibição aqui. O que mais o fã de Hendrix poderia querer?

Lista de faixas:

01 God Save The Queen     
02 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band     
03 Spanish Castle Magic     
04 All Along The Watchtower     
05 Machine Gun     
06 Lover Man     
07 Freedom     
08 Red House     
09 Dolly Dagger     
10 Hey Baby (New Rising Sun)    
11 In From The Storm     

Personnel:

Jimi Hendrix - Guitar
Billy Cox - Bass
Mitch Mitchel - Drums

David Garfield - 2018 "Jazz Outside The Box"

 

Bem conhecido como diretor musical de George Benson, o tecladista David Garfield persegue seu próprio sonho como artista solo. Seu álbum de estreia foi uma homenagem ao falecido baterista Jeff Pocaro Tribute to Jeff (1997).

Os próximos álbuns foram I Am The Cat...Man (1997), Music From Riding Bean (2001), Giving Back (2003), Seasons Of Change, The State of Things, Tribute To Jeff Revisited (2005). Seu mais novo projeto é Jazz Outside The Box (2018).

Garfield toca piano no novo álbum, Fender Rhodes e sintetizadores. Outros músicos são o trompetista Wallace Roney, o percussionista Poncho Sanchez e o baterista Steve Jordan. Os músicos convidados são Randy Brecker, Michael McDonald, Tom Scott, Eric Marienthal, Pete Christlieb, Bennie Maupin, Brian Auger, Will Lee, Airto Moreira, o Charlie Bisharat String Quartet, uma orquestra conduzida por John Clayton, os falecidos guitarristas Chuck Loeb e Larry Coryell, e John Densmore, que toca bateria e discursa em um segmento de palavra falada.

Sting escreveu com Fragile de seu álbum Nothing Like the Sun (1988) um ​​destaque emocional da história da música. Garfield cria com grande paixão para a estrutura afetiva do tema um arranjo que é um exemplo notável de musicalidade. Harvest Time evoca associações com a terra natal do Centro-Oeste com suas extensões infinitas.

In a Sentimental Mood, uma composição de jazz de Duke Ellington (1935), inspirou gerações de músicos. Garfield adiciona um pouco de sabor latino à sua versão que se deleita em um rico arranjo de metais com Walt Fowler no trompete na liderança. Garfield dá à música Roxanne do grupo Police um acabamento jazzístico.

Song for My Father do Horace Silver Quintet (1965), é reinterpretado por Garfield de uma forma sofisticada. John Densmore cita a letra original de Horace Silver. A linha de baixo foi usada por Steely Dan para a música Rikki Don't Lose That Number, Garfield cita Rikki em seu cover em homenagem e a mescla com motivos do The Doors e outros compositores. O

falecido tecladista Joe Sample (The Crusaders) escreveu Rainbow Seeker em 1978. Esta versão apresenta o falecido guitarrista Chuck Loeb e Steve Jordan na bateria. Oliver Nelson criou Stolen Moments para o álbum de 1960 Trane Whistle de Eddie "Lockjaw" Davis e o reproduziu em seu álbum The Blues and the Abstract Truth em 1961. Desde então, um padrão de jazz Garfield continua esta tradição do bebop.

Voodoo Gumbo/Citizen Coryell apresenta o guitarrista Larry Coryell, a quem Garfield dedicou esta música. A peça de jazz fusion East Lou Brew é inspirada por Miles Davis e apresenta Wallace Roney no trompete, Bennie Maupin no sax e Larry Coryell na guitarra.

Sophisticated Lady é um padrão de jazz, composto como instrumental em 1932 por Duke Ellington. Irving Mills escreveu mais tarde a letra, cujas palavras foram adicionadas à música por Mitchell Parish. Nesta interpretação, o vocalista Leslie Smith entrega com seu timbre um sentimento autêntico.

O baterista Billy Cobham escreveu Red Baron para seu álbum solo de estreia Spectrum em 1973. Um marco no gênero jazz fusion, certamente merece a revisita de Garfield apresentando uma banda de estrelas com Randy Brecker (trompete, flugelhorn), Brian Auger (órgão), Oz Noy e James Harrah (guitarras), Leland Sklar (baixo) e mais.

As visitas à missa de sábado da Operation Breadbasket inspiraram Joe Zawinul a escrever Country Preacher, que é explicitamente dedicado a Jesse Jackson. A partir disso, desenvolveu-se finalmente a ideia para o álbum de mesmo nome pelo Cannonball Adderley Quintet em 1969. Mike Finnigan se destaca no órgão e Eric Marienthal no sax nesta interpretação perfeitamente arranjada.

Prophecy é uma composição que David Garfield desenvolveu bastante conscientemente a melodia, mas também com o ímpeto de criar o máximo de espaço possível para solos expansivos. David não é o único a pegar suas teclas. Vinnie Colaiuta define acentos estimulantes em sua bateria. A estrutura árabe reconhecível em ritmo e estrutura melódica se intensifica em direção ao final da peça antes de subir no acorde final.

My Favorite Things é uma música de show do musical de Rodgers e Hammerstein de 1959, The Sound of Music. No mesmo filme de drama musical de 1965, o ator principal e cantor era Julie Andrews. Garfield mistura em sua versão orquestral e fortemente instrumentada elementos geniais de musical, jazz e latim para uma experiência musical inspiradora e duradoura.

A música final deste álbum é uma versão abreviada de Song for My Father. Versões alternativas de Red Baron e Harvest Time estão disponíveis para download. De acordo com relatos de fontes bem informadas, Garfield espera que este projeto seja expandido para uma trilogia com o álbum Jamming Outside the Box e o próximo álbum Vox Outside the Box. Se o poder criativo de Garfield permitir, Outside The Box pode até se tornar uma série contínua. Garfield já deu a entender isso no Facebook.

Jazz Outside The Box de David Garfield é, sem dúvida, digno de um Grammy. Performance musical, expressividade artística, arranjos sofisticados até o último detalhe, o conceito estilístico geral, uma compreensão superior das complexidades da melodia, para resumir em poucas palavras um projeto de referência da música contemporânea.

Pessoal:

    Baixo acústico – Carlitos Del Puerto
    Violão acústico – Diego Figueiredo
    Saxofone alto, flauta alto, saxofone soprano – Marty Ehrlich
    Vocais de apoio – Lisa Branly
    Baixo – Chuck Berghofer, Darryl Jones, Jimmy Earl, Jimmy Johnson (5), John Peña, Leland Sklar, Neil Stubenhaus
    Congas – Poncho Sanchez
    Bateria – Curt Bisquera, Jimmy Branly, Joe Porcaro, Steve Ferrone, Steve Jordan, Vincent Wilburn, Vinnie Colaiuta
    Bateria, Programação de bateria – Bennie Rogers III
    Bateria, voz – John Densmore
    Guitarra – Chuck Loeb, Dean Parks, Denny Dias, James Harrah, Larry Coryell, Marvin Home, Michael Landau, Michael Thompson, Oz Noy, Steve Sykes, Tony Pulizzi
    Teclados – David Garfield
    Órgão – Brian Auger, Mike Finnigan (2)
    Órgão, vocais – Bill Champlin
    Percussão – Airto Moreira, Joey De Leon, Jr., Kevin Ricard, Lenny Castro, Luis Conte, Richard Tokatz, Richie Gajate-Garcia
    Piano – Terry Trotter
    Saxofone – Eric Marienthal, Jim Stevens (7), Larry Klimas, Pete Christlieb, Steve Tavaglione, Tom Scott
    Saxofone, Clarinete baixo – Bennie Maupin
    Bateria de aço – Robert Greenidge
    Cordas – Charlie Bisharat
    Cordas [Arranjo] – John Clayton
    Tres – San Miguel Perez
    Trombone – Francisco Torres (3), Nick Lane
    Trompete – Chuck Findley, Dan Fornero, Wallace Roney, Wayne Bergeron
    Trompete, Flugelhorn – Randy Brecker,
    Vibrafone Walt Fowler – Emil Richards
    Violino – Dayren Santamaria
    Vocais – Bruce Hamada, Carmen Grillo, Leslie Smith, Michael McDonald, Robbie Wyckoff
    Vocais, Baixo – Jason Scheff, Will Lee

Lista de faixas:
 
01 Fragile (feat. Michael McDonald, Bruce Hamada e Diego Figueiredo) 5:40
02 Harvest Time (part. Eric Marienthal e Airto Moreira) [Acústico] 5:51
03 In a Sentimental Mood (part. Poncho Sanchez e Larry Klimas) 5:53
04 Roxanne (part. Robbie Wyckoff e Joe Porcaro) 4:25
05 Song for My Father (part. John Densmore, Denny Dias e Randy Brecker) [Duração completa] 7:13
06 Rainbow Seeker (part. Chuck Loeb e Steve Jordan) [Acústico] 5:47
07 Stolen Moments (part. Tom Scott e Joe Porcaro) 4:55
08 Voodoo Gumbo/Citizen Coryell (part. Larry Coryell e Airto Moreira) 2:24
09 East Lou Brew (part. Bennie Maupin, Wallace Roney e Larry Coryell) 5:46
10 Sophisticated Lady (part. Poncho Sanchez, Leslie Smith e Pete Christlieb) 6:16
11 Red Baron (part. Randy Brecker e Brian Auger) 4:08
12 Country Preacher (part. Eric Marienthal e Mike Finnigan) 4:59
13 Prophecy (part. Michael Landau e Vinnie Colaiuta) 4:33
14 My Favorite Things (part. Robert Greenidge e Terry Trotter) 5:33
15 Song for My Father (part. John Densmore, Denny Dias e Randy Brecker) [Versão de rádio] 4:41
16 Red Baron (part. Oz Noy e James Harrah) [Versão alternativa] 4:07
17 Harvest Time (part. Eric Marienthal e Airto Moreira) [Versão estendida] 6:52

MUSICA&SOM

A SILVER MT. ZION: HE HAS LEFT US ALONE BUT SHAFTS OF LIGHT SOMETIMES GRACE THE CORNER OF OUR ROOMS... (2000)

 

1) Broken Chords Can Sing A Little; 2) Sit In The Middle Of Three Galloping Dogs; 3)  Stumble Then Rise On Some Awkward Morning; 4) Movie (Never Made); 5) 13 Angels Standing Guard ʼround The Side Of Your Bed; 6) Long March Rocket Or Doomed Airliner; 7) Blown-Out Joy From Heavenʼs Mercied Hole; 8) For Wanda.

Veredito geral: GY!BE-lite para aqueles que não podem ou não querem pagar emocionalmente por uma sinfonia de mil — na verdade, uma alternativa bastante viável.

Nem todo mundo sabe que entre eles e seus vários amigos e parentes, o GY!BE teve aproximadamente quinze bilhões de projetos musicais paralelos acontecendo nos últimos vinte anos, em todos os tipos de configurações imagináveis ​​e inimagináveis. Muitos desses projetos existiram apenas para o propósito de poder lançar discos com títulos ainda maiores do que os do GY!BE regular, mas alguns realmente tinham agendas próprias, e seria irresponsável simplesmente ignorar tudo isso sem ouvir. No entanto, procurá-los um por um e revisá-los diligentemente levaria uma vida extra, então vou me concentrar em apenas alguns que foram indiscutivelmente mais importantes do que outros — aqueles envolvendo os pais fundadores da banda e representando variações artísticas significativas, ao mesmo tempo em que preservam a filosofia musical básica do próprio GY!BE. E aqueles que pelo menos têm páginas próprias na Wikipedia ou algo assim, porque eu realmente não tenho orgulho de cavar mais fundo do que todos os outros.

O primeiro, e sem dúvida o mais importante, desses projetos paralelos foi A Silver Mt. Zion, mais tarde conhecido como The (or Thee) Silver Mt. Zion Memorial Orchestra (mais ou menos Tra-La-La Band), já que era liderado pessoalmente por Efrim Menuck, e a primeira formação dessa nova banda consistia em Menuck, o baixista do GY!BE Thierry Amar e a violinista do GY!BE Sophie Trudeau, com apenas alguns músicos adicionais em um punhado de faixas. Menuck fundou a banda para que pudesse testar ideias que supostamente seriam inadequadas para o formato GY!BE — essencialmente, acredito, ele queria passar algum tempo trabalhando em um ambiente mais minimalista, de câmara, sem toda a monumentalidade dos crescentes proverbiais do GY!BE.

Ao mesmo tempo, até mesmo o título do primeiro álbum do Silver Mt. Zion é suficiente para entender que a vibração básica dessa música permaneceria relativamente inalterada. Se alguma coisa, está ainda mais próximo dos primórdios do GY!BE (ʽThe Dead Flag Bluesʼ, etc.) do que Lift Your Skinny Fists — mais daquela música pós-apocalíptica silenciosamente triste congelada em um mundo de poeira e cinzas não mais habitado, em vez das ondas musicais épicas de criar e destruir e criar novamente do GY!BE em seu pico orquestral. A pompa do título do álbum é levemente esvaziada ao saber que o disco foi dedicado por Menuck à memória de seu cachorro, recentemente falecido de câncer, mas apenas muito levemente — afinal, Dog is God, não é? Além disso, Menuck declarou que o disco deveria ter uma pegada especificamente judaica, o que, eu acho, deriva mais da vibração geral triste de "às margens dos rios da Babilônia" do que de elementos musicais específicos, mas eu não sou o melhor conhecedor de música religiosa judaica do mundo, e só posso jurar pela minha intuição que a música aqui lembra muito mais a Terceira de Górecki do que qualquer lamento judaico que eu já tenha ouvido. Não que isso realmente importe.

O disco em si é muito bom, embora não seja exatamente a obra-prima trágica devastadora como inicialmente sugerido por seus temas musicais. O próprio Menuck não toca muito violão nele; em vez disso, ele abraça o piano, e a maioria das faixas é essencialmente um diálogo entre sua execução modernista/minimalista de piano e as lamentações igualmente minimalistas de violino de Sophie Trudeau, às vezes acompanhadas pelo baixo esparso e jazzístico de Amar. Apenas uma faixa parece uma versão ligeiramente aliviada da vibração clássica de GY!BE — ʽSit In The Middle Of Three Galloping Dogsʼ, com Aidan Girt fornecendo reforços de bateria, é o mais próximo que eles chegam aqui de um verdadeiro crescendo de GY!BE, embora a maioria dos efeitos de crescendo sejam fornecidos apenas pelo próprio Girt e pelos complexos overdubs de violino de Sophie.

Julgar a qualidade das faixas individuais é difícil, e talvez devesse ser um trabalho melhor para aqueles com um grande interesse em música clássica contemporânea; minha vaga opinião é que a colaboração Menuck-Trudeau é competente e gera uma atmosfera séria genuína, mas a maioria das faixas acabam sendo bastante intercambiáveis, e o álbum inteiro funciona muito bem como um criador de clima em uma manhã cinzenta e deprimente, com chuva lenta e sem fim transformando o chão em mingau na frente da sua janela, mas não tão bem quanto uma coleção de faixas individualmente memoráveis ​​com temas musicais excepcionais. No mínimo, algo como aquele ritmo de violino oscilante balançando o barco em ``Sit In The Middle'' é mais como uma canção de ninar triste do que um alucinante do calibre de ``Storm'' ou ``Sleep'', se é que você me entende.

Duas faixas bem incomuns, no entanto, estão intercaladas no meio. ``Movie (Never Made)'' é um raro exemplo de um discurso lírico, proferido por Menuck em um fundo musical tranquilo de piano e baixo (sem violino dessa vez, ou teria abafado sua mensagem) — não é todo dia que você ouve o cara cantando, e talvez seja uma coisa boa, porque ele soa como um garoto indie genericamente superemotivo, mas ainda é interessante ouvi-lo proferir suas letras enigmáticas que vão de referências judaicas (dançar a horah no Monte Sião) a visões assustadoras de violência revolucionária ("vamos televisionar e transmitir o estupro de reis").

Essencialmente, ele ainda funciona apenas como uma introdução verbal à peça central do álbum, ʽ13 Angels Standing Guard ʼRound The Side Of Your Bedʼ — independentemente de você gostar ou odiar, é certamente a única faixa aqui que você não vai esquecer tão cedo. Construído em torno de uma faixa rítmica de samples vocais tratados, ele aumenta em intensidade com a adição gradual de overdubs de violino de Trudeau, mas o foco principal está sempre naqueles suspiros e gemidos tênues, com um «vocal principal» que sobe de tom de «angelês» para «esquilo» e, dependendo da sua perspectiva, parecerá ultra-celestial ou completamente ridículo, a melhor coisa sobre isso é que você pode mudar sua perspectiva a qualquer momento, como em uma ilusão de ótica. Acho que poderíamos definir tecnicamente o gênero da composição como «New Age», mas com ênfase particularmente forte em «New», porque ela causará estragos em seus tímpanos em vez de acalmá-los, como uma faixa New Age bem comportada de gente como Enya normalmente faria.

O resto do álbum não chega nem perto de ser tão experimental, porque, como eu já disse, a maioria desses truques você já experimentou nos primeiros discos do GY!BE. Ainda assim, sou um grande admirador do trabalho de violino de Sophie Trudeau como um todo, e o disco caiu muito bem para mim — eu certamente entendo o ponto de segregar uma «vibe mini-GY!BE» do pacote, e também aprecio que eles tenham se estabelecido em um tempo de execução relativamente breve (uma abordagem mais minimalista, afinal, requer uma presença mais minimalista no continuum espaço-tempo também) — 47 minutos é o tempo certo para gastar em um lamento cósmico solitário sobre o fim do mundo como o conhecemos. 

THE STROKES: FIRST IMPRESSIONS OF EARTH (2006)

 

1) You Only Live Once; 2) Juicebox; 3) Heart In A Cage; 4) Razorblade; 5) On The Other Side; 6) Vision Of Division; 7) Ask Me Anything; 8) Electricityscape; 9) Killing Lies; 10) Fear Of Sleep; 11) 15 Minutes; 12) Ize Of The World; 13) Evening Sun; 14) Red Light.

Veredito geral: É um pouco impressionante ver Julian e os meninos durarem mais de 50 minutos, mas onde está a maldita foto?

Suponho que a primeira coisa que passou pela cabeça de muitos fãs do Strokes quando viram o título deste álbum foi — «espera, os caras estão ficando psicodélicos ou algo assim? Isso parece um título do Eloy ou algo assim!» (aviso: reconheço plenamente que muitos fãs do Strokes provavelmente não sabem nada sobre Eloy, e que eles estão muito melhor assim). A segunda coisa, então, seria notar a duração do álbum — 52 minutos? Nossa, que merda chegando... o que exatamente aconteceu com aquele limite perfeito de 35 minutos?

Bem, deixe-me dizer uma coisa — se os Strokes tivessem se tornado todos progressivos e pretensiosos, poderia ter sido um desastre artístico, mas pelo menos teria transformado o álbum em um desastre glorioso, em vez de deixá-lo neste estado de depressão pantanosa. Na realidade, nada mudou muito, além do produtor da banda (David Kahne substituindo Gordon Raphael) e o fato de que os intervalos cada vez maiores entre as sessões de gravação deram a Julian mais oportunidades para compor, e agora temos 14 de suas músicas em vez das habituais 11–12. Infelizmente, cada uma dessas músicas ainda é cerca de 1–1½ minuto a mais do que deveria ser, porque os Strokes nunca se preocuparam em aprender a arte da expansão dinâmica: você aprende tudo o que há para aprender sobre cada uma das músicas em 30–60 segundos, e então é apenas repetição de ideias, muito poucas das quais merecem ser repetidas sem desenvolvimento.

O álbum foi anunciado com um pouco de engano: ʽJuiceboxʼ, o primeiro single, é mais rápido, mais firme e mais rock do que qualquer outra música aqui, começando com uma linha de baixo genuína no estilo ʽPeter Gunnʼ e rapidamente se transformando em um grito sujo no qual Julian repreende seu amante por não querer se juntar a ele para as delícias duvidosas da vida na cidade grande. É difícil resistir a uma cópia crocante de ʽPeter Gunnʼ, mas a música se torna um pop-punk bastante genérico em sua parte estridente da ponte "por que você não vem aqui?", e o refrão "você é tão frio, você é tão frio" falha em entregar uma vibração desesperada apropriada, seja musicalmente ou vocalmente.

O segundo single, ʽHeart In A Cageʼ, foi mais indicativo do pulso geral do álbum (mais lento, mais pop, mais sombrio) e mais musicalmente agradável em geral, talvez por causa das linhas de guitarra solo altas, grossas e glamurosas de Nick Valensi ecoando heróis do passado como Mick Ronson. Seu único problema é que, como tudo aqui, ele entrega cem por cento de seu impacto nos sessenta segundos iniciais — há uma seção de ponte para aliviar a tensão na qual Casablancas adota uma abordagem suave como a de Ray Davies, mas não se encaixa muito bem com o resto da música e sua melodia não leva a lugar nenhum. Como Casablancas confessa a si mesmo no verso de abertura da música, "Eu não escrevo melhor quando estou preso no chão", e há alguns momentos neste álbum em que ele quase literalmente está preso no chão.

O estilo de produção monolítico e a devoção nobre, mas às vezes cansativa, da banda aos mesmos tons vocais e instrumentais realmente tornam muito difícil distinguir entre composições respeitáveis ​​e preguiçosas quando você tem 50 minutos dessa merda. ʽRazorbladeʼ me parece um bom exemplo do primeiro, com seu ritmo incomum de 5/4 e diálogo entre uma guitarra base folk, college-rock, densamente dedilhada e uma guitarra elétrica altamente melódica — mas a produção meio que corrói essas duas partes, abafando-as e tornando-as secundárias ao sotaque nasal pós-punk de Julian. Por outro lado, ʽVision Of Divisionʼ é uma bagunça confusa de tudo — eu sei que reclamei da falta de dinâmica, e essa música tem bastante, mas quando você começa todo sujo como o Nirvana e depois segue com uma guitarra solo estilo AC/DC ʽThundrestruckʼ, é simplesmente... incoerente.

Talvez o pior de tudo seja que, ao longo de três álbuns, Julian Casablancas ainda não conseguiu me convencer de que eu realmente deveria me importar com ele, seus problemas com garotas ou suas dificuldades em lidar com o complicado estilo de vida urbano com o qual ele tem esse relacionamento de amor e ódio. Conforme o álbum começa sua longa caminhada em direção à linha de chegada, ele parece se tornar cada vez mais pessoal, com músicas superficialmente cheias de pânico como ʽFear Of Sleepʼ convidando você a se identificar com suas preocupações — mas a melodia não me oferece nada além de uma bagunça confusa de guitarra distorcida e ruído vocal, e eu não sinto nenhum pânico real por trás da bagunça. Talvez seja por causa dessa produção higienizada: fico pensando em como, digamos, o Birthday Party teria gravado essa música no início dos anos oitenta, e contra essas memórias os Strokes não têm chance. Basicamente, quanto mais profundo e psicológico Casablancas quer ir, menos ele está sujeito a causar uma impressão real.

Adicione uma conclusão realmente insatisfatória — o álbum que encerra ʽRed Lightʼ soa como um pop-rocker monótono levemente passável que deveria ter legitimamente ocupado uma posição de preenchimento no meio — e não é fácil entender por que First Impressions Of Earth não causou muita impressão na maioria dos críticos do Earth. Não é um álbum ruim : é um álbum que tenta arduamente transcender as limitações inerentes dos artistas, como um grande corredor de 100 jardas apostando em uma corrida de 200 jardas apesar do conselho sábio do médico. Corte metade das músicas, reduza a outra metade, invista um pouco mais nos arranjos, desinfecte um pouco a produção, substitua as letras irritantes por coisas simples de garotos que amam garotas, e você tem aqui o potencial para um excelente EP pop-rock moderno. Do jeito que está — outra cidade de preenchimento para um século já sufocado por preenchimentos.