Zeyn´el – Divan & Divine (2023)

 

Divan & Divine surge de uma seleção de poemas de trovadores da Anatólia dos séculos XIV a XVI sobre injustiça histórica, bem como composições do próprio Zeyn'el que refletem temas semelhantes. O resultado: uma síntese de tons ocidentais e motivos turco-anatólios que comunicam questões de grande importância ética que abordam e traduzem os preconceitos dos quais muitas pessoas sofrem hoje.
As mensagens profundas descobertas nas canções folclóricas turcas da infância de Zeyn'el Günbek serviram de guia e inspiração para este cantor e compositor folk indie turco. Cativado pela ideia de uma consciência universal enterrada profundamente nessas canções, ele estudou Filosofia na universidade e agora está fazendo doutorado em Musicologia na Universidade Técnica de Istambul. Ciente de que a música pode ser usada para transmitir princípios éticos tão eficazmente hoje quanto no passado, ele decidiu levar para o estúdio tanto seu talento musical quanto a sabedoria de sua educação alevita-turcomana.
Nos últimos doze anos, Zeyn'el trabalhou como engenheiro de som na comunidade de rock turca. Ele é versátil com muitos instrumentos, incluindo o ukulele, o banjo, o dulcimer e o violão; Ele adicionou trastes extras ao seu Merlin para melhor se adequar à música da Anatólia e também adaptou sua própria afinação para o ukulele e o banjo.
A palavra turca "divã" tem origem no Conselho de Estado Oriental (tribunal de justiça) de 1586 e seu nome significa "registro de contas" ou "conjunto de folhas escritas, pequeno livro". Em árabe, evoluiu para "câmara do conselho" e, eventualmente, passou a se referir aos assentos longos e acolchoados, frequentemente encontrados ao longo das paredes das câmaras do conselho do Oriente Médio. A expressão "divino" do século XIV se refere à "natureza de, ou procedente de, Deus (ou um deus)" e se origina do latim "dīvīnus" (de um deus). A expressão do século XVII "direito divino" é baseada na ideia de "ordenança de Deus".
A Anatólia, região onde fica a Turquia moderna, abriga vários grupos étnicos e religiosos desde a época de Göbekli Tepe, e essa diversidade continua a desempenhar um papel importante no desenvolvimento da Turquia moderna. A maioria da população turca segue crenças islâmicas; No entanto, uma proporção crescente de cidadãos turcos progressistas agora se identifica como deísta, agnóstico ou até mesmo ateu. O alevismo representa aproximadamente 15 a 25% da população; No entanto, devido às suas origens nômades, eles são frequentemente considerados "párias" e têm negados direitos humanos iguais, embora sua fé esteja enraizada em valores islâmicos. Os turcomanos, que gradualmente se tornaram muçulmanos ou tiveram que escolher o islamismo devido à autoridade dos omíadas, trouxeram uma nova interpretação do islamismo para a região de Khorasan, e foi esse sistema de crenças híbrido, nascido da coerção, que forma a base do alevismo atual.
Os maus-tratos e a exclusão dos alevitas na Anatólia têm sido uma questão de injustiça desde os tempos antigos. No passado, menestréis como Pir Sultan Abdal e Seyid Imadeddin Nesimi (dois dos "Sete Grandes Ozans", poetas e cantores renomados que representaram a literatura alevita entre os séculos XIV e XVI), ambos conhecidos por clamar por justiça, foram brutalmente assassinados pelos governantes de sua época.

As músicas e a arte do álbum são inspiradas em poemas de trovadores desse período, como Pir Sultan Abdal e Seyid Imadeddin Nesimi, além de outros, como o governante justo Shah Hatayi (Ismail I). Eles abordam como a verdadeira justiça só pode ser aplicada de forma imparcial e sem preconceito, um conceito que passou a ser universalmente representado pela imagem de uma venda nos olhos.
Zeyn'el então nos atualiza com suas próprias composições, nas quais ele reflete sobre questões relevantes que ainda estão presentes no mundo de hoje: violência injusta contra mulheres e comunidades LGBTQIA+, abuso infantil, jornalistas presos por sua "liberdade de expressão" e músicos marginalizados pelo cancelamento de shows.
Sempre um explorador, o interesse inato de Zeyn'el pelo mundo o levou a descobrir novos sons da América, Ásia Central e Oriente Médio, além da oportunidade de refletir sobre injustiças semelhantes ao longo da história dessas regiões. Temas de sua herança repercutem em muitas culturas ao redor do mundo.
Com uma inspiração tão diversa, talvez não seja surpresa que Zeyn'el produza um som único. Combinando suas habilidades musicais, aprendizados filosóficos e mensagens transmitidas pelo passado, Zeyn'el cria uma mistura ousada do antigo e do novo. Uma combinação cativante de influências ocidentais e tradição turco-anatólia que destaca questões de grande importância ética.
Se realmente entendermos as palavras profundas e antigas do passado, poderemos oferecer um futuro melhor para todos. Um lembrete de que a verdade, o amor e a gentileza são as armas da justiça. Uma justiça que é divina.

Lista de faixas 

01. Ela Gözlü Pirim Geldi (My Hazel-Eyed Pir Has Come)
02. Benden Selam Olsun Bolu Beyi'ne (I Salute the Bolu Bey)
03. Pazarlık Mı Olur (No Bargain)
04. Dünyanin Üzerinde (On Top of the World)
05. Ben de Şu Dünyaya Geldim Sakinim (I Came to This World to Dwell)
06. Şu Kanlı Zalimin Ettiği İşler (What This Bloody Tyrant Has Done)
07. Ne Feryad Edersin (Why Do You Cry?)
08. Nesini Söyleyim (What Should I Say?)
09. Sevmedi Beni Sevmeyi (He Didn't Love to Love Me)
10. Epilogue - Story of Divan

Bargou 08 – Targ (2017)

 

A música é uma forma de arte que é passada de geração para geração. No Vale Bargou, no noroeste da Tunísia, a música e as tradições culturais estão à beira do esquecimento. Mas graças ao Bargou 08 , liderado por Nidhal Yahyaoui , a cultura deste lugar foi preservada para sempre.
Nidhal Yahyaoui começou a coletar canções do vale há mais de dez anos. Ouvindo os anciãos e mulheres locais cantando, ele aprendeu todas as variações das canções. Sua paixão pela música o levou a formar o Bargou 08, uma banda que funde o passado e o presente da música do vale.
Junto com a produtora e tecladista Sofyann Ben Youssef , amigos de infância, eles formaram um coletivo de músicos locais e europeus que passaram três semanas tocando na casa da família Yahyaoui, na vila de Bargou. Eles trabalharam no material, moldando um som que aproveitasse o poder da tradição e o conectasse a algo que os jovens entenderiam.

As músicas do Bargou 08 são cantadas no dialeto Targ, que é uma mistura de berbere e árabe. Muitas dessas canções têm mais de trezentos anos e foram selecionadas por seu significado cultural no vale. Mas o mais significativo são as próprias canções e a visão que elas oferecem da vida no vale de Bargou ao longo do tempo.
O canto de Yahyaoui, seja sobre o amor ou sobre o senso de diferença e isolamento que caracteriza o povo Bargou, captura cada fio de emoção nas canções, tornando-as tão reais e concretas que poderiam ter sido escritas ontem.
"Não escolhemos o material do Targ ", diz Ben Youssef. "As músicas nos escolheram. O lugar fez a seleção para nós. Eles trouxeram tudo à vida. Mamchout, por exemplo, é um homem descrevendo sua amante e dizendo que seu cabelo é como as penas de uma águia, tão escuro. As palavras falam de como eles falam um com o outro, como eles se beijam e fazem amor, mas tudo expresso de uma forma que obedece ao tabu da época. É a história em suas mãos . "
Bargou 08 conseguiu criar um som único que combina instrumentos tradicionais como loutar, gasba e zokra com sintetizadores e bateria. Com Targ , o Bargou 08 levou sua música ao redor do mundo (incluindo festivais na Dinamarca e na Malásia), provando que é possível preservar a herança cultural de um lugar através da música.

Pessoal :
Lassaed Bougalmi – gasba, zokra (instrumentos tradicionais de palheta)
Imed Rezgui – bendir (percussão)
Nidhal Yahyaoui – vocais, wtar (instrumento semelhante ao oud)
Sofyan Ben Youssef – sintetizador, diretor musical
Benjamin Chaval – bateria

 Lista de faixas 

01. Chech El Khater
02. Mamchout
03. Le Min Ijina
04. Roddih
05. Sisi El Kadhi
06. Tarjaachi Layem
07. Wazzaa
08. Hezzi Haremek
09. Dek Biya

Cimarrón – La Recia (2022)

 

Três anos depois do célebre Orinoco (2019), a banda joropo Cimarrón retorna com La Recia (2022), um álbum que é um manifesto absoluto dos fundamentos da música tradicional de sua terra, assim como dessa transmissão cultural que existe entre a música afrodescendente, as canções de ida e volta entre Espanha e América Latina e as raízes indígenas.
Cimarrón é um dos grupos mais importantes das planícies colombianas e da região da Orinoquía, liderado há mais de duas décadas por Ana Veydó (pioneira na Colômbia do canto recifal feminino): um projeto que sempre manteve em sua identidade musical o folclore das planícies que aprenderam desde que se lembram, mas que também serviu de porta-voz para revolucionar os fundamentos do folclore.
Veydó destaca que "Este álbum nasceu para questionar a ideia de mestiçagem como um encontro feliz de pessoas, culturas e sons, porque essa suposta dança colorida é o que está sendo usado para fazer negócios com o folclore pelas grandes gravadoras e uma história de dor e perda está sendo ignorada. Como artistas regionais, o que nos resta é mostrar honestamente as transferências espirituais que marcaram nossa música . "

La Recia , cujo nome tem a ver com essa imposição social atribuída às mulheres das planícies para demonstrar sua força, dialoga diretamente com esse discurso que Veydó e seus companheiros traçam neste novo cancioneiro. Com canções que recuperam antigos romances passados ​​pelo filtro da música amazônica ("Velorio"), gêneros simples como o numerao ("Agüita Fresca") ou o cunavichero ("Recia como el Orinoco", que canta a força das mulheres das comunidades da Orinoquia) ou clássicos universais ("El Gavilán"). Eles também se permitem licenças instrumentais que os aproximam ainda mais do jazz-swing ("Cimarroneando" ou "Parranda Quitapesares con Zapateo") ou de priorizar o som folclórico da harpa ("Cuco en el Arpa").
Com seus desafiadores e coloridos cocares, Ana Veydó, voz e líder da banda Cimarrón, experimenta e incorpora componentes indígenas e novos instrumentos ao joropo, o gênero musical e de dança tradicional da Colômbia e da Venezuela, com raízes no fandango e nos cantos da música árabe. E o trabalho de pés se torna parte da percussão. Entrar no espaço masculino da música llanera tem sido um grande desafio para esta cantora que prefere não falar de uma mulher llanera, mas sim de uma mulher da Orinoquia.

Lista de faixas 

01. Velorio
02. Cimarroneando
03. Agüita fresca
04. Recia como el Orinoco
05. Del Viento
06. El Gavilán
07. Cuco en el Arpa
08. Pajarillo de la Noche
09. Parranda Quitapesares con Zapateo

Classificando todos os álbuns de estúdio de Stevie Ray Vaughn

Quando se trata de blues rock, um nome sempre se destaca dos demais: Stevie Ray Vaughn . O tipo de influência que Vaughan teve em seu gênero é incomparável. Sua carreira mainstream durou apenas sete anos, mas sua música impactou e inspirou muitos artistas que vieram depois dele. Vaughan faleceu em um acidente de helicóptero em 1990, quando tinha apenas 35 anos. Ele é considerado até hoje um dos maiores guitarristas de todos os tempos. Vaughan foi até mesmo introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll postumamente. O famoso músico lançou 6 álbuns de estúdio durante sua carreira, e aqui nós os classificamos todos do pior ao melhor.

6. Family Style (1990) 235

Vaughan sempre admirou seu irmão Jimmy. Na verdade, foi Jimmy que inspirou Stevie Ray, de 7 anos, a pegar o violão e aprender a tocar. Décadas depois, os irmãos finalmente se uniram para criar um álbum, Family Style. O álbum cai como o menos favorito dos 6, principalmente por causa de seu estilo de produção. A guitarra de Vaughan ainda consegue brilhar aqui em muitas ocasiões, mas não é o tipo de álbum de blues que muitos fãs esperavam. Há um groove otimista em todo o álbum que é bem incomum para Vaughan, especialmente se ele estivesse tocando com sua banda Double Trouble. Ainda assim, Family Style é uma boa audição. Músicas como Good Texan e Hillbillies from Outer Space têm uma abordagem divertida de honky-tonk. Mas Brothers tem que ser o nosso favorito. Não é apenas conduzido pela guitarra de blues; é também apenas uma troca instrumental entre os dois irmãos, provavelmente apenas fazendo o que amavam fazer juntos.

5. The Sky is Crying (1991)

A música de introdução de The Sky is Crying é basicamente a melhor explicação para todo o álbum. A energia está nas alturas nesta, e a guitarra é simplesmente surpreendente. Infelizmente, este álbum foi lançado postumamente, então ouvi-lo é agridoce. The Sky is Crying é o último álbum que teríamos deste gênio do blues. O céu definitivamente chorou, especialmente na faixa-título. Além disso, no entanto, muitas das músicas do álbum pareciam inacabadas porque, em essência, elas estavam. Se Vaughan ainda estivesse vivo durante esse tempo, este álbum provavelmente soaria completamente diferente — um pouco mais coeso. Mas ainda o mantemos como o tesouro que é, porque é uma memória agridoce do talento que o mundo perdeu.

4. Soul to Soul (1985)

Todos esses wah wahs e não nos cansamos. Stevie Ray Vaughan definitivamente sabia como fazer a guitarra cantar. E chorar. E fazer todo tipo de outras coisas. Sendo seu terceiro álbum de estúdio, Soul to Soul foi composto de muitos movimentos ousados. Por um lado, a incrível abertura, Say What!, foi puramente instrumental. Talvez Vaughan realmente não precisasse cantar porque essa faixa ofuscou muitas no álbum, mas faixas como Ain't Gone'n' Give Up On Love rapidamente provam que essa teoria está errada. Ele soa tão proficiente e magistral nesta faixa. Isso faz com que todo o álbum valha o esforço de audição.

3. Texas Flood (1983) 910

Texas Flood foi o primeiro álbum de estúdio de Stevie Ray Vaughan, e continua sendo um dos seus melhores. Texas Flood não só realmente mostrou seu talento como guitarrista e cantor de blues ; este álbum também mostrou a habilidade de Vaughan de compor blues. Muitos artistas de blues naquela época e até hoje refazem faixas tradicionais de blues. Vaughan, no entanto, tem a incrível habilidade de compor hits de blues. Ele compôs metade das músicas deste álbum, e essa metade é provavelmente a melhor. A faixa de abertura Love Struck Baby é um excelente exemplo de sua habilidade de composição e composição. Pride and Joy e Rude Mood são algumas das nossas favoritas do álbum também. Basta ouvi-lo tocar em Rude Mood. Ele é incrivelmente rude naquela guitarra, e não podemos deixar de amá-la.

2. Couldn’t Stand the Weather (1984)

Guitarras matadoras e solos intrincados. Vaughan e sua banda lançaram este álbum com algo em mente para provar — o sucesso de sua estreia não foi um acaso. Esses caras sabiam o que estavam fazendo. A curta abertura instrumental, Scuttle Buttin', foi prova suficiente disso. Couldn't Stand the Weather é um álbum de blues rock and roll robusto que continua sendo um dos melhores álbuns de blues que saíram daquela época. The Things That I Used to Do é uma música impressionante, assim como todos os covers que Vaughan dedicou aqui. Há Voodoo Child de Hendrix, Cold Shot de Kendrid e Tin Pan Alley de Geddins, que Vaughan elaborou em um tributo de 9 minutos. Couldn't Stand the Weather é um verdadeiro clássico do blues. Nenhuma playlist deve ficar sem ele.

1. In Step (1989)

Há algo interessante sobre In Step que o torna diferente do resto do álbum. Este é o último álbum em que Vaughan trabalhou na íntegra enquanto ainda estava vivo. O próximo álbum que ele lançou foi com seu irmão, e o que se seguiu foi lançado postumamente. In Step tinha um som mais modernizado que não pode ser encontrado em seus álbuns anteriores. É possível que Vaughan estivesse em sua era de transformação. Sentimos falta de um pouco do antigo neste, mas podemos definitivamente apreciar os novos sons que ouvimos. In Step também é possivelmente um dos melhores trabalhos vocais de Vaughan. Ele está expandindo seu alcance aqui, como em Crossfire, e soa como o paraíso para nossos ouvidos. Tightrope é uma obra-prima legal, enquanto Leave My Little Girl Alone é simplesmente de partir o coração. É apenas um ótimo trabalho de um mestre em seu ofício. 

Classificando os 10 melhores álbuns dos Van Halen

 

Antes do Van Halen explodir na cena com seu álbum de estreia autointitulado, o punk e a discoteca dominavam o poleiro. O rock estava morto... ou assim todos pensavam. Acontece que ele estava apenas tirando um cochilo. "Estamos na década de 1980!", declarou o cantor David Lee Roth. "E este é o novo som — é hiper, é energia, é urgente."

Ele estava errado sobre a década (era 1978), mas certo sobre a música. Nos anos seguintes, eles começaram a revolucionar o rock. O Van Halen era grande, ousado e impetuoso, assim como sua música. Também era épico. As coisas podem nunca mais ter sido as mesmas depois que Roth saiu em 1985, mas suas últimas páginas estão abarrotadas de dinamite suficiente para garantir seu legado. Estes são os 10 melhores álbuns do Van Halen, classificados.

10. A Different Kind of Truth

Quase 30 anos após sua saída, David Lee Roth retornou ao Van Halen para A Different Kind of Truth. O resultado, um conjunto pesado de guitarras consistindo principalmente de demos retrabalhadas dos anos 70, não é de forma alguma impecável (com um tempo de execução de 50 minutos, é muito longo para começar), mas se você puder ignorar o preenchimento, há suspense suficiente para você passar. Os fãs claramente pensaram assim, lambendo cópias suficientes para levá-lo ao número 2 na Billboard 200 dos EUA.

9. For Unlawful Carnal Knowledge

Como diz ultimateclassicrock.com , os anos 1990 não foram gentis com o Van Halen. Para ser justo, o Van Halen não foi gentil com os anos 1990. Pois Unlawful Carnal Knowledge não é "ruim" por si só, mas também não é ótimo. Além do Right Now, pesado no piano, é uma peça direta e pesada na guitarra de mediocridade que faz você fazer a única coisa que você nunca pensou que faria: sentir saudades dos anos 80.

8. OU812

Lançado apenas alguns meses após sua primeira turnê com Sammy Hagar , OU812 é um caso misto. É competente o suficiente, e não há como negar que serve como uma boa vitrine para os talentos instrumentais da banda, mas falta a espontaneidade da era Dave Lee Roth.

O que antes era fácil agora parece forçado. É muito complicado, muito estudado... basicamente, não é divertido. Ele se arrasta em vez de balançar, levando o jornalista canadense Martin Popoff a dizer que "a alma filosófica e o calor" do Van Halen "evaporaram quando David Lee Roth o empacotou". Ele pode ter tido razão. Ainda assim, não é um fracasso completo, com o country funk de Finish What Ya Started se destacando em particular.

7. 5150

Como Louder Sound escreve , quando Diamond Dave deixou o Van Halen, muitos fãs pensaram que o jogo tinha acabado. Eddie Van Halen não. Perdemos um vocalista”, ele disse, “mas ganhamos um cantor”. O cantor em questão era o ex-vocalista do Montrose, Sammy Hagar. Com Hagar a bordo, a banda continuou seu ataque nas paradas com vigor renovado. 5150, o primeiro álbum de Hager, deu a eles seu primeiro No. 1 nos EUA.

Impulsionado por singles amigáveis ​​ao rádio e com teclado pesado como Why Can't This Be Love, Dreams e Love Walks In, era brilhante e reluzente e inquestionavelmente comercial, mas faltava uma certa faísca. Hager pode ter sido o melhor cantor, mas isso não tornou a ausência de Roth menos perceptível.

6. Diver Down

Diver Down não é de forma alguma perfeito, mas não merece tantas críticas quanto recebe. Claro, é um trabalho apressado sem entusiasmo com mais enchimento do que suspense, mas entre as muitas, muitas músicas cover há momentos clássicos o suficiente para redimi-lo. A execução de Eddie em Little Guitars e Intruder/Oh, Pretty Woman é diabolicamente boa. Secrets, enquanto isso, é possivelmente a coisa mais doce que a banda já gravou. A coisa toda pode cheirar a obrigação contratual, mas ainda é uma explosão.

5. Fair Warning

Como StarTribune escreve , Fair warning pode ter produzido apenas um hit de rádio (Unchained), mas é o mais gutural e visceral de todos os seus álbuns. Por todos os relatos, Eddie assumiu o controle criativo, com o resultado de que o estilo mais pop de Roth foi deixado de lado e o gosto de Eddie por material mais sombrio e complexo assumiu o centro das atenções. Era muito sombrio, muito estranho e muito desagradável para ser um sucesso comercial, mas, apesar de toda a bizarrice de faixas como Dirty Movies e One Foot Out the Door, ainda chia.

4. Women and Children First

O Van Halen pode ter decaído para roqueiros corporativos cínicos em seus últimos anos, mas em 1980, eles ainda estavam focados em ser tão barulhentos, estridentes e francamente perturbadores quanto possível. Women and Children First seria ameaçador, mas a banda está claramente se divertindo demais para soar como algo além de uma grande festa.

Musicalmente, é um passo à frente, com a banda se estendendo além dos padrões de clube de seus primeiros dias e tendo algumas aventuras sonoras no estúdio. Os destaques incluem o piano elétrico And the Cradle Will Rock e o hard-rocking Tora! Tora!

3. Van Halen II

Os álbuns do segundo ano são complicados... ou assim nos dizem todas as bandas. Mas não o Van Halen, que conseguiu evitar o trauma do "difícil segundo álbum" simplesmente fazendo seu primeiro álbum novamente, embora com material um pouco mais fraco e mais vigoroso do que o Jagger. Cheio de energia, é o mais próximo da perfeição do pop-metal que se pode chegar.

2. 1984

Na época em que o último dos álbuns definitivos da era Roth foi lançado, o Van Halen já era grande. Mas foi isso que os tornou enormes. Lançado em janeiro de 1984, 1984 foi uma sensação, dando à banda seu primeiro gostinho do sucesso no Reino Unido com seu single principal Jump (que também ganhou uma indicação ao Grammy) e foi cinco vezes platina no ano.

Logo após encerrar a turnê de apoio, Roth anunciou sua saída. A perda de Diamond Dave não matou a banda, mas eles nunca mais soariam tão épicos.

1. Van Halen

O Van Halen nunca superou sua estreia. Isso não é um reflexo deles, é um reflexo do álbum, um vendedor de 10 milhões que anunciou os anos 80 dois anos antes de qualquer outra pessoa e estabeleceu o padrão para o hard rock para sempre. É curto e vigoroso, sem um único segundo de fluff ou filler em toda a coisa. Poucas bandas já explodiram na cena com tanto estrondo, e poucas o fariam novamente.