Yes Going For The One

 

Quer a pausa autoimposta tenha feito algum bem a eles ou não, o Yes estava de volta após um hiato de quase três anos em um clima musical que tinha pouca paciência para o prog. Eles fizeram um kickstart, primeiro expulsando Patrick Moraz para trazer Rick Wakeman de volta, e fugiram para a Suíça como bons exilados fiscais para gravar lá sem Eddy Offord. Assim que Going For The One apareceu nas lojas, os fãs provavelmente ficariam chocados ao descobrir que Roger Dean não fez a elaborada capa tríptica, suas paisagens de ficção científica substituídas por arranha-céus cortesia da Hipgnosis. (A fonte Gill Sans contrasta com seu logotipo.)

A música também era um pouco diferente. Após uma contagem audível, a faixa-título simplesmente arrasa, com muito slide guitar, mas Jon Anderson e teclados o suficiente para mantê-la soando como Yes. Às vezes, suas palavras passam rápido demais para serem discernidas, mas ouça com atenção e você ouvirá um senso de humor sobre si mesmo no terceiro verso. O tempo todo, Steve Howe enlouquece no slide. “Turn Of The Century” é mais como as pessoas esperariam, Jon cantando letras místicas melancólicas sobre violões acústicos em camadas. Um solo de piano ameaça levar toda a banda a engrenar, mas isso não acontece, e simplesmente desaparece. Então “Parallels” arrasa quase tão forte quanto a faixa-título, mesmo com o proeminente órgão da igreja, e podemos ouvir Chris Squire soltando o seu enquanto canta (sendo este um resquício de seu próprio álbum solo). A maior parte disso é em quatro-quatro, mas no final os sotaques de todos — especialmente os solos constantes de Steve — estão competindo com o medidor ocupado de Alan White.

Ouvimos toques Beatlesque no verso de “Wonderous Stories”, um hino alegre nos moldes de “And You And I” e “Your Move” . É até curto o suficiente para ser um single de sucesso. Mas só para o caso de você pensar que eles tinham esquecido suas raízes, “Awaken” dura 15 minutos, quase como se para provar que eles ainda podiam fazer épicos complexos. Começa com uma parte grandiosa de piano Wakeman, então Jon entra antes que o resto da banda apareça em outro ritmo rápido (para eles). Se alguma coisa, a banda soa um pouco como o recente Zeppelin . Aquele órgão da igreja retorna na seção intermediária, não tão grandioso quanto em “Parallels”, mas aumentado pela nova harpa de Jon e até mesmo dois coros reais (em oposição às vozes de um Mellotron) enquanto a banda preenche o espaço. E quando você pensa que tudo está terminando em um acorde maior grandioso, Jon volta para uma coda que achamos que se assemelha ao Genesis pós-Gabriel .

Então, embora tivesse todos os motivos para ser horrível, Going For The One não é, visto que contribui com dois standbys de rádio Classic Rock e usa os pontos fortes de todos sem ser uma repetição. Na verdade, a única coisa realmente errada com o álbum é o bigode de Alan White. (O eventual CD expandido estava lotado, com três outtakes interessantes, embora lançados anteriormente, além de ensaios estendidos de quatro faixas do álbum, incluindo uma tomada elétrica de “Turn Of The Century”.)

Tears For Fears The Tipping Point

 

Considerando o tempo que eles geralmente levavam para fazer seus álbuns, mesmo quando eram mais relevantes, ninguém esperava muito do Tears For Fears, especialmente considerando o quão pequeno foi o impacto que sua primeira reunião causou. Mas eles conseguiram se manter na mente do público por meio de turnês e reembalagens expandidas de luxo de seus álbuns dos anos 80; enquanto isso, Curt Smith lançou mais dois álbuns solo. Mesmo quando falavam em escrever novo material, as pessoas não cancelavam os planos de jantar. E, francamente, "I Love You But I'm Lost", uma das duas novas músicas adicionadas à compilação Rule The World de 2017 , era principalmente atraente para os nostálgicos obstinados e fãs do Pet Shop Boys. (A outra era "Stay", e será discutida em breve.)

No entanto, quando The Tipping Point finalmente apareceu após ainda mais atrasos, a mídia o recebeu como um presente, com os garotos fazendo as rondas dos talk shows, falando abertamente sobre suas próprias dificuldades profissionais e tribulações pessoais. Curt parecia tão esculpido como sempre, enquanto Roland Orzabal abraçou sua própria juba e barba prateadas. Envelhecimento e mortalidade foram os principais tópicos entre as músicas, muitas das quais eram colaborações com Charlton Pettus, que produziu o último álbum, e o compositor de sucesso Sacha Skarbek.

O simples dedilhar acústico de “No Small Thing” é a prova imediata de que eles evoluíram. Uma menção ao Novo México sugere uma influência do sul da fronteira, mas outro ritmo entra para levá-lo a outro lugar completamente, escalando em direção a um fim frenético e repentino. A faixa-título facilita seu caminho até atingir o ritmo com uma faixa de bateria que soa exatamente como se tivesse sido retirada de “Everybody Wants To Rule The World” , onde fica muito ocupada e não diminui. É fácil ler a letra de “Long, Long, Long Time”, mas os medidores em mudança mantêm você adivinhando enquanto isso. “Break The Man” foi escrita por Curt e Pettus — sem Roland — e é pop direto sem muita decoração, em contraste com “My Demons”, uma letra excelente amarrada a uma mixagem robótica.

“Rivers Of Mercy” é muito mais suave do que qualquer coisa que já ouvimos, com toques gospel abordando a turbulência mundial de 2020. “Please Be Happy” é única em seu catálogo, pois aborda a dor e o sofrimento de outra pessoa, em oposição aos seus próprios ou ao do mundo em geral. Com metais e toques orquestrais sutis, é muito adorável. Quando “Master Plan” chega com suas referências abertas aos Beatles, é bem-vindo e configura bem a alma cativante e rouca de “End Of Night”. Finalmente, “Stay” soa maravilhosa no contexto do álbum, mais do que como uma cenoura em uma coleção de sucessos. A outra música escrita apenas por Curt com Pettus, foi diretamente inspirada por suas próprias dúvidas sobre continuar com a banda e coroa bem um segundo lado forte.

Embora ainda tenhamos uma queda por álbuns anteriores, The Tipping Point faz sucesso com sua amplitude de estilo. Manter-se longe dos manuais dos Beatles e Brian Wilson certamente ajudou, assim como mantê-lo em um tamanho de LP administrável.

Claro, como se tornou uma tendência irritante entre artistas “legacy”, o álbum foi lançado por varejistas em diferentes territórios com faixas bônus exclusivas, com todas incluídas em uma edição deluxe muito limitada. “Secret Location” é um alívio para aqueles que querem dançar: “Let It All Evolve” é mais tensa, baseada em acordes acústicos e um drone, mas com um refrão decente; “Shame (Cry Heaven)” tem um adorável começo de piano austero, mas logo desvia para uma alma plástica e uma mudança de andamento mal aconselhada. Elas são meramente extras.

Em 10/03/1997: Bee Gees lança no Reino Unido o álbum Still Waters

Em 10/03/1997: Bee Gees lança no Reino Unido o álbum Still Waters.

Still Waters é o vigésimo primeiro e penúltimo álbum de estúdio dos Bee Gees, lançado em 10 de março de 1997 no Reino Unido pela Polydor Records, e em 6 de maio do mesmo ano nos EUA pela A&M Records. O grupo fez o álbum com uma variedade de produtores importantes, incluindo Russ Titelman, David Foster, Hugh Padgham e Arif Mardin. O álbum alcançou a segunda posição na UK Albums Chart e a 11ª posição nos Estados Unidos. O primeiro single do álbum, " Alone ", foi um sucesso mundial, alcançando a 5ª posição no Reino Unido e a 28ª posição nos Estados Unidos, onde começou como uma "estreia quente" na 34ª posição. Could Not Love You More " e " Still Waters (Run Deep) " também alcançaram o top 20 do Reino Unido. Em 2003, Robin Gibb regravou a faixa "My Lover's Prayer" em dueto com Alistair Griffin. Alcançou a posição 5 no UK Singles Chart como um single duplo A-side com a gravação solo de Griffin de " Bring It On ". Ele também aparece no álbum de estreia de Griffin, Bring It On, que alcançou a 12ª posição na UK Albums Chart. O álbum se tornou um dos primeiros do catálogo dos Bee Gees a ser relançado pela Reprise Records depois que o grupo recuperou os direitos de todas as suas gravações em 2006.

Listagem de faixas:

Todas as canções escritas por

Barry, Robin e Maurice Gibb.

1. "Alone" – 4:49 ,

2. "I Surrender" – 4:18

3. "I Could Not Love You More" – 3:43

4. "Still Waters Run Deep" – 4:08

5. "My Lover's Prayer" – 4:00

6. "With My Eyes Closed" – 4:19

7. "Irresistible Force" – 4:36

8. "Closer Than Close" – 4:34

9. "I Will" – 5:08 ,

10. "Obsessions" – 4:43

11. "Miracles Happen" – 4:12

12. "Smoke and Mirrors" – 5:00.

Faixas bônus:

13. "Rings Around the Moon" – 4:30

14. "Love Never Dies" – 4:07.

Pessoal Bee Gees:

Barry Gibb - programação de voz,

guitarra, bateria ,

Robin Gibb - vocais ,

Maurice Gibb - vocais, teclados, guitarra

Pessoal adicional :

Alan Kendall - guitarra

Steve Lukather - guitarra ,

Mike Porcaro - baixo ("Alone") ,

Gregg Bissonette - bateria ("Alone",

"I Surrender") ,

Leland Sklar - baixo ("I Surrender")

Steve Porcaro - teclados (sozinho)

David Paich - teclados ,

David Foster - teclados

Michael Thompson - guitarra ,

Dean Parks - guitarra

Steve Skinner - teclados, sintetizador

Steve Jordan - bateria ,

Robbie Kondor - teclados

Jeff Bova - baixo sintetizador, teclados

Alan Clark - teclados ,

Rob Mounsey - teclado

Marc Schulman - guitarras ,

George "Chocolate"

Perry - baixo ,

Anthony Jackson - baixo

Jimmy Bralower - programação , percussão

Dave Halpem - percussão ,

Ralph MacDonald - percussão ,

Russ Titelman - programação

David Elliot - bateria ,

Raphael Saadiq - programação, baixo,

guitarra, voz

Kelvin Wooten - teclados ,

Spanky Alford - guitarra

Carl Verhyn - guitarra ,

Joe Mardin - programação de bateria ,

Mike McAvoy - teclados, guitarra

Pino Palladino - baixo ,

Peter John Vettese - teclados, programação , Manu Katché - bateria

Waddy Wachtel - guitarra.

Em 10/03/1993: Bryan Ferry lança no Japão o álbum Taxi

Em 10/03/1993: Bryan Ferry lança no Japão o álbum Taxi

Taxi é o oitavo álbum solo de estúdio do cantor inglês Bryan Ferry, foi lançado em 10 de março de 1993 no Japão pela Virgin Records, mais de cinco anos após o lançamento no final de 1987 de seu álbum anterior Bête Noire. Foi lançado pela primeira vez no Japão em 10 de março, antes de ser lançado no Reino Unido em 22 de março e depois nos Estados Unidos em 13 de abril. Foi o terceiro álbum solo de Ferry desde o segundo fim da Roxy Music em 1983, dez anos antes. O álbum foi um sucesso comercial e de crítica, chegando ao 2º lugar no Reino Unido, foi certificado Ouro pelo BPI.

O primeiro single, " I Put a Spell on You " foi o único hit do álbum no top 20 no Reino Unido, chegando ao 18º lugar. O segundo single, " Will You Love Me Tomorrow " perdeu por pouco o top 20 do Reino Unido, chegando ao No. 23. O terceiro e último single, " Girl Of My Best Friend " alcançou a posição 57.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "I Put a Spell on You" : 5:27

2. "Will You Love Me Tomorrow" : 4:18

3. "Answer Me" : 2:47

4. "Just One Look" : 3:33

5. "Rescue Me" : 3:40

Lado dois:

6. "All Tomorrow's Parties" : 5:31

7. "Girl of My Best Friend" : 3:26

8. "Amazing Grace" : 4:01 ,

9. "Taxi" : 5:30 ,

10. "Because You're Mine" : 1:44.

Pessoal:

Bryan Ferry - vocais, piano, órgão, bruxa,

sintetizador, cordas

Músicos adicionais :

Robin Trower - guitarra pin, guitarra temática,

wah wah, guitarra pocket, guitarra espacial

Neil Hubbard - guitarra, guitarra sonda, guitarra

trace, guitarra solo, guitarra licks, guitarra base

David E. Williams - guitarra base, gancho, gato

Michael Brook - guitarra atmosférica, guitarra solo, guitarra infinita ,

Andy Newmark - bateria

Steve Ferrone - bateria ,

Michael Giles - bateria

Nathan East - baixo ,

Steve Pearce - baixo

Greg Phillinganes - vibrafones, cordas, sintetizador, harpa ,

Chris Stainton - órgão Hammond

David Sancious - órgão Hammond

Andy Mackay - saxofone alto ,

Maceo Parker - saxofone alto

Mel Collins - saxofone tenor ,

Flaco Jiménez - acordeão

Luís Jardim - percussão ,

Carleen Anderson - vocais

de apoio , Richard T. Norris – programação.

Em 10/03/1964: Simon & Garfunkel grava a canção " The Sounds of Silence "

Em 10/03/1964: Simon & Garfunkel grava a canção " The Sounds of Silence "

The Sound of Silence " The Sounds of Silence ", é uma canção da dupla Folk americana Simon & Garfunkel. Escrita por Paul Simon ao longo de vários meses em 1963 e 1964. Um teste de estúdio levou a dupla a assinar um contrato com a Columbia Records, e a versão acústica original da canção foi gravada em março de 1964 no Columbia Studios em Nova York e incluído em seu álbum de estreia, Wednesday Morning, 3 AM. Lançado em 19 de outubro de 1964, o álbum foi um fracasso comercial e levou à separação da dupla; Simon voltou para a Inglaterra, e Art Garfunkel para seus estudos emColumbia University.

Em 1965, a canção começou a atrair o airplay

em estações de rádio em Boston e em toda a Flórida. O airplay crescente levou Tom Wilson, produtor da canção, a remixar faixa, dobrando instrumentos elétricos e bateria.

Esta versão remixada foi lançada como single em setembro de 1965. Simon e Garfunkel não foram informados sobre o remix da música até depois do lançamento, alcançando o primeiro lugar na parada Billboard Hot 100 na semana que terminou em 1º de janeiro de 1966, levou a dupla a se reunir e gravar apressadamente seu segundo álbum, a gravadora Columbia intitulou Sounds of Silenceem a tentativa de capitalizar o sucesso da música. A versão única remixada da música foi incluída neste álbum seguinte.

A versão de Simon e Garfunkels não chegou às paradas no Reino Unido, uma versão cover de 'The Batchelors' alcançou o terceiro lugar nas paradas do Reino Unido em 1966.

Foi apresentado no filme The Graduate (1967), foi incluído no álbum da trilha sonora do filme. Além disso, foi lançado no EP Mrs. Robinson em 1968, junto com três outras canções do filme: " Mrs. Robinson ", " April Come She Will " e " Scarborough Fair / Canticle ".

A música foi um dos dez maiores sucessos em vários países do mundo, entre eles Austrália, Áustria, Alemanha Ocidental, Japão e Holanda. Geralmente é considerada canção de folk rock clássico, adicionada ao Registro Nacional de Gravações na Biblioteca do Congressopor ser "culturalmente, historicamente e esteticamente importante" em 2012, e com o resto do álbum Sounds of Silence. Originalmente intitulada "The Sounds of Silence" no álbum Wednesday Morning, 3 AM, foi incluída em compilações posteriores, começando com o álbum de compilação de 1972 Simon and Garfunkel's Greatest Hits.

Pessoal:

Paul Simon - violão, voz

Art Garfunkel - vocais

Barry Kornfeld - violão

Bill Lee - contrabaixo.

 

Simon & Garfunkel foi uma dupla americana de folk rock formada pelo cantor e compositor Paul Simon e pelo cantor Art Garfunkel

Simon & Garfunkel foi uma dupla americana de folk rock formada pelo cantor e compositor Paul Simon e pelo cantor Art Garfunkel. Eles foram um dos grupos musicais mais vendidos da década de 1960, e seus maiores sucessos, incluindo o remix elétrico de " The Sound of Silence " (1965), " Mrs. Robinson " (1968),

" The Boxer " (1969) e " Bridge over Troubled Water " (1970), alcançaram o primeiro lugar nas paradas de singles em todo o mundo.

Simon e Garfunkel se conheceram na escola primária em Queens, Nova York, em 1953,

onde aprenderam a harmonizar e começaram

a escrever canções. Na adolescência, sob o nome de Tom & Jerry, tiveram pouco sucesso com "Hey Schoolgirl" (1957), uma canção que imitava seus ídolos, os Everly Brothers.

Em 1963, cientes de um crescente interesse do público pela música folk, eles se reagruparam e assinaram com a Columbia Records como Simon & Garfunkel. Seu álbum de estreia, Wednesday Morning, 3 AM, vendeu mal; Simon voltou para a carreira solo, desta vez na Inglaterra. Em junho de 1965, uma nova versão de "The Sound of Silence", música acústica do álbum de estreia da dupla,guitarra e bateria e se tornou um sucesso nas rádios AM dos Estados Unidos , alcançando o primeiro lugar na Billboard Hot 100. A dupla se reuniu para lançar um segundo álbum de estúdio, Sounds of Silence, e fazer uma turnê por todo o país. Em seu terceiro lançamento, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966), eles assumiram um controle mais criativo.

Sua música foi apresentada no filme de 1967 The Graduate, dando-lhes mais exposição.

Seu próximo álbum Bookends (1968) liderou

a parada da Billboard 200 e incluiu o single número um "Mrs. Robinson" do filme.

Simon e Garfunkel tiveram um relacionamento conturbado, levando a desentendimentos artísticos e sua separação em 1970.

Seu último álbum de estúdio, Bridge over Troubled Water, foi lançado naquele janeiro, tornando-se um dos álbuns mais vendidos do mundo. Após a separação, Simon lançou vários álbuns aclamados, incluindo Graceland, de 1986. Garfunkel lançou sucessos solo como " All I Know " e brevemente perseguiu uma carreira de ator, com papéis principais

nos filmes de Mike Nichols Catch-22 e Carnal Knowledge e em Nicolas Roeg 's 1980 Bad Timing. A dupla se reuniu várias vezes; seu show de 1981 no Central Park pode ter atraído mais de 500.000 pessoas, uma das maiores participações em shows da história.

Simon & Garfunkel ganharam 7 prêmios Grammy e foram introduzidos no Hall da Fama do Rock and Roll em 1990. Richie Unterberger os descreveu como "a dupla folk-rock de maior sucesso da década de 1960" e uma das mais populares artistas da década.

Eles estão entre os artistas musicais mais vendidos, tendo vendido mais de 100 milhões de discos. Eles ficaram em 40º lugar na lista da Rolling Stone de 2010 dos Maiores Artistas de Todos os Tempos e em terceiro lugar em sua lista das maiores duplas.

Também conhecido como:

Tom & Jerry (1956–1958)

Origem: Forest Hills, Queens, Nova York, EUA

Gêneros: Folk rock, world music, soft rock,

folk music

anos ativos: 1956–1958, 1963–1970, 1972, 1975–1977, 1981–1984, 1990, 1993, 2003–2005, 2007–2010

Gravadora: Columbia

Membros antigos:

Paul Simon, Art Garfunkel.

Discografia

Álbuns de estúdio

Wednesday Morning, 3 A.M. (1964)

Sounds of Silence (1966)

Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966)

Bookends (1968)

Bridge over Troubled Water (1970).

Álbuns ao vivo

1982 – The Concert in Central Park

2002 – Live From New York City, 1967

2004 – Old Friends Live on Stage

2008 – Live 1969.

Coletâneas

1972 Simon and Garfunkel's Greatest Hits

1981 Collected Works

1981 The Simon and Garfunkel Collection

1991 20 Greatest Hits

1992 The Definitive Simon & Garfunkel

1997 Old Friends

1999 The Best of Simon and Garfunkel

2000 Two Can Dream Alone

2000 Tales from New York: The Very Best of Simon & Garfunkel

2002 Tom & Jerry

2002 The Collection

2003 The Essential

2003 Before the Fame

2006 Paul Simon & Art Garfunkel

2008 America: The Simon and Garfunkel Collection.

O Magazine foi uma banda brasileira de new wave, formada em São Paulo, no início dos anos 1980

 

O Magazine foi uma banda brasileira de new wave, formada em São Paulo, no início dos anos 1980, que contava, em sua formação, com Kid Vinil (vocais), Lu Stopa (baixo), Trinkão (bateria) e Ted Gaz. A banda começou com o nome Verminose, sendo trocado para Magazine por ocasião da assinatura do contrato com a WEA (atual Warner Music), por questões comerciais. Em 1980, o ainda desconhecido Antonio Carlos Senefonte juntou-se ao baterista Trinkão, ao baixista Lu Stopa e ao roadie Philé, que logo daria lugar a Minho K (pseudônimo artístico de Celso Pucci) para gravar uma demotape, hoje perdida. O nome da banda - Verminose - foi uma sugestão do radialista Alf Soares.

O então Verminose tocou em praticamente todos os palcos existentes em São Paulo, naquela época. Os integrantes do Verminose viram-se envolvidos em uma confusão generalizada, no palco do Teatro Lira Paulistana, no auge do conflito entre os punks da capital e os do ABC paulista. Nesta época, 1983, Kid Vinil havia concedido uma entrevista à revista Veja, criticando a cena punk paulista, sendo acusado de "traidor do movimento". Depois disso, a banda decide remodelar seu som, inspirando-se no rockabilly e na estética new wave, optando por também alterar o nome para Magazine, baseado no grupo homônimo inglês, liderada pelo vocalista Howard Devoto.

A banda acabou sendo uma das primeiras contratadas da chamada safra paulistana da WEA, que também incluíram, posteriormente, Ultraje a Rigor, Ira!, Titãs, entre outras. Por intermédio de Pena Schmidt, a banda gravou, no estúdio dos músicos Tico Terpins e Zé Rodrix, o Áudio Patrulha, o primeiro compacto simples pela WEA, que continha a faixa "Sou Boy". Completava o compacto a faixa "Kid Vinil".

A banda entra em estúdio para a gravação de seu primeiro LP (nesta época, era comum para as gravadoras lançarem os novos artistas em compactos simples, baratos de serem produzidos, para, dependendo da receptividade do público, lançar um LP ou, ainda, mais um compacto). O primeiro álbum, homônimo, foi lançado em 1983, e continha várias canções compostas por Tico Terpins e Zé Rodrix, mais algumas releituras de músicas da jovem guarda, que faziam parte do repertório do grupo ao vivo. Deste LP, foi extraído o segundo compacto, "Adivinhão", gravada originalmente por George Freedman, em 1961. O disco continha, ainda, uma versão roqueira para a música Fuscão Preto, consagrada no ano anterior na voz de Almir Rogério e que no mesmo ano foi lançado o filme honônimo, a qual Almir participou.

No ano seguinte, a banda grava mais um compacto: "Tic Tic Nervoso", que posteriormente se tornou trilha da novela Livre para Voar, da Rede Globo. Com a agenda cheia, a banda tocava em todos os lugares do país. Kid Vinil, em entrevista, relembrou, dessa fase, um show na cidade de Manaus, no Amazonas: "serviram pra gente depois do show, uma tartaruga gigante inteira preparada na hora...".

"Tic Tic Nervoso" era uma composição da dupla Antonio Luiz e Marcos Serra produzida por Liminha e Ted Gaz. Após os lançamentos, o Magazine entrou em crise, sem saber qual direção musical tomar. Pressionados pela gravadora, lançaram no primeiro semestre de 1985 "Glub Glub no Clube", composição de Ted Gaz.

Neste momento, sem planos de gravar um novo LP, o Magazine acabou emplacando mais uma música em trilha sonora de novela da Rede Globo. Com produção de Pena Schmidt e Liminha, produtores dos primeiros compactos do grupo, o Magazine fez uma nova canção sobre a letra de "Comeu", balada de Caetano Veloso. Com isso, o Magazine emplacou o tema da novela A Gata Comeu, com direito até a um videoclipe, produzido pela Rede Globo. O lançamento da canção foi sucedido pela saída de Kid Vinil do Magazine, tendo ele, imediatamente, iniciado um novo projeto: Kid Vinil e os Heróis do Brasil. O Magazine ainda tentou seguir sem Kid Vinil, trazendo um novo vocalista (Pedrinho - ex-Beijo na Boca), chegando a gravar um compacto 12 polegadas pela Continental, que não emplacou e, como consequência, ocasionou a debandada em massa dos integrantes. O disco trazia as faixas "Pegue Seu Nariz" e "Nellie, o Elefante", versão para "Nellie, the Elephant", do grupo Toy Dolls.

Em 1991, a banda se reuniu novamente, graças aos esforços de Lu Stopa e Trinkão, mais os guitarristas Joel e Carlos Nishimiya, ex-Maria Angélica Não Mora Mais Aqui e Kid Vinil. Esta nova fase da banda foi marcada por apenas alguns shows esporádicos, sem grandes divulgações. Em 1993, o guitarrista Joel foi substituído pelo bluesman Duca Belintani. Com essa formação, o grupo decide resgatar o nome Verminose. Em 1994, após a saída de Carlos Nishimiya (que havia tocado com Lu Stopa no Maria Angélica Não Mora Mais Aqui), após o fim da primeira formação do Magazine, o quarteto gravou o disco Xu-Pa-Ki, independente, pelo selo Verminose Records. Em 1998, após algum tempo de silêncio, Kid Vinil retoma, uma vez mais, o Magazine com dois dos membros originais, Lu Stopa e Trinkão, além de Carlos Nishimiya. Lu Stopa ficou pouco tempo, desligando-se do Magazine para tocar junto à banda de Marcelo Nova. Foi substituído pelo jornalista musical e baixista Ayrton Mugnaini Jr..

No final de 2000, gravaram uma demotape para o selo Trama. Em junho de 2001, entram novamente em estúdio para a gravação do CD Na Honestidade, lançado no início de 2002. Das 16 faixas gravadas, foram lançadas 13 no disco. Por três meses, a primeira faixa de trabalho, "Conversível Irresistível", ficou disponível no site para download gratuito. E, depois, para as pessoas que adquiriam o CD, foi disponibilizada outra faixa, que não fazia parte do disco original. O álbum foi produzido pelo guitarrista Carlos Nishimiya.

No segundo semestre de 2001, a Warner reeditou, pela série Warner Arquivos, o único disco da banda pela gravadora em CD. Neste relançamento, seis faixas bônus foram incluídas: um outtake ("Professor Apaixonado", registrada durante as sessões de gravação do LP) e cinco das seis canções que a banda lançou exclusivamente em compactos pela Warner ("Tic-tic Nervoso", "Atentado ao Pudor", "Glub Glub no Clube", "Sapatos Azuis" e "Comeu" - somente "Crucial", lado b de "Comeu", não foi compilada para o CD).

Em 2004, o grupo encerra definitivamente suas atividades, e durante esse período, Kid Vinil trabalhou como DJ, VJ, e radialista. Em abril de 2017, após passar mal durante um show com outros artistas dos anos 80, em Conselheiro Lafaiete, em MG, Kid Vinil é internado em estado grave, devido a complicações da diabetes que sofria. Durante sua internação, que durou mais de um mês, Kid Vinil sofreu uma parada cardíaca, chegou a ser colocado em coma induzido, mas não resistiu, vindo a falecer no dia 19 de maio, aos 62 anos.

Origem : São Paulo, País: Brasil

Gêneros: Punk rock, pós-punk, rock alternativo, pop rock, new wave, rockabilly

Período em atividade: 1980 – 2004

Gravadoras: WEA, Warner Music, Continental, Trama

Integrantes:

Kid Vinil, Ted Gaz, Lu Stopa, Trinkão.

Ex-integrantes:

Duca Belintani, Pedrinho, Carlos Nishimiya, Joel, Ayrton Mugnaini Jr., Alvin L,

Philé, Minho K, Ronaldo Passos.

Discografia

Álbuns:

Magazine (1983, WEA/Elektra)

Na Honestidade (2002, Trama).

Singles:

"Sou Boy"/"Kid Vinil" (1983, WEA/Elektra)

Adivinhão/Casa da Mãe (1983, WEA/Elektra)

"Tic Tic Nervoso"/"Atentado ao Pudor" (1984, WEA/Elektra)

Glub Glub no Clube"/"Sapatos Azuis" (1985, WEA/Elektra)

"Comeu"/"Crucial" (faixa instrumental baseada em "Comeu") (1985, WEA/Elektra)

"Pegue Seu Nariz"/"Nellie", o Elefante (1987, Continental).

Coletâneas:

Neo Rock (1984, WEA) [Coletânea lançada, com duas faixas cada, de Magazine, Titãs, Ultraje a Rigor, Azul 29 e Degradée. O Magazine comparece abrindo o lado A com "Tic Tic Nervoso" e fechando o lado B com "Sou Boy".

Perigeo: La valle dei templi (1975)

 

Em 1975, um novo grupo de jovens proletários , inicialmente periférico, mas extremamente combativo, estava se enxertando na Contracultura , criando muitas contradições e deslocando o debate político para terrenos extremamente concretos: drogas, desemprego, habitabilidade dos bairros residenciais, relações entre classes e sexos e representatividade dentro da metrópole .

Mesmo que, ao menos inicialmente, o movimento tenha permanecido observando essa nova onda de reivindicações, ficou claro tanto para militantes quanto para artistas que era necessário fazer escolhas políticas e culturais que levassem em conta sua existência.

Musicalmente, por exemplo, tratava-se de decidir se continuava no caminho da complexidade e da " contaminação para cima " (por exemplo, com o jazz ) perpetrado desde o ano anterior e, assim, endossando a linha cara aos grupos históricos , ou se movia seu conflito " para baixo " para entrar em comunicação com as tendências emergentes.
O problema não era de pouca importância, visto que um ano depois o confronto direto entre o proletariado jovem e os " terceiros grupos internacionalistas " produziu o desastre do Parco Lambro .
No entanto, em 1975 isso não podia ser conhecido e todos tinham que agir de acordo com sua consciência.

Muitas bandas optaram pela continuação dos antigos estilos criativos ( Aktuala , IPSon Group ), outras produziram sons completamente novos, mas ainda imaturos ( Il disco dell'ansia ), outras ainda caíram na inércia criativa ( Orme , Ibis ) e muito poucas optaram por uma escolha corajosa: adaptar-se, mas sem abrir mão de sua própria personalidade. Por exemplo, Perigeu .
A escolha foi obviamente difícil porque, como todos os analistas sabem, o conceito de " adaptação " sempre leva a abrir mão de uma parte de si mesmo e nem sempre é fácil " inovar abrindo mão ". No entanto, com habilidade comercial consumada e a habitual perícia técnica,

o grupo de Giovanni Tommaso foi capaz de combinar essas duas tendências com grande classe, dando origem a um novo álbum no qual tanto o desejo por maior comunicação quanto o desejo de não abrir mão de seu próprio estilo nem por uma única nota eram evidentes ao mesmo tempo.
O álbum foi chamado de “ O Vale dos Templos ”.

Ainda que alguns atribuíssem a essa obra um sentimento de "cansaço ”, na realidade o dualismo entre conservação e conflito foi resolvido de forma mais que digna, senão engenhosa.
Para começar, o som foi decididamente deslocado para a “ fusão ”, por exemplo, propondo uma faixa-título tão precisa e direta que não suscitou quaisquer objeções, nem no seu nível estrutural nem nas suas intenções ideológicas.
É claro que o som é muito mais simples que o de 1973 , mas ninguém jamais poderá dizer que na base daquela música não havia uma consciência mais que clara. Por último, mas não menos importante, as partes vocais

foram completamente eliminadas : uma escolha astuta e inteligente que não apenas protegeu a banda de qualquer controvérsia dialética, mas também concedeu mais espaço às partes solo. Um movimento não desprovido de certa astúcia comercial, mas perfeitamente alinhado com a sensibilidade interpretativa das massas. Por fim, como na melhor tradição da época, o grupo recebeu um convidado especial que, na pessoa do percussionista Toni Esposito , deu o colorido rítmico que até então faltava ao grupo.



Por outras palavras, “ La valle dei tempio ” revelou-se um álbum moderno, vivo e completo em todas as suas partes, ainda que, obviamente, muitos observadores de extracção radical não tenham deixado de sublinhar as suas evidentes piscadelas ao mercado.
No entanto, ao ouvir, não podemos deixar de ficar fascinados mais uma vez pela proeza técnica dos músicos e sua coerência executiva.

Além da faixa-título da qual já falamos, “ Looping ” se destaca como joias preciosas nas quais cada um dos músicos realça sua personalidade em uma estrutura 3/4 perfeitamente orgânica.
Também louváveis ​​são o melancólico “ Pensieri ”, inteiramente tocado no pianismo crepuscular de D'Andrea e “ 2000 e Uma Noites ” com seu vago sabor de Área .
O álbum fecha com “ Un circolo giallo ” que, partindo de uma verdadeira demonstração de habilidade de Tony Sidney , deságua num final coletivo aveludado e em perfeita sintonia com a obra.
Também lançado na América com o título de “ The Valley of the temples ”, o penúltimo álbum dos anos 70 do Perigeo , retorna um trabalho certamente mais polido que os anteriores, mas absolutamente coerente com seu tempo .

No final da audição, uma sensação de tensão e mistério parece permanecer: assim como a que você sente ao visitar o vale de Agrigento, ou que você podia perceber em 1975 ao olhar de cima para as cidades escuras em transformação.

Milton Nascimento: Clube da Esquina 2 (1978)

 

Com raras exceções, nossa música de cantores e compositores atingiuospicos mais questionáveis ​​de sua criatividade década de 1980, refletindo de muitas maneiras o processo devastador de recomposição capitalista.No entanto, é reconfortante pensar que do outro lado do globo, uma nação inteira, quase 30 vezes maior que a Itália e recém-saída de uma terrívelditaduramilitar, aproveitou o novocurso democrático para produzir suas melhores coisas, pelo menos do ponto de vista musical.Tomemos como exemplo o caso dobrasileiro:Milton Nascimento.Seus esforços para escaparda censurafascista já haviam dado origem a obras extraordinárias como “Milagre dos Peixes” (1973) e pelo menos outros cinco álbuns de enorme profundidade como “Travessia” de 1967 e o primeiro “Clube da Esquina” de 1972.Ou seja, enquanto a partir de 1978 a maioria dos nossos cantores começou a se desfazer do misticismo da mais baixa ordem,Miltonnão só elevou sua arte ao sublime com o álbum duplo “Clube da Esquina 2”, mas continuaria ao longo dos anos 80 a produzir uma joia atrás da outra: “Caçador de mim”, “Anima”, “Sentinela”, “Yauaretè”, “Encontros e despedidas” e o imensurável “A barca dos amantes”.No mesmo período, no Brasil, entre outras coisas, foram publicadas obras seminais de Caetano Veloso ,Chico Buarquee todo um outro exército de compositoresfinalmente libertos das amarras do regime.Mas não foi apenas essaliberdade recém-descobertaque tornou a música brasileira universal. Nela se podiam apreender não apenasvalores sociais e espirituais de origem ancestral, mas também os frutos de umademocracia religiosa e racial consolidada,o respeito à própria memória históricae ao próprio "genius loci", ainteração entre classes sociais(ainda que, por outras razões, dolorosas e não isentas de violência), uma relativaindiferença popular aos mecanismos do capitale um desejo muito fortede contaminação artísticaque restituísse em cada obra a soma dos valores anteriores. Todos os itens que estavam longe de terem sido assimilados na Itália.


Milton Nascimento (conhecido como " Bituca ", nome do seu chapéu inseparável) , natural do Rio de Janeiro, ficou órfão ainda jovem e foi adotado por uma professora de música e um DJ que o levaram aos treze anos para o estado católico de Minas Gerais, onde começou a se destacar cantando tanto músicas religiosas em igrejas quanto músicas dos Platters e dos Beatles nos clubes de Três Pontas e Belo Horizonte.
Aos vinte anos gravou seu primeiro disco “ Barulho de trem ” ( um 78 rpm! ), acompanhado de alguns colaboradores que se tornariam seus companheiros para toda a vida. No final dos anos 60, a futura superestrela brasileira Elis Regina

o notou e promoveu sua “ Canção do sal ” por todo o Brasil , elogiando sua extraordinária habilidade vocal (“ Se Deus cantasse, teria a voz de Milton ”, dizia Elis ). A partir daí, cada um dos álbuns subsequentes do artista mineiro foi um sucesso tanto em casa quanto nos Estados Unidos, onde em 1975 ele embarcou em uma turnê ao lado de Wayne Shorter , então saxofonista do Weather Report. Em 1978, Milton era uma estrela de primeira grandeza e após 10 álbuns e 10 anos de carreira profissional , decidiu sintetizar todas as suas experiências musicais e humanas em uma única obra, valendo-se de todos os seus amigos e de uma produção artística impecável. Resultado: um dos álbuns mais refinados da história da música contemporânea , “ Clube da esquina 2 ” gravado pela prestigiada gravadora Emi . O álbum é duplo, apresentado em uma suntuosa capa dupla com fotos, letras e créditos e inclui 23 músicas, das quais apenas 9 levam a assinatura de Nascimento . Portanto, uma obra coletiva em que a esplêndida voz de Milton cimenta e organiza um universo de impulsos que seria difícil de compactar se não fosse por um gênio. Nesse sentido, ousaria compará-lo ao “ Bitches Brew ” , de Miles Davis


. O groove é essencialmente baseado em canções autorais , onde porém a novidade se expressa na interpenetração muito pessoal de referências . Existem arranjos orquestrais clássicos de
Wagner Tiso (“ Que bom amigo ”), as referências ao samba popular e ao requinte da bossa nova (“ Reis e rainhas do maracatu ”), os momentos elétricos e rock (“ Maria Maria ”) e as evocações da mais alta espiritualidade (“ Paixão e fé ”). A música é uma mistura

contínua ante litteram e até mesmo o senso de fé (mesmo que basicamente católica) vai além de qualquer religião ao misturar o sagrado e o profano, a natureza e o divino, a imanência e o acaso , exatamente como fizeram os nativos brasileiros e os escravos importados de Angola . “ Todo que move è sagrado ” , dirá Milton mais tarde, resumindo essa filosofia na canção “ Amor de Índio ”. Entendo que seja difícil para quem não conhece a música e a cultura brasileira compreender o valor absoluto deste álbum, mas, como sei que estou falando para um público atento e consciente , espero que minha parcialidade o leve a obter imediatamente esta inestimável obra-prima de 1978 . Enquanto isso, abríamos nossas carteiras para comprar “ Tu ” de Umberto Tozzi , “ Heidi ” de Viviani , “ Tarzan lo fa ” de Nino Manfredi e “ Meteor Man ” de Dee Dee Jackson .