Com um título ousado como "100 Watts of Funky", é melhor você ter certeza de que a faixa é o mais funky possível. E Jesse Johnson definitivamente cumpriu a promessa do título — e mais um pouco. Este é um groove imundo. É o tipo de funk que automaticamente faz você entrar no modo feio de cara feia assim que ele começa. Este ataque de funk eletrizante apresenta licks de guitarra base desagradáveis, baixo pesado e um trabalho de sax escaldante de Eddie Mininfield e David Cochrane. E as cantoras Kim Riley e Sue Ann Carwell fornecem um suporte emocionante nos vocais de fundo.
Johnson escreveu e produziu "100 Watts of Funky". E ele tocou todos os instrumentos, exceto as partes de sopro. A faixa é do seu lançamento de álbum de 2009, Verbal Penetration Vol 1 & 2 , uma coleção criminalmente subestimada de faixas estelares de funk, R&B, rock e blues. É o único álbum solo que ele lançou até agora neste século. No entanto, isso não significa que ele não esteja se mantendo ocupado. Ele se juntou à banda de D'Angelo, The Vanguard, no final de 2011, após deixar o The Time para sempre. Johnson tem gravado e excursionado com D'Angelo desde então. Além disso, ele tocou no álbum vencedor do Grammy de D'Angelo, Black Messiah (2014).
Em 1978, os mestres do groove de Dayton, Slave, serviram outra porção de sua marca dinâmica de funk com a faixa quente "Stellar Fungk". Mark "The Hansolor" Adams ancora o groove com uma linha de baixo poderosa, e o guitarrista Danny Webster libera uma mágica de escala brilhante. A faixa apresenta gráficos de metais espetaculares e um trabalho suave de sintetizador e teclado. E as partes do talkbox dão à faixa sua vibração interestelar de funk galáctico.
“Stellar Fungk” foi um single do terceiro álbum do Slave, The Concept (1978). A música chegou ao 14º lugar na parada de singles de R&B. O álbum também teve um bom desempenho nas paradas de R&B, subindo para o 11º lugar. A coleção foi produzida por Jeff Dixon e lançada pela Cotillion Records, uma subsidiária da Atlantic Records.
A formação completa da banda para The Concept era Stephen C. Washington (trompete, percussão e vocais de apoio), Mark “Drac” Hicks (guitarra solo e base, vocais de apoio), Tom “Tiny” Dozier (bateria), Danny Webster (guitarra solo e base; vocais principais e de apoio), Floyd “The Brother Slide” Miller (trompete, trombone, percussão, vocais principais e de apoio), Carter Bradley (teclados), Mark “The Hansolor” Adams (baixo, vocais e percussão), Orion "Bimmy" Wilhoite (saxofone alto e tenor), Tom Lockett Jr. (saxofone tenor e alto, teclados), Steve Arrington (bateria, percussão), Starleana Young (vocais). Este foi o primeiro álbum do Slave a incluir Young e Arrington, que eventualmente se tornaria o vocalista principal da banda.
“Stellar Fungk” foi escrita por Webster, Adams, Hicks, Washington e Arrington.
A baixista/compositora/produtora Alissia Benveniste lançou seu EP de estreia Back To The Funkture em 2016. A coleção de seis músicas mostra as tremendas habilidades de baixo de Benveniste e suas fortes habilidades de composição e produção. Back To The Funkture é um título adequado porque este EP é puro funk do começo ao fim. A faixa-título é um groove matador que apresenta um fantástico arranjo de metais pelo trompetista e arranjador vencedor de vários Grammy Philip Lassiter. Ele e a seção de metais da banda de funk Lettuce contribuem com seus consideráveis talentos para a faixa. E Benveniste traz o fogo no baixo.
A segunda faixa listada no EP é o irresistível groove funk "On The Go", que ostenta alguns licks de guitarra doces e um trabalho de baixo superlegal de Benveniste.
Um corte particularmente forte da coleção é o de alta voltagem “Take Off”. Benveniste serve um baixo desagradável nesta jam funky com sabor de Prince. O talentoso baixista bate e arranca uma tempestade aqui. “Take Off” é seguido pelo igualmente funky “Get Down”. Este groove funk perverso apresenta alguns gráficos de metais incríveis e mais trabalho de baixo soberbo de Benveniste.
A inspiradora “Holdin' On” com toques gospel é definitivamente um destaque do EP. A faixa apresenta um arranjo vocal maravilhoso e um trabalho de sopro deslumbrante. E o órgão cheio de alma infunde um pouco de igreja no groove.
Benveniste fecha o EP com a deliciosamente funky “Let It Out”. Esse groove foda é impecavelmente arranjado e executado. O vídeo da apresentação ao vivo da música pela musicista em sua alma mater Berklee College of Music atualmente tem mais de cinco milhões de visualizações no Youtube.
Por razões desconhecidas, Benveniste posteriormente cancelou o EP e o removeu de todas as suas plataformas online.
“Aufu Oodu” é um dos cortes de fusão mais malvados já gravados em cera. O groove perverso e arrepiante efetivamente mistura funk, jazz e influências africanas. Ron Harris estabelece uma linha de baixo feroz, enquanto a seção dinâmica de metais explode o nível de funk para a estratosfera. Ramsey Lewis se solta com um solo de sintetizador eletrizante, seguido pelo trabalho brilhante de flauta de Derf Reklaw-Raheem. Além disso, os riffs de guitarra funky ajudam a aprofundar ainda mais o groove.
A faixa apresenta letras no estilo Earth, Wind & Fire. É um apelo a um feiticeiro descolado chamado Aufu Oodu para criar uma poção poderosa que espalhará felicidade, paz, amor e positividade pelo mundo. Seu tema é semelhante à música "Jupiter" do EWF, mas em vez de um mensageiro extraterrestre da paz, é um curandeiro místico que utiliza o vodu para o bem da humanidade.
“Aufu Oodu” foi escrita por Derf Reklaw-Raheem. É uma faixa do álbum Salongo de 1976 da lenda do jazz Ramsey Lewis , que foi lançado pela Columbia Records. O LP foi coproduzido por Maurice White e Charles Stepney. A coleção é uma mistura sonora satisfatória de funk, jazz, latim, soul e influências africanas. Ela subiu para a 7ª posição na parada Top Jazz Album da Billboard e chegou à 17ª posição na parada de álbuns de R&B da Billboard.
Os músicos do álbum foram Ramsey Lewis (piano, piano elétrico, teclados), Ron Harris (baixo elétrico), Steve Cobb (bateria, vocais), Jimmy Bryant (clavinete), Derf Reklaw-Raheem (flauta, percussão, vocais), Maurice White (bateria, timbales, vocais), Don Myrick (saxofone tenor), Larry Dunn (teclados), Byron Gregory (guitarra elétrica e acústica), Verdine White (baixo, vocais), Al McKay (guitarra), George Bohanon (trombone), Harvey Mason (bateria), Bobby Bryant (trompete), Ernie Watts (saxofone), John Lind (vocais de apoio), Janice Gower (concertista, violino), Jerry Richardson (saxofone), Oscar Brashear (trompete), Fred Jackson (saxofone), Leon “Ndugu” Chancler (bateria) e Tang (vocais).
Maurice White e Ramsey Lewis tiveram um relacionamento musical muito produtivo. Antes de formar Earth, Wind & Fire, White tocou bateria no Ramsey Lewis Trio por quase três anos. E mais tarde ele escreveu e produziu a faixa-título do álbum de sucesso de Lewis, Sun Goddess (1974). O EWF às vezes tocava “Sun Goddess” em concerto. O álbum duplo ao vivo de platina tripla da banda, Gratitude (1975), contém uma majestosa performance ao vivo da música.
O grupo escocês de funk Average White Band lançou esse groove super suave em 1976. Ele apresenta um arranjo de metais soberbo com a seção de metais servindo doses massivas de funk puro. O resto da banda também está no seu jogo aqui. A faixa ostenta uma linha de baixo extra funky, licks doces de guitarra base e uma batida potente. E Alan Gorrie infunde seu vocal principal com uma alma discreta e legal. Esta é uma das faixas mais subestimadas do AWB e merece muito mais amor.
“I'm The One” foi escrita por Alan Gorrie, Hamish Stuart, Roger Ball e Average White Band. É uma faixa do quarto álbum de platina da AWB, Soul Searching (1976), que foi produzido por Arif Mardin e lançado pela Atlantic Records. A coleção também contém a requintada balada soul “A Love Of Your Own”.
“I'm The One” foi sampleada em 10 músicas, incluindo “Word is Bond” de Brand Nubian e “Gettin Stupid” de Mellow Man Ace. Também foi apresentada na trilha sonora do polêmico filme Kids , de Larry Clark, de 1995 .
A formação completa do AWB para Soul Searching foi Alan Gorrie (baixo, guitarra, vocal principal e de apoio), Hamish Stuart (baixo, guitarra, vocal principal e de apoio), Roger Ball (saxofone alto, teclados, arranjos de metais e cordas), Steve Ferrone (bateria, percussão), Malcolm Duncan (saxofone tenor) e Onnie McIntyre (guitarra). Alguns dos músicos convidados apresentados no álbum incluíram Michael Brecker (saxofone tenor), Barry Rogers (trombone), Marvin Stamm (trompete), Kenneth Bichel (sintetizador), Randy Brecker (trompete), Carlos Martin (congas) e os violoncelistas Seymour Barab, Alan Schulman, Jesse Levy.
1970. A cidade litorânea de Bergen, na província da Holanda do Norte. A cena musical local está crescendo com novos heróis - o conjunto Guruperide . Um ano depois, os caras mudaram o nome para o mais eufônico Mayfly e começaram a desenvolver uma atividade vigorosa. Graças à sua energia criativa irreprimível, os provincianos chamam a atenção dos funcionários da filial holandesa da Ariola. O próximo é um contrato para três singles com um LP completo para completar. E tudo parece estar indo bem. Mas os gênios do Mayfly — Gustaf Verburgh (guitarras, piano, vocais, composição) e Ide Min (percussão, efeitos eletrônicos, letras) — de repente começam a hesitar. Dizem que é impossível alcançar a atmosfera desejada dentro das paredes do estúdio alugado da GTB em Haia. "O que você sugere?" - O produtor Martin Deuser pergunta cansado . "Vamos gravar o álbum em casa", declaram os colegas em uníssono. "Você está completamente louco? O que quer dizer com "em casa?" "É muito simples. Temos o equipamento lá + todas as condições." Martin, que caiu na melancolia, acena fracamente com a mão, mas os jovens o convencem a acreditar na palavra deles. Como resultado, seis loucos enérgicos se trancam no sótão da casa de Ide Min em Bergen , e no espaço apertado e empoeirado, com o tempo, nasce um material maravilhoso, que não seria pecado apresentar ao público...
A duração do único programa Mayfly é de 36 minutos. No entanto, essa meia hora e pouco contém 11 faixas incrivelmente maduras, equilibradas e incrivelmente atraentes. A combinação das tradições do pop melódico dos Beatles , vinhetas folclóricas requintadas no espírito da Magna Carta e letras impressionistas tem um efeito benéfico no ouvido e na mente. A filosofia natural simples dos holandeses (da observação das mudanças das estações à preocupação com o problema do envelhecimento humano) recebe uma luxuosa estrutura sonora. A música de câmara de "From Now On", com os vocais delicados de Maarten Meene e as partes brilhantes de Arie de Geus (violino elétrico/acústico, piano elétrico), são complementadas com sucesso por ritmos de rock ( Onno Verburgh - guitarras; Huub Nijhuis - violoncelo, baixo). Em "Sintomas do Verão", a ênfase está no classicismo nobre (pizzicatos de cordas servem de pano de fundo para as passagens de flauta de Rinus Groeneveld ). As notas maiores dos Beatles se encaixam harmoniosamente no vasto plano do espaçoso estudo de câmara "Dawn of an Old Man's Life" e são absorvidas pela inércia na essência do afresco dramático "The Smell of It", diluído com excursões ao campo. Medir a distância "do sublime ao ridículo" se transforma na canção folclórica pseudo-tradicional "Lemoncake" e no triste vaudeville "The Stable". O interlúdio instrumental "Intermezzo" demonstra as habilidades conservacionistas do violinista de Geus, enquanto o esboço coral-acústico em tom menor "Secondhand Dream" certamente comove qualquer um. O single "Blue Sofa" apela in absentia à genialidade dupla de Lennon e McCartney , enquanto "She Leaveth Me" lembra convencionalmente um banquete de taverna de menestréis. O espetáculo termina com o panorama excêntrico de "Topless Bertha" - uma espécie de cabaré rural, em lugares associados à obra de Stackridge .
Para resumir: uma obra soberba, encantadoramente arejada e com um sabor muito especial. Puro prazer para todos os amantes da música. Eu recomendo.
O sexteto americano Providence só conseguiu sacar seu bilhete da sorte uma vez. Quando seus membros conseguiram assinar um contrato com a gravadora britânica Threshold... De qualquer forma, parem! Vamos começar do começo. Então, a cidade de Boise, Idaho. Um menino, Tim, nasce na família musical Tompkins. Desde muito jovem ele aprendeu a cantar, tocar piano, instrumentos de corda e de sopro. Bem, então tudo desandou: orquestras escolares, garotas, uma paixão pelo big beat e as possibilidades elétricas do rock... Em 1971, com a ajuda de seu irmão Tom Tompkins (viola, violino, vocais), Tim (violoncelo, vocais, instrumentos de sopro, percussão) fundou o conjunto Providence . A banda também inclui Bob Barriatua (baixo, vocal), Bartholomew Bishop (teclado, autoharpa, vocal), Jim Cockey (violino, glockenspiel, vocal) e Andy Ghazi (guitarra, vocal). Tentativas de se estabelecer em solo nativo não trazem muito sucesso: as composições do maestro Tim, impregnadas de folclore e ingredientes clássicos, carecem de rigidez e dinamismo. Por vontade do destino, a fita demo de Providence caiu nas mãos do produtor inglês Tony Clarke (1941-2010), um dos arquitetos do art rock sinfônico, que trouxe o The Moody Blues à fama . As doces canções dos seis ianques conquistam o coração do cavalheiro bigodudo, e ele leva o grupo a sério. O resultado desse esforço conjunto foi o único disco do Providence , "Ever Sense the Dawn", lançado em 1972 .
As doze edições do lançamento estão, à sua maneira, longe de um território épico. Laconismo, linhas melódicas simplificadas e uma certa atração pela atmosfera - esses são os componentes condicionais do complexo mosaico considerado aqui. Ao mesmo tempo, “progressismo” não é de forma alguma uma frase vazia para nossos heróis. Imagine a combinação de harmonias vocais arejadas na tradição de Crosby, Stills, Nash & Young , juntamente com as explorações experimentais de, digamos, Yes . Os detalhes acústicos, principalmente baseados em cordas, são maravilhosamente compensados pelas profundezas do barítono da guitarra e do baixo ("To Light Your Journey"). Traços neobarrocos extremamente precisos ("Lady") às vezes se transformam em exercícios convincentes de câmara de vanguarda ("Sketch Number Two"), às vezes dão lugar ao drama da arte popular ("The Stream"), antecipando os experimentos do Jardim em Terraço dos canadenses . A elegância vitoriana do arranjo não abafa o charme das partes corais solenes ("If We Were Wise"), ao mesmo tempo em que permite apreciar o pop-prog melódico de um estilo menestrel ("Fantasy Fugue"). O talento de Tim Tompkins como compositor é claramente evidente na peça rebuscada "Smile", na vinheta clássica de câmara "Sketch Number Three", no monólogo sinfônico cantado ricamente detalhado "Neptunes Door" e em outros itens de um programa verdadeiramente intrigante que recomendo de todo o coração aos fãs de exploração sonora.
Resta acrescentar que o trio de cordas de Providence em 1974-1976 colaborou produtivamente com Justin Hayward e John Lodge ( The Moody Blues ) em seus projetos solo. Depois disso, ele se desintegrou com sucesso em átomos individuais. Entretanto, a memória não está sujeita à deterioração. E "Ever Sense the Dawn", como um panorama de quarenta anos atrás, é mais uma prova disso.
Se você investigar o passado, descobrirá algo muito curioso: o flerte de Claude Bollin com os clássicos começou em 1965. Então, o astuto francês produziu o programa "Jazzgang Amadeus Mozart" - uma mistura absurda tecida a partir dos loops melódicos da "Marcha Turca", técnicas características de Dixieland e uma boa dose de humor musical. Um pouco mais tarde, o famoso maestro e pianista Jean-Bernard Pommier abordou Bollin com uma proposta para compor um diálogo de piano. O resultado foi o encantador álbum "Sonata para Dois Pianistas" (1972). Então, no horizonte, apareceu o flautista Jean-Pierre Rampal ... O resto, espero, vocês já sabem.
Em 1977, o caminho de Claude Bollin cruzou o de outra pessoa interessante. Natural de Tel Aviv, formado pela Juilliard School, o violinista e violista Pinchas Zukerman (nascido em 1948) já fez sucesso nos Estados Unidos. Foi o astuto maestro Claude quem o encorajou a realizar um novo experimento. Segundo Bollin, o trabalho era uma novidade para todos os envolvidos. Embora o ilustre parisiense já tivesse criado partituras para a seção de cordas orquestrais, esta foi a primeira vez em sua vida que ele se propôs a compor partes para violino solo. Ecos da era romântica, danças dos povos da Europa Central + jazz são os pilares do álbum conjunto dos dois luminares. Vamos tentar inspecionar o conteúdo passo a passo. A fase introdutória é o rondó "Romance", iluminado por uma luz nostálgica. As passagens comoventes de Pinchas, sob a pressão do teclado de Claude, gradualmente se envolvem em uma aventura espirituosa, onde os instigadores são acompanhados pelo contrabaixista Max Ediger e pelo baterista Marcel Sabiani . Apesar do turbilhão emocional, a ação termina ciclicamente - com o tema da languidez sensual. "Caprice" é uma fusão muito elegante de virtuosismo com passagens harmônicas brilhantes; um número soberbamente construído e executado de primeira classe. A adorada combinação paradoxal de "barroco-blues" de Bollin encontra sua personificação no contexto da obra "Gavotte". E o "Tango" floresce como uma linda flor noturna. Aqui, Monsieur Zuckerman faz uso total da viola em prol da cor e também manipula magistralmente tons de humor - do misterioso pizzicato às figuras de cordas classicamente verificadas que morrem em silêncio. Folclore, swing e academicismo maduro se encontram nas folhas densamente cobertas de notas de "Slavonic Dance" - um afresco lírico escondido nas profundezas de uma cascata rítmica selvagem. O design rendado do estudo "Ragtime" exala uma atmosfera de cinema mudo, enquanto "Valse Lente" encanta com sua lentidão deliberada e ricas linhas instrumentais. O toque final, "Hora", é uma aliança de paixão quase cigana com o ímpeto solto de uma mini-banda de jazz... Para resumir: um excelente trecho da longa série de lançamentos de Bollin e um presente maravilhoso para aqueles que não são limitados pelos limites estreitos dos gêneros.
Seis canadenses loucos, um sueco igualmente selvagem... Por Deus, não há força que possa dispersar um desfile tão selvagem...
O cruzador Miriodor de Montreal entrou em serviço em 1980. Naquela época, o processo era comandado por duas pessoas: o pianista Pascal Globensky e o multi-instrumentista François Eamon (violino, flauta, clarinete, teclado). Em termos de gênero, os caras adotaram a ideia do RIO com rosto humano do Samla Mammas Manna . E eles trouxeram esse mesmo rosto a um estado absolutamente camaleônico. Os experimentos se sucederam. Os membros da formação eram periodicamente embaralhados. Em 1987, Eamon decidiu que já tinha tido o suficiente; Como resultado, a responsabilidade pelo empreendimento recaiu inteiramente sobre Pascal. E ele não perdeu a cabeça. Irradiando ondas criativas e atraindo jovens promissores com ele, o navegador Globenski navegou habilmente pelo percurso. Sob seu controle total, Miriodor superou facilmente as ondas tempestuosas das últimas décadas e com graça invejável precipitou-se para o oceano agitado do Milênio...
A banda comemorou seu aniversário de um quarto de século em grande estilo, com um álbum duplo que resumiu sua jornada musical. O lançamento de estúdio "Parade" pode ser considerado a quintessência dos experimentos composicionais de Globensky e Cia. A cadeia esticada de trilhas transmite uma poderosa pulsação de vida. A combinação habilidosa de tendências eletrônicas radicais com uma interpretação conservadora de prog-rock e uma ornamentação de câmara impecável dariam crédito a qualquer grupo. Mas é improvável que outra pessoa pudesse ter incorporado tal fórmula com a elegância, o charme e o aventureirismo inerentes a Miriodor . O ouvinte é educadamente cínico e é convidado a vivenciar as nuances sonoras cuidadosamente elaboradas de "Pyramide" em sua própria pele, a apreciar o grotesco minimalista de "Caramba!", de 50 segundos, a percorrer os buracos nórdicos do mosaico trêmulo de "Uppsala (Sleepwalking in Uppsala)", a sucumbir à intriga do detetive de vanguarda sem palavras "Contrées Liquides (Liquid Lands)" ou a mergulhar na escuridão total do thriller noir "Polar (Film Noir)". E assim que a sensação de saciedade dos pratos magistralmente preparados se instala, o varegue escandinavo Lars Hollmer vem em auxílio de seus amigos da Terra da Folha de Bordo , criando um acordeão "tararam" no contexto da composição "Talrika", colocando trilhos melódicos sobre o atoleiro atonal de "Bonsaï (Bonsai Gelado)" e enfiando calças harém folclóricas nas versões piratas do drama caótico "Forêt Dense (Floresta Profunda)".
Um mega bônus é o CD #2, que captura a performance de Miriodor no festival americano de prog NEARfest em 29 de junho de 2002. Aproveitando o momento sem alarde, o sexteto, sem hesitação, aumenta gradualmente o grau de esquizoide. Bem, é exatamente isso que o público quer. Os sofisticados planos tonais dos canadenses são recebidos com admiração pelo público e acompanhados de aplausos entusiasmados, com gritos individuais de aprovação do público...
Para resumir: um programa talentoso, em alguns lugares sombrio, em outros francamente zombeteiro, capaz de satisfazer os apetites dos amantes estéticos do rock progressivo de vanguarda. Madame e Monsieur, por favor, venham para a mesa.
Nu Jazz - o território dos corajosos. Não basta ser um defensor comum do ecletismo. O que é necessário é um talento brilhante, imaginação sem limites e, mais importante, um senso de harmonia. Sem isso é impossível se tornar um criador. Resumindo, o gênero não é para todos. E ainda assim existem alguns indivíduos únicos que são capazes de cruzar fronteiras estilísticas com facilidade invejável, transformando fórmulas estabelecidas de forma divertida. Hoje falaremos sobre um desses originais. Conheça Vincent Artaud . Um verdadeiro francês, um verdadeiro experimentador, um verdadeiro artista.
Nascido em Annecy, criado em Dijon, ele se estabeleceu em Paris em 1992. O instrumento principal de Vincent é o contrabaixo. Esta unidade enorme está associada aos anos de aprendizagem na escola de jazz. Mais tarde, o curioso Artaud, para obter uma melhor compreensão prática da arte da composição, dominou o violão e o teclado, e também dominou as habilidades de programação eletrônica. Em 1997, nosso herói organizou um quarteto e começou a criar ativamente um repertório. A geração mais jovem foi notada por críticos entusiasmados, e logo o grupo sob a gestão de Vincent adquiriu o status de um grupo profissional e original. Expandindo constantemente seus horizontes, Artaud tentou a sorte como produtor de teatro; não se esquivou do trabalho de sessão "ao lado" de cantores populares ( Patrick Bruel , Danny Briand , etc.); gravou e excursionou com muitos artistas de diversos calibres. A experiência adquirida não foi em vão. Em 2004, Vincent estava pronto para lançar seu primeiro álbum solo...
O disco, simplesmente intitulado "Artaud", apesar do nome, não é nada simples. A reserva do mentor incluía: a) um quarteto de câmara; b) um casal de tocadores de instrumentos de sopro; c) baterista. Além de seu amigo íntimo, o músico eletrônico Arno Rebotini , que certa vez abriu os olhos de Vincent para os mistérios do mundo inanimado. É verdade que ele aparece no álbum apenas ocasionalmente, mas isso é secundário. É muito mais interessante abraçar o panorama sonoro de "Artaud" em sua totalidade e investigá-lo em busca de algo incomum.
A faixa de abertura, "Element 12", é um exemplo de minimalismo de câmara refinado. Na réplica alquímica do brincalhão Artaud, as paixões juvenis por Bartok , Webern e Penderecki foram habilmente misturadas com ritmos cinematograficamente harmoniosos, dissolvidos na tela da fusão onírica. "Downtown", com seus licks de metais e vinhetas de cordas, sonoridade urbana noturna e eco eletrônico pulsante, disfarça-se com sucesso como uma espécie de synth-jazz. Mais adiante na linha está uma intimidade perturbadora com um tom oriental (“Agarta”); síncopes repetitivas de violas, violinos, trompas e saxofones, reunidas em uma série melódica polida ("Evola"); loucura de loop sequencial aliada a um avant-bop agudo ("Das Verbrechen"); divagações amorfas em um hipotético nirvana do jazz ("Isaac Resonnant"); ambiente de fusão pró-clássica, que funciona como uma alegoria para o "Prelúdio" de Debussy para "A Tarde de um Fauno" ("Elemento 1"); tecno-pingue-pongue cibernético contra o pano de fundo de elementos polifônicos furiosos ("St Barthelemy"); uma pequena dissonante na forma de uma marcha triste e lenta ("Primo") e o final épico (em termos ideológicos) "Bereshit", que exala sabedoria profética do Antigo Testamento...
Resumindo: um lançamento inesperado, estranho e ao mesmo tempo fascinante, que provavelmente atrairá um círculo restrito de aventureiros do Sonic. A escolha é sua.
