- Roland Frei - lead vocals, acoustic guitar, tenor saxophone - Marco Cerletti - bass, basspedal, 12-string acoustic guitar, vocals - Andreas Grieder - flutes, alto saxophone, tambourine, vocals - Fritz Hauser - drums, vibes, percussion
All songs written, arranged and produced by Circus. 01. The Bandsman - 4:24 02. Laughter Lane - 4:10 03. Loveless Time - 5:31 04. Dawn - 7:51 05. Movin' On - 22:18
1. I Know What´s Wrong (5:40) 2. Jeremiah (6:06) 3. Take My Hand (5:33) 4. Confessions (4:01) 5. Early In The Morning (3:21) 6. The Flag (4:00) 7. Little Marie (3:44) 8. Get Out To The Country (12:07)
Melhor que o rock progressivo médio com alguns toques de jazz. Há um pouco de Hammond, flauta e guitarra solo neste prato. Não é tão progressivo a ponto de machucar seu cérebro, mas um pequeno ajuste mental e fones de ouvido podem causar alguma vertigem. Mais um "feito à mão" dessa época.
Bem típico do rock progressivo de 1970 (o que não é ruim). Waterloo gravou seu único álbum na Inglaterra e todas as músicas são cantadas em inglês. Ao contrário de outras bandas de prog da época, os vocais são quase sempre harmonizados. Este álbum é como o Deep Purple com harmonias e flauta. Vale a pena ouvir a reedição com faixas bônus, embora obter uma cópia original seja impraticável de qualquer maneira, considerando o preço de quatro dígitos que ela costuma custar.
Uma crônica das trincheiras do primeiro prog da Bélgica
Europa, 1970. A fumaça dos anos 60 estava apenas começando a se dissipar, mas a música ainda queimava. O chão tremeu sob os passos de bandas vindas de todos os cantos do continente, reivindicando seu lugar no cenário internacional. A Bélgica, terra da cerveja, do surrealismo e das fronteiras culturais, parecia estar à margem do grande rugido psicodélico... até que um grupo emergiu como um tiro de canhão da neblina: Waterloo.
Sob a proteção de um nome que evocava derrotas épicas e ecos napoleônicos, essa banda belga lançou sua primeira batalha sem pedir permissão ou dar trégua. Em uma época em que os holofotes estavam voltados para a Inglaterra, Alemanha e França, Waterloo ousou se destacar com uma mistura de hard rock progressivo, instrumentos de sopro jazzísticos e uma potência vocal capaz de abalar castelos. O cenário local não estava preparado para esta tempestade. First Battle surgiu como um segredo bem guardado, um artefato sonoro de alto calibre que sabia combinar virtuosismo instrumental com uma urgência expressiva que não se vê mais todo dia. E embora o grupo tenha tido uma existência breve, seu legado ficou selado como um dos pontos altos do rock underground belga dos anos 70. Assim começou o cerco. E embora poucos tenham notado na época, Waterloo deixou claro que na Bélgica também as lutas eram feitas com fuzz, órgão Hammond e vozes que rugiam como leões no campo de batalha.
Impressões pessoais: A Primeira Batalha em solo belga
Há álbuns que te emocionam desde o primeiro acorde. Outros, no entanto, são como uma fotografia desbotada que você encontra por acaso entre as páginas de um livro antigo. Eles não gritam. Elas não são impostas. Eles apenas esperam. E quando você menos espera, eles sussurram algo que você não ouviu bem na primeira vez.
Este foi meu reencontro com a Primeira Batalha de Waterloo. Um álbum que descobri numa dessas manhãs sem bússola, quando eu buscava — sem saber bem — as primeiras batidas do rock progressivo fora dos epicentros conhecidos. E lá, naquele canto do mapa chamado Bélgica, me deparei com essa banda de nome marcante e espírito corajoso. Não nos enganemos: First Battle não é um álbum que aspira conquistar os céus como Close to the Edge ou Pawn Hearts. A guerra deles é outra. Mais modesto, mais terreno, mas não menos importante. Porque, amigos do som arqueológico, este foi o primeiro álbum de rock progressivo belga. E isso, acredite, já o torna especial. Waterloo não era uma banda comum. Estava claro que eles sabiam tocar, que tinham ideias e, acima de tudo, que transitavam com facilidade pelos corredores do jazz, do rock e da música clássica. Sua fórmula girava em torno da flauta e de uma voz que sabia quando subir e quando ceder ao groove. Havia swing, atitude e uma clara influência britânica: The Nice, os Beatles mais experimentais, até alguns ecos do Jethro Tull.
A primeira vez que ouvi, senti que o álbum não tinha tido sucesso. Houve momentos brilhantes, sim, mas também áreas em que o fogo pareceu se apagar prematuramente. Gostei, mas fiquei com a sensação de que faltava um pouco mais de risco, mais vertigem, mais audácia sonora. No entanto, os anos —esses grandes mestres do sutil— me ensinaram outra coisa. Voltei ao disco. Eu ouvi sem expectativas. E lá apareceu sua verdadeira beleza. O First Battle não precisa gritar para ser notado. É um trabalho feito com cuidado, com uma atenção aos detalhes que não se vê muito hoje em dia. Sua performance não é impressionante, mas é elegante. Não há fogos de artifício, mas luzes quentes iluminam os cantos da sua orelha. Sua progressividade não é nem barroca nem excessiva, mas sim sóbria, como se carregasse na mala o perfume discreto de Canterbury. É um álbum que soa como o que era: um experimento sincero, um salto no vazio de um grupo que queria fazer parte de algo maior. E embora não capture completamente a atenção do ouvinte, deixa uma impressão duradoura na memória. Como uma primeira carta de amor escrita com nervosismo e esperança.
Waterloo não mudou a história, mas deu à Bélgica um lugar no mapa sonoro da década de 1970. E isso, em si, é um ato de resistência poética. Porque enquanto outros tentavam soar como seus ídolos ingleses, eles construíram sua própria trincheira. E a partir daí, eles lutaram sua primeira batalha. Uma obra digna e respeitável, com brilho autêntico e o charme de algo nascido nas margens. Não é uma joia perfeita, mas é uma gema bruta que reflete uma era que, infelizmente, não existe mais. E é por isso que merece ser ouvido. Mesmo que seja apenas uma vez. Mesmo que seja apenas por curiosidade. Porque às vezes, pequenas batalhas também deixam lindas cicatrizes. Até mais.
1. Meet Again 2. Why May I Not Know 3. Tumblin' Jack 4. Black Born Children 5. Life 6. Problems 7. Why Don't You Follow Me 8. Guy in the Neighborhood 9. Lonesome Road 10. Diary of an Old Man
Muitos citam Kanguru como o melhor álbum do Guru Guru, e é fácil entender o porquê. Em termos de carreira, Kanguru é a síntese perfeita das primeiras peças improvisadas com as obras compostas que se seguiram. Além disso, tudo é tratado com tantos truques de estúdio que Conny Plank, o produtor/engenheiro, é praticamente o quarto membro da banda. Talvez a essa altura Uli estivesse se sentindo um pouco marginalizado pelos excessos de Mani e Ax, mas as tensões internas não diminuem o impacto do álbum como um todo. Kanguru é infinitamente emocionante e hoje se destaca orgulhosamente como um dos pilares definidores do krautrock.
Uma pequena fuga da adrenalina dos dois primeiros álbuns. A abertura tonta, rachada e delirante "Oxymoron" prepara o cenário. A guitarra é mais fina e aguda, e os vocais soam como se o cantor estivesse usando uma máscara feita de um pano embebido em éter. Os próximos cortes são longas pseudo-suítes esquizofrênicas. Mais humor bobo do que antes, como evidenciado pela faixa mais próxima, "Ooga Booga". Sinto falta da energia dos álbuns anteriores, mas estou apaixonado por quão insano isso é. Aparentemente este foi o último álbum feito pela formação original e eles se aproximaram mais do estilo de fusão padrão Mahavishnu. Muito ruim.
"Não somos rock cósmico, somos rock cômico."
Mani Neumeier (1973)
Känguru: Krautrock também tem rituais
Às vezes ouvir um disco é como entrar em uma caverna. Mas outras vezes, é como deixar um canguru psicodélico agarrar seus tornozelos e arrastá-lo por um campo de meteoritos sônicos. Este é o Känguru , o terceiro salto quântico da banda alemã Guru Guru , uma banda que não se contentou em apenas surfar a onda do Krautrock: eles foram a onda, o redemoinho e o grito tribal no meio do vendaval. Aqui não há melodias suaves nem paisagens oníricas. Há distorção, caos controlado, eletricidade tribal, baixo que mastiga raízes e um tambor que soa como se as árvores estivessem falando. É um álbum que não busca convencer você: ele busca sequestrar você.
Abrimos um portal com essas impressões, caro leitor dos abismos sonoros. Convido você a entrar na toca deste marsupial mutante, este canguru cósmico. Mas atenção: depois de entrar, não há saída sem deixar um pouco de sanidade.
Impressões pessoais: Na toca do canguru cósmico
1972 foi um ano particularmente fértil em mutações sonoras. Em meio à explosão progressiva, Guru Guru se deixa absorver pelo germe dos tempos e entrega uma obra mais madura, mais pesada, mais determinada. Känguru representa uma mudança em direção a territórios onde o Hard Rock se funde com a lisergia do espaço sideral. Aqui a distorção não é falta de controle: é alquimia. As guitarras criam atmosferas que oscilam entre o cósmico e o tribal, enquanto a base rítmica — baixo e bateria — mantém uma solidez invejável, permitindo caos controlado, improvisação livre e delírio de laboratório.
Este álbum é pura experimentação. É um manifesto do Krautrock em sua forma mais crua e autêntica. Uma viagem sideral onde a Música Cósmica não é explicada, ela é vivenciada. Por isso, recomendo sem hesitar: é essencial para quem quer entender os cantos mais sombrios e mais luminosos da música de vanguarda alemã. Para mim, Känguru está ombro a ombro com Tago Mago, Yeti ou Wolf City. Um clássico de ouro, sem dúvida. Nós nos afastamos por um momento do caos cósmico e sem limites dos primeiros experimentos de Guru Guru e entramos em uma dimensão mais contida, embora não menos alucinatória. Känguru é uma excelente porta de entrada para o vasto e sombrio universo da banda. Sua "maquinação" sonora retém uma dose generosa de acidez e riffs assombrados, mas aqui a loucura é mais dosada, mais comedida... como um ácido mais puro, mais direto à alma.
Este álbum hipnotiza desde o primeiro acorde. Sua mistura inebriante de Heavy Psych, Progressive Rock e Krautrock preenche a lacuna entre o tribal e o extraterrestre. É uma obra delirante, mas não gratuita; não cede ao excesso pelo excesso. Há método dentro do delírio. E embora não atinja os níveis de estridência de outras preciosidades do gênero, sua vibração é intensa e seu efeito, corrosivo. Com apenas quatro músicas, Känguru nos eleva a um paraíso infernal ou nos joga em um abismo estelar. A performance instrumental é excepcional: as guitarras rugem como motores interplanetários, enquanto sintetizadores e outros dispositivos da época conseguem criar suítes verdadeiramente cósmicas. Este álbum é uma jornada com passaporte carimbado pela psicodelia, e cada faixa é uma estação nessa odisseia.
A visão que Känguru propõe é clara, madura e profundamente enraizada na efervescência de seu tempo. Representa o ponto mais alto do treinamento clássico do Guru Guru. Daqui em diante, mudanças virão. Este é o último voo com a tripulação original antes que novos membros reformulem a direção e a essência do grupo. Se você ainda não mergulhou totalmente na performance do "novo som alemão", este álbum pode ser o trampolim perfeito. Uma obra tão fundamental como Tago Mago, Phallus Dei ou Hosianna Mantra. Até mais.
Nunca fiquei muito impressionado com este único LP do Drosselbart. As músicas têm letras em alemão e o estilo musical deste álbum pode ser chamado de krautrock progressivo com alguns elementos de hard rock aqui e ali. O álbum é um pacote bem equilibrado porque nenhuma dessas músicas é ruim, mas nenhuma delas se destaca como um grande destaque. Meu favorito ainda pode ser "Engel des Todes" ou "Folg Mir".
"Engel des Todes" é bom. Caso contrário, isso é como uma mistura de baixo orçamento de Amon Düül II e Eulenspygel.
…Foi a primeira banda punk da Alemanha, porque naquela época o Amon Düül já podia ter de oito a dez acordes. Randl estava barbeado e usava algo parecido com botas militares… krautrock-musikzirkus
O Retorno dos Corvos da Floresta Elétrica
Há álbuns que se comportam como gatos: misteriosos, furtivos e, ocasionalmente, imprevisivelmente charmosos. Drosselbart é um deles. Uma peça meio escondida nas prateleiras dos esquecidos, uma joia alemã que não brilha com um poder ofuscante, mas que, se observada de perto, revela texturas, detalhes e brilho que se perdem nas primeiras audições. Ele não veio para mudar a história, mas veio para deixar sua assinatura em uma pedra secreta na caverna progressiva. Aqui olhamos para isso de duas perspectivas, como alguém analisando uma antiga figura de madeira: com distância crítica… e afeição inevitável.
Parte I – Os Dardos do Encantamento Inacabado
Drosselbart pertence ao seleto grupo de álbuns que poderiam ser chamados de “quase”. Quase brilhante, quase inovador, quase revolucionário. E, no entanto, isso quase lhe dá a sua essência. Este é um trabalho cozido em fogo médio no caldeirão do rock progressivo alemão, temperado com os temperos do prog britânico e algumas pitadas bem servidas de psicodelia, folk e experimentação com kraut. Desde o primeiro acorde, o álbum deixa clara sua posição: quer soar grandioso, ambicioso, teatral. E às vezes ele consegue. As atmosferas sombrias, as mudanças de ritmo extremamente rápidas, os coros femininos e as letras cantadas em alemão com uma solenidade quase ritualística... há uma forte intenção aqui, uma visão definida. O problema está na execução: nem todo o conjunto mantém a tensão, e há composições que desinflam quando deveriam explodir.
A gangue parece estar caminhando por uma floresta encantada, guiada por uma lanterna meio queimada. A direção está lá, mas a luz nem sempre chega. Claro que quando a lanterna brilha, ela o faz com personalidade: há músicas que alcançam um verdadeiro voo, onde o ouvinte sente como se estivesse entrando em um mundo diferente, uma colagem sonora sem bússola, mas com magia.
Parte II – A Miragem do Delírio Controlado
O que torna Drosselbart uma experiência intrigante é justamente sua instabilidade: não é um disco autoconfiante, e isso o torna humano. Como aqueles pintores que não conseguem decidir se querem ser realistas ou abstratos, esta banda parece estar dividida entre a estrutura e o caos, entre a sobriedade e o caos. E essa hesitação, longe de ser um erro, faz parte do seu charme. Sim, é verdade que o álbum cai em clichês e até flerta com harmonias pseudo-religiosas que não conseguem transcender, e que há momentos em que o desenvolvimento parece fraco ou derivado. Mas também é verdade que o som como um todo — esse pastiche eclético que mistura gêneros descaradamente — lhe dá um ar de liberdade muito agradável. O álbum não se trai: ele se apresenta como o que é, uma peça curiosa e excêntrica, com uma atmosfera que parece vir do sonho molhado de alguma seita progressiva da Baviera.
No final da jornada, não é possível deixar de sentir um carinho especial por esta obra. Talvez não seja um grande clássico do movimento alemão, mas tem algo que o torna digno de ser resgatado: sua ousadia tímida, seu estilo barroco contido, seu coração desordenado. É um álbum que poderia ter sido mais, mas não queria ser menos.
Veredito final:
Há discos que nascem para voar alto, outros para rastejar na lama do esquecimento. E há alguns, como Drosselbart, que permanecem suspensos no ar, como se estivessem pendurados por um fio invisível entre o gênio e a dúvida. É uma daquelas preciosidades alemãs que somos gratos por ter encontrado enquanto remexíamos na poeira do vinil e na escuridão do estranho. Não é perfeito, nem pretende ser. Mas tem o que um álbum cult precisa: identidade, mistério e uma centelha de loucura. Até mais.
01. Inferno
02. Jemima 03. Liebe ist nur ein Wort 04. Du bist der eine Weg 05. Engel des Todes 06. Böse Buben 07. Vater unser 08. Folg mir 09. Montag 10. Nach einer langen Nacht 11. Der Sommer (Inclusive Der Sturm)
Dessa vez não foi preciso esperar tanto. Enquanto a diferença entre Sonic Origami e Wake The Sleeper foi de dez anos, o Uriah Heep precisou de apenas mais dois para lançar Into The Wild, seu novo trabalho de inéditas. O vigésimo – terceiro álbum de estúdio do grupo de Mick Box reafirma a força desse line-up, junto desde 1986, com exceção do baterista Russell Gibrook, que chegou em 2007. Produzido por Mike Paxman (Status Quo, Asia), o disco mantém o padrão tradicional do quinteto. Quem gostou do anterior, tem tudo para aprovar esse, pois as mudanças são mínimas e a qualidade constante.
O single “Nail In The Head” abre de maneira bem acessível, com melodia fácil e grudenta. Cara de hit total! Ainda melhor é a seqüência com “I Can See You”, faixa mais acelerada, trazendo uma pegada fulminante do ‘novato da turma’. Mantendo o pique (e o nível) a faixa-título começa com um memorável riff de guitarra, além dos corais perfeitamente encaixados, como sempre. “Money Talk” parece ter saído direto de uma máquina do tempo, com seu estilo totalmente setentista, assim como “I’m Ready”, com aproximação do lado mais Heavy da época. Uma acalmada nos ânimos surge na primeira parte da trabalhada “Trail Of Diamonds”, que se transforma em um Hard Rock de alto nível com o passar do tempo e retorna à suavidade no encerramento.
Outra de fácil assimilação é “Southern Star”. Ótimo arranjo e melodias vocais que dá para acompanhar cantando junto. “Believe” traz uma das melhores participações de Mick Box, econômico, porém marcante em riffs e solos. Em “Lost”, uma atmosfera incrementada com Hammond ao fundo, oferecendo um clima realmente ‘espacial’ à faixa. Uma intro com a cara do Uriah Heep marca “T-Bird Angel”, transitando pelo lado mais comercial do grupo sem se desvirtuar. E mais uma vez, trabalho de vozes incrível! A semi-balada “Kiss Of Freedom” encerra o tracklist normal com passagens acústicas interessantes. A bônus “Hard Way To Learn” mantém o nível, com uma guitarra esperta em sincronia com o clima soturno.
Não dá para deixar de fazer uma menção honrosa a Bernie Shaw. Apesar de estar há 25 anos no grupo, ele sempre será o novo vocalista para os mais conservadores. Pois cada vez mais ele se impõe como uma das figuras mais importantes da história da banda, cantando com personalidade e talento ímpares. Nesse disco, mais uma vez, seu desempenho é soberbo. Após tanto tempo e várias mudanças de formação, o Uriah Heep ainda é uma das bandas mais relevantes de sua era, conseguindo fazer novas músicas com a mesma competência e naturalidade. Fanáticos devem comprar sem pensar duas vezes!
01. Nail On The Head 02. I Can See You 03. Into The Wild 04. Money Talk 05. I’m Ready 06. Trail Of Diamonds 07. Southern Star 08. Believe 09. Lost 10. T-Bird Angel 11. Kiss Of Freedom 12. Hard Way To Learn
Conforme foi contado na resenha de "Taking Over", de meu companheiro Jay, as histórias do Anthrax e do Overkill se entrelaçam, principalmente por conta da passagem do guitarrista Dan Spitz pelas duas bandas. Dessas duas, apenas uma alcançou o status de estrela mundial do Thrash (o Anthrax), e até hoje o Overkill permanece batalhando, possuindo uma base fiel de fãs.
"Feel The Fire" é o debut dos nova-iorquinos, lançado logo depois da saída de Spitz (que havia sido chamado a integrar o Anthrax) e da entrada de Bobby Gustafson, e apresenta aquela clássica receita do bom e velho Thrash Metal: bateria acelerada, guitarras rápidas e vocais ensandecidos. Aliás, o vocalista Bobby Ellsworth se mostra muito competente por aqui, e o som da banda está bem mais sutil se comparado aos outros discos, em parte por conta da produção menos lapidada.
Desde a abertura com a direta "Raise The Dead", Ellsworth e seus comparsas não economizam força e quebram ossos, com composições muitíssimo bem elaboradas, propícias para aquele bom headbang. A turnê de divulgação do álbum contou com eles abrindo para o Megadeth e para o Anthrax, durando de 1985 a 1986. Uma banda no mínimo injustiçada, e que continua com o bom trabalho.
Destaques ficam para as porradas "Rotten To The Core", "Overkill", "There's No Tomorrow", "Hammerhead", "Blood And Iron", e para a faixa-título. MOSH!
Bobby "Blitz" Ellsworth - vocais Rat Skates - bateria D.D. Verni - baixo Bobby Gustafson - guitarra
01. Raise The Dead 02. Rotten To The Core 03. There's No Tomorrow 04. Second Son 05. Hammerhead 06. Feel The Fire 07. Blood and Iron 08. Kill At Command 09. Overkill 10. Sonic Reducer
Tenho certeza que todos por aqui conhecem o Marcelo D2 e têm ideia que sua carreira solo não é lá essas coisas, mas nos anos 90 e começo do século XXI o cara participou de uma das bandas que fazem parte do cenário bom da música brasileira. Não sou maconheiro, mas essa postagem é especialmente para quem gosta de uma erva.
A banda foi formada pelo próprio D2 e um amigo chamado Skunk, os dois eram adoradores de Rap e Hardcore e resolveram formar uma banda apenas de Rap já que nenhum sabia tocar instrumentos musicais. Mas sem demora encontraram alguns caras drogados e formaram uma banda onde havia uma mistura de Rap e Hardcore - e um pouco de maconha, claro - junto com outras influências incluindo o Reggae. As letras tinham apenas um objetivo: falar sobre maconha. Queriam dizer que maconha não mata, queriam legalizar a maconha, falar sobre fumar maconha, fumar muita maconha e fumar mais um pouco de maconha, sem esquecer que eles falavam sobre fumar erva e maconha. Mas também apontavam alguns outros assuntos, como a violência policial, a cidade do Rio de Janeiro (já que eles vieram de lá).
MTV Ao Vivo se trata do último registro que tiveram em CD e DVD antes da separação da banda. Aqui temos uma grande performance dos caras em frente ao público. Além do mais, há uma diferença entre o grupo ao vivo e em estúdio: ao vivo é muito melhor. Temos muito rap, guitarras pesadas, bateria barulhenta, baixo que quase não se nota mas que tem uma grande importância. É um álbum perfeito para quem quer fumar maconha ou mesmo para quem curte Rap ou Hardcore. Clássicos que acompanharam a banda são tocados por aqui, como "Dig Dig Dig (Hempa)", "Mantenha o Respeito", "Legalize Já", "Contexto", "A Culpa É De Quem? " e "Queimando Tudo". Para quem gosta de ouvir o que tem de melhor no Brasil, eu indico o Planet Hemp sem dúvidas, porque não haverá arrependimento.
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