Artista / Banda: Iain McLennan / Russell McDougall
Álbum: MAC II
Ano: 1972 Gênero: Folk Rock
País: Austrália
Comentário: Duo obscuro, formada em Newcastle, Austrália, no início dos anos 70, gravando um único álbum privado, considerado um dos mais raros do país. Ambos os músicos seguiram breves carreiras em pequenos grupos locais, porém sem sucesso. Neste registro ouvimos 12 curtas canções de folk rock com pitadas de psicodelia, porém na maioria do tempo melancólico e acústico. Belas harmonias vocais dominam, acompanhadas principalmente por violões e em momentos por percussão e piano. Destaque para "Wooden Lady", "Skies", "Lalena" e "7 Hours Gone".
Banda sueca de Malmö formada em 1967, lançou seu primeiro seu primeiro álbum em 1969 com o nome de Taste of Blues. O disco Asoka é uma mescla de hard rock/prog e alguns toques psicodélicos, com riffs de guitarra excelentes e órgão muito presente também em algumas faixas como Ataraxia, destaque também para o vocal de Patrick Erixcon. Esse álbum de 1971 não é uma pérola tão desconhecida assim, mas de qualquer forma merecia ser mais ouvida.
Robban Larsson - guitars Patrick Erixcon - vocals, bongos Claes Ericsson - piano, organ Kent "Tjobbe" Bengtson - bass Alf "Daffy" Bengtson – drums
Psykofoni för ekogitarr och poporkester 2:11 Ataraxia 3:28 Leave Me 3:34 Svensson Blues 3:27 1975 3:48 If You Feel 4:25 Tvivlaren 4:37 I'm Trying (To Find a Way to Paradise) 6:15
Com Nilsson Schmilsson , Harry Nilsson praticamente se tornou a grande estrela que sempre pareceu querer ser. E com isso, ele começou a contrariar as tendências e o desejo de seu próprio produtor de repetir a fórmula. Com sua capa e letras inspiradas em filmes de terror, Son Of Schmilsson ignorou a própria ideia de uma sequência, mesmo com a ajuda de dois Beatles pseudônimos: Peter Frampton, Nicky Hopkins, Jim Price, Bobby Keys e Klaus Voormann.
“Take 54” oferece uma espiada na tarefa cada vez mais difícil de fazer discos, principalmente quando distraído por uma jovem adorável para quem o cantor “cantava [com] arrepios”. Após um anúncio em estilo trailer para o álbum, “Remember (Christmas)” é uma baladinha adorável que não tem nada a ver com a palavra do subtítulo, mas é exatamente o que todos queriam. “Joy” é uma paródia de música country, na qual ele redobra a sátira. Perto do final, ele pede que ela o ouça no rádio, e, de fato, “Turn On Your Radio” apresenta outro lamento apaixonado, mas em um tom mais pensativo. Depois, há a maravilhosamente desagradável “You're Breakin' My Heart”, com sua linha de abertura que garantiu zero veiculação nas rádios, abrindo caminho para Cee-Lo cerca de 38 anos depois.
Falando em conexões estranhas, "Spaceman" é uma espécie de contraponto a "Rocket Man", de Elton John, no sentido de que o protagonista está cansado de ficar preso no espaço; os arranjos de cordas foram feitos por Paul Buckmaster, um frequentador assíduo de Elton (e Nilsson). Com seu doce sentimento e esperança persistente, "The Lottery Song" remete às suas canções anteriores. Mas seu desdém por ser bonzinho é exemplificado pela abertura de "At My Front Door", onde ele começa a cantarolar "Remember (Christmas)", depois arrota e a faixa muda para um cover animado de uma antiga canção doo-wop, conduzido por um piano. "Ambush" é sorrateira, acompanhando a história de um pelotão de soldados cantando para manter o ânimo, apenas para serem aniquilados por tiros inimigos. Se você acha isso mórbido, considere "I'd Rather Be Dead", cantada com o acompanhamento de um acordeão alegre e a ajuda de um coral composto por aposentados cantando alegremente "I'd rather be dead/Than molhar minha cama". A esperança de Richard Perry de um grande final da Disney com "The Most Beautiful World In The World" é comprometida pela primeira metade, cantada com uma voz falsa de reggae e um solo gargarejado.
Contanto que as pessoas consigam lidar com o humor e o chauvinismo, Son Of Schmilsson é, na verdade, uma continuação digna, especialmente quando considerada no contexto de seu catálogo. Os conhecedores apreciariam muito a reedição mais recente do álbum, que adicionou várias faixas bônus: uma versão inicial de "What's Your Sign"; uma alternativa "Take 54"; uma cômica canção de rua de "It Had To Be You" que leva a "I'd Rather Be Dead"; uma gravação não utilizada de "Campo De Encino" de Jimmy Webb; e "Daybreak", a única música nova incluída na trilha sonora do desastre cinematográfico de 1974, Son Of Dracula , que, de outra forma, reciclou trechos deste álbum e de Nilsson Schmilsson .
Em 1991, o Guns N' Roses estava demorando uma eternidade para finalizar seu próximo álbum. Eles estavam em turnê para promovê-lo, enquanto ainda o ajustavam, a ponto de " Use Your Illusion" finalmente ser lançado em dois CDs duplos, disponíveis separadamente. Este foi o maior acontecimento na indústria fonográfica em anos, como demonstrado pelas vendas à meia-noite em todo o país. Ninguém queria ser o único na escola a não ter os novos álbuns do GN'R, e todos tinham que ter os dois.
Use Your Illusion I , ou o vermelho e amarelo, foi provavelmente o mais próximo em espírito do álbum de estreia , no sentido de que era mais sobre rock direto. A essa altura, Steven Adler havia sido dispensado da banda, substituído por Matt Sorum, que era mais conhecido por fazer turnês com o Cult, mas também havia passado um tempo com uma mulher que logo seria conhecida como Tori Amos . Ele era, e é, um baterista pesado, exatamente o tipo de baterista necessário para preencher um sistema de som de estádio, mas francamente não tinha o swing que Adler exibiu no primeiro álbum. Outro sinal de que estamos do outro lado da curva de Gauss são os créditos individuais de composição; onde as músicas anteriores eram creditadas à banda como um todo, agora estava claro quais Axl Rose escreveu sozinho, e mais ainda quando era uma música de Izzy Stradlin.
O baixo de Duff McKagan e um riff de Slash abrem "Right Next Door To Hell", um dos vários vocais rápidos de Axl. Izzy assume o primeiro dos três(!) vocais principais do álbum em "Dust N' Bones", embora esteja praticamente submerso sob a linha principal de Slash. O cover de "Live And Let Die", do Wings , foi surpreendente, mas quase nota por nota, mas a maioria das pessoas provavelmente curtiu "Don't Cry", sua nova balada poderosa e single de sucesso, e se perguntou se ele realmente segurou aquela última nota por 30 segundos. "Perfect Crime" é mais um grito rápido, e melhor durante o intervalo mais lento.
Izzy domina o que os donos de LPs chamam de lado dois, começando com "You Ain't The First", que poderia ter cabido no lado dois de Lies . Michael Monroe, do Hanoi Rocks, toca gaita e saxofone em "Bad Obsession", e também podemos ouvir o novo membro Dizzy Reed no piano. É uma das várias músicas aqui que ganharam o adesivo de advertência parental e impediram que o(s) álbum(s) fossem vendidos em lojas como o Walmart, junto com a excessivamente raivosa "Back Off Bitch". "Double Talkin' Jive" é outro riff piledriver, cantado principalmente por Izzy com a ajuda de Axl, que consegue encontrar seu caminho para uma coda estendida no estilo flamenco.
A peça central do álbum era "November Rain", o épico showstopper baseado em piano que Axl vinha inventando desde que comprou seu primeiro álbum de Elton John . Tornou-se ainda mais inescapável naqueles dias graças ao seu vídeo exagerado, que percorreu toda a duração dos nove minutos da música. (As cordas enlatadas usadas no álbum original foram substituídas trinta anos depois por cordas reais para a Edição Deluxe do álbum, e ainda soam cafonas.) "The Garden" começa um tanto contido e vagueia em torno de um acorde até as aparições de Alice Cooper. Ela tende a se arrastar, o que não pode ser dito sobre o estranhamente sequenciado "Garden Of Eden", que tem o dobro da velocidade e metade da duração. "Don't Damn Me" é a resposta deste volume às críticas de Axl sobre sua homofobia, racismo, misoginia, etc. É outra música que se beneficia da dinâmica de uma seção intermediária mais lenta.
"Bad Apples" começa com um toque de funk, mas logo desce para o boogie puro, enquanto "Dead Horse" é encerrada por Axl cantando e dedilhando seu violão, no mesmo estilo da parte principal e mais pesada da música. Tudo isso é um mero prelúdio para "Coma", que Axl e Slash compuseram após overdoses separadas e ocupa os dez minutos finais do álbum. O riff compensa o bumbo pulsante, e os interlúdios falados por especialistas médicos com efeitos sonoros correspondentes não são tão gratuitos — embora as vozes femininas irritantes não evoquem muita simpatia pela situação do cantor — e a música cíclica consegue sustentar o discurso final de Axl.
Como acontece com a maioria dos álbuns duplos, Use Your Illusion I poderia facilmente ter sido reduzido a um single, mas isso não fazia parte dos planos. Considerando que duas das melhores músicas juntas levaram 20 minutos, Izzy provavelmente teria visto apenas uma de suas músicas incluída, se é que teria visto, se tivessem tentado condensá-la. Mas não podemos suportar muito dos gritos e palavras de Axl, canção após canção — até ele precisou de um teleprompter no palco para acertar todas as letras.
Além da nova mixagem de "November Rain" inserida na sequência original, a Edição Deluxe do álbum adicionou uma hora de faixas ao vivo de uma variedade de shows — a maioria músicas do álbum, além de músicas únicas como um cover de "Attitude" do Misfits cantada por Duff, "Always On The Run" com Lenny Kravitz (que escreveu a música com Slash), "November Rain" prefaciada por "It's Alright" do Black Sabbath e uma versão majoritariamente instrumental de "Wild Horses" dos Stones . Shannon Hoon, eventualmente do Blind Melon, canta em duas músicas. Nem todas foram incluídas na Edição Super Deluxe de sete CDs mais Blu-ray, que adicionou dois shows completos: dois discos do Ritz (o antigo Studio 54) no início da turnê e três discos de Las Vegas oito meses depois. Muita música, com certeza.
Lançar dois álbuns ao mesmo tempo significava que as chances de ambos chegarem ao primeiro lugar na Billboard eram mínimas, mesmo para o Guns N' Roses. De alguma forma, Use Your Illusion II (o azul e roxo) superou seu irmão na disputa pelo primeiro lugar. De qualquer forma, era indiscutivelmente o melhor álbum, com mais variedade e profundidade.
"Civil War" já estava no mercado há um ano, tendo sido gravada quando Steven Adler ainda estava na banda e incluída em um álbum compilado para beneficiar uma instituição de caridade fundada por Olivia Harrison. Começa com o discurso icônico de Strother Martin em Cool Hand Luke e estabelece um tom sombrio para o resto do álbum. "14 Years" foi a melhor música de Izzy Stradlin do lote que ele trouxe para o projeto; ele canta os versos e Axl Rose cuida dos refrões, e elas poderiam muito bem ser duas músicas separadas juntas. "Yesterdays" é menos amarga, mas ainda descontente, e uma das melhores músicas de Axl. Seu cover de "Knockin' On Heaven's Door" também havia sido lançado anteriormente em uma trilha sonora de um filme de Tom Cruise, mas em uma mixagem ligeiramente diferente.
Justo quando você pensa que eles cresceram, "Get In The Ring" nos remete à escola primária. Gritada por Axl e Duff McKagan, entre cânticos da plateia gravados ao vivo em turnê apenas alguns meses antes, é um verdadeiro "dane-se" para todos, especialmente para vários escritores e revistas que não fizeram muitos elogios à banda. Duff também ajuda com "Shotgun Blues", que é igualmente raivosa e profana, mas não cita nomes. O lado é redimido por "Breakdown", outra faixa longa, mas bem construída, com letras introspectivas, e mais uma referência cinematográfica; desta vez, Axl imita Cleavon Little, de Vanishing Point, nos últimos minutos.
Izzy retorna com "Pretty Tied Up", que oscila entre a mitologia nos versos e um refrão incongruente, mas tem uma postura inegável. E embora até agora eles tenham escolhido abrir ou fechar os lados com os épicos, "Locomotive" dura quase nove minutos no meio do lado três. É uma vitrine para Slash, e ficamos surpresos que, com todos os ajustes que esses álbuns sofreram, eles nunca se preocuparam em corrigir os problemas de tempo de Axl nos refrões. Tem até uma coda bacana conduzida pelo piano. Mas então Duff sobe ao microfone para cantarolar a maior parte de "So Fine", uma balada poderosa em sua maioria inofensiva com uma ponte realmente estúpida.
Ainda não terminamos com os épicos, já que "Estranged" tem nove minutos, tem muito Axl no piano e Slash solos constantemente, e pode ser ouvida como uma espécie de companheira de "November Rain". Mas é lembrada principalmente hoje por seu vídeo verdadeiramente maluco, lançado dois anos após o lançamento do álbum, em que Axl é perseguido por equipes da SWAT, enviado para um hospício e perseguido por helicópteros, finalmente saltando de um petroleiro para nadar com golfinhos. Então voltamos ao início do ciclo com "You Could Be Mine", lançada pela primeira vez na trilha sonora de Terminator II e uma espécie de sorvete de rock no espírito da estreia. "Don't Cry (Alt. Lyrics)" tem versos diferentes, mas os mesmos refrões de "Original" no outro álbum, e ninguém estava pronto para "My World", basicamente um experimento de rap industrial impulsionado por Axl que parece uma piada, mas provavelmente não era.
Embora existam alguns momentos verdadeiramente constrangedores em Use Your Illusion II , ele continua sendo uma excelente demonstração dos talentos coletivos e individuais da banda. Eles não eram apenas mais uma banda de hair metal. (Uma semana depois, o álbum de estreia de uma grande gravadora de uma banda de Seattle chamada Nirvana foi lançado, também pela Geffen. O primeiro álbum de outra banda de Seattle, chamada Pearl Jam, havia sido lançado no final de agosto. Enquanto isso, novos álbuns de artistas multiplatinados como Skid Row, White Lion e Tesla não quebraram nenhum recorde de vendas. O mercado musical estava mudando novamente.)
Mais uma vez, a Deluxe Edition adicionou um disco com várias faixas ao vivo dos shows, nem todas incluídas na caixa Super Deluxe Use Your Illusion . E, mais uma vez, a maioria das músicas do GN'R estava no álbum principal, com alguns extras interessantes, como "Mama Kin" e "Train Kept A-Rollin'", com Steven Tyler e Joe Perry, do Aerosmith, em um show em Paris. Um segmento do mesmo show abrange um solo de bateria de sete minutos, um solo de guitarra de quatro minutos do Slash que encontra seu caminho para o tema de O Poderoso Chefão , e "Sail Away Sweet Sister", do Queen. Por algum motivo, "Civil War" é encerrada pelo riff de "Voodoo Child" , e "Knockin' On Heaven's Door" é prefaciada pelo riff, mas sem versos cantados de "Only Women Bleed", do Alice Cooper. Nessa época, a banda tinha dois tecladistas, backing vocals e uma seção de metais, então Axl não precisava lidar com a tarefa de tocar e cantar coisas como "Estranged". E cara, ele gritou muito.
Talvez sabendo qual seria seu legado para sempre, Roger Daltrey voltou sua atenção para a realização de dois shows com estrelas no Carnegie Hall em seu 50º aniversário. " A Celebration: The Music Of Pete Townshend And The Who" colocou Roger — de smoking, mas sem gravata e mangas na primeira metade, sem camisa sob uma jaqueta de couro na segunda — à frente de uma orquestra regida por Michael Kamen e uma banda com veteranos da turnê de 1989 e nomes conhecidos de Townshend como Jody Linscott, Rabbit Bundrick, Phil Palmer, Jon Carin, Pino Palladino e Simon Phillips. O repertório consistia em uma curiosa mistura de músicas conhecidas e surpresas, até mesmo algumas escolhas solo, com os holofotes ocasionalmente cedidos ou compartilhados com artistas convidados especiais.
Seguiu-se um especial pay-per-view dirigido por Michael Lindsay-Hogg , enquanto o álbum oficial, produzido por Bob Ezrin, apresentou apenas metade das músicas tocadas nos shows de duas horas e meia. Como Roger não tinha mais um contrato solo, o álbum foi lançado por uma gravadora independente no mesmo dia do aclamado box set do The Who .
O show começou com uma "Abertura" — não a de Tommy , mas um novo medley de melodias orquestradas por Pete. A partir daí, Roger cantou alguns dos sucessos esperados, mas também alguns trechos mais profundos. No entanto, a interpretação mais surpreendente e melhor foi a de "The Sea Refuses No River", o que nos fez desejar que ele tivesse explorado mais o repertório solo de Pete.
Deixando de lado as contribuições de Spin Doctors, Eddie Vedder, Lou Reed e Alice Cooper para o documento de vídeo, os ouvintes do CD foram presenteados com Linda Perry, então do 4 Non Blondes, com uma versão francamente excelente de "Doctor Jimmy", e os Chieftains, que incrementaram "Baba O'Riley" e "After The Fire". (Sinéad O'Connor, que ainda era vaiada naquela época, cantou nas duas últimas, mas não foi incluída na mixagem.) David Sanborn foi elogiado como solista em destaque em "5:15", John Entwistle contribuiu com o baixo em "The Real Me" e o próprio Pete tocou algumas músicas sem as outras duas; dessas, apenas "Who Are You" foi incluída.
A Celebration não foi exatamente um sucesso de vendas, mas a turnê subsequente, "Daltrey Sings Townshend", tentou manter a festa animada com alguns dos mesmos músicos, além de adições importantes como John Entwistle, o irmão de Pete, Simon, na guitarra, e o jovem Zak Starkey na bateria. Como John sempre precisava do dinheiro, mais turnês se seguiram, tornando o álbum uma espécie de catalisador para futuras atividades do The Who.
Como muitas bandas, o Fairport Convention realmente atingiu seu auge com seu terceiro álbum. Em "Unhalfbricking", eles se aproximaram muito mais do folk inglês eletrizante, estabelecendo o padrão para outros seguirem. Nessa época, Ian Matthews havia deixado a banda, reduzindo o núcleo para cinco membros, mas a presença de Dave Swarbrick no violino e no bandolim o levaria a se juntar em tempo integral, e estamos nos adiantando novamente.
Como convém a um álbum com um título misterioso e sem sentido, ele é aberto pelos dulcimers elétricos lamentosos em "Genesis Hall", uma letra tipicamente taciturna de Richard Thompson. Bob Dylan receberia uma boa parte dos royalties de publicação deste álbum, já que três de suas canções mais obscuras estão incluídas, a primeira sendo "Si Tu Dois Partir", uma versão quase clichê de "If You Gotta Go, Go Now" traduzida para o francês. A métrica complicada de "Autopsy" apenas realça o tom gótico da letra, mas é "A Sailor's Life" a peça central literal e figurativa. Ao longo de onze minutos, esta melodia tradicional começa calmamente e se desenvolve como o mar agitado, Sandy Denny soando cada centímetro de uma bela donzela, Thompson desfiando uma linha de guitarra fantástica contra o violino de Swarbrick uma vez solto. E então o mar se acalma novamente.
A música de 12 compassos "Cajun Woman" é uma espécie de limpador de paladar rock, enquanto a suave e melancólica "Who Knows Where The Time Goes?" é finalmente ouvida na interpretação do próprio Sandy. Outra obscuridade de Dylan, "Percy's Song" , recebe um tratamento de fogueira, exceto pelos dulcimers elétricos e órgão, e todos têm a chance de cantar um verso de "Million Dollar Bash", na época em que The Basement Tapes ainda era um bootleg. (Um CD britânico posterior adicionou duas faixas bônus relacionadas a Dylan: uma versão descartada de "Dear Landlord" , além de "Ballad Of Easy Rider" — para a qual Dylan supostamente contribuiu com um verso — que foi uma versão descartada do álbum seguinte, mas incluída por motivos temáticos.)
O lançamento do álbum foi infelizmente prejudicado pela morte do baterista Martin Lamble, dois meses antes, em um acidente de van enquanto a banda voltava de um show. Além disso, enquanto a capa britânica retratava a banda parcialmente escondida atrás de uma cerca na casa dos pais de Sandy Denny (eles são a dupla na frente), por algum motivo a gravadora americana decidiu usar uma imagem mais nítida da banda, ainda que no canto de uma capa dominada por elefantes dançantes. Mesmo assim, a música é peculiar, porém sólida, recebendo a classificação abaixo. Não há muito mais que possamos dizer sobre ela.
Cansado de tentar competir no mercado da indústria musical moderna, Thomas Dolby manteve-se fiel à sua natureza, acompanhando as últimas tendências tecnológicas, que na década de 90 dependiam cada vez mais de computadores. Isso lhe permitiu conseguir trabalhos como compositor de trilhas sonoras para videogames, o que facilitou a transição para a animação digital, justamente quando ela começava a florescer. Como ainda tinha contrato com uma gravadora, "The Gate To The Mind's Eye" foi a trilha sonora do terceiro filme de uma série de filmes gerados por computador, nenhum dos quais vimos e não pretendemos ver. (A trilha sonora anterior foi composta por Jan Hammer, a seguinte pelo fundador do Kansas, Kerry Livgren.) Como música de fundo, é em grande parte inofensiva, mas não exatamente inovadora.
Grande parte é instrumental, mas há algumas peças vocais. "Armageddon" tem letras, principalmente em latim, com vocais operísticos que continuam em "Planet Of Lost Souls", o que é mais agradável quando é apenas o piano. "NEO" é falado principalmente pela respeitada (assim nos dizem) astrofísica italiana Fiorella Terenzi; ele é creditado com o "rap" de encerramento, mas pelo menos ele não está tentando ser o B-boy mais doentio. Apesar de começar com uma citação de uma das cartas de Napoleão para Josefina, "Valley Of The Mind's Eye" é uma canção de amor bastante exuberante, enquanto "Nuvogue" é uma música de jazz swing que teria se encaixado perfeitamente em Aliens Ate My Buick . Mas "Quantum Mechanic" é uma música techno cantada pelo Dr. Terenzi, que também forneceu as palavras. Hoje em dia, quase soa como uma paródia.
O álbum não contribuiu muito para suas vendas, mas para aqueles que não estavam interessados em seguir sua musa esotérica, no início do ano uma coletânea inteligentemente intitulada Retrospectacle trouxe alguns sucessos e algumas faixas profundas. A principal atração para os fãs foi a disponibilidade de "Urges" e "Leipzig", que haviam sido adicionadas à primeira versão americana do primeiro álbum, mas logo foram substituídas por "She Blinded Me With Science" e "One Of Our Submarines". Além disso, a coletânea contém samples de cada um de seus quatro primeiros álbuns, criando uma amostra cronológica, porém coesa.
Passados seis anos, o regresso dos Fleet Foxes é tão difícil quanto a sua separação. Crack-Up tem um desrespeito total pela estruturação verso/refrão – e isso não é um insulto.
Em Outubro de 2013, Robin Pecknold era um homem perdido. A visão de outrora, que o ajudara a compor Helplesness Blues (2012), o aclamado segundo disco de Fleet Foxes, já não fazia sentido. Em contraste com o sucesso do segundo disco, que chegou a ser nomeado para um Grammy, o companheirismo foi trocado pelo ódio. Em Janeiro de 2013, os Fleet Foxes cessam a sua actividade por tempo indefinido, sem destino.
A banda separou-se e Pecknold precisava de reflectir. Sentia que o seu estilo autoritário em estúdio, forçando as suas composições aos restantes membros, em nome da sua visão, estragara a banda. O baterista Josh Tillman, motivado pelo mal-estar na banda e pelo desejo de ser Father John Misty, abandonou as raposas. Pecknold precisava de uma revolução: cortou o cabelo e a barba e, em jeito de penitência, afastou-se de guitarras. Foi tirar um curso pós-laboral para a Universidade de Columbia.
Seis anos depois, a fobia pelas guitarras passou e escreveu ideias num documento do google drive, que enviou para os restantes membros dos Fleet Foxes, incentivando-os a participarem no processo criativo. Desta vez, o frontman estava decidido a deixar de ser frontman, e quis criar um álbum de todos.
Assim nasceu Crack-Up, o terceiro disco. À primeira audição, não temos dúvidas: estamos perante um disco de Fleet Foxes. Tem harmonias barrocas a quatro vozes, guitarras folk dedilhadas e letras que pintam um quadro impressionista. Contudo, tem todas as características necessárias para ser a continuidade natural – ou o irmão estranho? – de Helplessness Blues: progressões épicas de orquestração e um desrespeito total pela estruturação verso/refrão.
Os Fleet Foxes anunciam a desconstrução da sua própria estética na canção que abre o disco, “I Am All That I Need / Arroyo Seco / Thumbprint Scar”. Três partes distintas numa só canção, que não se inibe em mostrar a novidade: Pecknold é capaz de cantar em tons graves e os Fleet Foxes gostam de fazer canções épicas que não são orelhudas.
A tónica de Crack-Up está nos fragmentos mais atonais do segundo disco, que são o reflexo da confusão de Pecknold durante os seis anos de hiato. Há menos refrões e mais modulações, e múltiplas referências à cultura erudita. Em “Third of May / Odaigahara”, há referências à obra de Goya; Em “On The Other Ocean” e “Fool’s Errand” existe um sample de uma canção de Mulatu Astatke, artista etíope de jazz.
Do ponto de vista conceptual, Crack-Up faz sentido. Pecknold apropriou-se do nome de uma obra de F. Scott Fitzgerald, publicada em 1936, onde o autor retrata uma crise existencial. Ao The New York Times, Pecknold revela que este disco é, à semelhança da obra de Fitzgerald, sobre a “necessidade de construir as razões para viver”.
Crack-Up são as pegadas que Pecknold foi deixando ao longo destes seis anos conturbados de hiato. O frontman das raposas deixou um rasto pouco orelhudo, que não procura conquistar novo público, mas sim reinstalar o bem-estar entre uma banda que já encontrou o seu lugar no panorama musical.
