Depois de gravar seu primeiro álbum em março de 1968 em Londres, o cantor/guitarrista Steve Miller, o baixista Lonnie Turner, o baterista Tim Davis, o organista Jim Peterman e o guitarrista Boz Scaggs retornaram à sua Califórnia natal para gravar um segundo álbum, novamente pela Capitol.
Gravada em Los Angeles, esta segunda tentativa foi lançada em outubro do mesmo ano. Intitulado Sailor , a capa magnífica por si só já faz com que valha a pena comprar este LP. Este álbum é uma boa continuação de Children of the Future, mesmo que pareça menos aventureiro. Claro, há o celestial "Lucky Man" para um blues ácido com este órgão alucinatório que nos leva de volta à Bay Area de São Francisco. Mas esta pérola do rock psicodélico é influenciada como sua antecessora pop inglesa entre Traffic, Procol Harum, John Mayall & Bluesbrakers, Pink Floyd… Como evidenciado pela bela balada bucólica e irreal que é “My Friend”, onde esta trompa angelical nos leva em uma viagem pela Grã-Bretanha na era vitoriana.
O álbum abre com o instrumental “Song for Our Ancestors”. Ouve-se a sirene de um transatlântico. Um navio que luta para sair para o mar, mas ainda assim está determinado. A atmosfera é misteriosa e nostálgica. Então esse enorme barco, liberto de suas amarras, navega num oceano cósmico, onde as ondas interestelares com seus aromas de blues nos fazem flutuar. E o blues volta a estar na pauta com dois covers: o breve e galopante rhythm & blues "Gangster of Love", de Johnny "Guitar" Watson, e o rústico "You're So Fine", de Jimmy Reed, onde uma gaita se tortura.
No centro está a alma galopante, “My Friend”, que parece urgente. Pegamos o trem em direção a “Living in the USA” com seu groove revigorante e infernal. Isso nos leva ao folk interestelar com a majestosa “Quicksilver Girl”, sem esquecer o sucesso country de “Overdrive”. Este disco picante termina com "Dime-a-Dance Romance", movido a querosene.
Após essa tentativa magnífica, Boz Scaggs deixou a Steve Miller Band para retomar sua carreira solo, que havia abandonado em 1965.
Títulos: 1. Song For Our Ancestors 2. Dear Mary 3. My Friend 4. Living In The U.S.A. 5. Quicksilver Girl 6. Lucky Man 7. Gangster Of Love 8. You’re So Fine 9. Overdrive 10. Dime-A-Dance Romance
Músicos: Steve Miller: Vocal, Guitarra Boz Scaggs: Guitarra, Vocal Lonnie Turner: Baixo Jim Peterman: Órgão Tim Davis: Bateria
O lançamento de Rubber Soul , dos Beatles , pegou Brian Wilson de surpresa. Ele, que até então não pensava muito na música inglesa, ocupado demais se tornando herdeiro de Phil Spector, descobriu que os limites do Pop haviam recuado, mas em uma direção diferente daquela que ele estava explorando. Incentivado a fazer isso bem, Brian não quer começar a imitar o Rubber Soul. Suas ambições sempre tenderam a criar uma parede sonora no estilo de Spector, enquanto os Beatles, mesmo em seus experimentos, mantiveram uma certa sobriedade. Wilson, por outro lado, continuou seus experimentos usando cerca de quarenta músicos, conhecidos como Working Crew. Entre eles estavam virtuosos dos instrumentos de rock, como o guitarrista Glen Campbell, o baterista Hal Blaine e especialmente a baixista Carol Kaye, cujo som, redondo e metálico, se tornou uma das características dos anos 60 (além dos sucessos dos Beach Boys dessa época, a encontramos entre outros em "These Boots Are Made For Walkin'" de Nancy Sinatra ou o tema com o memorável riff de baixo de Bullitt ), mas acima de tudo muitos instrumentos associados à música variada e clássica, como flautas, clarinetes, cravos ou tímpanos. Todos tocando em uníssono como uma orquestra. Nesse sentido, Wilson, assim como Spector antes dele, segue os passos dos grandes arranjadores de Swing (Glenn Miller, Artie Shaw, Paul Whitman, etc.) que se adaptaram aos gostos e sons da época.
Com Pet Sounds , Brian Wilson vai querer pela primeira vez criar uma obra coerente e não mais uma sucessão de peças sem outra conexão entre si além da de serem compostas e executadas pelas mesmas pessoas. Para garantir que essa coerência não fosse apenas auditiva, ele pediu a Tony Asher para escrever todas as letras, com Mike Love colaborando apenas em duas das treze faixas. Em termos de vocais principais, o primo também se encontra um pouco afastado do compositor. Talvez também porque o álbum será uma oportunidade para Brian abordar temas mais pessoais (mesmo que já existam precedentes como "In My Room"). E então é preciso admitir que seu timbre suave, suave e muitas vezes agudo combina bem com o estilo de um bom número de peças.
É o caso da divertida “Wouldn't It Be Nice”, talvez a faixa mais icônica do álbum. Melodias cativantes, aparentemente simples, mas na verdade muito legais e originais, múltiplas camadas de harmonias vocais e vários instrumentos. É bastante surpreendente que esse título emblemático não tenha alcançado mais do que o oitavo lugar nos Estados Unidos (o que acontecerá na Europa). A adaptação da canção tradicional "Sloop John B" foi uma das primeiras músicas em que Brian trabalhou e se tornaria seu maior sucesso. Mas enquanto as linhas vocais e harmonias seguem o que os Beach Boys fizeram no passado, os arranjos instrumentais cruzam novos territórios ao ritmo de sinos, flautas e harmônios. Em termos de títulos mais "populares", sem dúvida "God Only Knows", que Brian deu ao seu irmãozinho Carl para finalmente mostrar a beleza de sua voz, leva o prêmio. Uma pequena joia de pop aveludado que o próprio Paul McCartney chamaria de a melhor música já escrita. Pode ser um pouco excessivo, mas ainda indica o nível.
Nem todos os títulos são tão fáceis de acessar. Mais serena e melancólica, "You Still Believe In Me" poderia ter saído de um musical, mesmo que os arranjos estranhamente reminiscentes (misturas de acordeões, cravos e clarinetes... e até mesmo uma campainha de bicicleta) provavelmente não fossem encontrados nos palcos da Broadway. Entre música de câmara e música sacra, "Don't Talk (Put Your Head On My Soulier)" mostra Brian mais sensível do que nunca. É no nível dos arranjos que o compositor mais inova, misturando sons que não se imaginaria juntar, concebendo as percussões como um fogo de artifício (ora leve, ora sustentado) longe do que se estava habituado no Rock pela presença de numerosos offbeats. Então, uma música como "That's Not Me", que alguns meses antes seria um clássico do pop/rock adolescente (também é cantada por Mike Love), está claramente fora do comum. Resumindo, Brian gosta de nos surpreender em meio às suas melodias falsamente inocentes (“I'm Waiting For The Day”). E para mostrar sua habilidade, vamos ouvir os instrumentais "Let's Go Away For Awhile" e "Pet Sounds". Não é rock, nem pop, é outra forma de música original, uma nova linguagem, mas longe de ser dissonante, como o que George Gershwin havia realizado em seu tempo.
"I Know There's An Answer" e "Here Today" mostram que os vocais mais clássicos de Mike Love também podem combinar com esses arranjos originais e exuberantes. A primeira certamente pode ser incluída entre as 5 melhores músicas do álbum, possuindo o dinamismo e a pegada de "Wouldn't It Be Nice" e "God Only Know", apesar dos arranjos um pouco mais estranhos. Nesta coletânea de obras-primas do álbum, encontramos também a balada psicodélica "I Just Wasn't Made For These Times", cuja letra é, sem dúvida, a que melhor resume Brian Wilson, que expressa aqui todo o seu desconforto e sua dificuldade de adaptação ao mundo ao seu redor. Se os arranjos alucinatórios exigem algum tempo de adaptação, é difícil não se comover com essa confissão tão sincera. Mais sóbria, mas igualmente original no tratamento sonoro, “Caroline, No” é também uma balada muito bonita que encerra o álbum na perfeição.
Aclamado pela imprensa e pelo mundo da música contemporânea, o sucesso de Pet Sounds ficou longe de alcançar os trabalhos anteriores dos Beach Boys. É verdade que o resultado, muito denso, às vezes estranho em suas escolhas, nem sempre é muito fácil de acessar e deve ter sido ainda mais em 1966. Esse semi-fracasso foi muito doloroso de conviver para Brian, que se sentiu incompreendido. Embora tenha sido posteriormente reavaliado pelo público, que o tornou um álbum multiplatina, é preciso admitir que ele pode parecer kitsch e sobrecarregado para muitos ouvintes, e certamente é preciso um pouco de perseverança para se deixar levar e descobrir sua riqueza. E embora possamos sempre preferir a originalidade mais despojada e sutil das obras contemporâneas dos Beatles, e esteja claro que a música de Brian Wilson envelheceu um pouco mais, seria injusto não dar a ela a atenção que ela merece.
Títulos: 1. Wouldn't It Be Nice 2. You Still Believe in Me 3. That's Not Me 4. Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder) 5. I'm Waiting for the Day 6. Let's Go Away for Awhile 7. Sloop John B 8. God Only Knows 9. I Know There's an Answer 10. Here Today 11. I Just Wasn't Made For These Times 12. Pet Sounds 13. Caroline, No
Músicos: Brian Wilson: vocais, piano, baixo (3) Carl Wilson: vocais, guitarra (3,8) Mike Love: vocais Al Jardine: vocais Dennis Wilson: vocais, bateria (3) Bruce Johnston: vocais + The Wrecking Crew incluindo: Glen Campbell: guitarra, banjo Carol Kaye: baixo, guitarra Hal Blaine: bateria, percussão Jim Gordon: bateria Jim Horn: saxofone, clarinete, flauta Jerry Cole: guitarra Billy Strange: guitarra Al De Lory: teclados Larry Knechtel: teclados ….etc
No final de 2024, eu era o que se chamaria de nerd do RYM, achando que era melhor do que todo mundo por ouvir gente como Radiohead e Björk. Durante esse tempo, estávamos de férias no Canadá e, em uma ocasião em particular, consegui o sonho de todo garoto de 15 anos: o cabo auxiliar. Depois de algumas músicas do Smiths e algumas faixas do Pixies, decidi mostrar meu verdadeiro conhecimento musical. Apertei o play na linda Refractions in the Plastic Pulse, uma festa de drogas de 17 minutos e meio. Dez minutos e uma pancada na cabeça do meu irmão depois, estávamos ouvindo Sabrina Carpenter. Após o trauma da minha péssima habilidade com o auxiliar e uma viagem de duas horas até as Cataratas do Niágara, o Stereolab deu um passo para trás na minha seleção musical por um tempo. Então, há pouco tempo, não consegui evitar a empolgação quando o anúncio do primeiro álbum deles em 15 anos foi lançado. Evitei os singles para ter uma experiência totalmente nova.
No estilo habitual do Stereolab, Instant Holograms on Metal Film abre com uma coleção única e fascinante de bloops e bipes de sintetizadores antes de uma transição repentina para Aerial Troubles . A faixa apresenta uma variedade de harmonias vocais, complementando lindamente a paisagem sonora geral. Uma performance sonoramente impressionante, Aerial Troubles combina piano, sintetizadores atmosféricos, looping, guitarra metálica e bateria metronômica com uma melodia fluida. Com um amanhecer tão impressionante como este, eu estava pronto para mais. Melodie is a Wound tem um efeito vocal intrigante, com uma leve reverberação na primeira palavra de cada linha, antes de retornar com cada enunciação reverberando. O instrumental é bonito e eu me pego adorando o uso do piano ao longo deste disco. Infelizmente, não sinto que a melodia deslize pela paisagem sonora tão bem quanto a faixa anterior. Pouco antes do encerramento, os vocais incorporam inflexões mais agudas com uma entrega mais direta, aprimorando a coesão de Melodie is a Wound. A terceira faixa de Instant Holograms on Metal Film encerra com um instrumental grooveado de três minutos de duração, com instrumentos de sopro, sintetizadores monótonos e quase tudo o que você possa imaginar além de vocais. Immortal Hands é alucinante desde os primeiros dez segundos. Guitarras acústicas repletas de reverberação e um piano sombrio e repetitivo lançam a faixa em uma doçura sombria. Ela soa como uma fusão improvável de Desertshore , de Nico, e Street Spirit (Fade Out), de Radiohead . Uma bateria simples e sutil se mistura com um baixo sempre longo e direto. Algumas das letras mais impressionantes do Stereolab aparecem em Immortal Hands :
“Muito além do que podemos controlar, além das histórias que nos contam. Arranha-céu do ego ereto e desmontável. Niilista e vulgar, além do que eu poderia segurar com as duas mãos”, com algumas frases finais antes de uma sessão instrumental meditativa e espiritual, até que uma batida disco instantânea se revela com sintetizadores espaciais e uma breve pausa de piano antes do próximo segmento. Vermona F Transistor foi a primeira música da qual não absorvi muito... até os dois minutos. A tomada vocal menos fascinante e o instrumental insosso até então se transformaram em uma melodia enérgica e inspiradora. O uso do saxofone é uma excentricidade notável que o Stereolab incluiu neste disco e eu adoraria ter ouvido mais. Le Cœur Et La Force vê a banda retornar ao que eu os conhecia: harmônicos hipnóticos, melodias magníficas e instrumentais irresistíveis. Um herói desconhecido até agora tem sido a mixagem, camadas vindas de todas as direções e realçando as características especiais de cada camada. Eu pude ver como o Electrified Teenybop! apela para alguns, embora não seja minha praia... foi o que pensei a princípio. Boops imutáveis e caóticos lideram as linhas, soando como se R2D2 fosse um pouco fã demais de xingamentos. Ele assume o controle da sua mente e força você a amá-lo; é tão agradável. Mudando de marcha, um baixo picado e firme segura Transmuted Matter. Um vocal falado se casa com uma voz operística voando acima da aura arejada da música. Eu pessoalmente não acho essa faixa particularmente atraente. Além do baixo marcante, é tão sem graça quanto o Stereolab consegue. O que significa que não é sem graça, mas não está à altura do padrão deles, e, para mim, toda a segunda metade fica aquém da primeira. O sol e os pirulitos retornam em If You Remember I Forgot How to Dream Pt.1 . Seu conteúdo lírico descomplicado é compensado por sua vibração inegavelmente feliz: um encerramento jazz-pop com toques de psicodélico e satisfação.
Por mais longo que seja o Instant Holograms on Metal Film , o Stereolab nunca perde o fôlego, com ideias e inspiração transbordando em cada faixa. Mesmo quando a qualidade cai, nunca é longo o suficiente para perder o interesse. Desde o evento traumático de tocar Stereolab no auxiliar, cresci como pessoa e me tornei um autoproclamado nerd musical. Este disco tem faixas acessíveis? Talvez. Vou tocá-lo no auxiliar? Com certeza, este disco tem um equilíbrio perfeito entre o estranho e o maravilhoso, o universal e o único. E pelo menos nenhuma música tem 17 minutos de duração...
Aqui temos o 11º LP de estúdio do mestre de cerimônias/produtor de Nova York Aesop Rock . Universalmente reverenciado por seu enorme vocabulário, o homem lançou um punhado de essenciais do hip hop underground ao longo das décadas, seja seu catálogo solo ou sua participação em grupos como Hail Mary Mallon ou Malibu Ken . Quanto ao seu material solo: recomendo seu segundo esforço e estreia na Definitive Jux Records , Labor Day, ao lado de The Impossible Kid , que foi seu segundo álbum com a Rhymesayers Entertainment, com quem Aesop se estabeleceu por mais de uma década neste momento. Blockhead produziu completamente Garbology para aclamação e a Integrated Tech Solutions rapidamente recebeu o mesmo amor The Impossible Kid , retornando para uma viagem ao Black Hole Superette .
"Secret Knock" abre a loja com um instrumental peculiar e futurista de produção própria aconselhando a andar com ele e optando por não ir em qualquer sinal tomando em suas próprias mãos enquanto "Checkers" trabalha em elementos de assunto abstrato consciente, ambiente espacial, boom bap e illbient que fez para um single principal promissor. "Movie Nights" aumenta ainda mais as influências do boom bap falando sobre seu cachorro de olhos azuis e seu gato antes do "EWR - Terminal A, Gate 20" movido a sintetizadores explicando que vândalos são incomuns agora.
Armand Hammer se junta a Aesop na colaboração "1010WINS" levando suas canetas conscientemente abstratas para novos terrenos um com o outro em um híbrido de rap rock/boom bap enquanto "So Be It" com Open Mike Eagle encontra os dois aconselhando a não olhar para baixo, ficar parado e deixar as coisas caírem. "Send Help" adota uma abordagem mais jazzística de boom bap em seu som e, ao mesmo tempo, entra no nerdcore, pouco antes de "John Something" trazer música lounge, relembrando um homem chamado John que ele conheceu há 3 décadas, fazendo referência ao membro do Hall da Fama da WWE, Muhammad Ali.
"Ice Sold Here" descreve intrincadamente o quão frio ele é de muitas maneiras diferentes, enquanto a funky "Costco" fala sobre a rede de lojas de varejo de grandes armazéns exclusivas para associados, operada pela corporação multinacional. "Bird School" dá um toque nebuloso ao boom bap, ostentando sua bruxaria aparecendo no Atmos e todos os outros praticando, mas então "Snail 0" quer saber o que diabos ele deveria fazer com esse saco cheio de caracóis que ele tem.
Lice se encontra com Lupe Fiasco.em "Charlie Horse" avisando que todos em seu caminho devem ficar o mais longe possível das ruas enquanto "Steel Wool" reflete sobre ir de combinar cereais e desenhos animados nos anos 80 para entrar em pânico em uma sala de guerra aumentando as vibrações peculiares do boom bap. "Black Plums" aborda o tema da jardinagem admirando a maneira como suas frutas estão ficando mais gordas a cada verão e se tornando uma quantidade minúscula de matéria enquanto "The Red Phone" fala sobre ser o guardião das chaves.
"Himalayan Yak Chew" empurra mais para baixo nos últimos 10 minutos ou mais do álbum descrevendo peixes pulando em seu barco sempre que ele empurra para fora do cais sem nem mesmo pegar um único pato em uma fileira, além de ter um cavalo no caminho quando ele pega seu carro sem ter 1 na corrida e "Unbelievable Shenanigans" com Hanni El Khatib no outro relembra um hamster que ele teve quase 4 décadas atrás chamado Elizabeth, bem como falando sobre o universo nada se não for o forro de prata enfiado em compartimentos.
Mergulhando nas forças invisíveis que moldam nossas vidas e psiques, Black Hole Superette se tornará uma das obras mais tecnicamente completas de Aesop Rock em toda a sua discografia. As estruturas experimentalmente complexas de suas batidas, inspiradas ainda mais no space ambient, boom bap, jazz rap, rap rock e illbient, contribuem para isso tanto quanto suas letras conscientemente abstratas e, às vezes, nerds, retratadas da perspectiva de um cientista louco que enxerga o panorama geral dos pequenos momentos de nossas vidas que acabam sendo esquecidos.
De sugestões sobre qual mochila comprar a uma sensação de independência diante da adversidade, o Sparks está enfrentando o desafio do Mad! Eles estão em um estado de espírito refletido no título deste último álbum de estúdio, mas sua leitura única do mundo, aquele toque de som pop eletrônico, é o que separa sua raiva de uma raiva mais convencional. Seu álbum anterior, The Girl is Crying in Her Latte, avaliou as razões para essas lágrimas, o porquê de onde vem nossa raiva. Pareceu uma despedida suave para a dupla, com Ron e Russell Mael não deixando nenhuma sugestão de outro álbum para seguir seu esforço de 2023, que terminou com o bastante revelador Gee, That Was Fun. E foi, e a emoção da criação mantém o Sparks no mercado por mais uma rodada. Se eles estão furiosos ou insanos com este lançamento, depende do ouvinte.
A música de abertura Do Things My Own Way continua sendo uma peça desafiadora, com a banda desejando um caminho de independência antes que o hiperespecífico JanSport Backpack siga em frente. Esses dois singles servem como momentos experimentais para o Sparks, que está mais ansioso do que nunca para encontrar uma nova direção para seu som, para entender o som despojado que está desenvolvendo. Embora JanSport Backpack possa apresentar uma enxurrada de gagueiras instrumentais, o refrão pesado e os ecos dos compassos finais, é uma sugestão de estilos mais leves, de uma base instrumental esparsa sobre a qual a banda pode construir e moldar facilmente em novos tons ao se apresentar ao vivo. O clima é tudo para Mad!, e uma música como Hit Me, Baby demonstra isso. Instrumentais pesados, arestas irregulares e material enervante são o que a dupla oferece aqui, e é emocionante, uma escolha consciente, retornar às profundezas de sua discografia e aprender uma ou duas lições de seus dias com muitos sintetizadores.
Eles aplicam bem esses novos sons e tons antigos, melhor de tudo em Running Up a Tab at the Hotel for the Fab. Sons assustadores e uma aguda sensação de horror são o que a dupla desenvolve aqui. Momentos de loucura no impacto relâmpago de adições instrumentais eletrônicas. Sparks transforma sua discografia em um sítio arqueológico e joga tudo o que tem em Mad! Pode ser uma audição confusa às vezes, mas com certeza é divertida. My Devotion ouve a banda tentar manter um estilo vocal mais simples, a chance de tocar o amor duradouro, mas parece deslocado em um álbum repleto de experimentação frenética de sons antigos e ideias novas. Justamente quando parece que a dupla está se perdendo, se envolvendo em uma viagem por estradas nostálgicas, eles se lançam no acostamento de tons mais simples, objetivos mais suaves e intenções honestas. In Daylight recupera os pequenos amassados no veículo Mad!, um pop charmoso e aberto que abraça o futuro.
Sparks ainda mantém aquele capricho, o estilo fora do comum que os manteve relevantes e empolgantes por mais de cinco décadas de trabalho. Você pode ouvir isso em "I-405 Rules". Mas eles estão ansiosos para mostrar que têm um ouvido para o sinistro, para os horrores macabros e orquestrais que se insinuam em nossas vidas em tempos de crise. "A Long Red Light" destaca isso melhor de tudo, um magnífico estágio final de Mad! que funde o desejo de ser pioneiro e explorar o futuro, mas encontra lições instrumentais de um período controverso. Com tons agradáveis e consistentes de uma dupla lendária, Mad! pode não encontrar nem mania nem indignação, embora ilumine sua gama de estilos; a viagem emocionante por uma discografia repleta de momentos fascinantes é uma jornada bem-vinda.
Há muito tempo eu esperava por uma estreia mais completa do Stratford Rise. Com seus dois singles anteriores provocando uma fascinante mistura de influências, estabelecendo acampamento em algum lugar entre o funky, o punk technicolor e torrentes infernais de ruído, eu só podia esperar que essas quatro novas ofertas oferecessem uma gama de sons igualmente eclética e emocionante. Infelizmente, meus ouvidos não se prepararam para o quão aterrorizante e emocionante essa fera é.
Gunshow é tão explosivo quanto o título sugere, armado com um riff de guitarra escaldante e um groove de bateria militante que mantém sua atenção cativa enquanto eles repetidamente o destroem até virar uma polpa. Embora ofereça um breve reprise enquanto se dissolve em uma ponte milagrosamente bela e exuberante, a banda só quer que você esteja lúcido para o momento bombástico em que o baixo milagrosamente se transforma em pura lama nuclear. Ao longo deste EP, a banda mantém um tremendo equilíbrio entre interação dinâmica, experimentação textural e performance emocionante, sempre garantindo que você sue junto com eles, e nenhuma música faz isso tão bem quanto Prone , uma música tão repugnantemente alta e desequilibrada que deixaria Most Normal tímido. O ritmo instável e a distorção intensa são rápidos para causar um curto-circuito em qualquer sensação de conforto restante em você, os vocais maníacos de Orion praticamente sufocam enquanto lutam para permear a barragem de ruído, mas tenho certeza de que há outros ouvintes tão masoquistas quanto eu que encontrarão apenas vantagens aqui.
As músicas restantes oferecem um alívio marginalmente maior do que a combinação de abertura um-dois, optando por um som mais matemático e fractal, Machine to Water em particular apresentando uma das composições mais hipnotizantes do EP, seu strobe-panning entre as três guitarras ao mesmo tempo estonteante e desconfortável. A síncope firmemente enrolada mantém você perpetuamente tenso, e a ansiedade gradualmente se instala à medida que esse equilíbrio cuidadoso começa a funcionar mal. As guitarras começam a se morder, e a música continua a se canibalizar à medida que a mixagem se torna cada vez mais cacofônica, disparando descontroladamente em direção à massa crítica até atingir um limite cataclísmico. A conclusão desta música é nada menos que espetacular, mas eu não ousaria estragar a surpresa para ninguém, apenas confie à banda para tratá-lo como bem entender.
Sem dúvida, este EP precisa ser ouvido para ser acreditado, e claro, talvez um aviso de "cuidado, comprador" pudesse salvá-los de quaisquer reclamações de zumbido ou náusea, mas todas as boas emoções precisam de algum perigo real. Stratford Rise realmente se esforçou ao máximo para garantir que cada momento fosse explosivo, para projetar cada tom e textura para rugir com agressividade, para tocar como se suas vidas estivessem em jogo. Se você gosta que sua música realmente o leve ao limite, então este é um must listen, extremo em todos os sentidos.
Beat Club International, V/A (LP Die Volksplatte – SMVP 6064, 1966).
LP considerado raro.
Género: Rock, Beat, Garage Rock.
“Beat Club International“ é uma excelente compilação que reúne alguns dos maiores sucessos “beat” da época, interpretados por vários grupos pop/rock do norte da Europa (Suécia, Dinamarca, Holanda) como, The Shanes, Dutch Beat College, Namelosers, Sir Henry and his Butlers, entre outros.
Faixas/Tracklist:
A1 - The Shanes - Sha La La La Lee (Lynch, Shuman)
A2 - Sir Henry and His Butlers - By The Light Of The Silvery Moon (Edwards, Madden)
Trata-se de uma excelente compilação que reúne temas de "pop/rock" e da corrente denominada por "movimento beat" chileno dos anos 60. Aqui poderemos encontrar grupos como Los Larks, Frutos del País, Los Jockers, Los Beat 4 ou Los Mac's.
Faixas / Tracklist:
1.- Llora conmigo – Los Beat 4
2.- Ya no eres de mí – Los Beat 4
3.- Abandonados igual que tú – Los Beat 4
4.- Fm y Cia – Los Mac’s
5.- El Evangelio de la gente sola – Los Mac’s
6.- La muerte de mi hermano – Los Mac’s
7.- Nueva sociedad – Los Jockers
8.- De repente tú me amas - Los Jockers
9.- Debes ser libre – Los Jockers
10.- Al lado – Los Lark’s
11.- Chao amigos – Los Lark’s
12.- Música para ver pasar a las muchachas – Los Lark’s
13.- Tarde triste – Frutos del País
14.- Y volar y volar – Frutos del País
15.- La bicicleta – Frutos del País
16.- Al llegar el verano – Los Beat 4
17.- Dame un bananito – Los Beat 4
18.- No pisen las flores – Los Beat 4
19.- Alegre sensación – Los Mac’s
20.- Baila – Los Mac’s
21.- Corazones y flechas – Los Mac’s
22.- Todo termina – Los Beat 4
23.- Espérame siempre – Los beat 4
24.- Qué culpa tenemos nosotros – Los Beat 4
25.- San Francisco – Los Lark’s
26.- Hi ho a go go – Los Lark’s
27.- Juegos barrocos – Los Lark’s
28.- Pompa y circunstancia – Frutos del País
29.- Es para ti – Frutos del País
30.- Todavía te quiero – Frutos del País
(Algumas das faixas foram retiradas do vinil e posteriormente masterizadas por Carlos Santos).
