Nº1 We Are The World, USA For Africa — Abril 27, 1985

 Executive producer: Ken Kragen

Track listing: We Are the World [USA tor Africa] / If Only for a Moment Girl [Steve Perry] / Just a Little Closer [The Pointer Sisters] / Trapped [Bruce Springsteen & the E Street Band / Tears Are Not Enough [Northern Lights (Canadian All Stars)] / 4 the Tears in Your Eyes [Prince and the Revolution] / Good for Nothing [Chicago] / Total Control [Tina Turner] /A Little More Love [Kenny Rogers] / Trouble in Paradise [Huey Lewis and the News]

27 de abril de 1985
3 semanas

Em 28 de janeiro de 1985, por volta das 22h, algumas das maiores estrelas do mundo pop começaram a chegar ao A&M Studios, em Hollywood. A cerimônia do American Music Awards havia acabado de terminar no Shrine Auditorium, mas seria mais do que apenas mais uma festa pós-premiação. Naquela noite, a multidão reunida de 45 músicos, incluindo Michael Jackson,

Lionel Richie, Bruce Springsteen, Diana Ross, Stevie Wonder e Bob Dylan se reuniram para gravar “We Are the World”, uma música escrita por Jackson e Richie para ajudar o combate à fome na África.

Foi o veterano artista Harry Belafonte quem teve a ideia inicial de um projeto americano para ajudar a combater a fome. Belafonte ficou impressionado com os esforços de Bob Geldof, ex-vocalista do Boomtown Rats, que organizou a união de artistas conhecida como Band Aid. O single do grupo, "Do They Know It's Christmas?", vendeu mais de um milhão de cópias no Reino Unido.

"Eu tinha falado com Geldof", diz Belafonte. "Eu disse que achava que deveríamos fazer isso nos EUA." Belafonte então telefonou para seu empresário Ken Kragen, que convocou seu cliente Richie. Richie pediu a Wonder para assinar, enquanto Belafonte contatou Quincy Jones para produzir o disco. Jones, por sua vez, convidou Jackson para participar. "Inicialmente, quando liguei para Ken Kragen e Quincy, pensei que faríamos isso com cinco ou seis dos principais artistas negros — com Lionel, Stevie Wonder e Ray Charles. Eu nem sabia se conseguiríamos trazer Michael. O fato de ter florescido nessa resposta multicultural e multirracial foi muito comovente", diz Belafonte.

A maioria dos talentos reunidos, que também incluía Billy Joel, Lindsey Buckingham, do Fleetwood Mac, e Geldof, era de primeira linha. Aliás, pelo menos 18 artistas do projeto já haviam participado de álbuns que alcançaram o primeiro lugar. "Gravar aquela música com todas aquelas pessoas foi uma das experiências mais incríveis da minha vida", diz Kenny Rogers, cuja partitura foi autografada pelos outros participantes da sessão que durou a noite toda.

Mas nem todos os astros que queriam participar puderam comparecer às sessões. "Muitas outras pessoas sentiram que queriam contribuir", diz Belafonte. "Então, discutimos e concordamos que aceitaríamos o material que nos enviassem e o incluiríamos em um álbum que refletisse o apoio deles à luta contra a fome."

Alguns artistas, como Springsteen, Huey Lewis, Steve Perry, do Journey, Rogers e Tina Turner, fizeram dupla função, cantando em "We Are the World" e também oferecendo gravações raras. Outros artistas, como Chicago e Prince & the Revolution, contribuíram com músicas, mas não apareceram no single. Um grupo de artistas canadenses conhecido como Northern Lights, que incluía estrelas como Bryan Adams, Gordon Lightfoot e Neil Young, também gravou um hino para o álbum.

Em 13 de abril, "We Are the World" alcançou o primeiro lugar na Billboard Hot 100. Duas semanas depois, o álbum alcançou o topo. Em 1995, o projeto We Are the World havia arrecadado mais de US$ 100 milhões.

“Deixou os artistas que participaram orgulhosos”, diz Belafonte. “Mas, o mais importante, aumentou a conscientização global sobre uma questão que as pessoas de fora da África estavam ignorando.”

OS CINCO MELHORES
da semana de 27 de abril de 1985

1. We Are the World, USA for Africa
2. No Jacket Required, Phil Collins
3. Born in the U.S.A., Bruce Springsteen
4. Beverly Hills Cop, Soundtrack
5. Centerfield, John Fogerty

Thomas Dolby : Astronauts & Heretics

 

Os anos 80 já eram uma lembrança distante quando o hair metal deu lugar ao grunge, então onde isso deixou um inovador como Thomas Dolby? Mais recentemente, ele fez uma ponta como o mestre-escola na encenação estelar de Roger Waters de " O Muro de Berlim", que ele realmente conseguiu. Enquanto isso, em "Astronauts & Heretics", ele continuou a criar um pop acessível e peculiar, colorido por sintetizadores, mas não dominado por eles.

"I Love You Goodbye" nos leva ao pântano — literalmente, com não apenas as lendas cajun Michael Doucet e Wayne Toups na faixa, mas também percussão pantanosa e efeitos sonoros. É uma mistura musical maravilhosa que infelizmente não permeia o álbum, mas é uma ótima maneira de começar, e pelo menos não desgasta seu apelo. Duas músicas bem curtas seguem; "Cruel", basicamente um dueto com Eddi Reader, é uma mudança de ritmo muito mais suave, então o violino de Michael Doucet (e um pouco daquela percussão) retorna para colorir o alegre "Silk Pyjamas". "I Live In A Suitcase" soa mais como seu período da Terra Plana , embora um pouco mais contemporâneo.

Já que estamos olhando para trás, o barulhento "Eastern Bloc" é apontado como "Sequel To Europa And The Pirate Twins , 1981", o que é óbvio no segundo verso. É um retorno ao passado, mas não uma repetição, particularmente com Eddie Van Halen na guitarra solo. Eddie também toca em "Close But No Cigar", mas nos perguntamos quanto custou para obter o sample ostensivo dos Beatles. Ele depende um pouco demais do título para o conteúdo lírico, mas conduz bem para o ligeiramente retrô "That's Why People Fall In Love", este com harmonias de Ofra Haza. O clima cai drasticamente para "Neon Sisters", prefaciado por uma dedicatória dramática e com a participação de alguns membros do Siouxsie's Banshees. Considerando os tempos, não está claro se o tema da música sucumbiu à AIDS ou ao vício, mas é assombroso mesmo assim. Tivemos muito pop até agora, e então “Beauty Of A Dream” fornece uma conclusão atemporal, com o prazer adicional de Bob Weir e Jerry Garcia na faixa.

Os elementos que compõem o álbum fazem de Astronauts & Heretics uma surpresa agradável. É bem cativante, com suas excentricidades do passado completamente atenuadas. Fica a impressão de que ele estava mais preocupado em fazer um álbum que quisesse, repleto de sua lista de desejos de colaboradores. Ele então se afastou deliberadamente da busca pelas paradas pop para explorar mais as possibilidades da música na indústria da computação. O que fazia todo o sentido.

Fairport Convention : What We Did On Our Holidays

 

As bandas precisavam trabalhar rápido no final dos anos 60, muitas vezes conciliando shows com trabalho de estúdio e membros rotativos. Quando seu primeiro álbum saiu, o Fairport Convention já havia dispensado a vocalista Judy Dyble, substituindo-a por Alexandra Denny, e isso fez toda a diferença. Conhecida para sempre como Sandy, ela já havia escrito uma música que foi regravada por Judy Collins, da qual falaremos em breve. Ian Matthews ainda estava na banda, mas foi a presença de Sandy, por meio de sua voz rica, que impulsionou o som de What We Did On Our Holidays . (Este foi o primeiro álbum do Fairport lançado nos EUA, usando a capa mostrada, mas sem título além do nome da banda. Para simplificar, estamos usando o título britânico, já que é assim que todos o conhecem agora.)

Ela deixa sua marca logo de cara com "Fotheringay", uma canção original que parece existir há séculos. Este retrato assombroso de Maria, Rainha da Escócia, aprisionada em um castelo, é ofuscado pelo blues de 12 compassos de "Mr. Lacey". (O personagem-título era um artista excêntrico, ator ocasional e inventor, cujos robôs podem ser ouvidos fazendo um solo próprio após o intervalo da guitarra.) Algo de meio-termo feliz é alcançado na melancólica "Book Song", que incorpora harmonias vibrantes, guitarra elétrica e até cítara. Sandy está sozinha com a guitarra slide de Richard Thompson em algum lugar em um campo para cantarolar "The Lord Is In This Place… How Dreadful Is This Place", um longo interlúdio antes da versão mais rock de Ian para "No Man's Land", na qual Richard toca um acordeão. Tudo realmente se encaixa em "I'll Keep It With Mine", de Dylan, que eles provavelmente aprenderam da versão de Judy Collins, mas harmonizaram maravilhosamente.

Tocar uma música obscura de Joni Mitchell foi um golpe, já que sua versão própria de "Eastern Rain" só surgiria meio século depois, e aquelas eram dos seus tempos de cafeteria. O arranjo de Fairport é meteorologicamente evocativo, com guitarras aceleradas entrando e saindo da mixagem. "Nottamun Town" recupera a melodia que Dylan pegou emprestada para "Masters Of War" e lhe confere um arranjo quase raga para violão com harmonias. Em contraste, há o cravo tilintando ao longo de "Tale In Hard Time", outra forte canção original de Richard. Voltamos ao tradicional com a maravilhosa interpretação de Sandy de "She Moved Through The Fair", que é uma preparação maravilhosa para a imortal "Meet On The Ledge" de Richard. Ainda cantada hoje no encerramento de inúmeros festivais folk, essa contemplação sobre amigos perdidos, a infância e o futuro nunca deixa de comover. Torna o instrumental de encerramento "End Of A Holiday", de Simon Nicol, ainda mais impactante.

Embora ainda esteja por toda parte, "What We Did On Our Holidays" é um grande salto em relação ao primeiro álbum da banda. As coisas estavam começando a se encaixar, e mal tinham saído do papel. (O CD expandido lançado posteriormente no exterior incluía três faixas bônus: o lado B blues "Throwaway Street Puzzle", "You're Gonna Need My Help", de Muddy Waters, de uma sessão da BBC, e a faixa descartada "Some Sweet Day".)

Dwight Twilley : Scuba Divers

 

Falando em Phil Seymour, ele conseguiu um contrato solo com a Boardwalk Records, a nova gravadora fundada por Neil Bogart depois que ele teve Casablanca tirado dele. Phil fez dois álbuns seguidos, cada um com motivos listrados marcantes (e a capa de Phil Seymour 2 era inteligente à sua maneira). O primeiro teve a ajuda de Bill Pitcock IV e mixou originais, incluindo o hit leve "Precious To Me", com covers e contribuições de Dwight Twilley e da futura Go-Go Kathy Valentine, enquanto o segundo ostentava o primeiro lançamento oficial de "Surrender" , de Tom Petty , e um remake de "Looking For The Magic" . Infelizmente, ele simplesmente não era um frontman.

Mas para aqueles que amaram os dois álbuns da Dwight Twilley Band, foi preciso suportá-los enquanto Dwight esperava seus próprios problemas com a gravadora. Quando Scuba Divers finalmente apareceu, após um atraso de dois anos, suas intenções originais haviam sido reformuladas, embaralhadas e, às vezes, deixadas de lado. Quatro outros produtores, além dele, foram creditados. Ele havia atualizado apenas ligeiramente seu som para atender aos padrões da new wave, mas a arma secreta era o dom harmônico de ninguém menos que Susan Cowsill. (Seu irmão John também tocava bateria.)

Na verdade, "I'm Back Again" poderia aludir à sua ausência forçada, mas no geral é mais um refrão cativante com toques que lembram Petty. "Somebody To Love" havia sido um single teaser três anos antes; aqui, foi remixado e um verso foi adicionado, mas ainda é ótimo. Um título como "10,000 American Scuba Divers Dancin'" nem sempre é um bom presságio, mas há uma vibe divertida de verão na música. "Touchin' The Wind" tem um começo relativamente tranquilo, mas uma vez que as palmas começam, elas não param. O riff ameaçador de "Later That Night" grita homenagem a um acidente de carro de grupo feminino, como um Jim Steinman menos prolixo.

Não fosse a produção e o chocalho, "I Think It's That Girl" poderia quase ser beatleesco, e realmente precisamos destacar Susan Cowsill novamente pelo que ela acrescenta a essas músicas. Embora tenha um piano rolante em "Say You Love Me", do Fleetwood Mac, "Dion Baby" é uma homenagem sorrateira à sua filha recém-nascida. Além disso, a mixagem obscurece completamente a letra de "Cryin' Over Me", que soa como uma prima de "Feeling In The Dark" , e "I Found The Magic" é uma espécie de continuação da superior "Looking For The Magic". "Falling In Love Again" tem um leve brilho dos anos 50, levado ao próximo nível com o solo de sax estridente de Steve Douglas.

Apesar do single e de alguma exposição na MTV, "Scuba Divers" não estourou nas paradas. Talvez as pessoas já estivessem ocupadas com Marshall Crenshaw. Mas ele continuou assim mesmo. Há muito o que aproveitar aqui.

Jane’s Addiction : Jane’s Addiction

 

Atravessando as cenas do hair metal e do grunge da virada dos anos 80 para os 90, o Jane's Addiction foi uma das bandas mais marcantes da época. Dominados pelo artista e poeta Perry Farrell, com sua voz de banshee e autointitulado slasher, era fácil esquecer que os outros três membros eram músicos tão coesos e criativos quanto seus concorrentes.

Mas antes de alcançarem o disco de platina, eles tiveram que começar de algum lugar, e seu álbum de estreia homônimo, lançado por uma pequena gravadora de Los Angeles, nunca saiu de catálogo. Coproduzido pelo cara que levaria o catálogo dos Beach Boys para a era digital, o álbum foi gravado principalmente ao vivo no Roxy e com muitos overdubs.

Com uma pausa de bateria já patenteada por Pete Thomas , "Trip Away" explode, fornecendo uma barragem constante de funk até um desvio inesperado para uma seção intermediária mais temperamental que leva de volta ao riff principal. O guitarrista Dave Navarro deixa sua marca aqui. A introdução de baixo de Eric Avery em "Whores" fornece outro tipo de modelo de banda, tanto em estrutura quanto em palavrões. O andamento parece um pouco instável no início de "Pigs In Zen" - algo que não esperaríamos de Stephen Perkins - mas encontra seu caminho e sua dinâmica, pelo menos até Perry começar a gritar seu palavrão favorito. "1%" é uma música de protesto, não que você pudesse dizer pela letra enterrada, e o ataque diminui para o excessivamente romântico "I Would For You".

Mesmo naquela época, a banda tocava sets acústicos, além de elétricos, e "My Time" proporciona uma transição cativante para o lado dois. Tem até uma gaita. "Jane Says" consegue se manter interessante apesar de ter apenas dois acordes, mas está longe de ser a melhor interpretação da música. Qualquer banda jovem precisa tocar covers, e sua interpretação de "Rock & Roll", de Lou Reed , é reverente e inovadora, fluindo perfeitamente para "Sympathy" (como em "For The Devil" ). "Chip Away" fornece uma espécie de finalização, mas consiste principalmente em bateria jungle e efeitos vocais.

É provável que a maioria dos donos deste álbum o tenha adquirido bem depois de lançado, e considerando o catálogo limitado, ele seria estimado. Mas a banda ainda não havia chegado lá, embora não demorasse muito.

Paul McCartney : One Hand Clapping

 

Em 1974, era seguro dizer que Paul McCartney havia recapturado a estatura perdida desde que anunciara sua saída dos Beatles. Seu quinto álbum foi um sucesso estrondoso, e ele conseguiu renovar a formação dos Wings com o guitarrista Jimmy McCulloch e o baterista Geoff Britton, de olho em voltar à estrada. Tendo acabado de gravar o single "Junior's Farm", que logo se tornaria um sucesso, e ainda não prontos para começar o próximo álbum, a banda foi ao Abbey Road Studios por alguns dias para ser filmada, conversando e tocando músicas destinadas aos seus shows ao vivo, para um especial de TV intitulado One Hand Clapping . E, assim como projetos semelhantes iniciados por Paul nos anos 70, este foi concluído e prontamente arquivado. (Por um motivo, Geoff Britton mal durou além do final do ano, devido a conflitos pessoais com membros que não tinham o sobrenome McCartney.)

Como frequentemente acontecia, o áudio e o visual foram amplamente pirateados ao longo dos anos. Foi somente na segunda década deste século que Paul lançou oficialmente qualquer parte dele, com algumas músicas distribuídas em discos bônus em várias reedições da Archive Collection, e o filme completo em qualidade granulada no DVD da edição de 2010 de Band On The Run . Quatorze anos depois, esse álbum foi expandido pela enésima vez para seu 50º aniversário com uma mixagem bruta do álbum em uma sequência alternativa sem orquestrações. Então, alguns meses depois, One Hand Clapping foi finalmente lançado como um álbum oficial, remasterizado a partir das multifaixas originais, sem os diálogos que eram alternadamente pomposos, bêbados ou tediosos.

A faixa-título — ou música-tema, se preferir — não é muito mais do que uma simples jam, mas a partir daí, a banda passa por algumas seleções muito boas do catálogo, algumas das quais logo fariam suas estreias no palco. "Jet" é sempre fantástica, e "Soily" é muito próxima de como soaria em 1976. Depois do estranho medley de "C Moon" e "Little Woman Love", "Maybe I'm Amazed" ainda não está lá, mas sempre soaria melhor em um piano de cauda do que no piano elétrico usado aqui. O filme tinha apenas um trecho de "My Love"; aqui temos a tomada completa, com orquestra adicionada, Jimmy quase copiando o solo de seu quase homônimo Henry McCullough. "Bluebird" é um pouco mais elétrico, e Howie Casey entra para tocar sua parte de sax.

Um segmento do filme mostrou Paul de gravata e fraque tocando solo ao piano (de cauda); isso incluía breves interpretações de "Let's Love", que ele escreveu para Peggy Lee, a inédita "All Of You" e até mesmo "I'll Give You A Ring", que surgiria como lado B em 1982. Tanto "Band On The Run" quanto "Live And Let Die" recebem um impulso da orquestra sobreposta, e devemos mencionar em algum lugar que Linda conhece bem suas partes de teclado. "Nineteen Hundred And Eighty Five" [ sic ] não entraria em um setlist ao vivo até bem depois daquele ano, mas esta versão parcialmente karaokê sobre a faixa do álbum ainda é muito legal. A favorita de McCartney, "Baby Face", do segmento de piano e com instrumentos de sopro adicionados em Nova Orleans, acompanha o que seriam os créditos se você estivesse assistindo em vez de ouvindo.

É claro que muitas outras músicas foram gravadas ao longo do projeto, e o segundo disco do conjunto inclui uma pilha delas, incluindo algumas que não foram pirateadas. "Let Me Roll It" seria tocada em quase todas as turnês de McCartney até hoje. "Blue Moon Of Kentucky" estava no conjunto dos Wings antes que eles se cansassem de suas próprias músicas, e aqui Denny Laine tem a chance de brilhar na gaita. (Ele também canta "Go Now" perto do final do disco.) "Junior's Farm" e "Hi, Hi, Hi" são um sucesso estrondoso, mas "Wild Life" felizmente seria aposentada.

Outros trechos do segmento solo de Paul incluem "Power Cut" (de todas as coisas) no órgão, o próximo lado B "Sally G" no violão, a aparentemente improvisada "Love My Baby" no celeste, "Let It Be" no harmônio e um verso de "The Long And Winding Road" e "Lady Madonna" no piano. O mais impressionante talvez seja uma execução lenta e ardente de "Tomorrow" .

Em outra parte da filmagem, Paul tocou violão no jardim atrás do estúdio, para um documentário intitulado The Backyard . Essa parte também foi pirateada, mas no final, onze minutos da apresentação foram incluídos apenas em um disco de 7 polegadas enviado com a versão em vinil do álbum, encomendada diretamente de sua loja online oficial. Especialmente irritante é que havia bastante espaço para ela — e mais um pouco — no segundo CD. De qualquer forma, ele toca as inescrutáveis ​​"Blackpool", "Blackbird", "Country Dreamer" e três covers: "Twenty Flight Rock" e "Peggy Sue" e "I'm Gonna Love You Too", de Buddy Holly. (Essa parte foi disponibilizada para streaming cerca de um mês após o lançamento do álbum.)

Ainda assim, One Hand Clapping é um olhar fascinante sobre uma breve fase da carreira de McCartney. Dada a ausência prolongada e inexplicável de dois álbuns posteriores do Wings durante a expansão, é uma bela homenagem a Denny, que faleceu em dezembro de 2023. (O álbum também foi dedicado às memórias de Linda, Jimmy e do engenheiro Geoff Emerick.)

Jojo Effect - Not With Me (2007)

 

A banda Jojo Effect surgiu do projeto fundado em 2005 por Anne Schnell , uma cantora e compositora alemã, e os produtores Kitty the Bill , Maxim Illion (Club des Belugas) e Juergen Kausemann (da Chinchin Records). As faixas do Jojo Effect foram vendidas mais de 2 milhões de vezes, licenciadas mais de 300 vezes até agora em coletâneas como Café del Mar , Klassik Lounge , Brazilectro , Bar Lounge Classics … (para citar algumas) e para séries de TV e comerciais em todo o mundo.
A música do Jojo Effect pode ser classificada como nujazz, uma mistura de electrojazz, jazzdance, bossa, latin, jazzfunk e souljazz, muitas vezes lembrando Pink Martini. A banda que acompanha Anne Schnell é composta por magníficos artistas do mundo do jazz: Dirk Pätzold (bateria), Florian Beer (percussão), Franz Schnell (saxofone, flauta e teclado), Thomas Basy (piano), Christian Kraus (baixo) e Manfred Koller (guitarras).

Desde o lançamento de seu álbum de estreia, Not With Me , em 2007, seus trabalhos subsequentes foram muito bem recebidos: Ordinary Madness (2009), Marble Tunes (2011) e Smarter (2014). A chave para o sucesso reside na extraordinária capacidade de lidar com uma ampla gama de ritmos, juntamente com suas letras animadas, irônicas, engraçadas, sensuais e comoventes, que descrevem situações da nossa rotina diária, do amor e da vida, às vezes com um toque atrevido.
Como eles apontam em seu site, Jojo Effect "é um pacote de spa musical que todo bom médico e farmacêutico deveria recomendar para alegrar o humor " .

tracks list:
01 Stay Away from My Man
02 Not With Me
03 The Beat Goes On
04 Sing a Little Bit
05 Moods
06 Higher
07 Same Old Song
08 So What
09 Bado Baijo
10 La Fin Est Nulle
11 Mystery
12 Il Ne Reste Rien
13 Music Lifts Me Up
14 Mister Mista

Alsarah & The Nubatones – Manara (2016)

 

O conceito e a questão da identidade permeiam a música da cantora e compositora sudanesa Alsarah . De ascendência núbia e radicada na cidade de Nova York, Alsarah é uma etnomusicóloga apaixonada: seu olhar introspectivo, que abrange a complexa história artística e política da região africana que ela chama de lar, define tanto a artista quanto seu novo álbum, Manara ("O Farol").
Cantado alternadamente em núbio e árabe, Manara fala com força sobre deslocamento, desconexão diaspórica, sentimento sociopolítico e individualidade. Por meio de letras poeticamente abstratas, Alsarah e sua banda, The Nubatones , conseguem transmitir uma infinidade de emoções, folclore e paixões indígenas. Para isso, utilizam instrumentos ocidentais e africanos, incorporando sutis elementos eletrônicos. "Retropop da África Oriental" é como eles chamam sua música, embora Manara soe mais contemporâneo e global.

De qualquer forma, em tempos de crescentes restrições à imigração, é justo que a música nos lembre de um dos muitos aspectos positivos da união de pessoas de diversas origens: o enriquecimento que a diversidade traz.


Lista de faixas :
01. Salam Nubia
02. Asilah Interlude
03. Alforag
04. Albahr
05. Fulani Interlude 1
06. 3yan T3ban
07. Fulani Interlude 2
08. Ya Watan
09. Nar
10. Manara
11. 3roos Elneel
12. Asilah
13. Fulani
14. Safr Minni

Trio Da Kali & Kronos Quartet – Ladilikan (2017)

 

Ladilikan é uma deliciosa combinação de canções mandingo e estilos musicais contemporâneos e arrojados. Uma fusão ousada de tradições musicais ocidentais e africanas: a tradição griot maliense, representada pelo Trio Da Kali , e a tradição clássica moderna, representada pelo venerável Kronos Quartet , não estranho ao aventureirismo musical.
O Trio Da Kali , com Lassana Diabaté (balafon), Mamadou Kouyaté (ngoni) e a esplêndida cantora Hawa Kassé Mady Diabaté (com uma voz tão brilhante quanto a de seu pai, o lendário Kassé Mady Diabaté), não precisa de apoio externo para capturar suas vibrações mandingo; e o singular Kronos Quartet tem tanta experiência, incluindo sons africanos, que não precisa preencher seu currículo com obras convenientes. O encontro dos dois grupos no excelente álbum Ladilikan (To Promise or to Commit), graças à etnomusicóloga britânica Lucy Duran, é uma aventura espontânea, aparentemente há muito acalentada. O resultado é igualmente livre e, além disso, belo. Trio e quarteto dialogam em tons diferentes, mas com emoções semelhantes, criando um universo verdadeiramente expansivo.
Colaborações como a de Ladilikan frequentemente falham, pois as dificuldades de mesclar com elegância tradições musicais tão distintas podem sobrepujar as melhores intenções. Mas este não é o caso aqui. Ambas as tradições estão igualmente representadas; além das fronteiras culturais e linguísticas, instrumentos temperados ocidentais se misturam perfeitamente com instrumentos tradicionais africanos, criando um híbrido musical maravilhoso, envolvente, fascinante e irresistível.

Se é verdade que a música transcende fronteiras e nos conecta à nossa humanidade comum, então Ladilikan brilha como um exemplo maravilhoso de como colocar essa ideia em prática. Vivemos em tempos desafiadores, quando os velhos demônios do racismo, da xenofobia e da intolerância estão reaparecendo, justamente em um momento em que a humanidade como um todo enfrenta um desastre ecológico que ameaça nossa própria sobrevivência como espécie. Talvez colaborações como essa possam, à sua maneira, mostrar o caminho a seguir para todos nós.
Mais uma vez, o Kronos Quartet parece não ter limites em sua criatividade quando se trata de reinventar e adaptar repertórios de todas as origens e gêneros. Esta é a obra mais bela do quarteto, segundo seu fundador e diretor artístico, David Harrington.

tracks list:
01. Tita
02. Kanimba
03. Eh Ya Ye
04. Garaba Mama
05. God Shall Wipe All Tears Away
06. Samuel
07. Lila Bambo
08. Kene Bo
09. Ladilikan
10. Sunjata