PASSPORT ● Second Passport ● 1972

 

Artista: PASSPORT

País: Alemanha

Gênero: Jazz-Rock/Fusion

Álbum: Second Passport

Ano: 1972

Duração:  41:32

Esse segundo álbum do PASSPORT e do ás da saxofone Klaus Doldinger vem na sequência de uma banda, que em 1971, ainda tentava encontrar sua direção. Ao contrário do Jazz-Rock eletrônico mais refinado dos próximos álbuns, o som aqui está mais próximo do Fusion puro, e surpreendentemente descolado vindo de um quarteto de jovens alemães de aparência tão desalinhada.

Ainda faltava um certo foco nesta fase inicial e embrionária da sua carreira. Seriam necessários mais alguns álbuns para que a tecnologia alcançasse as ambições de Doldinger, a julgar pelo critério do conjunto limitado de teclados deste álbum: principalmente primitivo pianos elétricos e clavinetes, com algumas execuções modestas de sintetizadores e uma pequena flauta mellotron não creditada. A própria banda ainda precisava de um ajuste fino. A voz magra e limpa de Doldinger marca registrada do saxofone tenor/soprano é, como sempre, o eixo em torno do qual tudo funciona, mas a formação clássica do PASSPORT não surgiria até o álbum "Looking Through", dois anos depois. Em retrospecto, o elo fraco aqui talvez seja o baterista Brian Spring, um músico útil para a época, mas não páreo para a ágil pirotecnia de seu substituto, o incrível Curt Cress.

A música mostra uma vitalidade juvenil que ainda pode ser revigorante, desde o otimismo, a energia de bater os dedos da abertura do álbum "Mandragora" para a cortina brincalhona mais próxima "The cat from Katmandu"). "Fairy Tale" é uma luxuosa melodia tradicional bem conhecida, com uma vibração bossa-nova, e o solo de órgão exagerado de John Mealing sobre o lento e pesado tema "Registration O" não estaria fora de lugar em uma gravação inicial do CAN ou AMON DÜÜL. O lado B do álbum em particular estende-se mais, com espaço extra permitido para improvisação aberta.

Faixas:

01. Mandragora (3:46)

02. Nexus (5:23)

03. Fairy tale (7:32)

04. Get yourself a second passport (4:03)

05. Registration O (9:24)

06. Horizon beyond (6:46)

07. The cat from Katmandu (4:38)

Músicos:

• Klaus Doldinger: saxes soprano e tenor, piano elétrico, sintetizador

• John Mealing: piano elétrico, órgão

• Wolfgang Schmid: baixo

• Bryan Spring: bateria

ROCK AOR - Alibi - "Alibi" (1992)

 

País: Estados Unidos
Estilo: Hard Rock
Ano: 1992

Integrantes:

Wolfe - lead vocals
Billy J. - guitars, keyboards, backing vocals
Keith Sinnott - bass, backing vocals
Adam Scott - drums, backing vocals

Tracklist:

01. Blame It On Love
02. Don't Say No
03. Never Gonna Love You
04. The Candle Burns
05. Lonely Heart
06. Forever
07. Only The Young
08. United States of Anarchy
09. Back Home
10. Insane

ROCK AOR - Alias Smith & Jones - Demos

 

País: Estados Unidos
Estilo: Hard Rock
Ano: 1989

Integrantes:

Kevin Jones - lead vocals
Ed McCrary - lead guitars
Steve Smith - bass, guitars
Paul Wilson - drums

Tracklist:

01. Open Your Eyes
02. Strange Fascination
03. Lookin' For Love
04. Lovin' is Easy
05. You & Me
06. Never Let You Go
07. Live Forever
08. Far Away [live]
09. We Can Change the World
10. C'Mom Everybody [live]
11. Caught [Teri DeSario cover]
12. One More Time [live]
13. Crazy Woman [live]

MUSICA&SOM

Sharpie Smile – The Staircase (2025)

 

Sharpie Smile (Dylan Hadley e Cole Berliner, do Kamikaze Palm Tree) estouram com seu primeiro álbum completo – um disco pop contemporâneo exuberante e energizante, construído com uma produção eletrônica minimalista/máxima emocionante + sentimentos profundos.
…Kamikaze Palm Tree lançou dois álbuns. O segundo deles se chamava Mint Chip e foi lançado pela Drag City em 2022. Isso faz sentido. Mint Chip é o tipo de álbum que deveria ser lançado pela Drag City, a gravadora de Chicago que vem produzindo um fluxo constante de música erudita excêntrica desde o início dos anos 90. Em Mint Chip , o Kamikaze Palm Tree se estabeleceu em melodias um pouco mais viciantes e amigáveis ​​do que as que povoaram seu álbum de estreia de 2019, Good Boy .
…Haldey e Berliner tinham um novo projeto em andamento…

MUSICA&SOM

...uma dupla pop relativamente medíocre conhecida como Sharpie Smile, que continuava lançando músicas pela Drag City. Eles pegaram o nome Sharpie Smile do título de uma música antiga e particularmente estridente do Kamikaze Palm Tree, e tudo nessa troca de nome soou alarmante. As mesmas pessoas e até a mesma gravadora estavam envolvidas, mas a mudança sonora entre os dois projetos foi chocante e abrupta.

"Underground pop" como conceito parece contraditório, já que o termo "pop" implica popularidade, mas qualquer pessoa que preste atenção à música hoje em dia sabe que não é o caso. Pop é um gênero musical que pode ou não ser realmente popular. A popularidade real pode ou não estar entre seus objetivos artísticos ou comerciais. Desde o álbum homônimo de Robyn, já se passaram duas décadas de artistas que usam o vocabulário do pop para fazer declarações pessoais estranhas, vertiginosas, e essa pequena e estranha faixa é uma das coisas mais consistentemente empolgantes que temos hoje em dia. Com Sharpie Smile, Dylan Haldey e Cole Berliner entraram nessa conversa, e sua versão dela nunca soa como uma piada. A voz calma e cristalina de Hadley é mais adequada para melodias limpas e diretas do que para qualquer coisa que o Kamikaze Palm Tree estivesse fazendo, e Hadley e Berliner têm um talento especial para o tipo de produção brilhante e simplificada que você agora pode criar em casa em um laptop. A versão deles dessa música faz sentido emocionalmente, e eles nunca parecem estar sacrificando as idiossincrasias que eles exibem com sua antiga banda.

Se o Sharpie Smile está atrás da bolsa de 100 gecs, não dá para saber. As letras não são um pastiche. São evocações elípticas e poéticas de desgosto e saudade. Lágrimas aparecem em peso, assim como imagens aquáticas. Se você olhar a folha de letras que vem com o álbum, ela tem muito "OOOOOooOooOOOOH" e "AAAAAOAOOaooaaaaaaaAAAAoo", o que pode sugerir que tudo isso é uma gafe elaborada. No contexto, porém, isso funciona mais como uma admissão de que um suspiro prolongado e sem palavras, às vezes alimentado por múltiplos filtros vocais distorcidos, pode significar pelo menos tanto quanto uma linguagem real. Hadley canta com uma precisão de olhos claros que lembra Caroline Polachek, e os teclados piscantes e tontos me lembram de uma Magdalena Bay menos estratificada, ou de uma versão mais elaborada de Paper Television do Blow . O Sharpie Smile não está tentando fazer discos do Max Martin na garagem. Em vez disso, eles buscam uma sensação de brilho psicodélico, e criaram um belo exemplo dessa forma.

Em "The Slide", o Sharpie Smile constrói uma balada com ondas estrondosas de subgraves e guitarras tão intensamente tratadas que soam como teclados. "Disappears" tem ondas ecoantes de vocais e bateria multitrack que soluçam e gaguejam, às vezes ameaçando explodir em um estrondo estrondoso que nunca chega. "New Flavor" é uma festa de electro-pop bloop que faz mais do que flertar com sons de clube. Em "So Far", o harpista Leng Bian se junta ao grupo para ajudar a ornamentar uma faixa que já tem breakbeats de drum 'n' bass vibrantes por toda parte. Não há nada de maximalista nessas faixas. O Sharpie Smile não está tentando martelar você com um significante de gênero hiperativo após o outro. Em vez disso, suas faixas se desenrolam com uma graça sem pressa. Quando uma bateria quebrada ou um solo de guitarra suave no estilo dos anos 80 aparece, parece que está lá porque a música pedia, não porque o Sharpie Smile está tentando enfiar um monte de merda em um recipiente muito pequeno.

Jakko M. Jakszyk – Son of Glen (2025)

 

Jakko M. Jakszyk, mais recentemente conhecido como vocalista e guitarrista da lendária banda de rock progressivo King Crimson, retorna com seu novo álbum solo Son of Glen . O disco é uma espécie de complemento ao seu aclamado livro de memórias Who's The Boy With The Lovely Hair?, lançado em outubro de 2024, e explora muitos dos temas e assuntos abordados no livro.
Jakko comenta: “Uma narrativa de fantasia romântica baseada no que descobri sobre meu pai verdadeiro depois de décadas de busca infrutífera por ele.
Glen Tripp era um aviador americano radicado no Reino Unido que se apaixonou por uma cantora irlandesa de cabelos escuros. E aqui estava eu, muitos e muitos anos depois, repetindo o que ele havia feito ao me apaixonar por outra. E se ele estivesse me observando e me guiando de 'longe'?”

MUSICA&SOM

A notável habilidade de Jakko para compor canções é evidente em Son Of Glen, já que suas letras elegíacas refletem sobre nossa fixação com a nostalgia e a condição humana, e ainda assim, onde ótimas composições, pathos e poesia seriam suficientes para saciar a maioria dos ouvintes, não podemos esquecer que Jakko é (de forma um tanto invejável) também um guitarrista fenomenal, cantor excepcional e multi-instrumentista, cuja produção precisa e habilidade para criar paisagens sonoras espaciais gloriosas levam seu arsenal de talentos e habilidades a um lugar onde é mais do que justificado dizer que não há ninguém como Jakko, fazendo tudo o que ele faz, com a proficiência que ele faz.

The Bongos – The Shroud of Touring: Live in 1985 (2025)

 

Os Bongos surgiram de uma vibrante cena musical e artística da região de Nova York, que deu origem a bandas como Television, Talking Heads e Blondie. Originários de Hoboken, Nova Jersey, e liderados pelo guitarrista, cantor e compositor Richard Barone, a banda fez mais de 300 shows em 1985 e, no fim de semana do Memorial Day daquele ano, tocaram no litoral ensolarado e exuberante de Nova Jersey e gravaram um álbum ao vivo para a gravadora RCA.
Para o 40º aniversário desta apresentação, a JEM Records está lançando "The Bongos, The Shroud of Touring: Live In 1985" , remasterizado a partir das fitas analógicas originais de 24 faixas. Inédita, a gravação é uma revelação. Gravada no Tradewinds em Sea Bright, Nova Jersey, em 24 de maio de 1985, a gravação conta com a participação de Richard Barone...

MUSICA&SOM

…(guitarra solo, vocal), James Mastro (guitarra, vocal), Bob Norris (baixo), Frank Giannini (bateria, backing vocal) e Steve Scales (percussão).
Para promover o disco Beat Hotel, o grupo tocou um set para a eternidade. A noite agora está imortalizada com este lançamento para fãs antigos e novos descobridores sonoros. Incluindo trechos dos quatro primeiros discos de estúdio do grupo, a gravação é um verdadeiro ponto de partida para entender a essência da banda.

A música dos Bongos pode ser descrita como um power pop acelerado, com sons de surfe de alta octanagem e guitarras potentes e potentes. Bateria e percussão bombásticas moldam a música, permitindo que as guitarras e o baixo se movam livremente. Embora firmemente enraizada na melodia, a sonoridade da banda também é revestida por um brilho característico de uma época, que ainda mantém seu esplendor quatro décadas depois. A banda percorre o show com confiança, com contagens vibrantes, arranjos impecáveis ​​e picos eufóricos. As músicas transbordam de riffs doces, com notas ácidas, entusiasmo juvenil e lirismo sincero.

A gravação começa com o som surf serrilhado de "In the Congo", do álbum de estreia, que prepara o terreno para as 17 músicas seguintes, que mergulham e nunca emergem para respirar. A nova ondulação de "Apache Dancing" soa como 1985, mas emite um frescor arejado graças à sua melodia deliciosa. Parece que cada música tocada tem uma peculiaridade, um toque ou um balanço que a leva a um lugar inusitado e a deixa lá para encontrar seu próprio caminho de volta para casa.

O timbre da guitarra de Barone soa como um híbrido de Randy California e Neil Young, enquanto ele entrelaça linhas fluorescentes e pastéis nos arranjos por meio de uma gama infinita de riffs criativos. Seus vocais principais vibram com envolvimento e, embora não sejam prolíficos, são perfeitos para a construção musical.

A banda uiva em um cover percussivo de "Mambo Sun", do T. Rex, enquanto empunha um martelo. A música é cálida e maleável nas mãos dos bongôs e é um tributo adequado à influência obviamente forte que eles tiveram na banda.

"Telephoto Lens" é uma performance punk de destaque que se concentra em tercinas instáveis ​​e mudanças de andamento, destacando uma linha de guitarra em fases que se concentra em seu alvo sem esforço. A performance continua de forma ofegante, com "Glow in the Dark", vibrando ao som de um Velvet Underground, como esfregar, enquanto emite uma luminescência estranha.

Cada música passa como um raio prateado repleto de materiais inflamáveis, incendiando-se, antes de decolar novamente quando a fumaça se dissipa. "Blow Up" ilustra isso, pois a música é dinâmica, apresentando dois movimentos distintos e um interlúdio de guitarra delicadamente suspenso.

"Totem Pole" é mais um slammer de bola de boliche escada abaixo, com bateria e percussão abrindo espaço para outra melodia flexível e imponente. Vocais potentes de chamada e resposta, marca registrada do grupo, aumentam o drama antes de deixar a conclusão da música novamente para a guitarra de Barone.

"Numbers With Wings", a faixa-título do LP de 1983, é uma arrepiante canção que quase soa como um lado "B" de uma série de TV. A música foi tocada com frequência na MTV na época e se tornou uma faixa marcante para o grupo. A faixa foi aclamada como a gênese do "rock alternativo" e, admito, é um fato difícil de contestar.

A gravação e o show terminam com os ritmos eróticos de "Barbarella", um pouco de Bo Diddley e um pouco de Breakfast Club antes de "Space Jungle", do Beat Hotel, finalizar a noite apropriadamente com outra exibição de grandes acordes, baixo vibrante e percussão tribal.

"The Bongos, The Shroud of Touring: Live in 1985" é uma descoberta bem-vinda para os admiradores das permutações temáticas e de gênero do rock em meados da década de 1980. A gravação destaca os aspectos multifacetados da composição, musicalidade e originalidade dos Bongos. A banda combinou habilmente melodicismo contemporâneo, influências históricas e expressões tonais individualizadas que os diferenciavam do cenário tradicional da época. Esta gravação é um passo na direção certa para que esse individualismo seja reconhecido por um novo grupo de ouvintes.

Sary Moussa – Wind, Again (2025)

Wind, Again é um álbum inebriante de profunda complexidade e nuances. Baseado entre a França e o Líbano, o arquiteto desta obra, Sary Moussa, criou uma interação entre o micro e o macro em paisagens complexas. Com instrumentos ocidentais e ocidentais asiáticos e uma eletrônica habilmente talhada e irregular, ele oscila entre a experiência coletiva e o profundamente pessoal. Este álbum é uma exploração de como ocupamos a natureza real e irreal do lugar, individual e coletivamente. É sobre as histórias que escolhemos contar. Cria ecologias que rejeitam narrativas egocêntricas de um compositor solitário dando todas as cartas. Wind, Again soa, para mim, como uma audição crucial. O álbum escancara uma porta, convidando à mudança radical, à ruptura e à beleza abstrata.

MUSICA&SOM

É uma conversa cheia de nuances e profunda como uma caverna. As faixas são ao mesmo tempo vigorosas e sinuosas em seu fluxo. Os músicos convidados parecem estar em uma série de movimentos de chamada e resposta, mas nunca totalmente interligados. Moussa consegue engendrar uma sensação de fusão enquanto se está separado, uma coleta e dispersão de energias comuns. Como uma imagem de Rorschach, vemos múltiplas coisas em momentos diferentes. Há uma sensação de peso, os campos energéticos de cada artista, bem como do próprio Moussa, alterando os estados a partir dos quais ouvimos.
O álbum de Moussa parece uma fera que reside em terras remotas, lugares dentro e fora do mapa. É rico, confrontador e mantém uma linha central tensa. Ele rola profundamente, é alquímico e, como nos dizem, "alimentado pelas realidades culturais, sociais e pessoais nas quais Moussa foi criado e vive". Parece, em parte, um estímulo ao ouvinte para remover nossas vendas e considerar nossos próprios e estreitos quadros de referência.
A faixa "Violence", por exemplo, se aproxima de você de forma tão suave e furtiva que parece que você foi arrebatado pela culminação de um lamento lento, triste e harmonioso. À medida que começa a ganhar força, você sente uma coleção crescente de cacos de gelo dentro dos raios, desconcertando-se em seu efeito de câmera lenta, que então finalmente se estilhaçam em pedaços dissonantes ao atingirem sua dissolução.
"White Dust" é a faixa onde todas as fraturas parecem estar sendo procuradas. Um vórtice em rápido desenvolvimento parece ganhar força no deserto, aproveitando ervas daninhas, espalhando suas sementes, mas deixando seu sistema radicular crucial para trás para criar raízes novamente em outro lugar. É possível ouvir o vento batendo contra fios, atravessando a estrutura de prédios em ruínas. Parece harmônico e dissonante ao mesmo tempo, como se tivesse acabado de chegar a um lugar frágil, onde mudanças repentinas se escondem, prontas para surgir em sua ameaça.
Em "I Will Never Write A Song About You", cada um dos músicos inicialmente respondeu aos fundamentos de uma faixa que não existe mais, posteriormente apagada por Moussa, criando uma peça inteiramente experimental que não só funciona, mas é majestosa em suas sutis complexidades. Ouvimos pelo menos três linhas de energia serpenteando e convergindo. Julia Sabra abre com acordes íntimos de piano, rolando como o início de uma chuva, seguidos por Paed Conca no clarinete desmaiado e Abed Kobeissi no buzuk. Moussa acende um fósforo e se afasta enquanto as expectativas do ouvinte queimam, criando algo que pulsa, redemoinha, cresce e subverte.
Wind, Again ondula, serpenteia lateralmente e sibila suavemente através do terreno industrial. Ele agita o visor ao unir o tradicional e o novo. É ao mesmo tempo ousadamente pungente e evocativo, sem usar clichês ou motivos açucarados projetados para provocar emoções. Em vez disso, você é puxado para a ressaca, para uma paisagem onírica de ecos e formas estranhas, juntamente com a brutalidade repentina do presente – mecanicamente distante, mas intimamente ressonante.
E, no entanto, 'Everything Inside A Circle' parece a abertura suave de uma caixa de origami para dedos, pronta para deixar todo o resto cair enquanto esperamos e observamos. Os vocais de Moussa começam a entrar na ponta dos pés, trazendo-nos a uma estranha sensação de quietude. Sentimos uma intimidade terna aqui antes que ela se desvie para algo diferente e se distorça. Essa lembrança de sentar com sua mãe em um carro quando criança logo se transforma em fumaça, nos levando para outro lugar que, por sua vez, reflete como uma lembrança desencadeia muitas coisas.
Ao ouvir "A Storm, A Gift", sinto-me desnorteado. É o manto distópico que envolve o álbum. Moussa consegue criar algo aqui que é ao mesmo tempo inquietante, estranhamente emocionante e também furtivamente fantasmagórico. Ele se torna um feiticeiro consumado de limiares, levando-nos a espaços que mudam de forma, alarmantes e épicos. Ouço esta faixa pela primeira vez na estrada, e todos no veículo em que estou de repente se calam e trazem à tona uma melancolia arrepiante. Lágrimas repentinas e inesperadas são trazidas à tona. Esta faixa só poderia ter vindo de uma compreensão em primeira mão de paisagens fragmentadas, uma sensação de admiração e as cicatrizes brutais que o conflito e o deslocamento trazem. Fecho os olhos e a imagino ocupando um local como o Turbine Hall ou um hangar de aeronaves: potente, convidativo e totalmente fascinante. Esta é uma música feita para ser ouvida por muitos, mas igualmente potente sozinha no escuro, rolando em volta dos fones de ouvido. Neste momento, não consigo imaginar jamais esquecer este conjunto de obras.
Ao encerrar esta última faixa, lembro-me das palavras da artista, escritora e polímata libanesa-americana Etel Adnan, que escreveu sobre o "entre", sobre exílio, guerra, identidade e memória em suas coletâneas de poesia, incluindo "Tempo". Ela fala de como habitamos tanto o real quanto o imaginário em nossas memórias. Sua obra é um lembrete para não nos deixarmos cegar pelas lentes limitadas através das quais olhamos, mas, em vez disso, inverter o roteiro quando estivermos inundados. "Caminhe no perímetro / dos seus sonhos, não é / que as estradas estejam bloqueadas / mas que os corações / cederam à violência do vento.

Jeremiah Chiu & Marta Sofia Honer – Different Rooms (2025)

 

Após lançar uma colaboração com o pioneiro da new age Ariel Kalma, Jeremiah Chiu e Marta Sofia Honer gravaram o material que acabou formando a maior parte de Different Rooms . A música da dupla é uma mistura de improvisação ao vivo, experimentação em estúdio e gravações de campo, muitas vezes criadas durante o processo de edição. Different Rooms inclui sons capturados de dentro de cidades, bem como de ambientes domésticos, e a intenção é ter uma sensação mais direta e presente, em vez da atmosfera sobrenatural de seu primeiro álbum juntos, Recordings from the Åland Islands .
As peças geralmente misturam as pulsações quentes e alertas do sintetizador de Chiu e as texturas ambientais com a execução multitrack da viola de Honer, que às vezes desliza suavemente, como na cintilante…

MUSICA&SOM

“Long and Short Delays”, e outras vezes, assume um papel mais central e melódico, como na mais complexa “Speaking in Parallel”. Duas faixas incorporam elementos de colaborações ao vivo anteriores, gravadas em 2023. “Side by Side” é construída em torno das figuras ascendentes da guitarra de Jeff Parker, enquanto as notas suaves do saxofone de Josh Johnson são entrelaçadas em “Different Rooms”, uma das poucas seleções com vocalizações quase subliminares de Giovanna Jacques. “One of Eight” submerge cânticos e sinos gravados em um templo taiwanês sob sintetizadores pulsantes e gotejantes.

Duas faixas perto do final pretendem ser reflexos de peças anteriores do álbum, com "Side by Side (reflected)" recriando eletronicamente as sequências ascendentes de guitarra de Parker, e "Mean Solar Time (reflected)" assemelhando-se a uma variação mais parecida com uma canção de ninar da composição de abertura. Different Rooms é uma névoa nebulosa de melodias semifamiliares e vozes meio ouvidas, formando uma paisagem onírica abstrata

Gash - A Young Man's Gash 1972 (Germany, Krautrock, Heavy Prog)

 

- Jochen "Lu Lafayette" Peters - piano, organ, harpsichord, lead vocals
- Frank Feldhusen - guitars, vocals
- Manfred Thiers - bass
- Reinhard Schiemann - drums, percussions
+
- Conny Plank - engineer
- Dicky Tarrach - congas (03,06), producer
- Bernd E. Schulz - voice (05), producer

All tracks written by Jochen Peters.
01. Angel And Mother - 6:16
02. Twentyone Days - 6:50
03. In The Sea - 7:20
04. A Young Man's Gash Part I - 7:38
05. A Young Man's Gash Part II - 4:44
06. A Young Man's Gash Part III - 8:18

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Floh de Cologne - Lucky Streik 1973 (Germany, Krautrock, Politrock)

 

- Hansi Frank - drums, vocals
- Dieter Klemm - percussion, vocals
- Theo König - tenor saxophone, clarinet, flute, harmonica, vocals
- Markus Schmid - piano, organ, guitar, harmonica, mandolin, vocals
- Dick Städtler - bass, guitar, piano, vocals
- Gerd Wollschon - text
+
- Dieter Dierks - producer

Live recording on 25.11.72 in the Stradthalle Gummersbach.
All songs written by Floh de Cologne.
01. Countdown - 6:16
02. Schön ist ein Jugendtraum - 3:39
03. Sozialpartner-Blues / Streikposten - 2:25
04. Kalte Wut - 2:43
05. Wenn ich einmal reich bin / Streikposten / Gonzales / Karl Liest ein Flugblatt - 7:50
06. Die Wirtschaft ist jetzt in Gefahr - 2:10
07. Der Imker / Streikposten - 2:24
08. Deine Freiheit - 4:27
09. Vergleiche - 3:52
10. Der Löwenthaler - 4:55
11. Was ein Kommunist trinken darf / Streikposten - 3:14
12. Wenn es brennt / Streikposten / Lüge zum Abschied - 10:33
13. Freie Marktwirtschaft / Wenn dich jemand fragt - 5:00
14. Für die Zukunft sehen wir rot / Unternehmerrätsel - 3:25
15. Saurier / Aktionseinheit - 7:38
16. Wir sind millionenmal so stark - 3:07 

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