Queen : Jazz

 

Imaginamos que qualquer um que tenha começado a curtir Queen depois de "We Will Rock You" e "We Are The Champions" teria ficado bastante confuso com a primeira faixa de Jazz . Embora eventualmente incorpore alguns licks característicos de Brian May, a maior parte de "Mustapha" é uma exploração operística que evoca Alá e é cantada com confiança por Freddie Mercury, principalmente em árabe e persa.

Claro, eles poderiam ter comprado o álbum com base no primeiro single, que juntava a igualmente intrincada "Bicycle Race" com a improvável versão para cantar junto "Fat Bottomed Girls". Por aqui, essas músicas eram frequentemente tocadas em sequência, como as já mencionadas aberturas de News Of The World — e considerando que cada música faz referência à outra, fazia sentido —, mas elas não aparecem no álbum dessa forma. Em vez disso, "Fat Bottomed Girls" é a segunda música do lado um, seguida pela balada melancólica de piano "Jealousy", e só depois disso ouvimos "Bicycle Race". (Para confundir ainda mais as coisas, um pôster com cerca de 70 mulheres nuas em bicicletas veio com as primeiras cópias do álbum, o que provavelmente distraiu aqueles adolescentes perplexos durante toda a sua juventude.) "If You Can't Beat Them" é um rock direto e prova mais uma vez que John Deacon escreveu algumas músicas incríveis para esta banda. “Let Me Entertain You” relembra o som pesado de seus primeiros álbuns, mesmo que o sentimento na letra, graças à interpretação levemente exagerada, tente convencer demais.

O hard rock continua em "Dead On Time", com um refrão rápido e de língua presa, e um efeito de trovão no final que é tão surpreendente quanto bobo. "In Only Seven Days" beira o yacht rock com suas românticas mudanças de acordes — uma das quais aparecerá quatro faixas depois — e violões (cortesia de Deacon, que a compôs), enquanto "Dreamers Ball" é mais um blues preguiçoso de Nova Orleans. Isso faz de "Fun It" uma verdadeira anomalia, sendo extremamente influenciada pela discoteca e intencionalmente insana; eles se sairiam melhor em seu próximo álbum de verdade. Podemos culpar Roger Taylor por isso, embora Freddie deva ter gostado, já que ele canta metade dos vocais. Brian canta com todo o seu coração sentimental sobre a acústica vibrante em "Leaving Home Ain't Easy", até mesmo na parte do meio em que a "esposa" responde. Tudo isso é esquecido quando "Don't Stop Me Now" começa, no entanto. Essa música foi criminosamente ignorada nos EUA durante a maior parte de 25 anos, o que é insano, pois pode ser considerada a melhor música do Queen de todos os tempos . Isso torna a demo de encerramento, "More Of That Jazz", outra demo solo de Roger, ainda mais anticlimática, especialmente quando a mixagem repentinamente entrelaça trechos anteriores do álbum antes de retornar à música propriamente dita.

As músicas do Jazz estão por toda parte, abordando praticamente todos os gêneros conhecidos, exceto o próprio jazz. Embora tenha seus momentos, e as partes ruins não sejam necessariamente ruins, simplesmente não se sustenta como um álbum. Ainda assim, é mais uma evidência de que nunca houve outra banda que soasse como o Queen. (O primeiro relançamento adicionou apenas remixes modernos de "Bicycle Race" e "Fat Bottomed Girls", enquanto o de vinte anos depois incluiu um instrumental da primeira, a edição single da segunda, uma mixagem alternativa de "Don't Stop Me Now" com muitas guitarras, uma versão inicial de "Dreamers Ball" e uma versão ao vivo de "Let Me Entertain You" de um show em Montreal em 1981, lançada em vídeo e CD alguns anos antes.)

Bob Weir Bobby & The Midnites

 

Sempre o mais pop do Dead, Bob Weir aproveitou mais uma pausa entre os álbuns para trabalhar com um projeto paralelo e explorar essa tendência. Junto com o ex-Kingfisher Matt Kelly e o novo integrante do Dead, Brent Mydland, ele recrutou Alphonso Johnson e Billy Cobham, ambos veteranos de grupos fusion, e um tal de Bobby Cochran, que havia participado de uma formação recente do Steppenwolf e era sobrinho de Eddie Cochran. Embora a gravadora do primeiro álbum tenha tido o cuidado de declarar "com Bob Weir", o crédito foi dado a Bobby & The Midnites.

A música é mais rock direto — e mais rápida — do que a maioria dos álbuns do Dead, e Billy com certeza sabe como tocar os pratos. "Haze" é um boogie divertido desde o início, com um canto agradável da banda. Bob usa seu híbrido de gritos e cantos ao estilo Dylan em "Too Many Losers", mas de forma muito mais melodiosa. "Far Away" tem alguns acordes legais, mas desce para um canto mais fácil, com bastante espaço para Brent explorar seu Hammond B-3. Há uma curva acentuada à esquerda no cover de reggae "Book Of Rules", e "Me, Without You" é o típico material tenso do rock do início dos anos 80. "Josephine" é principalmente um veículo para Matt e Brent, enquanto Bob expressa seu desejo de "rock and roll com vocês", então "(I Want To) Fly Away" enfia muitas ideias, sem nunca ter certeza se é jazz, rock ou reggae. "Carry Me" é a música bonita de sempre, embora os refrões tenham uma força tão grande que simplesmente não conseguem ser contidos. Para quem gosta de agradar ao público, "Festival" certamente é uma imitação furtiva de Jimmy Buffett.

Bobby & The Midnites foi facilmente o álbum mais agradável de Weir desde seu primeiro , que era basicamente um álbum do Dead de qualquer maneira. Embora não tenha brilhado nas paradas, a banda nunca foi mais do que uma maneira de matar o tempo entre as turnês do Dead, e levou três anos para um acompanhamento. Na época de Where The Beat Meets The Street , Kelly e Mydland estavam detidos, Kenny Gradney do Little Feat substituiu Alphonso, um tecladista que tocava saxofone, e Jeff "Skunk" Baxter foi trazido como produtor. Bob ficou em segundo plano nas categorias de composição e canto, resultando em uma trilha sonora dos anos 80 extremamente genérica para um filme que nunca gostaríamos de ver. "(I Want To Live In) America" não impressionaria nem mesmo o fã mais obstinado de Rambo , e "Rock In The '80s" é ainda pior.

A maioria das músicas eram covers, ou pelo menos de compositores de fora; por que mais Bob cantaria sobre uma garota que precisa de um "salva-vidas"? O remake techno de "Ain't That Peculiar", de Marvin Gaye, foi particularmente execrável, considerando que ele havia sido morto a tiros pelo próprio pai naquele mesmo ano. "Thunder & Lightning" poderia ser melhor sem a introdução atmosférica, e "Falling" é mais ou menos decente, possivelmente devido às letras de John Barlow, mas ele também foi parcialmente responsável por "America", junto com o cara que interpretou Beef em O Fantasma do Paraíso , bem como pelo retrato de groupie perigosa de "Gloria Monday".

Tudo o que ele esperava alcançar com esta banda foi por água abaixo em três curtos anos; felizmente, ele ainda tinha seu emprego. Não é de surpreender que nenhuma das músicas de nenhum dos álbuns tenha sido tocada ao vivo pelo Dead.

Jerry Garcia : Run For The Roses

 

Assim como Bob Weir gostava de se expandir além do Dead, Jerry Garcia usava regularmente outras bandas como uma oportunidade para simplesmente tocar sem pressão. " Run For The Roses" era tecnicamente um produto da Jerry Garcia Band, mas a última frase, como escrita, não aparecia em nenhum lugar da embalagem. Junto com a turma habitual de John Kahn, Ron Tutt e Merl Saunders, estava o novo nome do organista Melvin Seals, enquanto o repertório misturava covers diversos e composições originais escritas com Robert Hunter.

Uma delas é a faixa-título, que soa mais próxima de uma concorrente ao Dead e tem algumas das letras mais inteligentes de Hunter. Os clavinetes borbulhantes de Michael Omartian dominam ambos os canais da surpreendentemente reggaeficada "I Saw Her Standing There" . "Without Love", de Clyde McPhatter, é um R&B comovente e inesquecível, exceto por aquela nota final flatulenta de metais. Uma verdadeira surpresa é "Midnight Getaway", um lamento contido e descarado sobre o fim de um caso — muito atípico das excursões mais, digamos, poéticas de Hunter. Não há dúvida sobre o que é essa música, e as seções instrumentais são ainda melhores. (Gostamos especialmente da menção ao gato "sob as estrelas".)

Isso torna a igualmente direta "Leave The Little Girl Alone" um tanto decepcionante — talvez porque Kahn tenha escrito a música enquanto Jerry sola constantemente sob seus próprios vocais. "Valerie" é um arrastar lento mais na linha do que esperaríamos, e uma sonolenta caminhada por "Knockin' On Heaven's Door" , feita ainda mais reggae do que Eric Clapton fez, continua a dança com Dylan que duraria o resto de sua vida. (Outtakes de "Tangled Up In Blue" e "Simple Twist Of Fate" aparecem entre os bônus do CD expandido, junto com uma tentativa de "Dear Prudence" , uma mixagem alternativa de "Valerie" com backing vocals, outra tentativa de "Fennario", também conhecida como "Peggy-O", e uma versão pré-Dead de "Alabama Getaway" .)

Embora o lado dois perca força, Run For The Roses tem o suficiente para dar aos fãs algo para curtir em casa quando as fitas dos shows acabarem. Alguns dos efeitos de teclado e guitarra são um pouco monótonos e datados, mas essa tecnologia continuaria a ser aprimorada e melhor aceita nos anos seguintes.

Jayhawks : Sound Of Lies

 

Desde o início, e para muitos, Mark Olson foi o principal compositor dos Jayhawks, e Gary Louris, seu companheiro indispensável. Mas depois de quatro álbuns, dois dos quais com apoio de grandes gravadoras, a correria do dia a dia se tornou insuportável para Olson, que deixou a banda para se dedicar à esposa, a cantora e compositora Victoria Williams, que lutava contra a esclerose múltipla. Louris, o baixista Marc Perlman e os novos integrantes Karen Grotberg e Tim O'Reagan queriam continuar, e assim o fizeram.

Segundo a história, eles perderam um cantor e compositor fundamental e muito de seu sotaque, mas ganharam uma banda no processo, deixando-nos com Sound Of Lies , uma coletânea muito mais eclética do que seus trabalhos anteriores. A arte é dominada pelos óculos característicos de Louris, e ele compôs a maioria das músicas sozinho, cada uma das quais transborda desespero, mesmo quando combinada com as melodias mais alegres. Mas há muitas harmonias, graças a Karen e Tim, e a adição de Kraig Johnson na guitarra base e Jessy Greene no violino mantém o som completo.

O lado um é forte do início ao fim. O piano de Karen é o primeiro som que ouvimos, e continuará, junto com sua doce voz. "The Man Who Loved Life" parece emergir de uma posição de derrota, com frases contraditórias e imagens dilaceradas pela batalha. Ela recua sempre que tenta ficar alta, enquanto "Think About It" cede totalmente à vontade, com o pedal wah-wah de Gary em distorção total. "Trouble" compartilha alguns acordes e sentimento com "Creep" e "The Air That I Breathe", sendo country o suficiente para se sustentar por si só. O sotaque perdura em "It's Up To You", uma das poucas músicas do álbum que aponta dedos em vez de se odiar. Esse não é o caso com as lamentações absolutamente de partir o coração de "Stick In The Mud", enquanto "Big Star" aumenta o volume novamente para explodir o mundo da música enquanto se resigna a ele.

As coisas desviam um pouco para a esquerda na segunda metade, começando com os efeitos de bongwater em "Poor Little Fish" e o mistério gótico de "Sixteen Down". As guitarras em fase e a melodia melancólica de "Haywire" ajudam a manter o clima um pouco alegre, com uma seção intermediária bem arranjada para a dinâmica. Contraste isso com a ameaça imponente de "Dying On The Vine" e o gancho repetido de "scared of you", especialmente na mudança de tom tardia. O baterista Tim contribui com "Bottomless Cup", e só porque ela ficou em penúltimo lugar não significa que deva ser ignorada, porque é uma música sólida e memorável, especialmente porque a faixa-título é tão tranquila.

Um pouco menos country e muito mais rock, Sound Of Lies provou que os rumores sobre seu fim foram, felizmente, exagerados. É longo, mas ainda flui. Por mais forte que fosse, não chegou a estourar nas paradas, mas continua sendo uma joia escondida que vale a pena ser ouvida. (A eventual Edição Expandida adicionou dois lados B contemporâneos — a levemente funky "I Hear You Cry", de autoria de Marc, e a monótona "Sleepyhead" — e três outtakes, incluindo a jam "Kirby's Tune" e versões alternativas de "It's Up To You" e da faixa-título.)

"I Can't Get Next To You" da banda The Temptations

 

"I Can't Get Next To You", do The Temptations, é uma das músicas mais alegres sobre amor não correspondido que já ouvi. Músicas sobre amor não correspondido geralmente são meio deprimidas, e a pessoa que canta geralmente soa abatida e apaixonada. No entanto, nesta faixa, o The Temptations soa energizado pela rejeição. Na verdade, ser constantemente rejeitado os deixa ainda mais animados e determinados a conquistar a garota.

Compare com outro sucesso deles sobre amor não correspondido, "Just My Imagination (Running Away With Me)". Nessa música, o narrador é meio passivo e sonhador. É exatamente o oposto em "On I Can't Get Next To You", onde eles são proativos em relação à conquista da garota. A paixão deles é tão forte que eles sentem que podem fazer milagres: "Eu posso construir um castelo com um único grão de areia/Eu posso fazer um navio navegar em terra firme".

Mas todos os seus poderes sobrenaturais imaginários não significam nada sem o objeto de sua afeição. A hipérbole, característica comum da poesia, é habilmente empregada na letra da música. Também adoro a entrega em dupla e a interação vocal dos Temps aqui. Há um verdadeiro senso de camaradagem entre os cinco membros do grupo, com cada Temp cantando um verso separado da música.

A faixa foi escrita pela brilhante dupla de compositores da Motown, Norman Whitfield e Barrett Strong. E Whitfield também produziu a faixa. Os lendários Funk Brothers forneceram a instrumentação para este groove soul e cheio de energia.

"I Can't Get Next To You" foi o primeiro single do décimo primeiro álbum de estúdio dos Temptations, Puzzle People, lançado em 1969. A música foi um sucesso instantâneo. Passou cinco semanas no topo da parada de singles de R&B da Billboard e ficou em primeiro lugar por duas semanas na Billboard Hot 100. É uma das faixas mais vendidas do grupo, alcançando o status de Platina pela RIAA com um milhão de cópias vendidas.

"Get Up Off Your Fat" por Rose Royce

 

"Get Up Off Your Fat" é uma ótima faixa subestimada da banda de R&B/funk dos anos 70, Rose Royce. O groove se arrasta em um ritmo funky e ostenta uma linha de baixo traiçoeira. A música também tem uma introdução e uma ponte bacanas, estilo Sly Stone. É um funk super suave e irresistível.

Esta faixa é do terceiro álbum de Rose Royce, intitulado  Rose Royce III: Strikes Again! (1978), mas não foi lançada como single. Eu sempre achei que deveria ter sido, já que é uma faixa tão popular. Os dois singles do álbum foram "I'm in Love (And I Love the Feeling)" e "Love Don't Live Here Anymore", que foi um grande sucesso. A música alcançou o 5º lugar nas paradas de R&B dos EUA e o 32º lugar nas paradas pop americanas. Também se saiu extremamente bem do outro lado do oceano, chegando ao 2º lugar nas paradas do Reino Unido. Norman Whitfield produziu Rose Royce III: Strikes Again!  e escreveu a maioria das faixas do álbum, incluindo "Get Up Off Your Fat".

O Rose Royce foi formado em Los Angeles em 1973 e era composto pela vocalista Gwen Dickey (nome artístico Rose Norwalt); Kenny Copeland (trompete, vocal principal); Michael Moore (saxofone); Kenji Brown (guitarra, vocal principal); Henry Garner (bateria); Terral "Terry" Santiel (congas); Lequeint "Duke" Jobe (baixo); Freddie Dunn (trompete); e Michael Nash (teclados).

O Rose Royce estourou com o lançamento da trilha sonora da comédia de sucesso Car Wash  em 1976. A trilha sonora gerou três sucessos no top 10 ("I'm Going Down", "Car Wash" e "I Wanna Get Next To You"). "Car Wash" liderou as paradas de singles pop e R&B. A banda ainda se apresenta hoje com algumas mudanças de formação e tem muitos seguidores no Reino Unido.

James Brown, Michael Jackson e Prince mostram seus melhores movimentos em Funky Dance Off

 

Tenho assistido a uma compilação incrível de três dos artistas mais incríveis que já se soltaram em shows. O clipe é apropriadamente ambientado no clássico do funk de James Brown, "Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine". O vídeo mostra James Brown, Prince e Michael Jackson exibindo alguns de seus melhores passos no palco. Uma das coisas legais sobre esse clipe é que ele mostra a tremenda influência que James teve sobre MJ e Prince como artistas. Ambos aprenderam muito com o Poderoso Chefão do Soul, incluindo a capacidade de hipnotizar completamente o público.

É interessante observar os estilos distintos dos três artistas no palco. Os três trazem muito carisma aos seus shows ao vivo e, claro, uma dança incrível. Além disso, eles nunca decepcionam o público, sempre dando 110% de si em cada show. Existem pouquíssimos artistas atuais que conseguem cativar o público como MJ, Prince e James. Nos últimos anos, perdemos provavelmente dois dos maiores artistas da história da música: James Brown e Michael Jackson. Felizmente, ainda temos Sua Maldade Real, que continua eletrizando o público com suas performances eletrizantes. O vídeo também contém dois breves segmentos de dança dos lendários artistas Fred Astaire e Cab Calloway em ação.

Thomas Dolby traz o funk em uma apresentação ao vivo de "She Blinded Me With Science"

 

O funkeiro britânico da new wave Thomas Dolby apresenta seu hit "She Blinded Me With Science" ao vivo no Riverside Studios, em Londres, em 1983. Esta versão da música é ainda mais funk que a versão de estúdio.

Dolby lançou "She Blinded Me With Science" junto com seu videoclipe excêntrico em 1982. A faixa foi extremamente bem nas paradas, e o videoclipe teve grande repercussão na MTV, fazendo com que o excêntrico gênio do sintetizador explodisse. Dolby foi uma das vanguardas do movimento synth-pop do início dos anos 80 e gravou consistentemente músicas interessantes e inventivas ao longo de sua longa carreira musical.

Além de seu trabalho solo, Dolby produziu e compôs músicas para diversos artistas renomados. Alguns dos artistas e bandas com quem Dolby colaborou incluem George Clinton, Joni Mitchell, Lene Lovich, David Byrne, Joan Armatrading, Foreigner, Andy Partridge, Whodini, Imogen Heap, Jerry Garcia, David Bowie e Bob Weir, entre muitos outros.

Slave incendiou as paradas e lotou as pistas de dança com o hit "Slide"

 

"Slide" é uma faixa matadora que a banda de funk de Ohio, Slave, lançou em 1977. O groove sinistro é ancorado por uma das linhas de baixo mais doentias que já ouvi. O groove tem um flow funky suave com alguns toques peculiares, como uma buzina de bicicleta e uma introdução cool-mórbida. Além disso, a faixa apresenta um solo de guitarra arrebatador, um trabalho de sopro preciso e um breakdown de slap-bass incrível. É simplesmente uma faixa incrível.

"Slide" é do álbum de estreia homônimo do Slave, lançado em 1977. A faixa foi um sucesso instantâneo. Era tocada constantemente em estações de R&B e fazia o pessoal correr para a pista de dança em festas e casas noturnas. A música alcançou o primeiro lugar na parada de singles de R&B da Billboard e o terceiro lugar na Billboard Hot 100. O álbum também teve um desempenho muito bom. Recebeu disco de ouro (500.000 cópias vendidas) e alcançou a sexta posição na parada de álbuns de R&B da Billboard e a 22ª posição na Billboard 200.

O Slave foi formado em Dayton, Ohio, em 1975, pelo trompetista Steve Washington e pelo guitarrista/vocalista Mark "Drac" Hicks. Além de Washington e Hicks, a banda incluía Mark Adams (baixo); Orion Wilhoite (sax alto e tenor); Floyd Miller (trombone); Tom Lockett Jr. (sax, teclado); Tom Dozier (bateria); Danny Webster (guitarra base, vocais principais e de apoio); e Carter Bradley (teclados). O baterista, percussionista e vocalista Steve Arrington e a cantora Starleana Young juntaram-se ao Slave em 1978, com Arrington eventualmente se tornando o vocalista principal da banda.

Além de "Slide", alguns outros sucessos da banda incluem "Just a Touch of Love" (1979), "Watching You" (1980) e "Snap Shot" (1981).

"I Come Off" por Young MC

 

"I Come Off" é um ótimo corte old-school do rapper Young MC. A faixa de 1990 tem uma batida irresistível, e o flow de Young MC é perfeito enquanto ele cospe suas rimas inteligentes. A vocalista N'Dea Davenport, do Brand New Heavies, traz sua alma sensual ao refrão da faixa.

Young parece ser um cara tão tranquilo e despretensioso que, mesmo em faixas que se gabam como esta, ele passa a impressão de ser extremamente confiante, em vez de convencido. E o rapper de classificação livre sempre manteve o estilo limpo e elegante, o que provavelmente lhe custou vendas recordes com a crescente popularidade do Gangsta Rap no início dos anos 90.

"I Come Off" é do álbum de estreia de Young MC, Stone Cold Rhymin' , lançado em 1989. A coletânea, que vendeu dois discos de platina, incluiu o hit vencedor do Grammy de Young, "Bust a Move".

Young MC nasceu Marvin Young em Londres, Inglaterra, em 1967. Quando ele tinha oito anos, sua família se mudou para o Queens, Nova York. Young estudou na Hunter College High School, no Upper East Side de Manhattan. Mais tarde, formou-se em economia pela Universidade do Sul da Califórnia (USC). Enquanto estudante na USC, conheceu os produtores musicais Michael Ross e Matt Dike, do selo independente Delicious Vinyl. Os dois assinaram com Young em 1987, após ele lhes entregar um rap por telefone. Ele estreou no rap com a música "Let 'Em Know" (1988).

Além disso, Young coescreveu os sucessos do rap "Wild Thing" (1988) e "Funky Cold Medina" (1989), do Tone-Loc. Young MC tem mais de 20 anos de carreira no rap e, em 2009, lançou seu oitavo álbum de estúdio, intitulado Relentless .