Chene Noir era um grupo de teatro que misturava rock e jazz originais com recitações de poesias femininas. Semelhante a alguns grupos japoneses como JA Caesar e Geino Yasharagumi, embora não tão dramáticos ou abrasivos quanto esses grupos. Ótimo, mas exige tolerância com a palavra falada.
O tecladista montrealense Michel-Georges Bregent passou a última parte dos anos 60 no prestigiado Conservatório de Música de Quebec, em Montreal, dominando uma série de instrumentos, desde piano e órgão até ondes Martenot, mellotron e sintetizador. No início dos anos 70, ele formou o grupo experimental Bregent junto com seu irmão Jacques, nos vocais. Juntos, eles lançaram dois álbuns raros e altamente cobiçados, o excelente Partir Pour Ailleurs em 1979 e esta estreia fenomenalmente rara, considerada um dos verdadeiros cálices sagrados colecionáveis no cânone do prog-psych de Quebec.
O altamente experimental Poussiere Des Regrets pega a poesia de vários escritores franceses e quebequenses e a transforma em jazz-rock sombrio e vanguardista. Obras de nomes como Verlaine, Baudelaire, Ferre e Leclerc são decompostas em uma espécie de expressionismo abstrato que às vezes lembra mais o free jazz do que o prog-rock. O contraste é tudo aqui. Explosões excêntricas de saxofone podem se dissolver em efeitos sonoros suaves, que então se transformam em discursos frenéticos, acompanhados por um ruído mais cacofônico. Os vocais são apresentados de forma igualmente dramática. Nos mais de doze minutos de "Dieu est negre", uma versão de um poema de Leo Ferre e provavelmente o mais próximo que o álbum chega do rock tradicional, a voz de Jacques oscila entre um canto esfumaçado, um sussurro urgente e, finalmente, um grito estridente no clímax da música.
O endereço 704 West High Street, em Urbana, Illinois, tem uma reputação e tanto. Está na capa de um dos discos emo mais influentes do Centro-Oeste de todos os tempos, o primeiro álbum homônimo da banda American Football. Agora, porém, tem outra razão de ser: é a casa onde o quarteto Anamanaguchi, formado em Nova York, inverteu o roteiro de sua carreira e compôs um álbum que é menos uma reinvenção radical e mais um disco de rock para a história.
Tem bastante em comum com os EPs Power Supply e Dawn Metropolis, simplificando tudo após a expansão gradual de seu som em Endless Fantasy e [USA], com o guitarrista Peter Berkman assumindo o papel de líder de fato da banda, dividindo os vocais com Ary Warnaar (guitarra), James DeVito (baixo) e Luke Silas (bateria). É também a primeira vez que o quarteto compõe junto em uma sala desde que a formação atual foi estabelecida em 2009.
Um empreendimento com foco na banda, Anyway vai direto ao ponto, derrubando "Sparkler", com os elementos chiptune de seus trabalhos anteriores incorporados em uma envolvente parede sonora que salta dos alto-falantes, emergindo em um momento para ser soterrada pelo riff principal frenético da música no momento seguinte, gerando energia suficiente para abastecer uma cidade de médio porte. Para ser franco, é um verdadeiro chute na bunda e sinaliza algumas reviravoltas pesadas e satisfatórias que a banda dá ao longo das 12 músicas do álbum.
Há uma quantidade incrível de detalhes e peso em faixas como "Rage (Kitchen Sink)", com a banda se lançando em uma poça de fuzz shoegaze e vibrações leves de slacker rock, contrastando fortemente com a letra da música sobre estar paralisado pela raiva e dominado pela negatividade: "Tão irritado, você chegou ao ponto / Sufocou toda a sua alegria, pulou no vazio." A música foi inicialmente o ponto de partida para uma linha lírica abandonada sobre a raiva — para o bem ou para o mal, uma força motriz em um mundo com pouca empatia —, mas a banda se viu se divertindo demais em sua criação para se comprometer totalmente.
Em vez disso, é um dos vários ângulos líricos explorados, lado a lado com a corajosa canção de amor "Magnet", que redireciona esses sentimentos poderosos para uma adoração tão forte que beira o sufocante. É um momento de pura expressão, com motivos musicais se chocando antes de colidir no refrão. Falando em termos de apresentação mais ampla do disco, ele tem um som punk rock cru, que prepara o caos controlado de "Lieday"; uma música cuja ponte interpola "I Wish", de Skee-Lo, em um momento de brilho desconcertante. Não há muitas bandas que conseguiriam fazer isso, mas, felizmente, não é necessário fazê-lo com a cara séria. A diversão é sua própria recompensa.
De qualquer forma, mal tem a chance de desacelerar até terminarmos com "Sapphire", uma música que homenageia os primórdios da banda em mais de um sentido, com grande energia do Power Supply; você poderia colocá-la ao lado de "Helix Nebula" ou "Airbase" e nem pestanejar, principalmente quando tudo, exceto o chip lead, cai por dois compassos na metade, voltando à intensidade de banda completa, que continua com uma performance poderosa e cheia de preenchimentos de Silas. Ela consegue o suficiente para que sua duração de menos de 3 minutos seja uma surpresa genuína, colocada antes de um par de épicos consecutivos em "Valley of Silence" e "Fall Away". O primeiro é impulsionado pelo baixo de DeVito e guitarras vibrantes, com os vocais de Berkman flutuando sobre tudo; parecendo criar um mundo em si. Este último, por sua vez, pega a tocha passada por "Meow" e "BSX", correndo pelos seus dois minutos iniciais e (literalmente) respirando fundo antes que o inferno se instale no que é provavelmente o momento musical mais alegre de 2025.
Depois disso (yeehaw), ficamos com o trecho final de "Darcie", "Really like to" e "Nightlife", que unem temas de apoio e comunidade; seja o cofundador da Polyvinyl (sem o qual não haveria "escrever um disco na American Football House"), a legião de fãs da banda, "todos separados, mas ainda juntos", ou as coisas que fazemos para nos sustentar, as coisas que nos mantêm em um mundo que parece mais instável a cada dia que passa. "O que você está fazendo? Qual sonho você tem? Que carência você está buscando? Que esperança pode durar mais?" a banda pergunta coletivamente enquanto os momentos finais do álbum acertam um soco no estômago, a parada final em uma montanha-russa musical com muitos picos e vales (de silêncio e outros). "Na luz de safira, vamos enfurecer a noite toda, porque nada sai do nada", diz o refrão de "Sapphire", e esse espírito criativo é o cartão de visita do álbum; Anamanaguchi entrou em uma sala e fez acontecer, fornecendo pequenos bolsos de significado e catarse em um disco que está determinado a existir apesar de tudo, esse desafio capturado em seu título. O resultado pode muito bem ser sua obra-prima; um álbum onde a alegria vence mesmo em seu momento mais intenso; uma banda ainda totalmente focada na visão, ainda entusiasmada com o sonho.
Laufey estourou na cena com seu incrível talento para composições emocionais e raízes profundas no clássico e no jazz, com sua voz delicada soando tão confortável sobre arpejos de piano em espiral quanto sobre linhas de guitarra de bossa-nova agitadas. Uma ascensão chocante à fama no TikTok veio de mãos dadas com críticas elogiosas e comparações com grandes nomes do jazz como Ella Fitzgerald, além de cantores de twee-pop modernos como beebadoobee, mas ficou claro desde o início que Laufey estava trilhando seu próprio caminho. Um caminho de sedas elegantes e simpatias clássicas, juntamente com emoções jovens e conturbadas de amor e perda, e um conjunto verdadeiramente eclético de influências que a diferenciam de seus pares. Em seu terceiro álbum completo, A Matter Of Time, Laufey continua a levar seu som ainda mais longe, com acompanhamentos orquestrais massivos e tópicos que abrangem seus sentimentos como uma estrela em ascensão. Em faixas como "Snow White", ela lamenta os padrões racistas de beleza das celebridades sobre um violão acústico suave, antes que cordas e sinos magníficos a ajudem a voar até a linha de chegada. Então, em "Carousel", ela oscila sem parar em uma melodia deslumbrante de 6/8 enquanto se desculpa com um novo amante pelo carnaval em que sua vida se tornou, com seus shows elaborados e os perigos de uma nova celebridade, acompanhada por harmonias "ba-da-dum" dos anos 60 que parecem igualmente alheias às suas lutas. É um cenário para ela se apresentar, assim como muitos dos instrumentais deste álbum, e é impecavelmente produzido, mostrando seu talento para composição e seu fascínio pelo jazz-pop orquestral dos anos 50 e 60. Laufey é um artista de artistas, focado nos pequenos detalhes, e isso resulta em um disco que parece cuidadosamente montado e quase vaudevilliano em quão vistosas e elaboradas muitas de suas faixas se tornam, incluindo o belíssimo instrumental Cuckoo Ballet (Interlude) que interrompe o álbum com um break dançante ao estilo de O Quebra-Nozes. Uma das minhas poucas reclamações é com a faixa final, Sabotage, que é a mais sombria do disco e se desenvolve em um crescendo caótico, sombrio e barulhento que corta bruscamente para encerrar o disco, e que eu gostaria que fosse mais longo. Eu gostaria que pudéssemos ouvir a raiva de Laufey respirar em vez de senti-la tão cortada por medo de alienar os ouvintes, mas essa é uma pequena reclamação em meio a um mar de elogios que tenho a este disco. Forget-Me-Not é outro destaque, e apresenta alguns interlúdios líricos em islandês, o que de alguma forma torna a voz de Laufey ainda mais linda do que já é. Eu adoraria ver um tom mais sombrio de Laufey em discos futuros, do jeito que vemos nas últimas faixas da lista de faixas aqui, como o lançamento agradável de Clean Air ou a zombaria irônica de Mr. Eclectic, mas este disco é uma mistura maravilhosa de canções de amor para pessoas e lugares, canções catárticas sobre emoções pessoais difíceis e reflexões sobre a fama recém-descoberta.Laufey demonstrou um desenvolvimento e amadurecimento notáveis entre A Feiticeira e Uma Questão de Tempo, e estou fascinado para ver onde ela vai progredir a partir daqui.
Parece um grande avanço em relação ao primeiro álbum, trazendo pedal steel, mais piano e vocais de alta fidelidade. Os toques de piano de Charlie Martin adicionam um toque especial ao solo já elevado que essa equipe de destaques do lo-fi texano oferece. Reúne as melhores partes de Bedhead, Codeine e Big Thief. A interação vocal entre homens e mulheres é um grande destaque. A instrumentação é significativamente mais rica e a produção é de extremo bom gosto em todos os aspectos. Com Magic of the Sale, Teethe se posiciona como uma das melhores bandas da concorrida cena de revival do slowcore.
O álbum “Listen” de Billy J. Kramer é um dos melhores e mais importantes discos (não Beatles) da sua época. Além disso, é uma espécie de homenagem às habilidades de George Martin como produtor. O seu trabalho mostra uma mistura de “beat” com forte som de guitarras e vozes emocionalmente expressivas ao estilo americano, juntamente com a balada lírica que os Beatles (especialmente McCartney) haviam acrescentado à fórmula. Do álbum destacam-se algumas faixas, como "Sugar Babe", "Great Balls of Fire" ou "Da Doo Ron Ron", entre outras.
William Howard Ashton, conhecido pelo seu nome artístico, Billy J. Kramer (Liverpool, 19 de agosto de 1943) é um cantor britânico que teve o seu auge de popularidade na década de 60 quando, descoberto e empresariado por Brian Epstein, teve acesso às composições inéditas de John Lennon e Paul McCartney. Brian Epstein juntou Kramer ao grupo The Dakotas, com sede em Manchester. O nome artístico de William, Kramer, foi escolhido aleatoriamente de uma lista telefónica. John Lennon sugeriu adicionar o "J".
Kramer recebeu uma série de músicas especialmente escritas por John Lennon e Paul McCartney que, acompanhado por The Dakotas, o lançaram no estrelato como, "I'll Keep You Satisfied", "From a Window", "I Call Your Name" e "Bad to Me". O conjunto também lançou "Do You Want to Know a Secret?" alcançando a segunda posição, apoiada por "I'll Be on My Way" que não foi lançado pelos Beatles. The Dakotas tiveram sucesso no Top 20, em 1963, com o tema "Little Children" que alcançou a segunda posição nos EUA. Kramer conseguiu obter diversos êxitos nas tabelas musicais do UK e dos Estados Unidos.
Faixas/Tracklist:
A1 - Dance With Me (Lebish, Click, Treadwell, Naham)
A2 - Pride (In Fact A Little Word) (Madara, White)
“Little Children” é o segundo álbum da banda de rock inglesa Billy J. Kramer with the Dakotas. Foi lançado pela Imperial Records apenas nos Estados Unidos, em 1964. Nunca houve uma edição britânica. "Little Children", a música que serve de título a este álbum, foi escrita por J. Leslie McFarland e Mort Shuman e gravada por Billy J. Kramer with the Dakotas. Alcançou o número um na parada de singles do Reino Unido em março de 1964, e o número 7 na parada de singles da Hot 100 dos EUA, no mesmo ano.
O nome dos Dakotas surgiu no salão de festas Plaza, em Oxford Street, Manchester, numa festa de noivado. O gerente pediu que o grupo voltasse na semana seguinte, vestido como índios nativos americanos e mudasse o nome para "The Dakotas"! Foi uma das primeiras bandas de Manchester a aparecer no lendário Cavern Club, em Liverpool. Em 1961, a formação era constituída por, Mike Maxfield (guitarra), Tony Bookbinder (bateria), Robin MacDonald (guitarra) e Ray Jones (baixo). A banda tocava com o cantor Pete Maclaine, em clubes e salões de festas do norte de Inglaterra. Em 1962, por sugestão de Paul McCartney e John Lennon, Brian Epstein pediu aos Dakotas para receberem e apoiarem Billy J. Kramer como vocalista, em substituição de Pete Maclaine. Já com Billy J Kramer, o primeiro sucesso dos Dakotas, foi ""Do You Want to Know a Secret?" que atingiu a posição número 2 nas tabelas de sucessos, na primavera de 1963. Em seguida, veio "Bad To Me", que ficou em primeiro lugar, depois "I'll Keep You Satisfied" e "From a Window". Todas elas eram músicas de Lennon / McCartney, e todas chegaram ao Top 10. The Dakotas e Billy J. Kramer tinham contratos de gravação separados com a Parlophone mas, posteriormente, foram anunciados como "Billy J. Kramer With the Dakotas".
No início de 1964, o grupo sentiu que necessitava de lançar um single cujos temas não tivessem sido escritos pelos Beatles e Billy escolheu "Little Children" como o próximo lançamento. Correu bem, uma vez que o disco atingiu o número 1 na Grã-Bretanha, na primavera de 1964.
Ainda naquele ano, um pouco mais tarde, "Bad To Me" e "Little Children" chegaram também ao Top 10 americano, e o grupo visitou os EUA, aparecendo no programa de Ed Sullivan.
Mais informação sobre este excelente grupo, já se encontra inserida neste blog.
Faixas/Tracklist:
A1 - Little Children (J. Leslie McFarland/Mort Shuman) 2:46
Trata-se do álbum Billy J. Kramer - At Abbey Road (1963-1966). Inclui alguns dos seus maiores sucessos com temas originários dos Beatles, algumas faixas raras e canções inéditas como "Down In The Boondocks" e "Listen".
John e Paul criaram "Do You Want To Know a Secret" para que George cantasse e a banda satisfizesse todos os gostos. Mais tarde, a canção também foi gravada por Billy J. Kramer e os Dakotas, músico inglês amigo da dupla. Billy ainda gravaria outras quatro canções de Lennon e McCartney que os Beatles nunca gravaram, mas foi com esse cover, também lançado pelos Beatles, que ele chegou pela primeira vez ao topo das paradas. A canção na versão de Kramer, cilindrou os próprios Beatles, que caíram para segundo lugar, com "From Me To You".
Billy ainda se chamava William Howard Ashton, quando Brian Epstein resolveu lançá-lo como cantor e organizou uma banda para ele. A maior parte dos músicos que formavam os Dakotas eram de Mnchester. A banda e o cantor tinham contratos separados com a gravadora. O "J" no meio do nome de Billy Kramer foi sugestão de John, sem nenhum motivo, apenas para dar mais peso ao nome, para deixar que parecesse mais importante. "I'll Be On My Way" foi a primeira inédita que John e Paul ofereceram a Kramer. Ele e os Dakotas lançaram a música em abril de 1963, como lado B de "Do You Want To Know a Secret".
"Bad To Me" também de Lennon e McCartney foi gravada e lançada por Billy J. Kramer e os Dakotas em 1963. Kramer ainda receberia de John e Paul, outras três canções: "I Call Your Name", "From a Window" e "I'll Keep You Satisfied". O empresário Brian Epstein dizia a John e Paul que precisava de uma música para outro grupo seu gravar. Numa pausa entre os ensaios dos Beatles, a dupla parava e com um pedaço de papel e caneta, em menos de uma hora a canção estava pronta. De todas as canções que Billy J. Kramer gravou, dizia que "From a Window" sempre foi a sua preferida. Outra canção gravada por Kramer e os Dakotas chegou ao topo das paradas inglesas: "Little Children".
No ano de 1965 foi o fim da "beat music", e "It's Gotta Last Forever", o single seguinte, dos "Billy J. Kramer with The Dakotas" mostra uma nova abordagem na direcção musical da banda. Passaram a gravar baladas. Num ano em que a música passava por uma transformação, dado o aparecimento das bandas ditas "Mod", encabeçadas pelos The Who, e pelos Small Faces, Billy grava "Trains and Boats and Planes" a partir de uma versão de Anita Harris, e vê-se confrontado com a forte concorrência da versão de Dionne Warwick, que muito naturalmente, saiu vencedora deste confronto. Apesar do esforço de Billy, não passou da modesta décima segunda posição nas listas. Foi o canto do cisne do grupo!
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