CRONICA - ARZACHEL | Arzachel (1969)

 

Entre 1967 e 1968, a cena de Canterbury surgiu em torno de um pequeno círculo de amigos músicos. A dissolução do Wilde Flowers deu origem a duas grandes bandas: Soft Machine, que se consolidou no underground londrino, e Caravan, com um estilo mais melódico e pastoral. Ao mesmo tempo, estudantes do ensino médio local formaram o Uriel, nome bíblico para um arcanjo. Essa escolha foi essencialmente simbólica, refletindo o espírito psicodélico e a imaginação mística em voga na época.

O quarteto é composto por Steve Hillage na guitarra, Dave Stewart no órgão, Mont Campbell no baixo e Clive Brooks na bateria. Eles se apresentam em casas noturnas locais, fazendo covers de Cream, John Mayall e Jimi Hendrix. Mas os músicos têm uma ambição: se tornar a maior banda inglesa de rock psicodélico! Para isso, precisam ir a Londres para assinar com uma gravadora que queira suas músicas.

Em 1968, Steve Hillage deixou o Uriel para retomar seus estudos no King's College. Ao mesmo tempo, a Decca se interessou pelos membros remanescentes. A gravadora percebeu que o pop e o rock estavam começando a migrar para estruturas mais complexas. Dave Stewart, Mont Campbell e Clive Brooks se encaixavam perfeitamente nesse perfil e assinaram com a Decca, mas tiveram que mudar de nome. O Uriel podia ser confuso, então soava como urina. O trio então se tornou Egg.

Pouco depois, Steve Hillage voltou a participar de um projeto de estúdio. Só que a Decca os havia contratado para um trio, não um quarteto. Este último, por questões contratuais, não podia usar Egg. Os quatro músicos então escolheram o nome Arzachel, em homenagem ao astrônomo árabe do século XII e a uma cratera lunar com seu nome. Sem conseguir lançar pela Decca, eles recorreram ao obscuro selo Evolution.

Em junho de 1969, o Arzachel lançou seu primeiro álbum às pressas e em condições precárias. Para tanto, os músicos adotaram pseudônimos para contornar as obrigações contratuais com a Decca. A formação foi então apresentada como Simon Sasparella (Steve Hillage), Njerogi Gategaka (Dave Stewart), Sam Lee-Uff (Mont Campbell) e Basil Dowling (Clive Brooks).

Com um nome como Arzachel, pode-se ter a impressão de que a banda se interessa por esoterismo ou delírios ocultos, especialmente se ignorarmos o fato de que eles são, na verdade, astrônomos do século XII. Essa impressão é reforçada por uma capa de álbum um tanto sombria e perturbadora.

Além disso, no repertório, encontramos "Azathoth", que acentua essa impressão, personagem do escritor H.P. Lovecraf, apelidado de Sultão dos Demônios. Musicalmente, a peça se apresenta como uma massa dominada pelo órgão gótico, atravessada por uma viagem alucinógena e camadas sonoras perturbadoras, criando uma atmosfera sobrenatural e cativante, mas também ameaçadora.

Na verdade, este disco nada mais é do que um LP de rock psicodélico que se transforma em prog, com o objetivo de nos levar a uma viagem ácida cósmica, cruzando não uma, mas várias portas da percepção. O órgão serve como uma verdadeira nave espacial e portal entre espaços-tempos, guiando o ouvinte por esse universo caleidoscópico.

Esta odisseia alucinante começa com "Garden of Earthly Delights", uma faixa pop ácida impulsionada por um órgão cavernoso, baixo com gás hélio, guitarra acid rock e bateria jazzística. Melodicamente, esta abertura segue os passos de Caravan e Soft Machine. O mesmo vale para "Soul Thing (Queen Street Gang Theme)", um cover instrumental de Keith Mansfield, que revela brilhantemente os primórdios do estilo Canterbury, longe do caos psicodélico que se seguiria.

No entanto, "Leg", que nada mais é do que uma releitura de "Rollin' and Tumblin'", popularizada pelo Cream, começa em um cenário bucólico. Mas, muito rapidamente, nos vemos impelidos para uma supersônica esquizofrênica que varre tudo em seu caminho.

O lado B é mais complexo. Abre com "Clean Innocent Fun", de dez minutos, um blues avassalador, celestial e estonteante que termina em um rock espacial alucinante.

Chega o prato principal que encerra este álbum completamente insano: "Metempsychosis", um épico espacial verdadeiramente caótico. Esta faixa, com mais de um quarto de hora de duração, apresenta-se como a continuação de "Interstellar Overdrive", com seus riffs hipnóticos e inebriantes, combinados com "A Saucerful of Secrets", com seus ritmos convulsivos e solos deslizantes. Por que escolher entre o Pink Floyd de Syd Barrett e aquele sem ele? Uma verdadeira obra de bravura, "Metempsychosis" já anuncia o krautrock e a música koschmica de Tangerine Dream e Ash Ra Tempel.

Este disco, um testemunho da evolução do rock psicodélico para o rock progressivo ainda em fase de experimentação, vendeu inicialmente apenas 14 cópias. Posteriormente, tornou-se um item cult, alcançando um preço alto no mercado de colecionadores.

Steve Hillage, logo chamado para outros projetos, deixou Arzachel, deixando os outros três livres para se dedicarem integralmente ao Egg.

Títulos:
1. Garden Of Earthly Delights         
2. Azathoth    
3. Soul Thing (Queen Street Gang Theme) 
4. Leg 
5. Clean Innocent Fun           
6. Metempsychosis

Musicos :
Njerogi Gategaka : Basse, Chant
Basil Dowling : Batterie
Simeon Sasparella : Guitare, Chant
Sam Lee-Uff : Orgue

Production : Peter D. Wicker

Big Thief - Double Infinity (2025)

Double Infinity (2025)

Big Thief

Admito que sempre me senti um tanto estranho e respeitoso ao comentar o trabalho do Big Thief (e, em menor grau, da própria Adrianne Lenker ). Embora eu certamente respeite a abordagem um tanto desleixada, porém profundamente vulnerável, do folk rock do Masterpiece, ou a variedade extensa do Dragon New Warm Mountain I Believe in You , em boa parte da discografia deles as coisas nunca passaram do respeito para o amor . Eu seria um completo idiota se afirmasse que eles são outra coisa senão uma das bandas indie mais importantes da nossa geração, mas eu estava esperando por uma faísca que realmente se conectasse comigo pessoalmente.

Felizmente, mesmo que eu não tenha certeza se é o lançamento mais consistente deles depois de algumas audições, estou bastante confiante em pelo menos dizer que Double Infinity pode muito bem ser a faísca que eu estava procurando. Com um desvio estilístico notável do eclético (mas com raízes no folk rock) Dragon New Warm Mountain... , Double Infinity reveste o lirismo arrebatador característico de Adrianne com uma dose de psicodelia onírica e exuberante. O disco explora tudo, desde a produção densa e flutuante de "paredes sonoras" (cortesia de Dom Monks ) na faixa de abertura "Incomprehensible" até os solos à la Revolver

em "Words". Você pode pensar que essa experimentação poderia fazer com que o disco parecesse fragmentado ou discordante, mas a força de cada faixa individual, bem como uma sensação de contenção e a consideração subjacente sobre quando deixar a narrativa de Lenker ganhar destaque, servem para dissipar rapidamente qualquer receio de que essa nova variação sonora seja executada com algo que não seja o mais alto padrão. De fato, a escrita de Lenker é constantemente tão precisa quanto se esperaria neste momento de sua carreira, com o estilo retrospectivo e pessoal de "Los Angeles" sendo complementado de forma excelente por momentos mais abstratos e gerais, como o final de "All Night, All Day" ('engula veneno, engula açúcar, às vezes eles têm o mesmo gosto' sendo um dos meus versos favoritos de todo o álbum). Há até momentos em que Lenker se sai bem em abraçar a simplicidade, como a animada e levemente estridente "Happy With You", e suas autoconfianças simplistas parecem esconder algo muito mais insidioso e assustador fermentando dentro de Lenker.

Escolher uma faixa de destaque para mim é difícil, mas, além da abertura, graças à sua produção inebriante já mencionada, "Grandmother" provavelmente seria meu próximo alvo.Laraaji era um artista que eu conhecia anteriormente apenas por meio de sua colaboração da nova era Eno, Ambient 3: Day of Radiance, mas os backing vocals que ele empresta à faixa (e a forma como preenchem de forma tão incrível as extensões que Lenker deixa vazias no crescendo da faixa, com seus gritos profundos e comoventes perfurando a alma) realmente a elevam a patamares que não tenho certeza se a banda já alcançou antes. Espero que esta seja uma das minhas faixas mais tocadas do ano, e escolher as favoritas aqui parece um esforço um tanto fútil.

Honestamente, eu me sentiria imediatamente confortável em chamar Double Infinity de o melhor trabalho da banda, não fosse por um único erro - "No Fear" - a música mais longa e menos interessante do disco. É uma pena, pois a percussão diversificada confere à faixa uma sensação real de espaço que poderia ter sido brilhantemente preenchida com alguma instrumentação pós-rock, mas acho que ela nunca chega a esse ponto. Até mesmo os vocais de Adrianne parecem não ter a mesma potência que têm no resto do disco, e estou realmente um pouco confuso sobre qual era o objetivo com esta faixa. Felizmente, a calmaria que isso traz é rapidamente quebrada pela já mencionada "Avó", mas seria negligente não mencioná-la mesmo assim.

Apesar de um único momento de afastamento do brilho psicodélico, uma coisa é certa com Double Infinity : depois que muitos questionaram onde exatamente o Big Thief poderia chegar depois da escala e do espetáculo demonstrados por Dragon New Warm Mountain , a banda não é do tipo que se esquiva do desafio de se lançar em novos territórios e expandir seu som de maneiras que permaneçam consistentemente intrigantes, mas notavelmente sólidas. Quando você complementa isso com o benefício sempre útil de um dos cantores e compositores mais talentosos de uma geração liderando seu grupo, luto para conter meu entusiasmo para ver o que o agora tricampeão Big Thief fará a seguir. A única certeza é que estou definitivamente apaixonado.

Earl Sweatshirt - Live Laugh Love (2025)

 

Live Laugh Love (2025)

Earl Sweatshirt

Poucos rappers têm uma trajetória de carreira tão profundamente pessoal quanto Earl Sweatshirt, e essa transparência é algo que ele tem usado na manga de um disco para o outro. Earl de 2010 apresentou um mestre de cerimônias profundamente misantrópico influenciado pelo horrorcore que aparentemente tinha algo mais introspectivo borbulhando sob a superfície, e Doris de 2013, bem como I Don't Like Shit, I Don't Go Outside e Solace EP de 2015, começaram a revelar as camadas emocionais de Earl Sweatshirt, o artista, enquanto ele explorava temas de suicídio, ansiedade e depressão com uma marca de sinceridade singularmente impassível. Parecia que Earl estava resolvendo sua dor e sofrimento diante dos olhos e ouvidos de seu público, e que a melhora de sua saúde mental e qualidade de vida geral se tornou rastreável a cada lançamento sucessivo. Em 2025, a música de Earl não é mais sobre os pontos mais baixos que um homem solteiro pode sofrer. Em vez disso, Live Laugh Love é uma celebração sem filtros de uma vida pacífica e bem-sucedida, que foi bem lutada e finalmente se presta a algum tipo de serenidade.

A composição ao longo de Live Laugh Love é, sem dúvida, pessoal, e é nesse sentido que este disco nunca deixa de ser o estilo característico de Earl Sweatshirt. Embora este possa ser um disco com abordagens temáticas diferentes de alguns de seus trabalhos anteriores, seu último LP ainda é um álbum com o objetivo principal de explorar o momento atual de sua vida e discutir como ele se sente em vários aspectos. Isso inclui explorar sua saúde mental e seus próprios sentimentos em relação a uma variedade de tópicos, algo que pode parecer repetitivo para aqueles que têm frequentado cada novo lançamento de Earl Sweatshirt nos últimos anos. Onde Live Laugh Love se diferencia é em como é um álbum constantemente celebrativo e triunfante. Alguns fãs casuais ou ignorantes de Earl podem alegar que a positividade demonstrada em toda a lista de faixas aqui é algo inteiramente novo (na verdade, é um tom que tem se destacado consistentemente em seu trabalho desde o início da década). Embora isso possa não ser verdade, é inegável que Live Laugh Love é a experiência auditiva mais esperançosa e tranquilizadora de Earl. Mesmo com os clássicos tempos de "piscar e perder" de muitas das músicas aqui, cada faixa explora uma ou mais ideias relacionadas à prosperidade e ao amadurecimento.

"Gamma (Need the <3)" apresenta versos como "Eu mal podia esperar/Não conseguia me livrar da ideia de que meu destino estava nas minhas mãos/Não é hora de frear", que mostram claramente como a visão de mundo de Earl mudou, além de alguns esclarecimentos sobre sua própria ideologia artística e a maneira como ele tem se esforçado continuamente como artista, mesmo em vários momentos de imensa turbulência mental. Em outro trecho, em "Crisco", Earl aparentemente reflete sobre seus primeiros dias como um rapper nervoso e dependente de choques quando diz: "Estou pedindo desculpas pela dor que causei/Deus conhece meu coração e que estou aqui tentando mudar o curso/Estou trabalhando nisso"; algo que ele talvez nunca tenha abordado tão diretamente antes. A faixa que encerra o álbum, "Exhaust", mantém um pouco da energia agridoce, enquanto ele relembra os velhos tempos e o envelhecimento com letras como "Seguimos nossos próprios caminhos; ainda penso muito em você/Dê ao meu bebê o sobrenome do meu pai e a imagem dele". Ouvir qualquer álbum do Earl Sweatshirt basicamente garante que qualquer ouvinte em potencial será recebido com algum grau de introspecção, mas Live Laugh Love apresenta essa busca pela alma sob uma luz inteiramente nova. Este é um disco que se banha em um tipo de sinceridade recém-descoberta que se alinha com seus trabalhos anteriores, ao mesmo tempo que demonstra um novo tom para sua paleta emocional.

Por outro lado, a curta duração pode ser desanimadora para alguns, mas um disco breve não é nada estranho para o Earl Sweatshirt neste momento. Cada música é exatamente o que precisa ser, sem enfeites exagerados ou passagens faltantes. Live Laugh Love é o tipo de álbum que prova que Earl é o tipo de contenção e precisão. Mesmo com a maioria das faixas aqui não ultrapassando três minutos, Earl ainda é capaz de entregar composições complexas, porém sinceras, sem qualquer medo de intimidade emocional, ao mesmo tempo que sabe rejeitar quaisquer tentações de autoindulgência. Enquanto isso, as batidas ao longo de Live Laugh Love são excepcionais. A percussão simples, porém impactante, de "Tourmaline" acompanha casualmente uma batida relativamente suave, enquanto "Crisco" apresenta um coro trinado que realça alguns dos elementos semipsicodélicos preexistentes na música de Earl. Novamente, essas batidas são bem-sucedidas porque nunca se excedem em nada, seja estrutural ou sonoramente. Embora inúmeros artistas se sintam tentados a criar faixas grandiosas e extensas que celebrem a vida, o trabalho de produção de Earl, ao lado de nomes como Navy Blue, Child Actor e Black Noi$e, é independente e extremamente bem elaborado. O resultado final é um disco executado com perfeição.

Earl Sweatshirt ainda está fadado a ser um rapper polarizador. Com seus flows inexpressivos, letras extremamente vulneráveis ​​e rejeição completa aos ganchos tradicionais, torna-se cada vez mais evidente a cada ano que ele está aparentemente destinado a se tornar o rapper favorito dos verdadeiros fãs de rap alternativo. Mesmo que ele tenha um apelo um tanto limitado em comparação com alguns dos mesmos artistas que ele criou (certamente nunca alcançando o mesmo sucesso comercial de Tyler, the Creator ou Frank Ocean), poucos são tão capazes de mostrar seu coração como Earl. Embora seja inquestionável que ouviremos falar dele novamente no futuro, Live Laugh Love é um ótimo disco para encerrar as coisas por enquanto: o homem que ganhou notoriedade por trazer alguns dos raps depressivos mais brutalmente honestos já escritos finalmente se encontra estável, satisfeito e olhando para o futuro.

Hayley Williams - Ego Death at a Bachelorette Party (2025)

Ego Death at a Bachelorette Party (2025)

Hayley Williams

Então, há pouco menos de um mês, Hayley Williams, do Paramore, lançaria dezessete novas faixas em seu site e enviaria uma delas para algumas rádios. Com um código promocional que você receberia ao comprar tintura de cabelo por um link no site dela ou de um amigo, você teria acesso a essas faixas e a algumas outras imagens. Mas isso só ficava no ar por algumas horas antes de ser retirado. Mas elas não ficariam fora por muito tempo. Hayley lançaria todas elas em plataformas de streaming, cada uma com sua própria arte de capa. A resposta foi mista; alguns disseram que elas deveriam ter sido lançadas em um álbum, não individualmente, mas fiquei feliz que elas tenham sido lançadas. A parte interessante veio quando ela anunciou que os fãs poderiam enviar playlists dessas músicas em sua própria ordem para o álbum oficial, o que foi uma ideia divertida; eu até fiz isso. Havia um site onde você podia enviá-las, com alguns gráficos e barras adicionais sobre quem colocou o quê e em que ordem. Foi muito legal, e depois de alguns videoclipes, promoções e teasers, o álbum que abrange essas músicas, Ego Death at a Bachelorette Party , finalmente foi lançado. Além de uma nova faixa no final.

Essa ordem final é muito boa. Eu ouvi esse lote com Kill Me , como abertura, que eu amo seu refrão e sua sensação ousada e difícil. Mas Ice in my OJ e Glum vêm primeiro antes de Kill Me , que é uma escolha que eu posso apoiar. Ambas contrastam bem entre si e dão o tom para uma experiência conflituosa, humilhante e internamente solitária, e um anseio por mais. Como eu ouvi essas músicas em várias ordens, foi uma viagem ouvir essa combinação de músicas e compará-la com minhas audições anteriores. Negative Self Talk na faixa-título, EDAABP , fez uma transição muito legal para a próxima metade. Os cortes mais discretos, como Zissou , Dream Girl in Shibuya e Blood Bros , recebem uma execução consecutiva, enquanto Whim e Disappearing Man , um corte pop-rock caprichoso e um corte indie rock trip-hop, são colocados na primeira metade. De qualquer forma, a maioria dessas músicas arrasa. Minhas favoritas são a faixa-título e Mirtaszapine . A primeira tem um bom padrão de bateria e uma escrita afiada e espirituosa que é cativante e catártica diante da perda de individualidade; a última é uma música power-pop, noise-pop que leva o nome do antidepressivo, sendo uma música irônica na veia dos anos 90. Hard tem essa bateria quase estrondosa e um baixo, e os versos constroem esse refrão intenso que eu realmente gosto. Eu amo o lirismo de Love Me Different , especialmente no pré-refrão afirmativo e edificante, e os sintetizadores e a bateria adicionando à eloquência dele. Eu amo Zissoue Blood Bros ; esses dois cortes são simples, mas fazem um bom trabalho em mantê-los leves e impactantes ao mesmo tempo. I Won't Quit On You , que foi meu encerramento, ainda tem um grande impacto. Adoro os versos, o refrão e os enfeites nele, que realçam a atmosfera, e a presença de Hayley corta como uma mensagem de satélite. Na minha lista de projetos de 2025, elogiei o Discovery Channel , que ainda admiro o lirismo cru e descarado e a interpolação de The Bad Touch , do Bloodhound Gang , adicionado a ele, mas é uma pílula difícil de engolir em alguns pontos porque eles não pousam cem por cento do tempo, enquanto o refrão pode fazer ou quebrar. Gosto de Dream Girl in Shibuya e Brotherly Love , mas eles não são tão fortes para mim quanto o resto do material. Finalmente, no final desta lista de faixas, está a nova faixa, Parachutes , e cara, que faixa para sair. As letras são profundas, o instrumental é insano e contribui para uma audição potente e um encerramento também. Ego Death at a Bachelorette Party foi um lançamento divertido. Desde o site e os singles individuais, até o incentivo para criarmos nossas próprias mixagens dessas músicas, eu estava empenhado em ver como isso iria acabar; estou feliz que essas músicas não só finalmente tenham um projeto, mas também tenham um bom fluxo e um encerramento incrível, não lançado originalmente com o 17. Foi uma experiência única para mim que me fez pensar sobre o sequenciamento das faixas de uma forma que eu não tinha considerado antes, emparelhando as músicas, ouvindo como minhas expectativas se comparavam às dos outros e, finalmente, este produto final, com mais algumas faixas bônus por vir. Este álbum é um conjunto de músicas envolvente, emocional e impactante, e não importa a ordem das faixas que você deseja ouvir, é igualmente envolvente.

Preservation & Gabe 'Nandez - Sortilège (2025)

Sortilège (2025)

Preservation & Gabe 'Nandez

Ainda um rapper relativamente subestimado da cena hip-hop abstrata, Gabe 'Nandez une forças com um dos produtores mais intrigantes que moldam a face moderna do subgênero, Preservation. Ambos ganharam maior reconhecimento com o lançamento de um marco na discografia de Billy Woods, o álbum "Aethiopes". Enquanto Gabe contribuiu com apenas um verso para uma faixa, Preservation foi responsável por toda a base do projeto, já que o produziu quase exclusivamente.

Aquele toque sonoro distinto que ajudou a criar a obra-prima de Woods também pode ser ouvido aqui. A atmosfera sombria e sinistra permanece intacta, ocasionalmente entrelaçada com melodias mais contidas e, às vezes, pontuada pela percussão boom bap. Gabe 'Nandez, embora não seja particularmente cativante com sua expressividade contida e carisma limitado, surpreendentemente prova ser um elemento complementar à produção, o que evita que o disco soe excessivamente monótono. Participações especiais também ajudam a romper a uniformidade, incluindo a participação de vários nomes essenciais do elenco do Backwoodz Studioz. Graças a esses componentes, o projeto se destaca como um trabalho altamente sólido que, apesar de carecer de elementos inéditos e oferecer pouca experimentação, destaca a forte conexão entre rapper e produtor, resultando em uma peça cuidadosamente elaborada.

Eu não tinha expectativas quando comecei a ouvir este álbum, então fiquei genuinamente surpreso, de forma positiva. Como de costume, tudo o que é lançado sob a marca Backwoodz Studioz é deliberado e de qualidade. "Sortilège" é, sem dúvida, um dos lançamentos de hip-hop abstrato mais interessantes deste ano.

Billy Pepper and The Pepperpots ‎– Beat !!!!! More Merseymania (LP 1964)

MUSICA&SOM ☝

Billy Pepper and The Pepperpots ‎– Beat !!!!! More Merseymania (LP Allegro Records ‎– ALL 699, 1964).

Género: Beat, Rock, Pop.

Billy Pepper and The Pepperpots foi uma banda de “Merseybeat” de curta duração, com origem em Birmingham e Liverpool que, em 1964, “copiou” o estilo dos Beatles, tendo feito versões/covers de algumas das suas canções. Segundo alguns entendidos, esta banda "Mersey" tinha sólidas conexões com os Beatles.

Billy Pepper era supostamente o pseudónimo de Billy Shepherd, que escreveu a primeira biografia autorizada dos Fab4, “A Verdadeira História dos Beatles”. 

A banda separou-se em 1964. 

Faixas/Tracklist:

A1 She Loves You (Lennon-McCartney)

A2 In A Little While (Bill Shepherd) 

A3 Tell Me Now (Bill Shepherd) 

A4 Night Without End (Bill Shepherd) 

A5 Won't You Come Out Tonight (Bill Shepherd) 

B1 Please Please Me (Lennon-McCartney)

B2 Baby You Can Do No Wrong (Jimmy Fraser) 

B3 I Don't Need You (Jimmy Fraser) 

B4 What Shall I Do (Bill Shepherd)

B5 Don't Tell Me You Don't Know (Jimmy Fraser) 

Billy Mure ‎– Supersonic Guitars (LP 1959)

MUSICA&SOM ☝

Billy Mure ‎– Supersonic Guitars (LP MGM Records ‎– E3780, 1959).

Produção de Eddie Heller.

Género: Instrumental, Rock ‘n’ Roll, Rockabilly.

“Supersonic Guitars “ é o quarto álbum da carreira do guitarrista Billy Mure.

Billy Mure (nascido Sebastian Mure, Nova Iorque 07 de julho de 1915 – falecido em 25 de setembro de 2013, aos 98 anos) foi um guitarrista americano que gravou vários álbuns na década de 50 e 60 em diversos estilos, incluindo o surf, a música havaiana, o swing, pop e lounge. 

Mure tocou em bandas enquanto prestava o serviço militar durante a Segunda Guerra Mundial e começou a trabalhar na estação de rádio WNEW depois do final da guerra, até 1957. Além das suas gravações a solo, Mure trabalhou como músico de sessão, compositor e arranjador. Ele compôs o popular instrumental "Toy Balloons". 

Algumas das suas primeiras composições incluem "Gazachastaliagen", "Got a Match" e "String of Trumpets".

Já em 1957, Mure começou a lançar álbuns com a sua guitarra "SuperSonic". Nesse ano, o seu primeiro LP foi gravado para a RCA Victor e chamou-se "Supersonic Guitars In Hi-Fi". Seguiu-se "Fireworks", também pela RCA (1957). O terceiro álbum para a RCA foi "Supersonics In Flight", lançado em 1958. 

O seu primeiro LP já para a gravadora MGM (e o quarto álbum da sua carreira) foi "Supersonic Guitars", de 1959, que segue a linha dos anteriores. É principalmente nestes quatro LPs que a fama e a reputação de Mure, como guitarrista excepcional, se fundamenta. 

Nos últimos sete anos da sua vida profissional, Mure apresentava com a sua banda (Top Hats) um show regular aos domingos, no Squid Lips em Sebastian, Flórida.

Mesmo sendo chamado "Guitar Legend" pela revista Guitar Player nunca isso o convenceu de que ele não necessitava de praticar e aprender todos os dias, até ao final da sua vida.

Faixas/Tracklist:

A1 Hindustan (Weeks, Wallace)

A2 Lover's Guitar (Davies)

A3 Limehouse Blues (Furber, Braham)

A4 Marie (Berlin)

A5 Pagan Love Song (Freed, Brown)

A6 Tiger Guitars (Mure)

B1 Guitars In Space (Mure)

B2 Granada (Lara)

B3 Pennies From Heaven (Johnston, Burke)

B4 El Cumbanchero (Hernandez)

B5 High Tide Boogie (Eldridge, Jirik)

B6 Linger Awhile (Owens, Rose)

Guitarra solo, compositor e arranjador - Billy Mure.

Billy Mure ‎– Super-Sonic Guitars In Hi-Fi (LP 1957)

MUSICA&SOM ☝

Billy Mure ‎– Super-Sonic Guitars In Hi-Fi (LP RCA Victor ‎– LPM 1536, 1957).

Género: Instrumental, Rock, Pop.

Billy Mure, nascido em 7 de julho de 1915, em Nova Iorque, falecido em 25 de setembro de 2013, com 98 anos, foi um guitarrista americano, arranjador, produtor e “bandleader” que gravou vários álbuns nos anos 50 e 60 em vários estilos, incluindo o surf, a música havaiana, o swing, pop e lounge.

A partir de 1957, começou a trabalhar como guitarrista de sessão, especialmente para as etiquetas Atlantic e Jubilee, com artistas como LaVern Baker, Joe Joe Hunter, Joe Turner, Bobby Darin ("Splish Splash"), Ben E. King, Bobby Freeman ("Do You Wanna Dance"), Don Rondo, Della Reese, The Sparkletones, Ersel Hickey e muitos outros. Nessas sessões, Mure muitas vezes também participava como arranjador e/ou regente.

Em 1957, Mure começou a lançar álbuns com a sua guitarra "SuperSonic". O seu primeiro LP, que aqui apresentamos, foi gravado para a RCA Victor e chamou-se "Supersonic Guitars in Hi-Fi" (RCA LPM 1536). Para este álbum, Mure utilizou quatro guitarras com ritmo amplificado, duas baterias e um baixo. A batida era selvagem e frenética e encaixava-se perfeitamente nos novos sons do rock ‘n’ rol da época. Seguiram-se outros álbuns.

Faixas/Tracklist:

A1 – Supersonic (Billy Mure)

A2 – Caravan (Mills, Ellington, Tizol)

A3 – Miserlou (Nicholas Roubanis)

A4 - My Little Grass Shack In Hi-Fi (In Kealakekua Hawaii) (Harrison, Cogswell, Noble)

A5 - Cherokee (Ray Noble)

A6 – Tabu (M. Lecuona)

B1 – Malaguena (Ernesto Lecuona)

B2 - Chopsticks Guitar (Billy Mure)

B3 - Sleepytime Gal (Lorenzo, Whiting, Alden, Egan)

B4 - 12th. Street Rag (Euday L. Bowman)

B5 - Guitar Boogie (Arthur Smith)

B6 - Sheik of Araby (Wheeler, Smith, Snyder)