Gary Barlow, OBE (Frodsham, 20 de janeiro de 1971) é um músico inglês, membro da banda Take That[1]. Gary é um dos compositores mais bem sucedidos do Reino Unido e de carreira internacional, tendo inúmeros #1 como compositor e como cantor na banda Take That. Em 2012 foi condecorado com a Ordem do Império Britânico (classe4), por serviços prestados à música, às Forças Armadas do Reino Unido e dos Estados Unidos da América e à caridade.
Carreira
Quando tinha apenas 15 anos, entrou numa competição na cadeia televisiva BBC, chamada A Song for Christmas. Entrou nas semifinais, com a sua canção "Let's Pray for Christmas" e foi convidado a gravá-la em Londres. Isto inspirou Gary a fazer actuações, onde interpretava covers de outros, mas também temas de sua autoria.
Barlow editou o seu primeiro single, "Love Is In the Air", aos 18 anos, numa banda que tinha como nome Kurtis Rush. Nessa altura foi apresentado a Nigel Martin Smith, o autor e então empresário dos Take That. Considerado um dos maiores compositores dos anos 90, Gary escreveu mais de 16 singles de sucesso dos Take That[1]. Depois da banda se separar, em 1996, Gary editou dois álbuns a solo, intitulados Open Road e Twelve Months, Eleven Days. Teve dois êxitos em primeiro lugar nos Tops e cinco no Top 40.
Foi cinco vezes premiado num dos prêmios mais prestigiados no campo da música, os Ivor Novello Awards. Em 2011, entrou para o júri do The X Factor (Reino Unido). Lançou em 2013, novo CD solo, Since I Saw You Last. Fora da Europa, América do Norte e América do Sul, Barlow teve seu maior sucesso "Back For Good" de 1995 lançado como faixa e tema por várias minisséries, telenovelas e programas da Austrália e Nova Zelândia nos anos posteriores a 1995, rendendo milhões. Seus trabalhos solo, assim como os de Robbie Williams, foram recorde absoluto de vendas em Israel. Fontes ligada à família de Barlow garantem que parte da família é originária da Alemanha e a outra parte (de seu pai) da Inglaterra. Os hobbies de Barlow são os de comprar mansão em bairros nobres da Inglaterra e fazer viagens para Lisboa, Miami (Estados Unidos) e Beverly Hills (Califórnia - EUA) onde Robbie Williams mora com a esposa norte-americana e as filhas. No ano de 1997 durante a promo tour do CD solo Open Road, fez shows em casas de pequena expressão do Rio de Janeiro, o que também resultou em boa vendagem de seu CD no mercado brasileiro naquele ano. Nos anos 1990, Barlow costumava ficar na orla carioca do Rio de Janeiro (ele e a atriz norte-americana Demi Moore). Em 1999, teve que interromper sua carreira devido a uma forte depressão causada pela perda do contrato com a gravadora e o insucesso em sua carreira solo, que nos dias atuais, segundo Barlow, fora superado graças ao seu casamento com a ex-dançarina mãe de seus filhos Dawn Andrews, antiga namorada e noiva do cantor afro-nigeriano inglês Seal.
Barlow se casou em 2000 com a dançarina Dawn Andrews, e eles tem três filhos: Daniel, Daisy e Emily. Em 2012, sua esposa esteve grávida, mas a filha que se chamaria Poppy, nasceu morta. Logo depois do acontecido, ele se apresentou na Cerimônia de Encerramento dos Jogos Olímpicos de 2012, junto com o Take That, onde foi elogiado pela mídia pela força e determinação ao subir ao palco logo depois da tragédia. Em sua apresentação, claramente pode se ver que ele estava abatido e triste.
Em 2011, durante a exibição ao vivo do The Xtra Factor, ele entra no Twitter, onde recebe quase que imediatamente, cerca de 300 000 seguidores. Dois meses depois, Barlow chega a 1 000 000 de seguidores na rede social. Em 2013, ele chega a 3 milhões.
Da Austrália apresentamos um álbum que se você é fã de rock progressivo sinfônico eu recomendo, se você gosta de guitarras espaciais com uma nuance bluesy à la Gilmour eu recomendo, se você gosta de rock atmosférico com muitos teclados eu recomendo, se você gosta de boas melodias e arranjos musicais complexos eu recomendo, se você gosta de álbuns com excelente som e produção eu recomendo, se você gosta de álbuns conceituais, épicos e cinematográficos eu recomendo, se você gosta de progressivo mas com um som atual e moderno eu recomendo, se você gosta de desenvolvimentos que tenham um clima otimista agradável longe da atmosfera depressiva de muitos álbuns progressivos, eu recomendo, e finalmente, se você gosta de projetos cujo som destila algo do mais sinfônico do Pink Floyd (embora com voo e som próprio), eu também recomendo. Este é um daqueles álbuns que você ouve e tem a sensação de que os membros desta banda se divertiram muito criando isso juntos, e eles fazem você aproveitar quem ouve.
Artista:Ambient Den Álbum: Ambient Den Ano: 2025 Gênero:Crossover Prog Duração: 66:55 Referência: Discogs Nacionalidade: Austrália
Hoje, vou analisar "Ambient Den", o álbum homônimo do projeto de mesmo nome. Pelo que sei, o projeto começou durante os lockdowns da Covid. O álbum é uma colaboração entre três músicos australianos: Ambient Den é basicamente o grande músico Ben Craven, guitarrista, multi-instrumentista, compositor e vocalista que exala rock sinfônico, citando Focus , Caravan , Nektar , Can , Yes , Genesis e Pink Floyd como referências, além de mais dois músicos. Aliás, "Ambient Den" é um anagrama dos nomes dos três músicos: Ben, Tim (Tim Bennetts, tecladista) e Dean (Dean Povey na bateria). Juntos, eles criam um álbum progressivo muito agradável e acessível, repleto de guitarras harmoniosas que mudam de estilo e intensidade, bateria potente e piano/teclados melódicos. Cada membro da banda contribui com um elemento vital, criando um som atmosférico extremamente satisfatório e estimulante. O som é envolvente e te permeia com sons puros.
O álbum decola cinematograficamente, com uma abertura suave e um solo de guitarra envolvente, convidando você a sonhar com paisagens oníricas, mas sempre com alegria, boa atmosfera e uma riqueza de musicalidade e emoção. A verdade é que muitas pessoas teimosas certamente irão gostar imensamente.
E para vocês terem uma ideia da música deles, segue o vídeo com o álbum completo.
Curti muito cada minuto do álbum. E a essência do Pink Floyd é intensa em todos os momentos. Dê uma olhada... qualquer um que tenha gostado de música inspirada no Pink Floyd , sem dúvida, vai gostar deste álbum.
Lista de faixas: 1. Future History Part 1 (1:48) 2. For All Mankind (8:16) 3. Provenance (5:58) 4. Earthrise (9:16) 5. Terraforming (16:31) 6. Future History Part 2 (5:47) Faixas bônus: 7. For All Mankind (edição única) (5:46) 8. Earthrise (edição única) (4:41) 9. Terraforming (edição única) (4:25) 10. Future History Part 2 (edição única) (4:27)
Formação: - Ben Craven / guitarras, baixo, programação, vocais - Tim Bennetts / piano, teclados, vocais - Dean Povey / bateria, vocais
A década de 1990 também viu um aumento nos filmes biográficos no mundo do cinema. Às vezes, quando a indústria do entretenimento fica sem ideias, ela se volta para algo certo para evitar o fracasso de bilheteria. Um exemplo disso foi The Doors, dirigido pelo controverso diretor americano Oliver Stone. As expectativas para o filme eram altas, mas o resultado final deixou tanto a crítica quanto o público um tanto frios. Oliver Stone embarcou na tarefa titânica de trazer a história de Jim Morrison, vocalista da banda de rock The Doors, para os cinemas. Levar essa imagem de um poeta amaldiçoado e vocalista de uma banda superlativa para a tela grande implicou em correr riscos em partes do filme. Assim, encontramos um festival de imagens poderosas, sedutoras e apaixonantes. A música e a imagem, como dizemos, se fundem em um pastiche difícil de digerir, mas ao mesmo tempo altamente evocativo para o espectador.
Por Antonio Mautor
O aspecto musical do filme, como esperado, atua como um catalisador para a história que nos é apresentada, criando a atmosfera necessária para este tipo de filme. As músicas são apresentadas como elementos narrativos que definem o humor de Jim Morrison e destacam momentos vitais de sua vida.
O diretor americano não queria fazer um filme biográfico tradicional. Ele queria retratar a energia visceral exalada por Jim Morrison, juntamente com a criatividade de sua poesia e a deriva autodestrutiva que ele continuamente habitava. A abordagem se conecta com o espírito xamânico e desértico pelo qual Morrison era apaixonado, levando-o a ver a vida através de um prisma às vezes completamente distorcido e deslocado. A música atua como personagem principal do filme e o fio que devemos puxar para escapar do labirinto.
Acima de tudo, devemos destacar a extraordinária atuação do falecido Val Kilmer, que encarna Morrison com inegável dedicação e paixão. Surpreendentemente, ele até cantou em muitas das músicas do filme, deixando o público sem palavras com o poder de suas cordas vocais. Sua voz se misturava perfeitamente com as gravações reais da trilha sonora, criando um efeito hipnótico que deixava o espectador quase em transe psicodélico. As músicas usadas na trilha sonora são uma espécie de "grandes sucessos" que contam a história do ilustre artista, desde suas origens na Califórnia até sua morte em Paris. Temos uma abertura impressionante com "Break On Through (To The Other Side)", que representa o que o filme quer transmitir: cruzar os limites da consciência, romper com o estabelecido. É hora de mergulhar no mundo do The Doors, guiado por Morrison.
"Light My Fire" é apresentada como uma das músicas icônicas da banda. Ela retrata os primeiros sucessos da banda e seus anos dourados. A selvageria sexual e a libertinagem definem a ambiguidade do personagem.
O emotivo "The End" é usado para marcar a tensão emocional extrema, funcionando como um mantra que resume a filosofia trágica e existencial de Morrison. O deserto é um elemento-chave para explicar toda essa raiva reprimida pelo personagem. A crítica social e tudo o que cerca o grupo poderia ser significado com a música "When The Music's Over". É um momento para questionar o que foi conquistado, a fama efêmera, a falsidade do sistema, o riso forçado... as mentiras.
Todas as músicas aparecem em momentos-chave do filme. Elas são mostradas nos momentos mais existenciais do protagonista. Todos os seus baixos, loucura e alegria desenfreada são explicados por meio de uma música da banda. Não podemos deixar de mencionar músicas como "Not To Touch The Earth", "The Soft Parade" e "Mooonlight Drive". Tudo isso faz parte de uma conspiração para atrair você para o território deles.
Esta trilha sonora não é composta apenas pelas músicas da banda. Oliver Stone usa canções como "Heroin", do Velvet Underground, para transmitir a atmosfera decadente em que Morrison se encontrava. Ou o clássico "O Fortuna", de Carl Orff, para destacar cenas de transe ritual, etc.
Como já mencionamos, o filme foi recebido com controvérsia. Por um lado, alguns fãs acreditaram que ele fazia justiça a Morrison e ao The Doors, enquanto outros alegaram que alguns aspectos foram exagerados para torná-lo mais impactante. Os críticos se dividiram igualmente em sua análise do filme de Stone. Houve uma certa mistura de opiniões. No geral, a maioria chegou à conclusão de que tanto a atuação de Kilmer quanto o uso da música eram de altíssimo padrão.
Um filme que consegue evocar a alma de uma época e abrir uma janela para o que estava se formando naquela época nos EUA e no resto do mundo. Ele retratou com sucesso a descida de Morrison às profundezas de sua consciência, enquanto lutava para sobreviver por meio de suas canções. Sua imagem final, barbudo, barrigudo e fora de si, nos deixa com uma imagem dura e indesejada de alguém que queria sonhar, mas foi finalmente destruído por seus próprios demônios.
E dentro da nossa seção de bom rock brasileiro, e já que ontem estávamos com um disco do Andre Matos, vamos com o primeiro disco de mais uma banda brasileira de metal progressivo. Originalmente de São Paulo, formada em 1999, composta por músicos emergentes que hoje são reconhecidos, como o vocalista Thiago Bianchi (Shaman) e o baixista Felipe Andreoli (Angra, Almah), e com Andre Matos como convidado. Numa linha totalmente progressiva, com bateria muito criativa, atmosferas de teclado muito boas além de muito peso com a base e guitarras, com um som muito influenciado pelo Dream Theater mas ao mesmo tempo com muita identidade. Há mudanças de ritmos, cortes, arranjos e virtuosismo, tudo que faz um amante do estilo se apaixonar por isso, mas claro, além da potência, é bem bonito e bom o suficiente para explorar mais dessa banda
Artista: Karma Álbum: Inside The Eyes Ano: 2000 Gênero: Progressive Metal Duração: 63:51 Referência: Discogs Nacionalidade: Brasil
Uma banda que começou como qualquer outra: tocando covers, a partir de uma ideia que surgiu entre um aluno de violão e seu professor. Decidiram convidar um baterista e um baixista, conheceram um vocalista que se encaixava perfeitamente no projeto e, finalmente, o tecladista se juntou a eles. Com suas primeiras músicas, abriram shows para bandas como Stratovarius, Angra e Hammerfall em 1999. Nesse mesmo ano, começaram a gravar seu primeiro álbum, "Inside the Eyes". Não direi muito mais, porque, com o comentário anterior, acho que todos entenderam mais ou menos como isso soa.
E se você não tem ideia, aqui vai um exemplo...
Em suma, bons músicos fazendo o que amam.
Não consegui encontrar nenhum outro lugar para ouvir o álbum, então aqui está o vídeo acima.
Lista de faixas: 1. Into (0:16) 2. In the Name of God (6:51) 3. The Snow of the Sunset (5:56) 4. The Sarcastic Weaver (8:31) 5. Slandering (7:13) 6. World in Madness (7:27) 7. The Speech (5:45) 8. Chains of Oppression (8:18) 9. Vega (4:48) 10. Eyes (8:46)
Formação: - Tiago Bianchi / vocal - Chico Dehira / guitarra - Felipe Andreoli / baixo - Fabrizio Di Sarno / teclado - Marcell Cardoso / bateria Músico convidado: Andre Matos / vocal convidado em "The Speech"
O álbum de alienígenas comendo macarrão. Desde o lançamento deste power trio francês, muito se escreveu sobre ele, rios de tinta se derramando sobre ele e sobre eles, colocando-os no lugar de uma banda cult atual. E não é de se admirar, com sua psicodelia explosiva e catártica, que o mergulha de cabeça na zona que chamamos de "música para amar ou odiar sem meio-termo". Com muitos elementos pesados que aumentam o impacto emocional do álbum, eles criam uma experiência que ressoa com os temas cósmicos explorados no conceito do álbum, e com uma performance vocal notável, perfeitamente adaptada à nova dinâmica do álbum; um astronauta punk furioso, que se torna um componente vital na transmissão da profundidade emocional da história cósmica, adicionando uma camada crua e autêntica à narrativa. Com 79 minutos de duração, nenhum momento parece desperdiçado, nenhum movimento se arrasta por muito tempo; o álbum é uma montanha-russa cósmica que exige ser vivenciada. Um álbum que tece habilmente uma narrativa que viaja pela imensidão do espaço e do tempo, cada faixa se desenrola como um capítulo de um romance intergaláctico, convidando os ouvintes a mergulhar na história do universo musical de Slift, criando uma verdadeira obra-prima da cena do rock progressivo atual. Bem-vindos ao banquete de espaguete do rock.
Já que há muita coisa escrita sobre o álbum, não vou entrar em muitos detalhes e vou apenas copiar o primeiro comentário de terceiros, que nos diz o seguinte...
O retorno do Slift, anunciado no final do verão passado, tornou-se um verdadeiro acontecimento. A marca deixada pela banda francesa há pouco mais de três anos com o imperial "Ummon" alcançou os quatro cantos do planeta, tornando-se um daqueles álbuns raramente ouvidos ao longo dos anos. Como o passar do tempo indica, ele se aprimora como um bom vinho, transformando uma banda como o Slift em um grupo cult. "Ilion" é o novo álbum deles, um álbum onde o mistério prevalece, e com base nessa nuance, suas melhores armas são disparadas, encerrando a cena com aquele jato de propulsão psicodélica pesada tão reconhecido pela banda francesa, suas extensas explorações espaciais, para dar-lhe aquele must necessário e absorvente, e antes que você perceba, já está totalmente imerso em sua atmosfera seletiva. Depois daquele turbilhão que se mostrou a grande revelação do sombrio 2020, iluminando nossos caminhos mais obscuros, servindo de luz em meio ao isolamento, fazendo-nos desconectar da solidão que víamos da janela para a vasta rua vazia, essa mesma solidão foi transferida para o espaço, a zona de conforto dos franceses que fazem do novo "Ilion", um álbum muito mais extenso nos desenvolvimentos mais longos, baseando suas principais premissas nesses crescimentos que adquirem um tom geral ao longo do álbum. Evidentemente, o caráter sonoro, embora um tanto deixado de lado para um álbum muito mais exploratório e possivelmente com maior personalidade, o novo "Ilion" apenas torna "Ummon" um álbum único, mas não tira a capacidade criativa de um Slift, sem nunca se desviar do caminho, de mergulhar completamente nessa natureza das jam sessions espaciais com seu novo trabalho. Estamos falando, sem dúvida, de um álbum com quase uma hora e meia de duração, o que sugere a forma como o power trio de Toulouse tem trabalhado, e sob essa perspectiva, ele vence "Ummon", que, apesar de ter uma lista de faixas mais extensa, se esforça, e de fato consegue, colocar todo o dinamismo de Slift em órbita. Em "Ilion", a natureza construtiva de seu esquema é premente. Aquela expansão mencionada nas prévias promocionais do álbum é uma realidade. Aberturas como a própria faixa-título combinam muito com sua atmosfera. Aqueles mid-songs orquestrados pelo sintetizador, e o magnífico encerramento "Enter the Loop", nos fazem entender, em meio à imensidão universal, quão pequenos realmente somos e quão perplexos ficamos diante de tal espetáculo audiovisual. Você pode ler que a música do Slift sempre se conecta com minhas emoções de uma perspectiva imaginária, além do áudio emitido pelos alto-falantes. Isso é vital para entender uma fórmula mestre como a definição de suas canções e o significado de nos levar a paraísos oníricos longe da nossa Mãe Terra. Narrativas épicas como a maravilhosa "The Story That Has Never Been Told" nos aproximam de "Ummon", mas também nos dão uma versão não apenas completa, mas também futurista para o futuro da banda. Como eu disse antes, o cenário de "Ilion" é soberbo e, como seus antecessores, o trabalho, o fino acabamento do sintetizador, é simplesmente essencial. Digno de menção especial como um gancho perfeito é o virtuosismo da banda francesa, um exemplo disso é "Confluence", sempre reservando o momento estelar após minutos acalorados para explodir como a supernova que são. O salto da banda é gigantesco; assinar este álbum com uma gravadora histórica como a Sub Pop Records para distribuição não é coincidência. O Slift não se esquiva de um estilo específico; Vanguarda é o sobrenome deles, e a diversificação de ideias — a ação que se segue à reflexão — só pode ter uma palavra: "Ilion". O resultado continua impressionante, com suas próprias expedições nos levando através dessas formas imaginárias de outro mundo, acompanhando esse declínio da humanidade e a renovação cíclica de sua extensão imperiosa na sinopse de "Ummon". O novo álbum alimenta esse ciclo sob uma aparência muito mais meditativa. A estrutura de suas músicas molda esse ambiente progressivo, nos levando àquela espiral psicodélica pesada e à materialização de guitarras e sua construção em cascata. Também encontro uma sensação predominantemente atmosférica em "Ilion", e isso nos leva a um pico ainda maior em sua ampla evolução. Em meio a um universo de fusões prósperas, a exploração continua seu curso em "Ilion", uma continuação imbatível que confere grandeza ao seu trabalho e um caráter significativo como a melhor ponte que conecta os dois mundos, se a compararmos com "Ummon". Vencedor claro para reinar entre os melhores de 2024, ele é apresentado como nosso grande ÁLBUM DA SEMANA, fazendo com que esses quase 3 anos de espera pelo retorno do Slift tenham valido muito a pena.
Mas esse não é o único comentário. Aqui vão mais alguns, caso sejam úteis, o que duvido, mas não custa nada...
Slift é uma banda de Toulouse, França, que estreou em 2017 com o EP Space is the Key. Pouco depois, em 2018, eles avançaram em sua aventura musical com seu primeiro álbum completo, La Planète Inexplorée, embora não tenham se destacado na época. As coisas mudaram para eles com seu segundo álbum, com Ummon recebendo um grande número de críticas positivas da crítica e do público. Eles não eram mais apenas uma banda de rock psicodélico, pois sua mistura incluía space rock, stoner, krautrock, progressivo e heavy psych. A diferença é que em 2020 eles conseguiram alcançar muito mais pessoas. Quatro anos depois, o trio musical lançou seu terceiro lançamento, intitulado Ilion, enfatizando os sons mencionados, mas apresentando elementos mais progressivos e endurecendo seu som às vezes. Desde os compassos iniciais da faixa de abertura homônima, o Slift tenta nos guiar através de uma lente cinematográfica, com a voz de Jean Fossat carregada de visceralidade e intensidade avassaladoras. Essa emoção é reforçada por suas próprias guitarras, pelo dedilhar do baixo de seu irmão Rémi e pela precisão hipnotizante de Canek Flores na bateria. Na produção, liderada por Olivier Cussac, percebemos essa busca por espaço próprio para cada instrumento – aliás, todos são claramente audíveis –, mas ele também tenta capturar a crueza e a potência das performances ao vivo. Em "Nimh", que se revela outra peça de relativa duração, com seus nove minutos de explosões contínuas, encontramos outra odisseia baseada em space rock, psicodelia, prog metal, passagens doomy e stoner grit, com um trabalho de guitarra massivo, ao lado de um baixo e uma bateria às vezes sinuosos que se elevam majestosamente. Outro título notável é "The Story That Has Never Been Told", uma composição com mais de 12 minutos de duração que atinge níveis emocionais impressionantes, mas às vezes desacelera para se tornar mais cósmica e se desviar para o vibrante space rock e o krautrock cirúrgico. Mas é claro que suas estruturas musicais são complexas e dinâmicas, incluindo mudanças de andamento e intensidade que mais uma vez distorcem a peça, enviando seu corpo a tremer com choques elétricos. Tudo isso poderia ser dito igualmente de duas outras faixas notáveis, "Confluence" e "Weavers' Weft". Se voltarmos ao tema de Ilion, o Slift criou um álbum conceitual que captura o declínio das civilizações, a esperança e o renascimento, e a natureza cíclica da existência. Baseando-se na instrumentação da obra, a banda francesa busca levar o ouvinte por vastas passagens cósmicas e jornadas interestelares, como se refletisse a grandeza do universo e a fragilidade da humanidade. Este álbum pode ter permanecido um tanto escondido em alguns círculos, mas para aqueles acostumados à psicodelia, à complexidade do prog, aos choques stoner e às atmosferas cósmicas, este trabalho do Slift deve ser ouvido e valorizado como ouro. É uma verdadeira maravilha sonora que não pretende rivalizar com o frescor de seus trabalhos anteriores, mas sim servir como a continuação de uma carreira que parece não ter limites.
E agora chegamos ao que realmente vale a pena, que são especificamente algumas das músicas deste álbum...
E vamos para a última análise que copiamos aqui, embora existam muitas outras na internet.
Mesmo sem os apresentadores nos avisarem, o Hurricane SLIFT retorna com seu novo álbum, "ILION", mostrando ao mundo que não é uma banda comum. Um álbum arrebatador que não vacila em nenhuma de suas músicas perturbadoras. Retomando de onde o trio parou em seu último álbum, este é um álbum construído à maneira de um conto homérico. Mas se "UMMON" contava uma história épica, este novo lançamento é sobre emoções e sentimentos humanos, retratando a queda da humanidade e o renascimento de todas as coisas no tempo e no espaço. "ILION" leva o nome da antiga palavra grega para a cidade de Troia, um lugar que entrou para a história por seu passado bélico, algo que de alguma forma se reflete nessas músicas agressivas e impressionantes. Este é, sem dúvida, um álbum feroz, com um som avassalador que mergulha o ouvinte em uma bacanal perturbadora de vibrações psicodélicas pesadas, com um espírito cósmico. Embora o SLIFT tenha construído uma forte reputação na cena psicodélica nos últimos anos, sua música não é para todos. Avassaladores no desenvolvimento de suas músicas, sua complexa experimentação com o espaço sideral exige uma mente aberta e uma disposição para se surpreender. Suas incursões progressivas podem não ser fáceis de assimilar, mas a excelência de suas composições representa um desafio para o ouvinte. 'ILION' é um álbum monumental e complexo, refletindo a evolução de uma banda que se afasta do convencional e explora descaradamente paisagens sonoras intrincadas nas quais o progressivo é adornado com batidas metálicas, enriquecendo assim sua oferta psicodélica pesada. Esses sons massivos nos levam a uma história épica onde tudo pode acontecer. Com uma densidade melódica significativa, o SLIFT escrutina cada canto do cosmos por meio de canções voluptuosas e sombrias que não deixam espaço para a esperança. Sem dúvida, para desfrutar plenamente da experiência narrativa de 'ILION'. 75 minutos em oito músicas nas quais o trio libera sua fúria com guitarras monolíticas e ácidas que guiam canções que convidam a uma odisseia sonora de proporções colossais. É isso que eles são; com o SLIFT, não há meio-termo; ou você os ama ou os odeia. "Ilion", a faixa de abertura e faixa-título, encapsula a essência deste segundo álbum do trio francês em seus onze minutos. Um turbilhão de riffs ácidos que gravitam em uma órbita estelar, mantendo um tom hipnótico e uma atmosfera sombria. Densos em sua composição, os vocais atormentados conferem um caráter indomável e raivoso. A guitarra, exausta nos solos impossíveis de sempre, e o dinamismo de sua base rítmica criam uma espiral que nos arrebata com a força habitual do trio. O SLIFT é uma banda de excessos, e isso é capturado em uma faixa executada em velocidade astronômica. Uma marca registrada de uma banda psicodélica que gosta de elementos astronômicos para dar gravitação às suas músicas. Pesada e perturbadora, a banda francesa percorre um caminho tortuoso para desenvolver esta faixa marcante. A jornada espacial desacelera na segunda metade, levando-nos a uma jornada errante por um ambiente sem gravidade onde o espaço assume o papel principal. Após o intervalo, a faixa explode em um final épico e pesado. A música retrata monumentos a deuses antigos erguendo-se em direção ao céu a partir do solo desértico e empoeirado de um planeta moribundo, açoitado por ventos ferozes. Ela fala às pessoas condenadas a viver nesta terra desolada. E aos assassinos deste mundo, que o abandonam em busca de espaço e da esperança de um novo mundo, em uma cruzada frenética que os levará à loucura. As coisas não parecem mudar muito em ‘Nimh’. Mais um corte frenético que nos leva a voar em direção a um espaço sonoro insondável e aterrorizante em algum lugar da Via Láctea. Aqui, a banda cuida da melodia entre vocais aterrorizantes, fazendo com que sua força chocante seja abafada com passagens mais acessíveis. Mas a aposta sonora estonteante dos franceses parece pender para esses espaços em detrimento das passagens atmosféricas. Mas se cavarmos em suas entranhas, o frenesi sonoro esconde belas passagens escondidas entre o bacanal sonoro da banda. O SLIFT continua a nos mergulhar na escuridão em uma nova música difícil de ouvir sem se sentir sobrecarregado, mas eles sabem como pausar sua aposta estrondosa. Isso se traduz em passagens oníricas adornadas com coros celestiais que compensam a virulência de seus riffs, criando um espaço narcótico e meditativo que logo é quebrado por aquelas vozes aterrorizantes. Com algumas batidas metálicas, "The Words That Have Never Been Heard" se torna uma faixa com elaboradas passagens psicoprogressivas que, por vezes, nos retêm. As melodias cuidadosamente elaboradas nos colocam em um cenário diferente das orgias psicodélicas que a banda francesa tanto aprecia. Mas seus momentos atmosféricos são apenas o prelúdio de um novo ataque. Como esses caras são assim, sua tendência a nos sobrecarregar surge em cada uma das músicas, por mais lentas que sejam. A faixa é um período de espera antes de uma nova bacanal, embora desta vez as coisas pareçam se desenrolar com mais serenidade, permitindo que o SLIFT se concentre mais nessa narrativa para entregar uma faixa sublime e cheia de antecipação sobre o que pode acontecer neste cenário cósmico. "Confluence" continua a narrativa da faixa anterior com passagens enigmáticas de vocação cósmica, nas quais desenvolvimentos progressivos exploram os confins do espaço sideral com momentos brilhantes de psicodelia progressiva que servem como trilha sonora para o conto de ficção científica do trio. Na segunda metade, a faixa torna-se sombria e virulenta, com passagens incisivas impulsionadas por uma base rítmica tempestuosa. SLIFT abre o caldeirão de psicotrópicos, permitindo que sua essência vagueie pelo espaço sideral. "Weaver's Weft", ao contrário das músicas anteriores, decide pausar a ferocidade, revelando um espaço quase devocional. Lentas em sua execução, criam um ambiente sonoro que cativa o ouvinte. Vozes alternando-se em uma névoa psicodélica criam um corte perturbador e monumental que evolui para um estado de peso aterrorizante. Esse equilíbrio se manifesta na alternância de desenvolvimentos delicados e acolchoados, enriquecidos por um trabalho vocal refinado que, em última análise, dá corpo a outra faixa que é ao mesmo tempo assombrosa e bela. A faixa transita por diferentes momentos, mudando constantemente sua aparência. Após a tempestade, a calma chega com "Uruk". Em meio a passagens assombrosas com uma aura misteriosa, vocais etéreos criam um conto sombrio sem destino previsível. Envolto em efeitos e com acordes repetidos, o baixo marca a evolução da música. Elevando a intensidade a um nível de peso mais típico do post-metal ou doom, ele consegue prender o ouvinte em sua peculiar gaiola sonora. Ondulando em seu ritmo, a faixa se transforma em uma montanha-russa de emoções. O SLIFT não é uma banda que vai direto ao ponto; eles levam seu tempo elaborando suas músicas. Prova disso é "The Story That Has Never Been Told", de doze minutos. Outra música assombrosa nascida de um som forte, mas contendo delicadas passagens de psicodelia vindas de algum lugar remoto no cosmos. Encharcadas de efeitos e vocais etéreos na linha "Yes", seus desenvolvimentos progressivos são mais uma vez evidentes. Momentos belos e melancólicos agem como um bálsamo para a tempestade que geram em cada uma de suas músicas. Com uma seção intermediária mais calma, a faixa retorna ao caminho da complexidade no final. Como um epílogo para esta odisseia épica, "Enter The Loop" gravita em uma órbita atmosférica mais próxima de sons sobrenaturais, dando um toque final perturbador a uma história complexa e inadequada para todos os ouvidos.
Lista de faixas: 1. Ilion (11:08) 2. Nimh (9:38) 3. The Words That Have Never Been Heard (12:32) 4. Confluence (8:37) 5. Weavers' Weft (9:41) 6. Uruk (9:55) 7. The Story That Has Never Been Told (12:35) 8. Enter the Loop (5:03)
