O álbum Tubular Bells, de Mike Oldfield, é um marco na história da música contemporânea e um dos discos mais influentes do rock progressivo

O álbum Tubular Bells, de Mike Oldfield, é um marco na história da música contemporânea e um dos discos mais influentes do rock progressivo e da música instrumental. Foi lançado em 25 de maio de 1973 como o primeiro álbum do selo Virgin Records, de Richard Branson.

É uma obra quase inteiramente instrumental, com forte base em rock progressivo, música clássica contemporânea, folk e minimalismo, dividido originalmente em duas longas faixas: Tubular Bells Part One (25:00) e Tubular Bells Part Two (23:50).

Oldfield toca quase todos os instrumentos sozinho, incluindo guitarra elétrica e acústica, baixo, órgão Hammond, glockenspiel, piano, percussão e os tubular bells (sinos tubulares).

O disco foi gravado com tecnologia analógica limitada (um gravador de 16 canais), o que torna o resultado ainda mais impressionante. O uso de camadas e overdubs feitos manualmente por Oldfield é um dos pontos altos técnicos do disco.

A "Parte Um" ficou famosa por ter sido usada como tema principal do filme O Exorcista (1973), o que alavancou mundialmente a popularidade do álbum.

O álbum ficou mais de 280 semanas nas paradas britânicas, vendeu mais de 15 milhões de cópias no mundo. É um dos álbuns instrumentais mais vendidos da história.

Tubular Bells é uma obra-prima de criatividade individual e visão artística, que rompeu barreiras entre o popular e o erudito. Um disco que mostrou ao mundo que um jovem de 19 anos podia, sozinho, reinventar a música progressiva e conquistar as paradas com uma peça instrumental experimental.

ANIMA MUNDI Symphonic Prog • Cuba

 

ANIMA MUNDI

Symphonic Prog • Cuba

Biografia do Anima Mundi
Formado em 1996 em La Habana, Cuba - Ainda ativo em 2019,

o ANIMA MUNDI sempre combinou sons progressivos com outros gêneros musicais e usou instrumentos incomuns para o rock. Ecos da música celta, cubana, new age e rock sinfônico podem ser claramente distinguidos.

No álbum de estreia de 2002, "Septentrion", os membros da banda do ANIMA MUNDI consistem em Roberto Diaz nas guitarras elétricas e acústicas, Virginia Peraza nos teclados, programação, Ariel Valdes na bateria e percussão, Ariel Angel no baixo, Andremil Oropeza nos vocais principais, Regis Rodrigues na gaita de foles, flauta doce e apito, Anaisy Gomez na gaita de foles, flauta doce e clarinete. O álbum seguinte, "Jagannath Orbit", foi lançado em 2008 com uma formação de banda diferente; Yaroski Corredera no baixo, Osvaldo Vieites na bateria e Carlos Sosa nos vocais principais se juntando à formação regular. Este álbum contou com músicos convidados: Javier Mauri na percussão e flauta doce, Donna Betancourt no fagote e Jacobo García no didgeridoo.

Em 2010, a banda lançou "The Way", com 4 faixas, uma das quais é um épico de 26 minutos e meio, "Spring Knocks on the Door of Men". Desta vez, a formação era nova: Virginia Peraza (teclados), Roberto Díaz (guitarra e vocal), Yaroski Corredera (baixo), Manuel Govin (bateria) e Carlos Sosa (também vocal), e como convidados Mónica Acosta (fagote), Yailin Martinez (flauta) e Javier Mauri (percussão). Em 2013, o álbum seguinte, "The Lamplighter", foi lançado com 2 suítes e um epílogo, totalizando 53 minutos. A banda mudou novamente com Emmanuel Pirko-Farrath nos vocais, Roberto Díaz nas guitarras, Virginia Peraza nos teclados, Yaroski Corredera no baixo e José Manuel Govin na bateria.

A banda lançou, sem dúvida, alguns dos melhores álbuns de rock progressivo sinfônico de Cuba, com destaque para "Septentrion". Nesta estreia, há também boas misturas de influências celtas na estrutura geral, que adicionam uma maravilhosa sensação de ambiente. São 12 faixas (5 instrumentais) e é possível se perder nas múltiplas camadas da música. "The Way", de 2010, também recebeu avaliações altas dos críticos. AMINA MUNDI é altamente recomendada para fãs de rock progressivo sinfônico.

Septentrión
Anima Mundi Symphonic Prog

 Cuba é certamente o último país em que se poderia pensar para descobrir bandas de rock progressivo. Existe uma banda fabulosa chamada Anima Mundi. Tive a oportunidade de vê-los em concerto duas vezes e foi realmente um deleite! Eu não conhecia esta primeira obra lançada por uma pequena gravadora independente italiana, a Mellow Records, que também lançou o único álbum da minha primeira participação em um grupo, Anoxie ("Pastales"). Ao contrário dos álbuns seguintes, estes primeiros passos incluem fortes e bem-vindos toques celtas (gaitas de fole) que lembram mais a Escócia do que Cuba!! O resto é um belo prog sinfônico regido por Roberto Diaz (guitarras) e Virginia Peraza. Brilhante!

Insomnia
Anima Mundi Symphonic Prog

 A veterana banda cubana ANIMA MUNDI remonta a meados da década de 1990 e, salvo engano, é a principal e mais importante banda de rock progressivo de seu país. "Insomnia" é seu sexto álbum de estúdio, lançado em 2018 pela gravadora alemã Progressive Promotion Records.

Acho difícil encaixar o último álbum do Anima Mundi em qualquer um dos subgêneros predefinidos do universo do rock progressivo. É um álbum envolvente e cativante, porém, às vezes hipnoticamente envolvente, uma descida sombria a um universo que, em clima e atmosfera, é tão sombrio e sinistro quanto o já mencionado filme Blade Runner. Se rock progressivo cósmico, sombrio e distópico soa como algo que você gostaria, "Insomnia" merece ser incluído na sua lista de músicas que precisam ser ouvidas. Uma experiência sombriamente envolvente e sombriamente cativante.

ANIMA MORTE Symphonic Prog • Sweden

 

ANIMA MORTE

Symphonic Prog • Sweden

Biografia do Anima Morte
Fundado em Estocolmo, Suécia, em 2004

Quando o ANIMA MORTE foi sugerido à equipe sinfônica para adição, verifiquei a banda sem nenhuma expectativa, porque soava mais como o nome de uma combinação de Death Metal do que de uma banda sinfônica, mas no instante em que ouvi a primeira amostra, era óbvio que eu estava diante de uma banda sueca clássica com respeito ao som dos pioneiros sinfônicos, mas ao mesmo tempo um estilo próprio seguindo o caminho de músicos e bandas como BO HANSSON, NGLAGÅRD ou PÄR LINDH PROJECT.

O ANIMA MORTE é uma criação de Fredrik Klingwall, que em 2004 fundou a banda para recriar a música dos famosos filmes italianos de Dario Argento, provavelmente a origem de sua sóbria, mas sombria e misteriosa ao mesmo tempo (uma boa combinação), logo depois, em 2005, Fredrik pede a Stefan Granberg para se juntar ao projeto e, com seus esforços combinados, o ANIMA MORTE decola.

A banda agora formada por Fredrik Klingwall (teclados), Stefan Granberg (baixo, bazouki e sintetizadores de guitarra elétrica), Daniel Cannerfelt (guitarras) e Teddy Möller (bateria), lançou (com diferentes formações) vários álbuns, que vão do promissor single eletrônico em vinil Viva Morte (2007) ao CD maduro chamado The Nightmare Becomes Reality em 2011.

Devido ao seu som com abundantes Hammond e Mellotron, perguntei a Fredrik (por e-mail) se ele tinha alguma influência do PÄR LINDH PROJECT (me lembra do The Cathedral), mas ele me confessou que Bo Hansson e Samla Mammas Manna, Goblin junto com Enio Morricone e Fabio Frizzi, foram suas principais influências. Além dos lançamentos oficiais, eles trabalharam em coletâneas como a surpreendente Rökstenen, um tributo ao Prog sueco.

Então, para quem gosta de bandas como KING CRIMSON, ELP e ícones suecos com um toque de trilhas sonoras de terror italianas, ANIMA MORTE é uma das bandas mais recentes para ouvir

The Nightmare Becomes Reality
Anima Morte Symphonic Prog

 Meu primeiro contato com o ANIMA MORTE sueco começou com o disco seguinte, "Upon Darkened Stains", de 2014, e minhas expectativas estavam um pouco altas demais, acho que dando 3,5 estrelas, mas fiquei um pouco desanimado com o som moderno, principalmente dos sintetizadores. Eu realmente esperava um som analógico estilo GOBLIN, mas essa vibe moderna me incomodou. "The Nightmare Becomes Reality", de 2011, é semelhante ao disco seguinte, mas com certeza é mais do meu agrado. Muito mellotron, bateria e baixo excelentes, enquanto o estilo da guitarra muda ao longo do disco.

Esta banda é um quarteto e influenciada pelos nomes de sempre, como GOBLIN, Enio Morricone e, surpreendentemente, SAMLA MAMMAS MANNA, uma banda brilhante e positiva, sem influências sombrias e de terror. Não sou fã de filmes de terror, mas gosto daquele som sombrio, como o disco do MORTE MACABRE, por exemplo. "Voices From Beyond", uma curta introdução de 30 segundos com vozes que termina com um grito, nos dá o pontapé inicial.

A primeira faixa que realmente se destacou para mim foi "Passage Of Darkness", em parte porque é conduzida por piano em vez de sintetizador. A bateria e o baixo são excelentes, e confira o mellotron. "Feast Of Feralia" é outra faixa de destaque, com piano e guitarra proeminentes. E, mais uma vez, a bateria realmente torna tudo melhor. Não sou muito fã da faixa-título com esses sintetizadores. "Things To Come", a faixa mais longa, com 8 minutos, completa meu top 3, com piano e mellotron me deixando feliz, mas também com guitarra arrasadora.

Há o suficiente aqui para dar a quarta estrela. Gostei desde o primeiro toque, apesar de ter tido alguns problemas. Esqueci de mencionar que Mattias Olsson participa da bateria e do arco da guitarra, e ele coproduziu a música.

Upon Darkened Stains
Anima Morte Symphonic Prog

 O quarteto sueco ANIMA MORTE surgiu em cena com o álbum "Face the Sea of ​​Darkness", lançado três anos após a formação da banda em 2004. Desde então, o quarteto lançou mais dois EPs e dois álbuns completos. "Upon Darkened Stains" data de 2014 e foi lançado pela gravadora sueca Transubstans Records no final do ano.

Anima Morte afirma explicitamente que uma inspiração fundamental para eles são bandas italianas como Goblin e Fabio Frizzi, tão conhecidas por criar músicas para trilhas sonoras de filmes quanto por criar material para ser apreciado como produções independentes voltadas para um público interessado em música. E, se não em outra coisa, a maneira como as músicas se desenvolvem neste álbum tem muito em comum com filmes, especialmente a maneira como elas oscilam em humor e intensidade, muitas vezes concluindo com um epílogo mais cuidadoso. Há algumas dinâmicas distintas em jogo aqui que provavelmente fascinarão aqueles com uma forte afeição por filmes.

O lado musical aqui está firmemente situado dentro da parte sinfônica do universo do rock progressivo. Arranjos em camadas, apresentando principalmente teclados com sonoridade vintage, órgão e Mellotron, são uma característica constante e, como mencionado, quase sempre usados ​​em um contexto forte de fluxo e refluxo. Em algumas ocasiões, com um fluxo bastante uniforme, os arranjos gradualmente ascendem e descem em intensidade, em outras ocasiões, construindo um crescendo mais vigoroso e, em seguida, retornando a um ponto inicial mais delicado novamente, em alguns casos usando mudanças repentinas para um efeito dramático mais pungente se cristalizar. O denominador comum em quase todas as músicas aqui é uma atmosfera sombria, onde palavras como melancólico e triste são tão apropriadas quanto taciturno, assombroso e sinistro. Tudo dependendo da intensidade. As passagens mais intensas e dramáticas apresentarão efeitos Mellotron em tons escuros, teclados vintage em ressonância harmônica, ondas majestosas de órgão e detalhes de guitarra em tons escuros, adicionando profundidade e uma corrente de escuridão a uma paisagem já quase opressiva. Mas mesmo quando os arranjos são leves e delicados, há algo de fantasmagórico e nervoso nos procedimentos, e detalhes de piano e percussão são usados ​​com sucesso para criar climas enervantes por meio de efeitos sutis. Mesmo nos raros casos em que a guitarra recebe um papel mais proeminente e dominante, a banda consegue evocar atmosferas dessa natureza, como exemplificado muito bem em uma faixa como Isomorphia.

Rock progressivo instrumental de cunho sinfônico é o que Anima Morte oferece, mas de uma forma que ressoará melhor entre aqueles com um gosto pelo lado mais sombrio do rock progressivo, em termos de clima e atmosfera. Imagino que um certo gosto por uma banda como a já mencionada Goblin possa ser uma vantagem para poder apreciar este álbum, assim como uma afeição por músicas que sigam mais ou menos de perto a dinâmica de um filme em termos de desenvolvimento. Aqueles que conseguem reconhecer seu gosto musical a partir de tal descrição devem saber qual é o seu horário de visita quando se trata desta banda e deste álbum.

All That Remains: For We Are Many (2010)

E assim chegamos ao fim da série All That Remains . Depois da decepção de Overcome, tentei mais uma vez com For We Are Many , principalmente porque Adam Dutkiewicz voltou à cadeira de produtor. A banda reduz um pouco o polimento do rock ativo e traz à tona o death melódico de álbuns anteriores, resultando em um álbum sólido que, no entanto, não conseguiu me fazer retornar ao grupo.

Começa forte, do começo ao fim. O hit de introdução "Now Let Them Tremble" e "...For We Are Many" tem alguns dos riffs mais pesados ​​que a banda lançou em anos, sem nenhum gancho limpo à vista, embora a música compense com alguns breakdowns esmagadores e riffs melódicos. A partir daí, " For We Are Many" salta direto para o hit mais forte do álbum, "The Last Time", que sucede "Two Weeks" na forma como cria alguns ganchos estelares no pré-refrão e no refrão. Apesar da cor e do brilho nos riffs, este é um rock pesado de ritmo médio, e eu gosto dele, apesar do breakdown falado e dos "whoooaas" no final da música.

Em outros lugares, as coisas ficam um pouco monótonas demais, talvez devido às 12 músicas que duram 41 minutos. Há alguns momentos realmente cortantes, como "Some of the People, All of the Time" e "Dead Wrong" — ambas superpesadas e que realmente trazem de volta a pegada de algo do This Darkened Heart . Mas esses pontos positivos são ofuscados por faixas como "Hold On", com seu pseudo rap, e a que encerra o álbum, "The Waiting One", que busca ser épica (mais "whoooaaaas"), mas, em vez disso, parece um pouco AOR demais para uma faixa de encerramento.

Experimentei algumas faixas de discos posteriores do All That Remains, mas nada realmente pegou. Sei que há um novo disco lançado que supostamente representa um retorno a uma forma mais pesada, e desde a trágica morte de Oil Herbert, estou curioso para ouvi-lo, pelo menos para ouvir a última produção musical do homem, mas acho que tenho mais ou menos o que precisava desta banda, e isso basta.

Allan Holdsworth: iou (1982)

Guitarristas cuja execução é verdadeiramente única e identificável são poucos e distantes entre si. Claro, você pode talvez ouvir dois segundos de um solo e saber quem está tocando e de que música é, mas e se fosse uma música nova? Eddie Van Halen? Claro. Brian May? Talvez. Se Hendrix e Stevie Ray Vaughn estivessem vivos, eu os colocaria na mistura. Mas uma pessoa que realmente merece estar nessa conversa é o falecido e grande Allan Holdsworth , cujo virtuosismo no instrumento é igualado por sua maneira única de usar a harmonia para construir estruturas de acordes massivamente complexas que equilibram delicadamente jazz puro, fusão e pop.  IOU se destaca como uma obra-prima que relembra o melhor que Holdsworth trouxe para a música, ainda vibrantemente vivo quase 40 anos após sua gravação.

Não é só a sua incrível execução em legato que é uma maravilha; confira as melodias vocais que adornam músicas como a abertura "The Things You See (When You Haven't Got Your Gun)" ou "Out From Under". O vocalista Paul Williams (não *esse*) é fantástico, e a forma como as músicas são construídas guardam uma semelhança mais do que passageira com a forma como o King Crimson utilizava as melodias quando Adrian Belew estava na banda. Mas o principal atrativo aqui é a execução de Holdsworth, e não apenas os solos incríveis. O fato de ter sido gravado originalmente em 1978 é ainda mais surpreendente, vindo anos antes de Holdsworth se dedicar seriamente à sintaxe. Simplesmente deslumbrante, técnico e lindamente estruturado, como um álbum muito bom do Steely Dan, mas com solos mais ridículos.

Allfather: Bless The Earth With Fire (2016)

 

Há momentos marcantes na minha vida como um cara do "metal" que nunca vão desaparecer. Em 2016, deixei de ser um cara que ouvia e colecionava muitos discos de metal, guardando em grande parte para si mesmo, para um cara que gravou e lançou um disco de metal ( embora eu o chamasse de demo ) e me conectei com uma comunidade maior de pessoas que faziam a mesma coisa. Uma das primeiras bandas com as quais me conectei tanto em nível pessoal quanto musical foi o Allfather , uma banda de hardcore sludge/doom do Reino Unido que, naquela época, havia lançado um punhado de singles e EPs legais. Então Bless The Earth With Fire foi lançado, eu pude testemunhar uma banda passar de "caras legais lançando músicas legais" para "Puta merda, esses caras são os caras de verdade e eu preciso melhorar se quiser fazer isso de verdade".  

Cada faixa em Bless The Earth With Fire é um amálgama de estilos, com sludge e doom pairando sobre o hardcore e o rock puro e cervejeiro. Em nenhum lugar do álbum isso é melhor representado do que na faixa principal "Raskolnikov". O Allfather se destaca nos riffs de abertura ( basta ouvir "Black Triangle" do novo álbum And All Will Be Desolation para mais evidências) e esta é um banger, preenchimento de bateria movendo-se para uma rajada de feedback antes que o chug inferior chegue. Ela ainda permanece como uma das minhas faixas favoritas que a banda lançou. Da mesma forma, "Mouth of the Beast" com sua ascensão política e fúria social combinada com a fúria propulsora das guitarras e o rugido do vocalista Tom Ballard. A seção do meio tem um breakdown lento e sombrio que é requintado em como a banda fica pantanosa de NOLA. E a mais próxima "Death and Hell Followed With Him" ​​mostra como o Allfather pode habilmente manter uma ideia viva por mais de 11 minutos sem parecer um trabalho árduo.

O mais louco sobre Bless The Earth With Fire é que, apesar de ser tão bom, o Allfather intensificou todos os aspectos do seu trabalho no próximo álbum. A inveja é intencional e merecida: o Allfather está fazendo algumas das minhas músicas favoritas. E se estamos falando sobre o que ter isso em mídia física diz sobre isso, é bem simples. Eu queria apoiar esses caras e mantê-los fazendo música. Essa foi uma maneira ridiculamente fácil de fazer isso.

PEROLAS DO ROCK N´ROLL - BLUES/ CLASSIC ROCK - HÆS & BLÆS - Same - 1976

Artista: / Banda: Hæs & Blæs

Álbum: Hæs & Blæs

Ano: 1976

Gênero: Blues/ Classic Rock

 País: Dinamarca

Comentário: Único e raro LP deste grupo dinamarquês formado a partir de ex-membros de importantes bandas locais como Alrune Rod, Midnight Sun e Maxwells. Trazendo uma mescla equilibrada de blues e rock clássico, além de leves doses de hard e baladas, o som é marcado por vocais em língua local e trabalho predominante da guitarra, acompanhada por piano, saxofone e até flauta. Há também 2 bons covers de Beatles e um de Frank Zappa. Nada de essencial, mas interessante para fãs de blues e rock clássico em geral.

HÆS & BLÆS - 1976 
MUSICA&SOM ☝

Músicos:

Jacob Groth-Andersen (guitarra, vocal)

Niels Harrit (piano, saxofone, flauta, vocal)

Bent Hesselmann (vocal, saxofone, flauta)

Jens Peters (baixo)

Karsten Høst (bateria)

Faixas:

01 Sig Mig Lille Susie 3:14

02 Elskovsivaliden 4:42

03 Hjælp! (Help!) 4:12

04 Tommy Tot 3:26

05 Sig At Du Har Brug For Mig 3:43

06 Vi Spiller Højt, Højt 2:30

07 Ingeborg Jensen (Eleanor Rigby) 2:51

08 Hjælp! Hjælp! Hjælp! King Guru! 3:36

09 Nej ! Nej! Nej! (No, No, No!) 3:00

10 Kul På 4:50

11 Hæs & Blæs Boogie 1:54

BIOGRAFIA DOS Cut Copy

Cut Copy

O Cut Copy é um trio australiano de música eletrônica formado em 2001. Seu som, que contém referências de rock, música eletrônica, rock alternativo, new wave e indie rock foi extremamente elogiado em 2008, com o lançamento de seu segundo álbum, In Ghost Colours. Começando como um projeto do DJ e designer gráfico, Dan Whitford, o grupo assinou contrato com a gravadora hype, Modular Records, lar das bandas Wolfmother, New Young Pony Club e outro, e lançou seu debut, Bright Like Neon Love. Após excursionar com bandas como Bloc Party, Junior Senior e Franz Ferdinand, o conjunto começa a causar frisson com seu som, sendo a trilha principal do quadro "Programa Amaury Dumbo" do Pânico na TV, com a música 'Nobody Lost, Nobody Found', inclusive abre para o Daft Punk em 2007. O grupo também é bem famoso por seus remixes, trabalhando com grupos como Cansei de Ser Sexy, Kaiser Chiefs, The Presets e outros. Para muitos o estilo de música dos Cut Copy é muito semelhante à dos New Order, sendo apontados como os sucessores de uma das bandas mais importantes do género.

Integrantes

• Dan Whitford - vocal, guitarra, teclado
• Tim Hoey - baixo, guitarra, sampler
• Mitchell Dean Scott - bateria

Discografia

Álbuns

• 2004 Bright Like Neon Love
• 2008 In Ghost Colours
• 2011 Zonoscope
• 2013 Free Your Mind
• 2017 Haiku From Zero
• 2020 Freeze Melt

EPs

• 2001 I Thought of Numbers
• 2007 Hearts on Fire
• 2008 So Cosmic

Coletâneas

• Fabric Live 29 (DJ Set/2006)

Singles "1981" 7" (2001, Modular Recordings) "Drop The Bomb" (2001, Modular Recordings) "Glittering Clouds" (2001, Modular Recordings) "Rendezvous" (2001, Modular Recordings) "Saturdays" (2004, Modular Recordings) "That was Just a Dream" (2004, Modular Recordings) "Future" (2005, Modular Recordings) "Going Nowhere" (2005, Modular Recordings) IRE #48 "Hearts on Fire" (2007, Modular Recordings) "So Haunted" (2007, Modular Recordings) "Lights & Music" (2008, Modular Recordings) AUS #64, AUS Dance #8 "Hearts on Fire" (2008 Edit), (2008, Modular Recordings) AUS #98, AUS Dance #9, BEL #70 "Far Away" (2008, Modular Recordings) "Where I'm Going" (2010, Modular Recordings) "Take Me Over" (2010, Modular Recordings) "Need You Now" (2011, Modular Recordings) "Blink And You'll Miss A Revolution" (2011, Modular Recordings)

Remixes

• The Presets - The Girl And Sea
• Midnight Juggernauts - 45 And Rising
• VHS Or Beta - Night On Fire
• Mercy Arms - Kept Low
• Midnight Juggernauts - Dystopia
• Van She - Kelly
• Cansei de Ser Sexy - Move
• Kaiser Chiefs - Never Miss A Beat
• Ladyhawke - Paris Is Burning

MUSICA&SOM ☝