Adrian Legg: High Strung Tall Tales (1994)

Tive o grande privilégio e o privilégio de estar cercado por uma variedade musical muito grande enquanto crescia. No ensino médio, meus dois amigos mais próximos eram dois irmãos que cresceram tocando piano clássico e violão jazz. Mas seus corações sempre estiveram ligados ao rock and roll, e foi lá que desenvolvi a paixão pela guitarra depois de ouvir de todos, de Jimi Hendrix a Yngwie J. Malmsteen, Jim Hall, Andre Segovia e Adrian Legg , cujo livro "High Strung Tall Tales" oferece possivelmente o melhor documento geral para apresentar alguém a um dos maiores guitarristas que já ouvi.

Ele pode parecer modesto à primeira vista, mas Legg é um dos melhores fingerpickers do mundo. Seu estilo de tocar abrange jazz, folk, música clássica e até mesmo o rock and roll dos primórdios, mas é tocado de forma tão hábil e com um calor que poucos músicos conseguem transmitir. Isso se soma à cadência narrativa folk de Legg, que tem um estilo britânico irônico e jocoso que é instantaneamente convidativo. É isso que torna High String Tall Tales uma ótima visão geral: há uma mistura de faixas de estúdio, faixas ao vivo e histórias para acompanhá-las.

Isso foi muito importante para mim na faculdade, a maneira como você descobre algo que ninguém mais conhece (embora eu tenha "descoberto" por meio dos meus amigos). Os clipes acima têm uma das histórias seguida por suas músicas de acompanhamento, mas há um deleite acústico em todos os lugares do álbum, desde a marcha imponente de "The Crockett Waltz" até a "Hugh Strung Suite", com várias partes, que apresenta todos os tipos de passagens brilhantes, incluindo o estilo característico de Legg de mudar instantaneamente a afinação no meio da música com pequenos giros das cravelhas .

Voltando a ele agora (provavelmente já faz uns 10 anos desde a última vez que o ouvi), ele tem uma influência calmante. Como guitarrista, consigo apreciá-lo mesmo sabendo que nunca serei capaz de reproduzi-lo, e estou bem com o fato de que realmente não quero. Como ouvinte, consigo apreciar o material de estúdio pela execução impecável que ele oferece, mas meu coração se volta para a narrativa ao vivo, onde tudo se encaixa perfeitamente e me faz querer sentar e ouvir com um bom bourbon e uma lareira quentinha em uma noite fria.

Agalloch: Pale Folklore (1999)

 

A primeira coisa que me lembro de pensar foi: "Isso é black metal? É tão lento!". Eu ainda estava me aventurando no que quer que fosse metal "extremo" e, depois de algumas compras hesitantes no gênero, começando com Dusk and Her Embrace, do Cradle of Filth, e Anthems to the Welkin at Dusk, do Emperor, entrei em contato com Agalloch esperando algo semelhante. O que encontrei em Pale Folklore foi algo completamente diferente: metal que se estende tanto ao post-rock quanto ao black metal para reunir uma tapeçaria de ideias que incorpora folk, doom e tudo o mais. 

Claro, eu não pensei isso na época. Na época, eu estava tentando entender se aquilo era black metal ou não, e se eu realmente gostava. Apesar do trabalho de bumbo duplo, a música era lenta sem realmente ser doom, embora houvesse momentos nos meus ouvidos durante "She Painted Fire Across the Skyline I", com os vocais operísticos, em que eu estava sentindo uma vibe inicial de Anathema (provavelmente devido ao meu conhecimento limitado da música na época – mas eu tinha The Silent Enigma e Dusk, do Cradle… então usei-os como meus pontos de comparação). Muitas vezes eu me perdia tentando seguir a repetição constante e as permutações sutis na música, a ponto de me familiarizar com as três faixas que compõem a suíte de "She Painted Fire Across the Skyline", mas tinha pouca lembrança do que veio depois.

E isso é uma pena, porque ouvindo de novo algumas vezes (comecei com o CD original, mas mudei para a versão remasterizada ontem à noite e esta manhã só para efeito de comparação), são realmente essas faixas posteriores que me prendem ao Pale Folklore . Por mais épica que seja a suíte de abertura, há pequenas coisas que ouço agora que me tiram das vistas e da atmosfera que o escritor solo John Haughm pretendia. Minha parte favorita é a segunda seção, com sua cadência quase hard rock, embora mesmo lá o solo de guitarra atinja algumas notas que parecem fora do lugar. Há uma fragilidade nas guitarras também, e embora a música como um todo faça um ótimo trabalho em invocar essa paisagem de desolação com letras que refletem a angústia da perda e da morte tanto em nós mesmos quanto na natureza, ao longo de seus 20 minutos ela se perde um pouco, mesmo que os temas musicais no início retornem no final.

Quando o resto da banda começa a compor, as coisas se tornam mais coesas e eu consigo ver o brilho que me atraiu para seus álbuns posteriores. A melancolia silenciosa de "The Misshapen Seed", de Shane Breyer, e especialmente "Hallways of Enchanted Ebony", coescrita com Don Anderson. É uma das minhas faixas favoritas do Pale Folklore , conseguindo fazer tudo o que a suíte de abertura faz, mas em menos tempo e com mais imediatismo. O mesmo vale para a faixa de encerramento com inclinação progressiva "The Melancholy Spirit", que - também sendo uma colaboração solo de Haughm - faz tudo o que a primeira metade do álbum faz em uma faixa propulsiva de 12 minutos.

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Naquela época, eu tinha pouco ou nenhum conhecimento do cenário do metal. Mas algo mexeu com as pessoas quando Agalloch entrou em cena, apresentando um híbrido de estilos que instantaneamente mexeu com as pessoas de uma forma que convidava ao tipo de audição profunda que me lembro de quando era criança, com fones de ouvido, encarte aberto e cada imagem, cada letra lida. Sinto essa atração agora, especialmente nos álbuns mais recentes. Naquela época, eu só sabia que o Pale Folklore era algo diferente do que eu suspeitava e que eu precisava de mais.

Habib Koité & Eric Bibb - Brothers in Bamako (2012)

 

O carismático cantor e guitarrista malinês Habib Koité e o bluesman americano Eric Bibb combinam suas tradições e virtuosismo em "Brothers in Bamako ", um "blues transatlântico" que une a música malinês à tradição do blues norte-americano.
Habib Koité é um dos músicos mais versáteis e qualificados do Mali, possuindo uma voz carismática e cativante e uma invejável linhagem "griot". Eric Bibb é um bluesman afro-americano criado em uma herança na qual o folk e o gospel também contribuíram muito para sua linguagem musical.
Além do fato de suas respectivas tradições culturais e familiares já os predestinarem a se entenderem, o encontro entre os dois transcende origens e ancestrais para pintar um quadro de perfeita contemporaneidade. E o veículo foi uma obra de uma simplicidade de abordagem não premeditada: treze faixas apresentadas de forma estritamente acústica, calorosamente banhadas por suas vozes (que se alternam fraternalmente) e sutilmente envoltas nos maravilhosos aromas oferecidos pela percussão local do Mali (quando eles próprios não são os que carregam o ritmo batendo na madeira de seus violões).

Um desejo sincero de compreensão e a existência de referências comuns permitem que a comunicação musical flua rica e naturalmente. Músicas lindamente interpretadas como "On My Way To Bamako", "LA" e "Nani Le", e covers de "Blowin' In The Wind", de Bob Dylan (baseado em banjo e ukulele), ou "Foro Bana" (um blues no estilo Timbuktu que Koité já havia gravado com seu grupo Bamada em 1998), tornam o álbum um deleite para os ouvidos.


lista de faixas :
01. On My Way To Bamako
02. LA
03. Touma Ni Kelen / Needed Time
04. Tombouctou
05. We Don't Care
06. Sen Us Brighter Days
07. Nani Le
08. Khafolé
09. With My Maker I Am One
10. Foro Bana
11. Mami Wata
12. Blowin' In the Wind
13. Goin' Down the Road Feelin' Bad

Ballaké Sissoko - At Peace (2012)

 

Ballaké Sissoko mais uma vez nos encanta com seu virtuosismo no kora, após sua preciosa experiência com o violoncelista francês Vincent Ségal em Música de Câmara (2009), uma pequena joia resultante da colaboração de dois mestres de seus instrumentos. Em Paz apresenta a produção do próprio Ségal, mas o kora é o protagonista absoluto.
Em Paz , Sissoko executa peças recuperadas da memória, mas também peças instrumentais de nova criação que se movem dentro da tradição mandinga (exceto por uma das faixas, o forró "Asa Branca" de Luiz Gonzaga) que ele tão bem conhece, fazendo toda a tradição ancestral do venerável griot avançar para novas texturas sonoras contemporâneas que os tornam universais. O kora soa cristalino, com flashes de luz atemporais que se inspiram nas melodias transmitidas de geração em geração, e um ritmo tranquilo, sensual e colorido que evoca emoções quando ouvido.

O álbum deveria ter sido gravado na África (como aconteceu com seus trabalhos anteriores), mas a situação atual no Mali fez com que ele fosse gravado em Angoulême, uma cidade no sudoeste da França. Aliás, até grilos aparecem nas faixas, como em "N'tomikorobougou", a faixa mais longa do álbum. Nas composições, ele toca com diferentes combinações, desde o dueto de kora e violoncelo em "Kabou", um diálogo de amizade, compreensão e criação conjunta, até os momentos do quinteto ("Badjourou", "Kalata Diata"), onde a riqueza melódica e tímbrica é simplesmente deslumbrante. Além de Vincent Ségal, o álbum conta com Aboubacar "Badian" Diabaté e Moussa Diabaté nas guitarras, e Fassery Diabaté no balafon, usando a instrumentação para simular e amplificar a textura da kora em vez de contrastar com ela. Uma obra que encanta pela sua arte e integridade.

lista de faixas :
01. Maimouna
02. Boubakala
03. Badjourou
04. Kabou
05. Nalésonko
06. Kalata Diata
07. N'tomikorobougou
08. Asa Branca
09. Kalanso

Sona Jobarteh - Fasiya (2011)

 

Sona Maya Jobarteh é considerada a primeira virtuose do kora, vinda de uma prestigiosa família griot da África Ocidental com longa tradição musical. Como multi-instrumentista, cantora, compositora e produtora, Sona é mais uma das grandes mulheres africanas que ousaram romper com a tradição sexista que impedia as mulheres de tocar instrumentos reservados exclusivamente aos homens.
Artista versátil, neta do mestre griot Amadu Bansang Jobarteh e prima do grande maestro de kora Toumani Diabaté, Jobarteh colaborou como cantora, violonista e tocadora de kora com outros artistas como Oumou Sangaré, Sambou Suso, Toumani Diabaté, Kasse Mady Diabaté, Juldeh Camara e os artistas britânicos Damon Albarn (ex-vocalista do Blur) e Cleveland Watkiss (vencedor do prêmio de Melhor Vocalista no London Jazz Awards de 2010).
Sona também é membro do prestigiado Conjunto de Música Clássica Africana , sob a direção do compositor Tunde Jegede. Em 2010, estreou como compositora de trilhas sonoras para cinema com o premiado " Motherland " (dirigido por Owen 'Alik Shahadah), uma bela ilustração do continente africano em sua totalidade, unidade e diversidade.

Fasiya (2011) é seu trabalho mais recente até o momento. Baseando-se em sua herança musical e apresentando artistas de primeira linha da África Ocidental (Juldeh Camara, Sankung Jobarteh, Femi Temowo, Baba Gallé Kante, Babakar Dieng e Surahata "Sura" Susso), o resultado é uma verdadeira joia repleta de graça, calor e paixão.
Canções de amor ("Jarabi"), canções sobre perda ("Saya"), "Musow" (Mulheres, que incentiva mulheres no Senegal, Gâmbia, Guiné e Burkina Faso a serem fortes e não desistirem da luta por seus direitos), "Fatafina" (África, sobre a infância, "o futuro está em suas mãos" , cantada em mandingo), "Mamake" (Avô)... Voz, guitarras, cabaça, baixo e percussão, Jobarteh dedica o álbum a Amadu Bansang Jobarteh: "Embora você tenha partido, sua maestria como griot continua a nos inspirar dia após dia." Em "Suma" (Dor), o protagonista é o balafon, e em "Fasiya" (Herança), o dun dun, encerrando o álbum com uma homenagem aos descendentes de Touramagan, chefe guerreiro do exército Mande.
A voz de Jobarteh é belamente emotiva ao longo do álbum, informando os ouvintes sobre o orgulho de sua herança, desde letras empoderadoras que abordam questões sociais até contos de tradição. Fasiya não é apenas "mais um álbum de kora tradicional", mas uma representação de como o kora perpetua sua tradição na diáspora africana, trazendo à tona a rica e vasta herança musical da África Ocidental.

tracks list:
01. Jarabi
02. Mamamuso
03. Saya
04. Musow
05. Fatafina
06. Mamaké
07. Bannaya
08. Gainaako
09. Suma
10. Mali Ni Ce
11. Fasiya

Sierra Leone´s Refugee All Stars - Radio Salone (2012)

 

Os Refugee All Stars de Serra Leoa são uma das melhores e mais criativas bandas africanas deste século. Radio Salone nada mais é do que a confirmação de que este grupo, formado na esteira de uma tragédia, se tornou uma verdadeira banda que representa a luz, o otimismo e a filosofia de vida inerentes ao povo africano que nós, ocidentais, carecemos.
Formados em 1997 no campo de refugiados de Kalia, na Guiné-Conacri, com guitarras doadas por uma organização canadense, os Refugee All Stars de Serra Leoa são uma história comovente desde o início. A banda começou, sob a direção de Reuben M. Koroma e Francis John Langba (a quem dedicam este último álbum), como uma forma de levar um pouco de esperança às pessoas que fugiam da implacável guerra civil do seu país. Assim, o grupo representa esperança, mas também diversão e frescor musical.
O seu álbum anterior, Rise & Shine (Cumbancha, 2010), foi um trabalho que conseguiu unir, como poucos, os sons da África Ocidental com o reggae. Com este terceiro álbum, eles amadurecem, fortalecem e exploram essa abordagem musical como nunca antes. O encontro casual como refugiados inicialmente fez com que as malas sonoras que cada membro carregava fossem muito diferentes, o que, por sua vez, também tornou o som da banda bastante distinto. Assim, soukous (rumba africana), soul, maringa e os polirritmos africanos típicos se entrelaçam de forma natural, fluida e prodigiosa com o dub e o reggae clássico.

No Radio Salone, eles cantam em Krio (Salone se refere a Serra Leoa em sua língua nativa), entre outras línguas, e para realmente nos cativar, eles prestam homenagem ao rádio, que eles dizem ter sido sua conexão com o mundo musical na era pré-internet. Graças a tudo isso, eles produziram uma mistura que tem gosto de soukous, dub ou reggae pronto para dançar, assim como os sons das ondas de rádio de Serra Leoa na década de 1970.
Se termos estritamente musicais sugerem que este é um dos álbuns de 2012, a produção é exatamente a mesma. Radio Salone foi gravado no Brooklyn sob a produção de Victor Axelrod , também conhecido como Ticklah (responsável pelo som de artistas como Amy Winehouse e Easy Star All Stars), com equipamento analógico de 16 pistas e microfones especiais da década de 1970, que nunca foram desligados durante as sessões de gravação, convidando assim os ouvintes a se juntarem a eles na jornada criativa que aqueles dias representavam.
Então... desligue a internet, ligue o rádio... e aproveite essas pessoas maravilhosas.

tracks list:
01. Chant it Down
02. Gbara Case
03. Mother In Law
04. Goombay Interlude: Rain Come Sun Come
05. Reggae Sounds The Message
06. Mampama
07. Kali
08. Goombay Interlude: Papa Franco
09. Man Muyu
10. Toman Teti M´Ba Akala
11. Big Fat Dog
12. Goombay Interlude: Shake Your Body
13. Yesu Gorbu
14. Work It Brighter
15. Remake The World Again
16. Goombay Interlude: A´Salamaleichem