Como estamos sempre ansiosos para oferecer a vocês música excelente para os fins de semana — ou pelo menos é o que tentamos fazer —, aqui está um álbum duplo que é uma obra-prima , lançado este ano. Já apresentamos o multi-instrumentista Dave Bainbridge, e aqui ele nos apresenta uma obra meticulosamente elaborada, uma jornada incrivelmente gratificante do início ao fim. É um daqueles álbuns que você ouvirá repetidamente, com música que se expande do folk rock ao rock progressivo, passando pelo gaélico escocês e irlandês, mergulhando em raízes religiosas, música clássica moderna, paisagens sonoras ambientais e explorações dentro do rock celta. Todos esses elementos se combinam em uma sinfonia sonora surpreendente. O álbum conta com a participação de diversos músicos convidados que se entregam completamente: vocais, baixo, instrumentos acústicos, instrumentos de sopro, bateria e percussão, enquanto Dave brilha nos instrumentos de corda e teclados. Este é um álbum conceitual muito especial, um CD duplo simplesmente essencial para qualquer pessoa que tenha apreciado suas diversas interpretações de rock celta meticulosamente elaborado. E espero que muitos gostem. Altamente recomendado!
Artista: Dave Bainbridge Álbum: On the Edge (of What Could Be) Ano: 2025 Gênero: Crossover prog / Folk prog Duração: 83:01 Referência: Discogs Nacionalidade: Inglaterra
Dave Bainbridge é um músico que cria melodias há mais de 30 anos, e se existe um álbum que reúne todas as suas diferentes facetas e estilos em uma única obra, é este. Com a participação de muitos de seus amigos, como seu ex- companheiro de banda do Iona,Troy Donockley ( Nightwish , Auri , The Enid , Midge Ure , Maddy Prior , etc.), que aparece com gaita de foles irlandesa e flauta, enquanto sua parceira de turnê, Sally Minnear, nos encanta mais uma vez com sua voz; aliás, muitos dos envolvidos também participaram do excelente álbum "To The Far Away". Encontramos também o virtuoso da bateria Simon Phillips ( Jeff Beck , Gary Moore , Toto , The Who , Mike Oldfield , Protocol , Hiromi e muitos outros), Iain Hornal (artista solo, Jeff Lynne's ELO , 10cc , etc.), Randy McStine (artista solo, Steven Wilson , Porcupine Tree ), Ebony Buckle (artista solo, Solstice ), Jon Poole ( Cardiacs , The Wildhearts , Lifesigns ), David Fitzgerald (cofundador do Iona ), Frank van Essen ( Iona , Within Temptation , Auri , etc.) e Rachel Walker (renomada cantora escocesa de folk gaélico). E embora os quatro ex-membros do Iona não tenham tocado juntos na banda, todos compartilham uma mentalidade e um estilo distintos que se refletem neste álbum.
Ao todo, este álbum conta com sete vocalistas, e somos brindados com performances maravilhosas não só em inglês, mas também em gaélico escocês e irlandês. É um daqueles discos atemporais, que exigem ser ouvidos apenas quando o ouvinte dispõe do tempo necessário, de preferência com fones de ouvido, permitindo-se ser transportado para aquele mundo onde a pessoa na capa está em uma colina, contemplando a aurora boreal e maravilhando-se com a majestade do mundo e sua própria insignificância. É precisamente isso que este álbum captura: a sensação de ser um minúsculo grão de areia no vasto cosmos que se desdobra diante de nós, exibindo sua beleza maravilhosa e inspiradora.
Com este trabalho, Dave Bainbridge, com a ajuda de seus companheiros de banda, esculpiu um triunfo artístico de grande beleza, que eu diria até que atinge uma riqueza espiritual, desdobrando essa beleza etérea através de uma maestria instrumental de tirar o fôlego, onde influências variadas se entrelaçam, onde a complexidade virtuosa se soma à simplicidade da acessibilidade, moldando uma declaração musical profundamente comovente e reflexiva. Sem dúvida, um dos meus álbuns do ano, e é maravilhoso ver como o espírito de Iona continua vivo em seu trabalho solo, mas com ingredientes diferentes. E acho que é inútil tentar continuar aprimorando isso; há tanta música por aí para gastar tanto tempo, e tenho certeza de que você já tem uma ideia geral.
Então, tudo o que resta é você ouvir...
Este álbum parece ser o ápice de toda a obra de Dave até hoje, e quanto mais você ouve, mais descobre nesta obra verdadeiramente majestosa e deslumbrante. Essencial, ele abrange uma grande variedade de estilos musicais, todos maravilhosos e encantadores.
Ideal para uma escapadela de fim de semana, diversão garantida.
Você pode ouvir por aqui... opa! Não consegui encontrar onde você pode ouvir! Mas você tem os vídeos e tem a minha recomendação. Eu te devo o link para ouvir, mas não fique bravo comigo, tem gente que te deve coisas muito mais importantes do que essa bobagem.
Lista de faixas: CD 1 (40:06) 1. For Evermore (2:07) 2. On the Slopes of Sliabh Mis (7:06) 3. Color of Time (5:34) 4. That they May be One (3:00) 5. On the Edge (of What Could Be) (6:39) 6. The Whispering of the Landscape (3:07) 7. Hill of the Angels (12:33)
CD 2 (42:55) 1. Farther Up and Farther In (4:04) 2. Reilig Òdhrain (12:25) 3. Beyond the Plains of Earth and Time (6:29) 4. Fall Away (16:40) 5. When All will be Bright (3:17)
Formação: - Dave Bainbridge / guitarra elétrica, violão de 6 e 12 cordas, bouzouki, bandolim, Teclados, sintetizadores, piano, percussão variada
- Jon Poole / baixos com e sem trastes - Simon Phillips / bateria, percussão - Troy Donockley / gaita de foles irlandesa, flautas altas e baixas, flautas de madeira, vozes da Cúmbria, guitarra de siderúrgica - David Fitzgerald / saxofones soprano e tenor, flauta, tin whistle - Nigel Cameron / flautas, vocais de apoio - Frank van Essen / violino, viola - Jonas Pap / violoncelo - Randy McStine / vocais principais (3), vocais de apoio - Sally Minnear / vocais principais (7, 8, 11), vocais de apoio - Iain Horner / vocais principais (5, 7, 9, 11), vocais de apoio - Rachel Walker / vocais principais (3, 9, 12), vocais de apoio - Ebony Buckle / vocais, palavra falada (9) - Nick Burns / vocais - Susie Minnear / vocais
Diretamente de Lima, surge o rock psicodélico experimental, com muita improvisação, ruído, space rock e stoner rock — um som de grande versatilidade e uma busca constante por novas sonoridades. Os sintetizadores pendem para o space rock, enquanto os charangos e a percussão trazem elementos folclóricos, tudo combinado com a força das guitarras elétricas psicodélicas e uma poderosa seção rítmica, criando um estilo muito particular e único. Este é o segundo álbum completo (e, por enquanto, o último) desta banda psicodélica peruana, uma confluência de sons que lembram o Krautrock do Can, o Pink Floyd mais espacial, o Agitation Free e o Ozric Tentacles, mas com um toque latino-americano. Isso cria um estilo muito particular e único que tentaremos descrever, fazendo o nosso melhor para descrever este adorável e pequeno álbum, bastante inclasificável — uma anomalia sonora muito interessante que recomendo vivamente que ouçam.
Artista:Hermit Owl Álbum:Implosions Ano: 2023 Gênero: Rock Psicodélico / Space Rock Duração: 41:06 Referência: Discogs Nacionalidade: Peru
Em primeiro lugar, recomendo que você assista à animação que a Rockarte fez na época sobre a arte gráfica deste álbum:
E agora vamos nos concentrar um pouco no próprio álbum...
Algo que me lembro de Horizonte, o álbum de estreia do coletivo Búho Ermitaño, de Lima (lançado em 2014 — é evidente que esses caras não têm pressa), era o foco nas possibilidades da improvisação. Seu som bebia do krautrock dos anos 70, da psicodelia oriental e da música andina, resultando em faixas expansivas que buscavam imergir o ouvinte em uma espécie de transe (o que poderia testar a paciência de qualquer um, especialmente porque algumas faixas não eram totalmente satisfatórias, na minha opinião). Implosiones, seu segundo lançamento, tem um caráter mais contido, focado em confinar suas ideias em um formato mais conciso, mas no qual adicionam novas influências ao seu repertório. Assim, a faixa de abertura, "Herbie", é uma brincadeira hipnótica e percussiva que flerta com o avant-funk; os vocais surpreendentes de "Explosions" me lembram um pouco o Animal Collective; "Prelude" ostenta um arpejo crepuscular que a torna a faixa mais bela do álbum em um sentido convencional. O restante do álbum se desenrola em coordenadas próximas ao space psych-rock, familiar para quem conhece a banda, embora com texturas mais refinadas e polidas do que em seu álbum de estreia cru e — o mais importante — com uma direção composicional clara, como em "Ingravita" e "Buarabino", faixas cujas transições instrumentais são fluidas e altamente convincentes. O mesmo pode ser dito de "Rebirth", a faixa de encerramento, que novamente sucumbe à influência da música vernacular, apresentando instrumentos indígenas, mas gradualmente se transforma em uma seção energética e ruidosa antes de retornar à calma em seus minutos finais. Em suma, este é um trabalho bastante sólido de um projeto que opera intermitentemente no circuito de shows da capital, mas consegue capturar sua evolução sonora em uma gravação e apresentar ideias interessantes — mesmo partindo da natureza antiquada de suas referências — que são empregadas com competência e agora com um maior senso de propósito.
Mas muitas pessoas tentaram explicar essa anomalia sonora chamando-a de "implosões", então vamos nos aprofundar nessa discussão...
Hoje, trago para vocês o álbum "Implosiones", lançado em junho deste ano pela banda peruana Búho Ermitaño, produzido pela gravadora independente peruana Buh Records, sediada em Lima. Como amante da música neo-psicodélica, devo dizer que "Implosiones" apresenta elementos muito interessantes para análise musical. Além de incorporar elementos familiares do rock psicodélico, um revival do folk e uma exploração da música instrumental, Búho Ermitaño nos leva a uma jornada psicodélica com este álbum repleto de influências do rock alternativo, rock psicodélico, space rock, acid rock, jam sessions e música experimental (e ainda tem uma capa belíssima!). O álbum apresenta uma exploração de vários instrumentos, como sintetizadores, theremin, flauta, charango, talkbox e cítara, juntamente com a formação clássica de guitarra elétrica e baixo, loops interessantes e pedais de efeito. Além de incorporar as influências clássicas já presentes no rock neopsicodélico dentro do contexto europeu e americano, a banda peruana consegue apresentar ritmos interessantes e uma exploração instrumental e rítmica enraizada na cultura latino-americana. Este álbum é definitivamente um dos meus lançamentos favoritos de 2023. Recomendo que os ouvintes reservem um tempo do seu dia para relaxar e ouvi-lo, embarcando nesta jornada psicodélica através de "Implosions".
E é melhor você ouvir enquanto eu termino o post...
Vamos então ao último comentário que selecionei para tentar descrever este pequeno álbum com o qual encerramos mais uma semana no blog.
Algo que me lembro de Horizonte, o álbum de estreia do coletivo Búho Ermitaño, de Lima (lançado em 2014 — é evidente que esses caras não têm pressa), era o foco nas possibilidades da improvisação. Seu som bebia do krautrock dos anos 70, da psicodelia oriental e da música andina, resultando em faixas expansivas que buscavam imergir o ouvinte em uma espécie de transe (o que poderia testar a paciência de qualquer um, especialmente porque algumas faixas não eram totalmente satisfatórias, na minha opinião). Implosiones, seu segundo lançamento, tem um caráter mais contido, focado em confinar suas ideias em um formato mais conciso, mas no qual adicionam novas influências ao seu repertório. Assim, a faixa de abertura, "Herbie", é uma brincadeira hipnótica e percussiva que flerta com o avant-funk; os vocais surpreendentes de "Explosions" me lembram um pouco o Animal Collective; "Prelude" ostenta um arpejo crepuscular que a torna a faixa mais bela do álbum em um nível convencional. O restante do álbum se desenrola em coordenadas próximas ao space psych-rock, familiar para quem conhece a banda, embora com texturas mais refinadas e polidas do que em seu álbum de estreia cru e — o mais importante — com uma direção composicional clara, como em "Ingravita" e "Buarabino", faixas cujas transições instrumentais são fluidas e altamente convincentes. O mesmo pode ser dito de "Rebirth", a faixa de encerramento, que novamente sucumbe à influência da música vernacular, apresentando instrumentos indígenas, mas gradualmente se transforma em uma seção energética e ruidosa antes de retornar à calma em seus minutos finais. Em suma, este é um trabalho bastante sólido de um projeto que opera intermitentemente no circuito de shows da capital, mas consegue capturar sua evolução sonora em uma gravação e apresentar ideias interessantes — mesmo partindo da natureza antiquada de suas referências — que são empregadas com competência e agora com um maior senso de propósito.
O álbum "Baiano Fala Cantando", lançado em 1988 por Moraes Moreira, é um marco em sua carreira solo, destacando sua identidade musical e sua relação com a cultura baiana. O disco, produzido por ele mesmo, apresenta uma sonoridade rica e diversificada, com letras que celebram a alegria, a musicalidade e a ginga do povo da Bahia.
Costumo dizer que o rock n’ roll é um mundo a ser explorado, um mundo selvagem e intocado com uma inesgotabilidade incrível. A música, as bandas, as obras são infindáveis e para aqueles que apreciam uma boa garimpagem e que não se rende a estereótipos, não se prendendo aos subgêneros encontrará um vasto material.
Ouso dizer que, muitas das bandas que assumiram certos protagonismos históricos como por exemplo o pioneirismo de um estilo, seja sonoro ou estético ou os dois, devem deixar suas barbas de molho, pois a história é viva e com o advento de muitas formas de disseminação da informação, como as redes sociais e os novos veículos de comunicação com o advento da internet, por exemplo e do alcance que esses assumem, aliado ao espírito de abnegação de algumas pessoas, algumas bandas que, até 40 ou 50 anos atrás tinha uma postura de coadjuvante pode ter ou reaver, independente dos infortúnios por elas sofridas no passado, seu papel de importância, de protagonismo dentro da cena rock.
Não quero atribuir a essa banda que descobri tal papel de pioneirismo ou de importância, mas ao ouvi-los, vendo também a rústica arte gráfica de seu álbum, não há como negligenciar ou deixar de lado a discussão do motivo pelo qual muitas bandas foram relegadas ao ostracismo ou rejeição da indústria fonográfica ou do público.
O assunto é deveras complexo e pode proporcionar acaloradas discussões, afinal esse é o rock n’ roll e suas complexidades podem acarretar em contradições. Hoje falo da banda CRANK e de seu único álbum “a Night in the cave”, gravado em 1971 e desenterrado, lançado em 1997.
Na realidade não se trata de um “álbum cheio” da banda, mas um “Split”, ou seja, álbuns que são divididos entre duas ou mais bandas, onde cada uma dessas selecionadas bandas colaboram com uma ou mais músicas.
O Crank “dividiu” o álbum com outra banda do submundo do rock chamada “Thump Theater”, inclusive dividindo o nome do álbum também. Até hoje os “splits” são comuns por aí, principalmente entre bandas alternativas ou que estão iniciando sua trajetória discográfica, afinal pode ser uma solução barata para os músicos e também para as gravadoras que ainda estão um tanto quanto convencional demais quanto aos investimentos.
O Crank lançou apenas esse material e ele é excelente, excepcional e, ao ouvir, a minha tese no que tange ao pioneirismo, modéstia à parte, se reforçará. Esse álbum teve uma quantidade de cópias muito limitada, apenas 750 unidades foram colocadas no mercado, em 1997, apesar de ter sido gravado em 1971, e hoje certamente se trata de um artigo de luxo para colecionadores de vinil pelo mundo, mas 750 pessoas foram agraciadas com essa pérola.
O álbum foi descoberto nos porões, literalmente, da Rockadelic e remasterizado a partir das máster tapes. Mais uma curiosidade sobre o Crank: as fitas com as músicas do Crank vieram da "Cavern Sounds Studios" e tinha escrito na caixa que as envolvia a seguinte frase: “Zep Jr”, fazendo uma menção a influência da banda com o Led Zeppelin ou um deboche escrachado de que o Crank plagiara a banda de Jimmy Page e companhia. Uma bobagem sem tamanho!
Acredito que isso deve ter sido um dos entraves para o jovem e talentoso Crank não ter vingado. E já que foi mencionado a sua influência, digo influência e não plagio, pois a banda era muito original e uma rápida audição é perceptível o quão eram originais, crus, poderosos e viscerais.
Um hard rock avassalador, um verdadeiro petardo aos ouvidos mais sensíveis. É inegável, pois, que o vocalista lembra um pouco Robert Plant, mas isso não inviabiliza o Crank e seu magistral material, apesar de curto, pequeno, em um total de pouco mais de 20 minutos de duração dividido em cinco faixas.
O álbum abre com “Let Go” que traz um pouco de psicodelia, com um country mais arrastado, uma pitada de blues rock, talvez a menos pesada do Crank. Já “Give You My Love” esmurra a porta e começa com riffs ameaçadores de guitarra e um vocal rasgado, um hard com cara de um heavy metal de vanguarda.
"Give You My Love"
“Want You Back” mantém a mesma pegada, riffs poderosos, vocal despretensioso, bateria marcada e agressiva, excelente! Mas com “Don't Push Me Away” a corroboração do peso e agressividade se faz latente, incrível a sinergia entre os instrumentos e o vocal, não há como mexer freneticamente a cabeça com essa música. E por falar no vocal, foi o momento em que ele esteve limpo e altivo.
"Don't Push Me Away"
E fecha com “N F T B” um hard blues pesado e dançante que entrega aos ouvidos ávidos por boa música pesada um elixir do que uma banda jovem, pesada, explosiva e pouco comercial é capaz de fazer.
Certamente o Crank está entre as bandas mais pesadas de seu tempo, apesar de não ter seu trabalho conquistado a luz. Infelizmente não se tem informação dos nomes dos músicos que faziam parte do Crank, apenas uma foto, uma imagem que confirma a sua curta existência.
