Laura Cox - Trouble Coming (2025) USA

 

Com Trouble Coming (2025), Laura Cox solidifica a sua posição não apenas como uma guitarrista virtuosa de renome, mas também como uma força definidora do Hard Rock moderno. O álbum, o seu quarto trabalho de estúdio, é uma coleção de 11 faixas inteiramente escritas e compostas por Cox, que misturam as raízes ardentes do Classic Rock com uma vulnerabilidade crua e um toque contemporâneo.

Trouble Coming é um álbum de Rock explosivo e autêntico, construído sobre os alicerces de sólidas habilidades de guitarra e alimentado pelo espírito do Rock Clássico (pense em AC/DC e Black Crowes), mas com a urgência e a profundidade temática do século XXI.

O Som: Guitarra Caótica e Melodias Imponentes

O álbum é marcado por uma produção de topo (masterizado pelo multi-vencedor de GRAMMY, Ted Jensen), que realça um tom de guitarra perfeitamente ajustado, que soa como se as válvulas do amplificador estivessem em brasa.

• Fúria Powered by Guitar: Cox mantém-se fiel à sua reputação de guitar-slinger, dominando o fluxo e a precisão nos riffs e solos. O álbum não é apenas barulho alto; é Rock de festa confrontador e no seu melhor. Faixas como "No Need To Try Harder" e "Do I Have Your Attention?" são hinos riff-driven criados para fazer estremecer os alicerces.

• Profundidade Temática: O que distingue Trouble Coming é a profundidade escondida por detrás do poder sonoro. Liricamente, Cox aborda temas como a depressão, saúde mental e o empoderamento feminino. A adrenalina pura de "meter o pé no acelerador" é equilibrada com a navegação pela devastação que essa atitude pode criar, como se ouve em "Inside the Storm" e "What Do You Know?".

• Equilíbrio e Maturidade: O álbum apresenta uma maturidade notável. Cox sabe como erguer uma muralha sonora, mas também sabe quando esculpir uma janela para que o ar entre. Momentos de introspecção, como a balada "Out Of The Blue" (que até destaca o banjo de Cox para um momento de calma bluesy), oferecem um contraste bem-vindo antes do próximo ataque sónico. O fecho reflexivo, "Strangers Someday", oferece uma nota mais escura e assombrada.

Destaques das Faixas

• "No Need To Try Harder": O single de abertura que define o tom de "liberdade total na composição". Impulsionado por uma força locomotiva, funde slide guitar Southern Rock com licks impressionantes.

• "Dancing Around the Truth": Destaca-se pelo seu movimento rítmico e groove pesado, mostrando a capacidade da banda de transitar para um som que evoca um vibe de New Wave Rock polido e moderno.

• "A Way Home": Um rocker sólido com um solo escaldante que aguarda o ouvinte, reforçando a mestria técnica de Cox.

O Veredito Final

Trouble Coming é um pivô ousado para Laura Cox, misturando as suas raízes de Classic Rock de fogo com uma vulnerabilidade inédita. É um álbum que honra a tradição (o coração Southern-tinged e boogie) ao mesmo tempo que aponta para um futuro brilhante.

Este não é um álbum para ruído de fundo. É para quem ama o seu Rock honesto, alto e construído com genuína destreza de guitarra. É a prova de que Cox não está a esgotar ideias musicais e que está a empurrar-se na escrita e na performance, levando os seus fãs gratos consigo.

Recomendado para: Fãs de Blues-Rock, Southern Rock (como Black Crowes), Hard Rock com ênfase em guitarra (como AC/DC), e para quem segue a nova vaga de guitarristas femininas do Rock.

Тemas:

1. No Need To Try Harder - 3:08
2. A Way Home - 3:08
3. Trouble Coming - 3:43
4. Inside The Storm - 3:47
5. What Do You Know? - 2:30
6. Dancing Around The Truth - 3:02
7. Out Of The Blue - 3:19
8. The Broken - 2:57
9. Rise Together - 3:09
10. Do I Have Your Attention? - 3:09
11. Strangers Someday - 3:43

Chico Buarque - Calabar 1973

 

Entre os primeiros astros da MPB (música popular brasileira),  Chico Buarque  foi um dos primeiros a se tornar um astro pop de fato. Com sua voz aveludada e suave, fraseado elegante e considerável talento para compor letras,  Buarque  (que, além de bonito, também era muito bonito) tornou-se extremamente popular entre as mulheres, que adoravam sua sensualidade discreta. No entanto,  Buarque  se sentia desconfortável no papel de astro pop, preferindo ser visto como um artista sério. Ao longo de sua carreira, ele conseguiu conciliar o melhor dos dois mundos, mas não sem alguns percalços significativos. Ainda assim, ele permanece uma figura imponente na música pop brasileira, um dos maiores cantores, compositores e intérpretes do samba do país.

Nascido no Rio de Janeiro em 1944,  Buarque  passou sua juventude em São Paulo e na Itália. Ao retornar ao Brasil,  seu  desenvolvimento artístico foi grandemente impulsionado pelos amigos de seu pai (o historiador Sergio Buarque de Holanda), figuras proeminentes no início do movimento da bossa nova. Embora tenha se dedicado à música, especialmente aos novos sons da bossa nova de  João Gilberto ,  Buarque  decidiu que uma formação universitária seria mais prática e optou por estudar arquitetura na Universidade de São Paulo. Essa escolha, porém, se mostrou efêmera, e logo  Buarque  começou a matar aulas e a frequentar os círculos da nata da bossa nova paulistana.

Buarque  tinha 21 anos quando sua carreira começou a decolar. Ele gravou o single "Pedro Pedreiro", compôs música para uma produção teatral e, talvez o mais importante, teve três de suas composições gravadas pela indiscutível rainha da bossa nova,  Nara Leão . Não sendo um artista abertamente polêmico,  o material de Buarque  não carecia de consciência social, mas parecia estilisticamente conservador quando comparado aos sons do final dos anos 60 de tropicalistas como  Caetano Veloso ,  Gilberto Gil e  Os Mutantes . Apesar das acusações de conservadorismo estético feitas a ele (por  Gil  e  Veloso ),  Buarque  arriscou muito em sua carreira em 1968 ao escrever e compor a trilha sonora de uma peça sombria e existencial intitulada Roda Viva, que criticava a cultura obsessiva dos fãs. O protagonista da peça, uma estrela pop, é despedaçado, sua carne consumida por seus fãs. Numa atitude que parece ter saído diretamente do radical  Living Theater de Julian Beck , os artistas ofereciam ao público pedaços da carne do astro pop falecido para comer (era carne de frango). Desnecessário dizer que, com uma ditadura militar no poder, isso foi considerado extremamente controverso e soldados foram enviados para interromper as apresentações de Roda Viva, destruindo cenários e agredindo artistas.  O próprio Buarque  chegou a ser preso por um breve período. Após o desastre de Roda Viva,  Buarque  retornou à Itália por um ano, apenas para voltar ao Brasil e encontrar a maioria dos astros da Tropicália exilados ou severamente censurados pelo governo. Em 1971, ele gravou o álbum Construction, que representou uma ruptura definitiva com seus discos anteriores de bossa nova. Este foi o início da segunda metade da  carreira de Buarque , na qual ele passou a compor canções mais intensas, com letras complexas que revelavam protestos sociais e políticos. Obrigado a submeter seu material à censura do governo, quase dois terços de sua obra foram rejeitados. E de 1974 a 1975, os censores praticamente não aprovaram nada do que ele escreveu. Em uma nota mais positiva, a desavença entre  Buarque ,  Veloso e  Gil  foi resolvida após o retorno deles ao Brasil em 1972, e  Buarque  continuou gravando com ambos em meados da década de 70. Nos anos 80,  Buarque Com mais liberdade criativa, Buarque gravou músicas deslumbrantes e se aventurou em outras áreas artísticas, como peças de teatro e romances, além de trilhas sonoras para filmes. Todo esse trabalho refletia seu desejo de reexaminar o passado cultural do Brasil, sua relação com o presente e suas infinitas possibilidades para o futuro. Ao longo da década e até o final do século,  Buarque  continuou gravando e fazendo turnês em um ritmo impressionante, lançando aproximadamente um álbum por ano. Entre eles, estão  Dança da Meia-Lua  (1988),  Para Todos (1993), Uma Palavra  (1995)  e Terra (1997).  Buarque  iniciou o século XXI com Cambaió (2001), seguido por uma longa série de gravações ao vivo e DVDs de shows. Ele retornou ao estúdio e lançou o aclamado  Carioca  em 2006. Fez turnê com o álbum e lançou uma versão ao vivo em 2007, depois entrou em um período de reclusão e escreveu seu primeiro romance, Leite Derramado. Em 2010,  Buarque  finalizou um novo álbum de estúdio intitulado simplesmente Chico; foi lançado no Brasil no verão de 2011 e, no outono, foi lançado mundialmente pela DRG.

Por quase 40 anos,  Chico Buarque  tem sido um artista que luta com a música pop e o estrelato pop. Sempre provocador, sempre consciente da história cultural, ele permanece, merecidamente, uma figura imponente na música brasileira.

MUSICA&SOM ☝

James Talley - Tryin' like the devil 1976

 

Em  Got No Bread, No Milk, No Money, But We Sure Got a Lot of Love ,  James Talley  se consolidou como um compositor de substância genuína e um porta-voz da verdade relativa. Não havia cinismo em sua visão e, como  Mickey Newbury , ele compreendia que a imagem em uma canção comunica tudo e que toda a linguagem deve ser direcionada para transmiti-la. Em  Tryin' Like the Devil ,  Talley  mergulha mais fundo em suas raízes no blues e em sua representação da imagem, de modo que o ouvinte forma uma imagem concreta em sua mente. A divagante e bucólica "Deep Country Blues", com seu dobro lamentoso, gaita melancólica e dedilhados  de guitarra ao estilo de Travis , oferece uma história de amor simples no interior, em meio à abundância da terra e à ausência de dinheiro. Mas, como toda inocência, ela se desfaz em uma realidade não expressa aqui, mas mencionada como um olhar sobre o passado, onde a cicatriz no coração é claramente visível. A valsa "Give My Love to Marie" vem da boca de um mineiro com pneumoconiose em seu leito de morte, que relata sua incapacidade de aceitar o fato de haver "milhões no subsolo, mas nem um centavo para mim". A   economia também é o tema de "Are They Gonna Make Us Outlaws Again?", não  Willie  e  Waylon . Aqui,  o fantasma de Woody Guthrie fala através da boca de seu conterrâneo de Oklahoma,  Talley,  com um dobro, um contrabaixo pulsante e um violão conduzindo a sessão espírita. A faixa-título, com suas guitarras elétricas e riff moderno de honky-tonk, é um retrato de caminhoneiros barrigudos, uísque, garçonetes ruivas e madrugadas solitárias, todos envolvidos em reconciliar sonhos despedaçados, mas sem desistir da vida. São todos distintos, todos inseparáveis: "Um monte de gente solitária como eu".  O solo de violino de Johnny Gimble se destaca na ponte. "Nothin' But the Blues" é uma das  músicas mais regravadas de Talley , mas sua execução descontraída  ao estilo de Bob Wills , com seu belo tenor, a transforma em um hino para quem curte um bar no fim da noite, repleto de blues sobre a rotina monótona. O álbum termina em alta, com "You Can't Ever Tell". É um honky tonk cheio de atitude, onde  Talley  incentiva sua amada a mandar tudo para o inferno para sair pela cidade e se divertir. Este é um final apropriado, considerando que este foi um álbum sobre o lado difícil da vida profissional e amorosa, e este pequeno alívio é tudo o que qualquer um tem o direito de esperar, afinal.

Arte & Ofício - Faces 1979

 

Arte & Ofício foi uma banda portuguesa do Porto, fundada no verão de 1975 por António Garcez (vocal) e Sérgio Castro (baixo). Construíram uma carreira nacional através de vários concertos e singles de grande sucesso, gravados entre 1976 e 1978, e apesar de algumas mudanças na formação, mantiveram-se firmes até ao fim, gravando o álbum completo "Faces" em 1979 (Discos Orfeu). Garcez e Castro contaram com o apoio do baterista original Álvaro Azevedo, dos guitarristas Fernando Nascimento e Sérgio Cordeiro, e do tecladista António Pinho, com a participação de Rui Cardoso no saxofone. Diz-se que eram um grupo bastante singular, combinando elementos de rock progressivo, jazz e fusion numa fusão atraente, mas a realidade é bem diferente, como se pode constatar em "Faces". Partilhavam um gosto comum pelo jazz, pop e funk, o que não significa necessariamente que o seu som fosse progressivo. Eles eram uma banda bastante radiofônica e os únicos elementos progressivos encontrados em "Faces" se limitam a algumas melodias inspiradoras ao estilo do Gentle Giant (como na ótima "Lobster Society"), e a maioria delas remete a um período diferente da banda, o mesmo valendo para alguns ecos de Premiata Forneria Marconi da época de "Passpartu". Na verdade, a única coisa consistente neste trabalho são os vocais em inglês, excelentes e limpos, porque a música é bem comercial, com faixas curtas e focadas na voz, banhadas por guitarras blues, saxofone jazzístico, piano elétrico e melodias pop. Quando Cordeiro e Garcez deixaram a banda pouco depois, Arte & Ofício perdeu grande parte de sua popularidade. "Danza", de 1981, foi ainda mais acessível e menos inspirador, e eles se separaram alguns anos depois, tocando nos últimos anos com uma formação completamente diferente, a apps79.

MUSICA&SOM ☝

Hot Tuna - The Phosphorescent Rat 1973

 

O primeiro álbum do  Hot Tuna após o fim do Jefferson Airplane  viu  Jorma Kaukonen  assumir o controle: ele é o autor de nove das dez músicas. Os tempos cadenciados e os solos de guitarra psicodélicos característicos estão presentes, mas grande parte da música é dedicada às  letras reflexivas de Kaukonen , cantadas com sua voz pragmática, e há arranjos de cordas em algumas faixas. Embora essa abordagem tenha produzido  o disco mais impressionante de  Kaukonen no ano seguinte, quando ele lançou o álbum solo acústico, e embora os críticos tenham apontado The Phosphorescent Rat  como um dos  melhores trabalhos do Hot Tuna , os fãs do grupo, devotados às suas versões estendidas de clássicos do blues, parecem não ter se impressionado: o álbum foi  o de pior desempenho nas paradas musicais entre os lançados pelo Hot Tuna durante seu auge entre 1970 e 1978. Provavelmente, a falta de entusiasmo na RCA, devido ao fim do  Jefferson Airplane , também não ajudou na promoção do álbum

The Panik

 

Os nativos de Manchester, The Panik, fizeram sucesso no final dos anos 70, lançando apenas um álbum — a coletânea de sete faixas "It Won't Sell!" — produzida por ninguém menos que Rob Gretton, empresário do  Joy Division e do New Order , dono da Robs Records e cofundador da casa noturna Hacienda. A ligação deles com o Joy Division não termina aí , já que o baterista do The Panik era Steve Brotherdale (também conhecido como B'Dale), membro do Warsaw (formação inicial do Joy Division). Corre o boato de que ele quase convenceu Ian Curtis a se juntar ao The Panik. Além de B'Dale, a banda contava com Ian Nance (vocal e guitarra), Eric Ramsden (guitarra) e Paul Hilton (baixo). Steve e Ian Nance mais tarde se tornaram membros do V2.

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1977 - It Won't Sell!

Modern Politics
Urban Damnation
Murderer

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Shake (S.H.A.K.E.)

 

1979, Escócia, Edimburgo. A jovem, porém promissora banda  Revillos está enfraquecendo e se desfazendo. A banda se divide literalmente em dois novos grupos: alguns dos músicos continuam a tocar sob o nome  The Revillos , enquanto Jo Callis (vocal, guitarra), Angel Paterson (bateria) e Simon Templar (baixo) unem forças sob o nome  Shake . Em março de 1979, os músicos gravaram seu EP de estreia homônimo. O álbum não desperta muito interesse entre os ouvintes, e uma gravação para o programa Peel Session não ajuda em nada. Um segundo guitarrista, Troy Tate, junta-se ao grupo, e o Shake retorna ao estúdio, resultando no single "Invasion of the Gamma Men" (1980). Os dias da banda estão chegando ao fim, e a coletânea de sete CDs "Woah Yeah!" (1981) se torna seu último suspiro. Embora a capa seja assinada apenas por Jo Callis, o álbum em si é lançado como SHAKE Project.

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1979 - Shake

Culture Shock
(But) Not Mine
Glasshouse
Dream On

1979 - Peel Session (23 April 1979)

(But) Not Mine (Peel Session)
Glasshouse (Peel Session)
Night By Night (Peel Session)
Teenbeat (Peel Session)

1980 - Invasion Of The Gamma Men

Invasion Of The Gamma Men
Night By Night

1981 - Jo Callis (S.H.A.K.E. Project) – Woah Yeah!

Woah Yeah!
Sinistrale
Dodo Boys

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Pinpoint

 

Após tocar baixo e gravar um álbum com  The Lurkers , Arthur Billingsley (também conhecido como Arturo Bassick) decidiu experimentar algo diferente e formou sua própria banda,  Pinpoint . Era um trio tradicional, com a participação de Dave Allen (baixo e vocal) e Hugh Griffiths (bateria). O primeiro single, "Richmond", foi lançado em novembro de 1979 e se tornou o single da semana da revista Sound (posteriormente regravado pela banda alemã Die Toten Hosen). 1980 provou ser um ano mais frutífero, com a banda lançando mais dois singles e um álbum de sucesso. O saxofonista Joe Sax completou o som da banda, enquanto o produtor do álbum, Martin Rushent, com o incentivo de Dave, infundiu Pinpoint com influências eletrônicas. No fim, Arthur ficou insatisfeito com o resultado e, após três shows depois do lançamento do álbum, a banda se desfez. Mais tarde, Arthur lideraria o retorno do The Lurkers aos palcos e tocaria com o 999.

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(CLICK NO TITULO DOS DISCOS)

1979 - Richmond

Richmond
Love Substitute

1980 - Waking Up To Morning

Waking Up To Morning
Floods And Trickles

1980 - Yo-Yo

Yo-Yo
Drowning In The Wave Of Life

1980 - Third State

Family Life
Country Towns
Blind Eyes
Listen To The Snow
3rd State
Waking Up Tomorrow
Hospital
Somebody Told Me
Dark And Red
Drowning In The Wave Of Life

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