Isildurs Bane "MIND Volume 1" (1997)

 Conjuntos capazes de se transformarem a ponto de se tornarem irreconhecíveis são um fenômeno raro, mesmo para os padrões do prog. Tal é o caso do Isildurs Bane . Esses profissionais suecos têm continuamente surpreendido o público desde o início de sua carreira. As metamorfoses estilísticas 

de suas explorações criativas têm impressionado, intrigado e cativado, servindo simultaneamente como um excelente teste da flexibilidade da consciência — tanto a deles quanto a de seus ouvintes. Parecia que, após o refinado estilo sinfônico, polido ao brilho do álbum "The Voyage - A Trip to Elsewhere" (1992), o Isildurs Bane continuaria a seguir uma linha similar. De jeito nenhum! Os escandinavos conseguiram analisar imparcialmente as conquistas dos anos anteriores e tirar as conclusões apropriadas. Após meses de reflexão coletiva, a agitada carreira do IB tomou outro rumo inesperado...
"MIND Volume 1" marcou o início de uma estratégia de longo prazo baseada no princípio de "adicionar sem subtrair". Essa fórmula, concebida pelo organista Mats Johansson , essencialmente desencadeou uma ampla variedade de experimentos sonoros. Partindo das ideias composicionais básicas de Mats, cada músico (e eram muitos) buscou trazer sua própria visão de perspectivas melódicas particulares para a paleta sonora. O papel de Johansson como coordenador era permitir que seus companheiros interviessem ativamente nas estruturas que ele havia desenvolvido. Ele também precisava manter uma integridade harmônica consistente. Em resumo, o processo de gravação do álbum se estendeu por anos. Mas o resultado superou as expectativas.
A suíte de abertura em cinco fases, "The Flight Onward", em seu prólogo, soa como um campo de testes antes de uma explosão poderosa. Um tema emerge do emaranhado de sequências digitais – uma linha de sintetizador guiada por um motivo, cercada por passagens de cordas do violinista Joakim Gustafsson e do guitarrista Jonas Christophs. Mais tarde, o espaço é novamente tomado por uma profusão abstrata de efeitos de sampler, a partir da qual, pouco depois, se abre uma vista para um vasto campo instrumental, repleto de ramificações polifônicas: aqui estão as ricas dispersões de percussão de Klas Assarsson, que tem à sua disposição um impressionante arsenal de instrumentos – da marimba, xilofone e gongos ao tam-tam, triângulo e djembê; e uma seção rítmica vibrante (Fredrik Emilsson no baixo, Kjell Severinsson na bateria); e a interação entre trombone e trompete de Daniel Bruno; e intrincadas improvisações de flauta de Björn Jason Lind . De tempos em tempos, o solo de guitarra jazz-rock de Christophs irrompe do ruído geral, e o sumo sacerdote IBMats, com seu dispositivo analógico, consolida cuidadosamente a ação, unindo elementos díspares em um denominador comum. No afresco de câmara mais puro e transparente, "Ataraxia", as partes de piano de Lars Högglund, o som estridente da marimba do virtuoso Assarsson, as nobres linhas de violino de Gustafsson e os sobretons de fusão de guitarra descontraídos do maestro Janne Schaffer se fundem em êxtase . Mudanças frequentes de perspectiva (do progressivo com toques industriais a exercícios orquestrais de grande escala) caracterizam o curioso estudo "In a State of Comprehension". O ponto central do programa é o esboço em forma de colagem "The Pilot": um turbilhão de vozes do passado — de figuras marcantes do século XX ( Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau , James Joyce , Vladimir Maiakovski e outros), uma atmosfera que se adensa gradualmente, um diálogo extático e explosivo entre Christoph e Lind, e um final brilhante e revigorante... A rapsódia para cordas e teclado "Unity" reflete vislumbres de um sonho tácito de um mundo ideal. Contudo, não teremos muito tempo para relaxar, pois o imponente iceberg de jazz sinfônico de "Opportunistic Walk" se aproxima por trás. Uma colisão com ele, assim como com a subsequente obra de vanguarda de 15 minutos "Holistic Medicine", é simplesmente inevitável. A paisagem sonora ambiente de "A Blank Page" finalmente fecha com chave de ouro esta grande jornada...
Em resumo: uma obra-prima misteriosa e peculiar de uma das bandas de rock progressivo mais singulares do planeta, um verdadeiro clássico do gênero. Altamente recomendado.

MUSICA&SOM☝

Magna Carta "Lord of the Ages" (1973)

 "Um dos melhores álbuns do gênero de todos os tempos." Foi assim que o maestro Rick Wakeman , um apaixonado por folk rock britânico, descreveu "Lord of the Ages". E, francamente, 

podemos confiar nele. O álbum realmente ficou ótimo. No entanto, pouco antes do lançamento, os líderes do Magna Carta – Chris Simpson (guitarra, vocal) e Glen Stewart (vocal, melodeclamação) – perderam dois guitarristas notáveis ​​em sequência. O cofundador Lyall Tranter saiu, seguido por seu talentoso substituto, Davey Johnstone, que encontrou refúgio na banda de Elton John . Contudo, Chris e Glen não ficaram muito chateados. Afinal, a essa altura a banda já havia consolidado uma sólida reputação, impulsionada por turnês europeias de sucesso e uma apresentação memorável no Royal Albert Hall de Londres, acompanhados pela Orquestra Filarmônica Real . Resumindo, nossa dupla não ficou muito tempo sem um parceiro. Stan Gordon (guitarra, vocal) tornou-se o terceiro membro do Magna Carta . Em seguida, iniciou-se uma fase de trabalho ativo em novo material.
Como era costume, músicos de estúdio participaram ativamente do processo de gravação, ao lado do elenco principal. Baixistas, pianistas e bateristas visitavam regularmente o estúdio, onde o trio principal de músicos continuava a criar com inspiração. O resultado são oito canções excelentes, que formam um conceito mais emocional do que ideológico. O autor único do programa, Chris Simpson, conseguiu infundir o conteúdo tanto com sua própria experiência teológica (antes de iniciar sua carreira nos palcos, ele aspirava ao sacerdócio) quanto com uma poética sutil. As letras são excepcionalmente refinadas, por vezes imbuídas de simbolismo e um charme singular que remete à paisagem: "Tons pastel marcam a hora em que a noite sobe no céu e ilumina uma estrada dourada para o oeste / E os sons distantes da cidade acariciam as folhas trêmulas que morrem entre as margens do horizonte distante..." (faixa "Song of Evening"). A música folclórica do norte da Inglaterra, terra natal de Chris, com alguns toques "progressistas", é tomada como modelo de virtude suprema. A faixa de abertura, "Wish It Was", é executada de maneira bastante tradicional: um arranjo vocal em três partes, violão e a guitarra pedal steel cintilante de Gordon Huntley. É um afresco delicado e antiquado, que cativa com o calor e a sinceridade de sua interpretação. A próxima música, "Two Old Friends", também segue essas diretrizes; a letra, se assim o desejar, pode ser interpretada como uma mensagem amigável para Tranter e Johnston. A seção musical é extremamente austera: a mesma guitarra de menestrel acompanhada pela gaita de Graham Smith. A faixa-título é a apoteose das explorações artísticas de Simpson. Apresentada como uma suíte, a narrativa épica é construída de maneira bastante engenhosa e se destaca não apenas por seus dez minutos de duração, mas também por seu arranjo magistralmente complexo: corais masculinos comoventes, orquestração matizada, um componente de rock elétrico pulsante e uma coda conservadora, inspirada no folk. O esboço "Isn't It Funny (And Not a Little Bit Strange)" é construído com fórmulas da bossa nova, com sua atmosfera radiante e despreocupada. A já mencionada "Song of Evening", apesar de sua mensagem abertamente elegíaca, evoca um gênero pop em um típico cenário de cantor e compositor. A peça melódica "Father John", tecida com leves toques psicodélicos, é excelente, e a doce balada ao piano "That Was Yesterday" deixa uma impressão excepcionalmente positiva. O tema final, "Falkland Greene", mergulha o ouvinte nas profundezas da memória folclórica, quando qualquer festa — seja um feriado ou um funeral — terminava cerimonialmente com uma apresentação coral comunitária; e a presença de instrumentos de sopro na paleta sonora sugere ainda mais uma certa proximidade da trama com a fonte original...
Em resumo: o ouro eterno da arte folclórica britânica.decorado com ilustrações do famoso Roger Dean.e com um charme natural e vibrante. Recomendo conferir.

MUSICA&SOM ☝

Há 38 anos, em 30 de novembro de 1987, a Legião Urbana lançava Que País É Este (1978/1987), terceiro álbum de estúdio da banda

Há 38 anos, em 30 de novembro de 1987, a Legião Urbana lançava Que País É Este (1978/1987), terceiro álbum de estúdio da banda brasiliense.

A proposta original do projeto que resultou em Que País É Este era um álbum duplo nomeado Mitologia e Intuição (também chamado de Disciplina e Virtude) que reunia os materiais deste disco e do álbum anterior, Dois (1986). No entanto, a ideia foi rejeitada pela gravadora, que lançou Dois como um disco simples, enquanto a banda passou a ser pressionada pelo lançamento do restante das canções em um novo álbum, embora o material não fosse suficiente para um repertório completo.

Desse modo, das nove faixas de Que País É Este (1978/1987), apenas duas foram compostas depois de Dois, "Angra Dos Reis" e "Mais do Mesmo", enquanto as demais se originam da fase do vocalista e letrista Renato Russo como Trovador Solitário, em 1978, e de enquanto esteve à frente da banda Aborto Elétrico antes da fundação da Legião Urbana, no início dos anos 1980. As sessões de gravação ocorreram nos estúdios da EMI-Odeon no Rio de Janeiro, sob produção de Mayrton Bahia, enquanto as canções "Que País É Este", "Angra Dos Reis", "Faroeste Caboclo" e "Eu Sei" foram escolhidas para lançamentos como singles. A capa do disco exibe uma foto da Legião Urbana, então um quarteto (da esquerda para a direita: Dado Villa-Lobos, Marcelo Bonfá, Renato Russo e Renato Rocha).

Que País É Este (1978/1987) foi lançado pela EMI em 30 de novembro de 1987 e rapidamente tornou-se um sucesso comercial, vendendo mais de um milhão de cópias no Brasil -- e, permanecendo, até hoje, como o terceiro álbum mais vendido da Legião Urbana até hoje. As canções "Faroeste Caboclo", "Que País É Este" e "Eu Sei" se tornaram algumas das mais icônicas da banda, sendo reconhecidas pelo grande público.

Também foi o último álbum da Legião com o baixista Renato Rocha, cujos constantes atrasos nos compromissos e incapacidade de tocar como solicitado minaram sua relação com os demais integrantes. A turnê promocional de Que País É Este inclui um fatídico show em 1988 no Estádio Mané Garrincha, em Brasília, onde diversas pessoas do público foram pisoteadas e precisaram de atendimento médico -- episódio esse que acabou aumentando a fobia de palco de Russo e tornando o trabalho da banda mais introspectivo, o que refletiria no álbum seguinte, As Quatro Estações (1989).

Há 23 anos, em 30 de novembro de 2002, Gilberto Gil lançava Kaya N'Gan Daya, 21°. álbum de estúdio do artista

 

Há 23 anos, em 30 de novembro de 2002, Gilberto Gil lançava Kaya N'Gan Daya, 21°. álbum de estúdio do artista baiano.

Kaya N'Gan Daya consiste em um tributo feito por Gilberto Gil a um de seus mestres, Bob Marley, no qual interpreta diversas canções do artista jamaicano. O álbum foi gravado em Kingston, na Jamaica, precisamente nos estúdios Tuff Gong, onde Bob Marley gravou seus discos -- pouco antes do local ser convertido no Museu Bob Marley, que existe atualmente --, e tem participações das backing vocals que acompanhavam Marley, além da cozinha feita pelos jamaicanos Aston Barrettn e Hugh Peart e do trio brasileiro d'Os Paralamas do Sucesso.

Entre as 16 canções de Kaya N'Gan Daya, há apenas uma faixa autoral, "Table Tennis Table", que Gil compôs na Jamaica. O restante do repertório é todo integrado por versões para Bob Marley, que recebem novas roupagens que dão nova identidade às canções ao mesmo tempo que respeitam suas concepções originais: Gil ainda regravou "Não Chore Mais", sua versão para "No, Woman, No Cry" -- que já sido lançada pelo artista baiano originalmente em Realce (1979) --, desta vez com participação d'Os Paralamas Do Sucesso; além disso, Gil conseguiu desconstruir canções como "Three Little Birds" que torna-se uma mistura de reggae com xote, e "Licks Samba", que orgininalmente não é um samba, mas ganhou uma roupagem do famoso ritmo brasileiro.

Kaya N'Gan Daya foi lançado pela Warner em novembro de 2002 e ganhou um certificado de ouro no Brasil, conforme a ABPD, ao vender mais de 150 mil cópias no ano de lançamento. O disco também gerou um CD e um DVD ao vivo, nos quais Gil também interpretou diversas canções de sua carreira que tem aproximação com o reggae, como "Vamos Fugir", "Extra" e "A Novidade".

GRYPHON ● Midnight Mushrumps ● 1974

 

Artista: GRYPHON

Paíse: Reino Unido

Gêneros: Prog-Folk, Eclectic Prog

Álbum: Midnight Mushrumps

Ano: 1974

Duração: 42:10

Lançado em 1974, "Midnight Mushrumps" é o segundo disco do GRYPHON preenchendo a lacuna entre o Folk medieval de seu primeiro álbum e o Jazz-Folk Progressivo que viria a seguir. A peça central do álbum parece ser a faixa título, com seus 19 minutos. A maioria das peças tem apresentação delicada, dinâmica em uma quilha bastante uniforme, tudo geralmente bastante suave. A maioria das passagens é baseada em violão, fagote, krumhorn e gravadores. A maioria dos segmentos soa como introduções, querendo construir algo muito mais grandioso do que realmente se torna. É um pastiche maravilhoso, mas o fluxo é um pouco tranquilo. Não há um verdadeiro centro climático, nenhum tema forte o suficiente para se agarrar. Parece vagar como um menestrel, e dada a imagem medieval da banda de morar na floresta e adorar cogumelos na capa e na contracapa, talvez seja essa a ideia.

A segunda metade do álbum começa com "The Ploughboy's Dream" uma canção que caberia facilmente em "From The Witchwood" do STRAWBS. Esta é uma peça tradicional que a banda arranjou para se encaixar em sua abordagem, e uma das poucas vezes em que você ouvirá os vocais em uma música de GRYPHON. A seguir vem "The Last Flash Of Gaberdine Tailor", uma peça sonolenta escrita pelo guitarrista Graeme Taylor. Parece incompleta - boas idéias, bom jogo, mas nenhuma resolução real. De alguma forma, lembra algo de Anthony Phillips em "The Geese And The Ghost". Por fim, o álbum se levanta e se afirma com três faixas muito boas. "Gulland Rock", uma bela peça dramática, quase sempre sem batidas, o que ajuda a atingir um tipo de sentimento angelical flutuante e oferece uma bela justaposição entre tensão e tranquilidade. "Dubbel Dutch" oferece algo um pouco complexo. Seu arranjo sinfônico movimentado contribui para uma escuta envolvente, alguma sinergia excelente entre os instrumentos de cordas (guitarra, baixo e bandolim) e enfeites percussivos de bom gosto de David Oberle. O destaque do álbum "Ethelion" termina as coisas com uma nota emocionante, lembrando a mistura menos tradicional de Folk-Jazz-Prog que viria em "Red Queen To Gryphon Three". Muitas partes e uma grande variedade de instrumentação, utilizando quase todos os instrumentos listados nos créditos. Régio e ousado, "Ethelion" é a quintessência do GRYPHON, o que é mais do que você pode dizer sobre a maior parte deste álbum. Um exemplo clássico de um álbum "transicional" bem agradável.

Faixas:
01. Midnight Mushrumps (18:58)
02. The Ploughboy's Dream (3:02)
03. The Last Flash of Gaberdine Tailor (3:58)
04. Gulland Rock (5:21)
05. Dubbel Dutch (5:36)
06. Ethelion (5:15)

Músicos:

- Richard Harvey / recorders, soprano, alto & tenor crumhorns, harmonium, pipe organ, grand piano, harpsicord, electric piano, toy-piano, glockenspiel, mandolin, vocals

- Brian Gulland / bassoon, bass crumhorn, tenor recorder, keyboards (4), vocals

- Graeme Taylor / guitars (acoustic, electric, semi-acoustic, 12-string & classical), vocals

- Philip Nestor / bass guitar, vocals

- David Oberlé / drums, timpani, percussion, lead vocals

GWENDAL ● Irish Jig ● 1974

 

Artista: GWENDAL

Paíse: França

Gêneros: Prog-Folk, Eclectic Prog

Álbum: Irish Jig

Ano: 1974

Duração: 

Formado no outono de 1972, o GWENDAL é um encontro de músicos bretões com gostos diferentes, mas que partilham pelo menos a paixão pela música celta e a vontade de tocar juntos e também de partilhar. No entanto, e desde o início, GWENDAL quis destacar-se dos seus pares, o que é um mérito seu. Sob o disfarce de um grupo Folk celta com um espírito decididamente instrumental e irlandês, os músicos são virtuosos, e não conseguem conter a atração pelo Rock e pelo Jazz.

Enquanto Jean-Marie Renard, fundador e empresário do grupo, desempenha um papel rítmico eficaz na guitarra, Roger Schaub oferece linhas de baixo rítmicas e melódicas muito presentes, mas também de apoio. O violino de Bruno Barré emparelha naturalmente com o bandolim de Patrice Grupallo (também na percussão), enquanto Youenn Le Berre já aparece como o elemento mais "independente" do grupo.

Inicialmente, o grupo se chamava SOPORIFIC STRING BAND, numa cômica homenagem ao grupo inglês INCREDIBLE, mas a gravadora pediu que optassem por um nome mais bretão e mais vendável. Esse primeiro álbum, publicado em 1974 pela Pathé Marconi, continua a ser, ainda hoje, um dos maiores sucessos de GWENDAL. Isso se deve, em parte a esse cover típico dos anos 70, uma homenagem às bandas britânicas, com o tocador gigante usando botas de sete léguas.

Desde a introdução deste primeiro álbum sem nome, o tom nos  é dado com "Irish Jig" e o seu ritmo marcado em que giram a flauta e o violino. Qualquer fã de música irlandesa pode facilmente encontrar o que procura, antes de mais com estes títulos simples, estas danças muito comunicativas e também a presença de uma balada única: a "Sopo Song" (que humor!).

Se GWENDAL ainda se restringe um pouco à essência acústica da sua formação, é para melhor satisfazer o seu desejo de diversificar o tema, entre o Folk, o Jazz e o "Rock acústico". Este primeiro álbum é também uma oportunidade de visitar alguns estilos específicos da música tradicional francesa e americana, através de peças muitas vezes curtas mas encantadoras, embora um pouco abaixo das restantes, orientadas para a música celta.

Existem também alguns tradicionais bretões, incluindo este excelente "Deutu Ganeme" onde os músicos revelam o seu virtuosismo e não hesitam em fazer algumas breves citações, sendo Bach para a música clássica em prioridade. Neste universo pouco sério, a harpa maxilar ressoa metade do tempo, enquanto os elementos do jazz, mesmo do Free-Jazz, já emergem nos solos de Youenn Le Berre, na bombarda de "Planxty-Birke" ou no tenor saxofone, marca bem escondida de total originalidade, reservada para o final "Irish Song".

Alguns puristas não apreciam estas extravagâncias desde o início. Mas se sabemos que os GWENDAL são músicos virtuosos, e que a sua inclinação delirante não é um argumento proibitivo à primeira vista, deixamo-nos facilmente conquistar pelo que permanece, apesar do seu sucesso na época, um grupo emblemático da Bretanha a redescobrir urgentemente! Além disso, este disco introdutório oferece uma fórmula acústica que ajuda a abordar melhor o gênero.

Faixas:

01. Irish Jig (2:41)

02. An Dro-Nevez (2:28)

03. Sopo Song (2:31)

04. Flop-Eared-Mule (1:23)

05. Plantxy-Birke (3:52)

06. Bourree Auvergnate (0:34)

07. Deu Tu Ganeme (2:51)

08. Me Meus Bet Piljadur (2:59)

09. Jackson Morning (2:24)

10. Patrick's Day (2:20)

11. Pretty Brown Maid (1:42)

12. Texas Quistep (2:25)

13. Bourree Saintongeoise (1:15)

14. Irish Song (3:15)

Músicos:

- Youenn Le Berre : flute, bombarde, saxophone

- Bruno Barré: violin

- Jean-Marie Renard : acoustic guitar 

- Patrice Grupallo : mandolin, percussions

- Roger Schaub : bass

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Artista: HARMONIUM

País: Canadá

Gênero: Prog-Folk

Álbum: Harmonium

Ano: 1974

Duração: 43:26

Músicos:

● Serge Fiori: Guitarras, flauta e vocais

● Michel Normandeau: Guitarra acústica e vocais de apoio

● Louis Valois: Baixo, piano e vocais de apoio

Com:

● Alan Penfold: Flugelhorn (faixa 1)

● Réjean Émond: Bateria

● Bob Morten: Congas

A banda HARMONIUM foi fundada em Montreal, Quebec, Canadá em 1972 e tem um nome muito apropriado em HARMONIUM. O núcleo era um trio Folk formado pelos guitarristas Serge Fiori e Michel Normandeau, e o baixista Louis Valois. Sua carreira foi curta (cinco anos) e eles lançaram três álbuns de estúdio em meados dos anos 70 e um álbum póstumo ao vivo. Começaram como um trio de Jazz e Folk tipicamente francês, mas logo iriam mergulhar em um material mais Progressivo em seu brilhante segundo álbum. São considerados um dos melhores expoentes (junto com POLLEN e MANEIGE) da cena da "Era de Ouro da Música Progressiva de Quebec".

Esse primeiro registro da banda é um álbum "Folk", que também contém elementos progressivos. É realmente o começo de tudo: excelentes harmonias vocais, dois violões e um baixo elétrico; composições esplêndidas em francês, cantadas com um leve sotaque de Quebec. A última edição vem com uma faixa bônus, embora não esteja no mesmo nível deste álbum, ainda assim vale a pena. A faixa-título é realmente soberba e termina em um grande momento de energia e é o único lugar do álbum onde a bateria está presente. "Chambre Au Salon" e "Bonjour A la Vie" são faixas pessoais e sobre o abandono das drogas. "Vieilles Courroies" é outro destaque (embora algumas dessas harmonias possam soar... estranhas). "Atende-Moi" é simplesmente as melhores peças aqui. "Pour un instant" é o seu número mais conhecido e trata do perdão e contém algumas linhas de guitarra excelentes. O último número também é um destaque, o final é bastante longo, repetindo um de seus melhores versos: "On a mis quelqu'un au monde, on devrait peut-être l'écouter">> Alguém foi trazido para este mundo, talvez devêssemos ouvi-lo.

No geral, um álbum perfeito para começar sua coleção Prog franco-canadense.

Faixas:

01. Harmonium (6:37)

02. Si doucement (4:26)

03. Aujourd'hui, je dis bonjour à la vie (5:45)

04. Vielles courroies (5:48)

05. Attends-moi (4:40)

06. Pour un instant (3:21)

07. De la chambre au salon (5:43)

08. Un musicien parmi tant d'autres (7:06)

Harmonium XLV (remizado e remasterizado em 2019):

01. Harmonium (6:25)

02. Si doucement (4:25)

03. Aujourd'hui, je dis bonjour à la vie (6:27)

04. Vielles courroies (5:36)

05. Attends-moi (4:40)

06. Pour un instant XLV (3:06) *

07. De la chambre au salon (5:43)

08. Un musicien parmi tant d'autres (7:06)

* alternative version of "Pour un instant"

Edição: "Harmonium XLV"

- Michel Normandeau / harmonica (6)

- Guillaume Chartrain / tambourine

- Louis-Jean Cormier / acoustic guitar

- Alex McMahon / Hammond B3 organ

 

HATFIELD AND THE NORTH ● Hatfield and the North ● 1974

 

Artista: HATFIELD AND THE NORTH

País: Reino Unido

Gênero: Canterbury Sound

Álbum: Hatfield and the North

Ano: 1974

Duração: 46:12

HATFIELD AND THE NORTH foi uma super banda formada em 1972, que apesar de ter produzido apenas dois álbuns, é considerada uma das melhores bandas da cena de Canterbury. Os integrantes, no entanto, já eram músicos experientes oriundos de outras bandas já renomadas, a começar pelo baixista e líder Richard Sinclair, que havia deixado o CARAVAN pouco antes, após a gravação de "Waterloo Lilly", e o baterista Pip Pyle, ex-integrante do GONG. O guitarrista Phil Miller também já havia feito parte do CARAVAN, além do MATCHING MOLE, enquanto que o tecladista Dave Stewart era integrante do EGG e do KHAN. Com uma formação dessa, não é de se surpreender que essa banda tenha produzido dois álbuns excelentes de qualidade musical finíssima e de riqueza instrumental incomparável. Inteiramente essencial para os fãs das bandas de Canterbury.

Este é o primeiro álbum da banda, muito progressivo e está situado no subgênero Canterbury Sound. Existem toneladas de partes típicas de piano elétrico. Há também o típico órgão wah-wah de Canterburian, que também ocorre em alguns álbuns do CARAVAN. Os teclados tocados por Dave Stewart consistem maioritariamente em séries melódicas de notas curtas, como revela o onipresente piano elétrico. A bateria é muito complexa e nunca se repete. O canto especial de apoio masculino e feminino definitivamente dá um caráter único ao álbum. Os vocais principais de Richard Sinclair são EXCELENTES, como sempre. "Rifferama" tem uma série de estranhos efeitos wah-wah aplicados no órgão e riffs calmos de guitarra elétrica através de elementos muito rápidos e cômicos, que devem lembrar a música complexa e rápida do Frank Zappa. O canto de Robert Wyatt em "Calix" é muito agradável. O épico "Son of "There's No Place Like Homerton" tem belos e graciosos vocais femininos celestiais; esta faixa tem uma parte final estranha que consiste na improvisação de trompas dissonantes - como "Lizard" do KING CRIMSON. "Aigrette" tem arranjos vocais complexos impressionantes à la Pat Metheny. "Shaving Is Boring" começa com uma impressionante combinação de moog e baixo; continua um pouco experimental e desorganizada; no entanto, a segunda parte da faixa é INCRÍVEL: tem a estrutura e estilo de CARAVAN em "In the land of grey and pink": é o caso também da suave "Licks for the Ladies" e de "Big jobs No. 2". "Lobster in Cleavage Probe" tem belos e graciosos backing vocals femininos celestiais. A melhor faixa deste disco é definitivamente "Gigantic Land-Crabs in Earth Takeover Bid": gradualmente atinge a quintessência, pois todos os instrumentos estão perfeitamente sincronizados dentro de uma textura "Canterburyana" totalmente interligada.

Faixas:

01. The Stubbs Effect (0:23)

02. Big Jobs (Poo Poo Extract) (0:36)

03. Going Up to People and Tinkling (2:25)

04. Calyx (2:45)

05. Son of "There's No Place Like Homerton" (10:10)

06. Aigrette (1:38)

07. Rifferama (2:56)

08. Fol De Rol (3:07)

09. Shaving Is Boring (8:45)

10. Licks for the Ladies (2:37)

11. Bossa Nochance (0:40)

12. Big Jobs No 2 (by Poo and the Wee Wees) (2:14)

13. Lobster in Cleavage Probe (3:57)

14. Gigantic Land-Crabs in Earth Takeover Bid (3:21)

15. The Other Stubbs Effect (0:38)

Músicos:

- Phil Miller / electric & acoustic (6) guitars

- Dave Stewart / Hammond, piano, Fender Rhodes, Hohner Pianet, Minimoog (9), tone generator

- Richard Sinclair / bass, vocals

- Pip Pyle / drums, percussion, Fx (7,9,11)

Com:

- Jeremy Baines / pixiephone (5), flute (13?)

- Geoff Leigh / tenor saxophone (5), flute (5,13-uncredited)

- Didier Malherbe / tenor saxophone solo (7-uncredited)

- Robert Wyatt / vocals (4)

- Cyrille Ayers / vocals (8?)

- Barbara Gaskin / backing vocals (5)

- Amanda Parsons / backing vocals (5)

- Ann Rosenthal / backing vocals (5)

- Sam Ellidge / voice (7?)

IBIS ● Sun Supreme ● 1974

Artista: IBIS

País: Itália

Gênero: Rock Progressivo Italiano

Álbum: Sun Supreme

Ano: 1974

Duração: 36:20

Após o lançamento do álbum "UT" do NEW TROLLS no final de 1972, uma divergência musical sutgiu dentro da banda, com o tecladista Vittorio de Scalzi querendo trilhar o Rock Progressivo enquanto o guitarrista Nico di Palo preferia o Hard Rock. Dessa divergência surgiram duas bandas: o NEW TROLLS ATOMIC SYSTEM de Scalzi, e o IBIS de di Palo, que recrutou o tecladista Maurizio Salvi, o baixista Franck Laugelli, e o baterista, Gianni Belleno para acompanhá-lo. 

O primeiro lançamento do IBIS foi um álbum com os nomes dos músicos estampados na capa com um grande ponto de interrogação, pois a banda ainda não tinha um nome oficial. Já com o nome IBIS,  recrutaram o ex-baterista do ATOMIC ROOSTER, Ric Parnell, e lançaram este magnifico trabalho em 1974, "Sun Surpreme". 

A sonoridade aqui não é Hard Rock, é Rock Progressivo. Porém, definitivamente, a música tem um toque mais pesado do que o NEW TROLLS de Vittorio de Scalzi. Mas Hard Rock isso realmente não é, talvez Heavy-Prog. Todas as letras têm temas orientais (no entanto, a música não tem influência oriental), influenciada pela religião oriental e por Satguru Maharaji e seus seguidores. Acho que a banda teve a ideia de temas orientais nas letras por causa de "Tales From Topographic Oceans", do YES.

O álbum é dividido em 2 partes, sendo a primeira parte intitulada "Divine Mountain/Journey of Life" dividida em mais 4 sub-partes. A música é recheada com ótimo trabalho de guitarra, além de sintetizadores eminentes. Não espere nenhuma influência indiana na música aqui, sem cítara, sem tabla, sem sarod, a música segue estritamente o Rock Progressivo dos anos 70 e os instrumentos de Rock. O segundo tempo (ou parte do disco), intitulado "Divinity" e dividido em três partes, não faz jus ao primeiro tempo. Por um lado, a "Parte 2" fica atolada por um solo de bateria sem sentido, deixando Ric Parnell acariciar seu ego. Com exceção do solo de bateria, isso é nada menos que uma obra-prima do Prog italiano. E embora os vocais sejam em inglês, eles são surpreendentemente bons, um pouco gritados, mas há momentos melodiosos. A comparação mais próxima seria com grupos como OSANNA.

 Faixas:

- Divine Mountain / Journey Of Life (Swift River Rushing, Flowing) :

01. Part 1: Vision Of Majesty (3:41)

02. Part 2: Travelling The Spectrum Of The Soul (5:56)

03. Part 3: The Valley Of Mists (4:54)

04. Part 4: Vision Fulfilled (4:38)

- Divinity (Dedicated To Satguru Maharaji And His Followers) :

05. Part 1 (3:59)

06. Part 2 (7:16)

07. Part 3 (5:56)

Músicos:

- Nico Di Palo: Guitarra  e vocais

- Maurizio Salvi: Teclados

- Frank Laugelli: Baixo

- Rick Parnell: Bateria e vocais