Em 06/12/1968: Stevie Wonder lança o álbum For Once in My Life

Em 06/12/1968: Stevie Wonder lança o álbum For Once in My Life

For Once in My Life é o nono álbum de estúdio (décimo no geral) do multi-instrumentista e cantor americano Stevie Wonder. Lançado em dezembro de 1968 pela Motown Records. Aos dezoito anos de idade, Stevie Wonder havia se estabelecido um dos consistentes criadores de sucessos da gravadora Motown Records.

For Once in My Life continuou o crescimento de Stevie Wonder como cantor, compositor e produtor. Apresentava canções a faixa-título,

" Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day " e sucessos modestos " I Don't Know Why " e "You Met Your Match". Também marcou a estreia do Hohner Clavinet em um álbum de Stevie Wonder, que se tornaria um pilar nos álbuns que viriam.

Listagem de faixas:

Lado Um:

1. "For Once in My Life" : 2:48

2. "Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day" : 2:45

3. "You Met Your Match" : 2:37

4. "I Wanna Make Her Love Me" : 2:52

5. "I'm More Than Happy (I'm Satisfied)" : 2:56

6. "I Don't Know Why" : 2:46

Lado dois:

7. "Sunny" (Bobby Hebb) : 4:00

8. "I'd Be a Fool Right Now" : 2:54

9. "Ain't No Lovin'" : 2:36

10. "God Bless the Child" : 3:27

11. "Do I Love Her" : 2:58

12. "The House on the Hill" : 2:36.

Pessoal:

Stevie Wonder - vocais, gaita, clavinete , bateria, percussão, possíveis teclados

The Originals - vocais de apoio

The Andantes - vocais de apoio

Earl Van Dyke - piano, Wurlitzer , Fender Rhodes , órgão Hammond

James Jamerson - baixo

Uriel Jones - bateria

The Funk Brothers - instrumentação.

Em 06/12/1970: Christine Perfect lança o álbum Christine Perfect.

Em 06/12/1970: Christine Perfect lança o álbum Christine Perfect.

Christine Perfect é o álbum solo de estreia da ex-tecladista e cantora britânica da banda de rock Chicken Shack, Christine Perfect (que mais tarde conhecida como Christine McVie). O álbum foi lançado logo após Perfect ter deixado o Chicken Shack, mas antes de ela se juntar ao Fleetwood Mac.

Lançado em dezembro de 1970, o álbum foi originalmente concebido para ser intitulado

I'm on My Way, como evidenciado nas cópias do single pré-LP "I'm Too Far Gone (To Turn Around)". O LP foi relançado em 1976 como The Legendary Christine Perfect Album, e em 2008 como Christine Perfect - The Complete Blue Horizon Sessions. Ironicamente, apesar do nome, a reedição de 2008 está sem uma música, seu cover de " I'd Rather Go Blind ", embora também inclua várias faixas bônus.

A maioria das músicas do álbum foi tocada pela banda Christine Perfect, que incluía Top Topham e Rick Hayward nas guitarras; Martin Dunsford no baixo e Chris Harding na bateria.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "Crazy 'Bout You Baby": 3:03

2. "I'm on My Way": 3:10

3. "Let Me Go (Leave Me Alone)": 3:35

4. "Wait and See": 3:14

5. "Close to Me": 2:40

6. "I'd Rather Go Blind": 3:20

Lado dois:

7. "When You Say": 3:14

8. "And That's Saying a Lot": 2:58

9. "No Road Is the Right Road": 2:49

10. "For You": 2:46

11. "I'm Too Far Gone (To Turn Around)": 3:26

12. "I Want You": 2:23.

Pessoal:

Christine Perfect – vocais, teclados

Top Topham , Rick Hayward – guitarra

Martin Dunsford – baixo

Chris Harding – bateria

John Bennett, Derek Wadsworth ,

Terry Noonan – arranjos

Danny Kirwan – guitarra (7)

John McVie – baixo (7)

Stan Webb – guitarra (6)

Andy Silvester – baixo (5, 6)

Dave Bidwell – bateria (6).

Em 06/12/1968: The Rolling Stones lança o álbum "Beggar's Banquet"

Em 06/12/1968: The Rolling Stones lança o álbum "Beggar's Banquet"

Beggars Banquet é o sétimo álbum de estúdio britânico e o nono americano da banda de rock inglesa The Rolling Stones. Foi lançado em 6

de dezembro de 1968 pela gravadora Decca Records no Reino Unido e London Records nos EUA. Foi o primeiro álbum dos Rolling Stones produzido por Jimmy Miller, cujo trabalho de produção formou um aspecto fundamental do som do grupo ao longo do final dos anos 1960 e início dos anos 1970. Brian Jones, fundador e líder inicial da banda, tornou-se cada vez menos confiável no estúdio devido ao uso de drogas, foi o último álbum dos Rolling Stones

a ser lançado durante sua vida, embora ele também tenha contribuído para duas músicas em seu próximo álbum Let It Bleed, que foi lançado após sua morte. (Jones, no entanto, contribuiu para o hit do grupo " Jumpin' Jack Flash ", que fez parte das mesmas sessões, e lançado em maio de 1968.)

Quase todas as partes de ritmo e guitarra foram gravadas por Keith Richards, os Rolling Stones ' outro guitarrista e o principal parceiro de composição de seu vocalista Mick Jagger; juntos, os dois escreveram todas, exceto uma das faixas do álbum.

Completando a instrumentação estavam o baixista Bill Wyman e o baterista Charlie Watts, embora todos os membros tenham contribuído em uma variedade de instrumentos. Como na maioria dos álbuns do período, o colaborador frequente Nicky Hopkins tocou piano em muitas faixas. Beggars Banquet marcou uma mudança de direção para a banda seguindo o pop psicodélico de seus dois álbuns anteriores, Between the Buttons e Their Satanic Majesties Request. Estilos como o roots rock e o retorno ao blues rock que marcaram as primeiras gravações dos Stones dominam o disco, e o álbum está entre os mais instrumentalmente experimentais da carreira da banda, pois utilizam batidas latinas e instrumentos como as claves. ao lado de sons do sul da Ásia do tanpura, tabla e shehnai, e Ritmos de conga influenciados pela música africana.

Beggars Banquet foi um álbum entre os dez primeiros em muitos mercados, incluindo uma posição número 5 nos EUA onde foi disco de platina e posição número 3 no Reino Unido. Recebeu resposta favorável dos críticos, que consideraram um retorno ao melhor som da banda. Enquanto o álbum não tinha "single de sucesso" na época do lançamento, canções como " Sympathy for the Devil " e

" Street Fighting Man " tornaram-se grampos de rádio de rock nas próximas décadas. Um de seus álbuns mais aclamados, é considerado o início da reputação duradoura da banda como a " Maior Banda de Rock 'n' Roll do Mundo ". O álbum apareceu em muitas listas dos maiores álbuns de todos os tempos, Rolling Stone, e foi introduzido no Grammy Hall of Fame em 1999. Foi lançado novamente em 2010 pela Universal Music Enterprises em uma versão SHM- SACD somente em japonês e em 24 de novembro de 2010 a ABKCO Records lançou uma versão SHM-CD. Em 28 de maio de 2013, a ABKCO Records relançou o LP em vinil.

Em 2018, o álbum foi relançado em seu 50º aniversário. A Record Store Day Edition apareceu no mercado britânico no sábado, 22 de abril de 2023.

Lista de faixas:

Todas as faixas foram escritas por

Mick Jagger e Keith Richards, exceto

"Prodigal Son", de Robert Wilkins.

Lado um:

1. "Sympathy for the Devil" : 6:18

2. "No Expectations" : 3:56

3. "Dear Doctor" : 3:22

4. "Parachute Woman" : 2:20

5. "Jig-Saw Puzzle" : 6:06

Comprimento total: 22:08

Lado dois:

6. "Street Fighting Man" : 3:16

7. "Prodigal Son" (Robert Wilkins) : 2:51

8. "Stray Cat Blues" : 4:38

9. "Factory Girl" : 2:09

10. "Salt of the Earth" : 4:48.

Comprimento total: 17:42.

Pessoal The Rolling Stones:

Mick Jagger - vocais principais (todas as faixas), vocais de apoio ("Dear Doctor"),

gaita ("Parachute Woman"), maracas

("Street Fighting Man", "Stray Cat Blues")

Keith Richards - guitarras elétricas, guitarras acústicas, slide guitar ("Salt of the Earth", "Jigsaw Puzzle"), baixo ("Sympathy for the Devil", "Street Fighting Man", "Stray Cat Blues"), vocais de apoio ("Sympathy for the Devil",

"Dear Doctor", "Salt of the Earth"), abrindo os vocais principais ("Salt of the Earth")

Brian Jones - slide guitar ("No Expectations"), violão (" Sympathy For The Devil ", " Parachute Woman "), gaita ("Dear Doctor", "Parachute Woman", "Prodigal Son"), Mellotron ("Jigsaw Puzzle "," Stray Cat Blues "), cítara (" Street Fighting Man "), tambura (" Street Fighting Man "), vocais de apoio (" Sympathy for the Devil ")

Bill Wyman - baixo, contrabaixo ("Dear Doctor"), backing vocals ("Sympathy for the Devil"), shekere ("Sympathy for the Devil"), maracas ("Sympathy for the Devil")

Charlie Watts - bateria, claves ("No Expectations"), pandeiro ("Dear Doctor"),

tabla ("Factory Girl")

Pessoal adicional:

Nicky Hopkins - piano ("Sympathy for the Devil", "No Expectations", "Dear Doctor", "Jigsaw Puzzle", "Street Fighting Man", "Stray Cat Blues", "Salt of the Earth"), Mellotron

(" Factory Girl "), órgão Farfisa (" No Expectations ") Rocky Dzidzornu - congas ("Sympathy for the Devil", "Stray Cat Blues", "Factory Girl")

Ric Grech - violino ("Factory Girl")

Dave Mason - shehnai ("Street Fighting Man")

Jimmy Miller - vocais de apoio ("Sympathy for the Devil") Watts Street Gospel Choir - vocais de apoio ("Salt of the Earth")

Anita Pallenberg, Marianne Faithfull - vocais de apoio ("Sympathy for the Devil").

Em 06/12/1988: Jerry Garcia Acoustic Band lança o álbum Almost Acoustic

Em 06/12/1988: Jerry Garcia Acoustic Band lança o álbum Almost Acoustic

Almost Acoustic (de 1988) é um álbum ao vivo da Jerry Garcia Acoustic Band. Em alta estima pelos fãs pela excelente qualidade de som e excelente seleção musical, contém as canções do final de novembro ao início de dezembro de 1987 que foram gravadas no Warfield Theatre em San Francisco e no Wiltern Theatre em Los Angeles. Lançado em 6 de dezembro de 1988. A Jerry Garcia Acoustic Band foi um conjunto musical de curta duração que tocava música folk e bluegrass, com instrumentos acústicos. Os membros da banda eram Jerry Garcia na guitarra e vocal, David Nelson na guitarra e vocal, Sandy Rothman no bandolim, dobro e vocal, John Kahn no contrabaixo, Kenny Kosek no violino, em algumas músicas, David Kemper no tarola. Um segundo álbum da Jerry Garcia Acoustic Band, foi gravado ao vivo em 1987, é Ragged but Right, lançado em 2010.

Além disso, três álbuns ao vivo dos shows de Lunt-Fontanne de 1987 que foram lançados alguns anos depois incluem músicas dos Jerry Garcia Acoustic Band, e como a Jerry Garcia Band - Pure Jerry: Lunt-Fontanne, New York City, 31 de outubro de 1987, Pure Jerry: Lunt-Fontanne, New York City, The Best of the Rest, 15-30 de outubro, 1987 e On Broadway: Act One - 28 de outubro de 1987.

Lista de faixas:

1. "Swing Low, Sweet Chariot"

(Tradicional) – 3:30

2. "Deep Elem Blues" (Tradicional) – 6:09

3. "Standing on the Corner

(Blue Yodel No. 9)" – 6:12

4. "Spike Driver's Blues" – 6:44

5. "I've Been All Around This World" – 6:18

6. "Here To Get My Baby out of Jail" – 5:16

7. "I'm Troubled" (Tradicional) – 4:52

8. "Oh, The Wind and Rain" (Tradicional) – 4:39

9. "The Girl at the Crossroads Bar" – 2:37

10. "Oh, Babe, It Ain't No Lie" – 6:19

11. "Casey Jones" (Hurt) – 4:05

12. "Diamond Joe" (Tex Logan) – 3:29

13. "Gone Home" (Bill Carlisle) – 4:41

14. "Ripple" (Robert Hunter, Jerry Garcia) – 4:21

Comprimento total : 70 : 11.

Pessoal:

Jerry Garcia Acoustic Band

Jerry Garcia - guitarra, vocal

David Nelson - guitarra, vocal

Sandy Rothman - bandolim, dobro, vocal

John Kahn - contrabaixo acústico

David Kemper - bateria

Kenny Kosek - fiddle.

Em 06/12/1968: Pink Floyd lança a canção " Careful with That Axe, Eugene "

Em 06/12/1968: Pink Floyd lança a canção

" Careful with That Axe, Eugene "

Careful with That Axe, Eugene é uma peça instrumental da banda de rock Inglêsa Pink Floyd. Foi gravado em novembro de 1968 e lançado como lado B do single " Point Me at the Sky ", apresentado na compilação de 1971 Relics. Foi regravado para o filme Zabriskie Point de 1970, renomeando-o como "Come In Number 51, Your Time Is Up". Se tornou uma das favoritas ao vivo do Pink Floyd.

Versões ao vivo podem ser encontradas em vários lançamentos, como a metade ao vivo

do álbum duplo Ummagumma e o filme Pink Floyd: Live at Pompeii.

Foi realizada esporadicamente após 1973,

com uma performance única final em 1977.

Várias versões, tanto ao vivo quanto em estúdio, lançadas como parte do box set de 2016 The Early Years 1965–1972.

Pessoal:

Roger Waters - baixo, voz

David Gilmour - guitarra, voz

Richard Wright - órgão Hammond,

Vibrafone (versão de estúdio),

órgão Farfisa (versão ao vivo)

Nick Mason – bateria.

 

ANTIMATTER Experimental/Post Metal • Multi-National

 

ANTIMATTER

Experimental/Post Metal • Multi-National

Biografia do Antimatter
: Formado em Liverpool, Inglaterra, em 1997,

o Antimatter foi criado pelo ex- baixista e compositor do Anathema , Duncan Patterson, e Mick Moss, músico que até então havia tocado com diversas bandas independentes. Juntos, Patterson e Moss lançaram três álbuns: Saviour, Lights Out e Planetary Confinement. Pouco depois da conclusão e lançamento do terceiro álbum, Planetary Confinement, Duncan Patterson deixou a dupla para formar seu próprio grupo, Íon. Continuando sem seu antigo parceiro, Mick Moss manteve o projeto vivo, lançando o quarto e mais recente álbum, Leaving Eden, com o atual guitarrista do Anathema, Danny Cavanagh.

Os dois primeiros álbuns lançados por essa colaboração foram concebidos com foco em linhas vocais melódicas e complexas, e um som de rock melancólico com toques de techno e nuances de post-rock ambiente. Isso era frequentemente alcançado através de técnicas como a sobreposição de vocais de musicistas convidadas para criar um efeito e uma atmosfera misteriosos. Riffs de violão e seções rítmicas também contribuíram para dar à dupla seu som único. Após a saída de Duncan Patterson do projeto, o som mudou e evoluiu rapidamente, desenvolvendo uma sonoridade mais metálica, impulsionada pela contribuição de Danny. Os sons atmosféricos iniciais praticamente desapareceram, substituídos por um som de rock mais voltado para a guitarra, o que rendeu à banda o carinho de fãs de prog metal em todo o mundo.

Antimatter é altamente recomendável para fãs de post-metal, post-rock e prog metal, com seus dois álbuns mais recentes apresentando um som semelhante a Anathema, Porcupine Tree, Katatonia e muitos outros grupos de rock com nuances atmosféricas.

Fear of a Unique Identity
Antimatter Experimental/Post Metal

 Após uma breve pausa, o Antimatter retornou com seu quinto álbum de estúdio, intitulado "Fear of a Unique Identity". Assim como em outros lançamentos recentes desta banda britânica, a música é composta e idealizada principalmente por Mick Moss, um músico impressionante que não é apenas multi-instrumentista, mas também um vocalista fascinante. Diferentemente de alguns dos álbuns anteriores deste projeto, este trabalho de 2012 é um pouco mais pesado, roqueiro e um tanto mais acessível, com Moss criando uma interessante mistura de rock alternativo e progressivo com ocasionais nuances eletrônicas e de rock gótico. Isso certamente amplia as capacidades experimentais da banda, mas também limita suas buscas estilísticas.

'Fear of a Unique Identity' parece ter uma pegada mais agressiva no início, com as faixas mais fortes e memoráveis ​​concentradas na primeira metade, enquanto as mais atmosféricas e menos intrigantes ficam reservadas para a segunda. Esse desequilíbrio pode tornar um disco tedioso em alguns momentos, o que talvez explique a recepção mista que este LP em particular teve. A faixa de abertura, 'Paranova', é realmente ótima, especialmente pela pegada sombria e alienante de rock alternativo que apresenta; Moss conseguiu criar uma atmosfera claustrofóbica interessante com a produção (similar a alguns álbuns clássicos do The Cure). Em 'Monochrome', Moss utiliza sintetizadores e pianos com mais destaque, o que lhe permite evocar algumas das primeiras inclinações góticas do som da banda, enquanto a faixa-título se desenvolve mais como uma canção melancólica e semiacústica. Alguns dos exercícios vocais de Mick Moss nessas duas primeiras músicas são realmente agradáveis. Uma sonoridade mais longa e etérea, com uma atmosfera melancólica de rock alternativo, confronta o ouvinte em "Firewalking", que também deve notar a acessibilidade de uma música como "Uniformed & Black". O restante do álbum permanece mais monótono, e embora canções como "Here Come the Men" ou "Wide Awake in the Concrete Asylum" apresentem histórias significativas, a falta de empolgação e variedade musical diminui um pouco o apelo inicial do álbum. Indiscutivelmente um bom lançamento, "Fear of a Unique Identity" pode ser melancólico e introspectivo, embora permaneça uma coleção de canções menos eclética, especialmente se comparada aos lançamentos mais recentes do Antimatter.

Black Market Enlightenment
Antimatter Experimental/Post Metal

 Antimatter é um dos projetos de art rock peculiares e incomuns que transitam pelo território do rock progressivo, e o sétimo álbum de estúdio da banda explora muitas das tendências progressivas que definiram seus trabalhos mais recentes. Originalmente um duo, o Antimatter tem sido o projeto criativo do principal compositor, multi-instrumentista, vocalista e produtor Mick Moss desde 2006, e 'Black Market Enlightenment', de 2018, é o quarto álbum no geral a ser escrito e gravado exclusivamente por Moss. A música da banda é definida por uma atmosfera sombria e melancólica, e uma escuridão impressionante que se manifesta na voz peculiar de Mick Moss, cujas letras também refletem uma estética um tanto gótica. Guitarras pesadas, robustas, mas frequentemente atmosféricas, assim como camadas de sintetizadores sombrios e múltiplos efeitos, dominam a sonoridade dos álbuns do Antimatter, e 'Black Market Enlightenment' não é exceção. Trata-se de uma obra sombria e criativa que aborda o abuso de substâncias por Moss, tornando o álbum muito pessoal e íntimo, embora a música permaneça obliquamente progressiva.

Entre as nove faixas do álbum, há momentos excepcionais e empolgantes, assim como alguns mais esquecíveis. A faixa de abertura, "The Third Arm", por exemplo, impressiona com sua dor intensa, atmosfera sombria e estética quase pós-rock, tornando-a uma das músicas mais acessíveis do álbum. Já uma faixa como "Sanctification" pode se perder em meio às camadas de ambientação melancólica, o que significa que algumas músicas do álbum carecem de um refrão memorável e viciante. "Wish I Was Here" possui fortes nuances atmosféricas e uma sensação de desespero existencial na letra que combina muito bem com a música. "This Is Not Utopia" e "Partners in Crime" são sombrias, perversas e utilizam bastante música eletrônica, sendo definitivamente duas das músicas mais envolventes do álbum. A intensidade indireta e as construções catárticas são muito bem executadas, e "Existential" é outro bom exemplo, introduzindo também um toque de world music à mistura. 'Liquid Light' encerra o álbum de forma eficaz, principalmente devido à gloriosa performance vocal de Moss. 'Black Market Enlightenment' segue uma atmosfera e padrões rítmicos semelhantes em sua totalidade, o que acaba por limitar um pouco a variedade musical. No entanto, o álbum possui diversos momentos realmente interessantes que valem a pena ouvir. As construções instrumentais e o trabalho vocal são os principais pontos fortes deste disco.

ANTIHÉROE Jazz Rock/Fusion • Argentina

 

ANTIHÉROE

Jazz Rock/Fusion • Argentina

Biografia do Antihéroe:
O ANTIHÉROE é uma das muitas criações do prolífico guitarrista e compositor Darío ÍSCARO (de Córdoba, Argentina). Seu principal interesse é o jazz em suas vertentes de vanguarda e fusão, mas mesmo assim ele se mostra bastante receptivo a abordagens ecléticas na criação e gravação de música. Quarteto instrumental, o ANTIHÉROE serve como veículo para suas concepções de sonoridade progressiva desde 1995.

O funcionamento da banda tem sido intermitente, dependendo do andamento de outros projetos e colaborações nos quais ÍSCARO esteve envolvido ao longo dos anos, mas os dois álbuns lançados pelo ANTIHÉROE – "Antihéroe" (1997) e "Entretejido Cósmico" (2008) – são excelentes joias do jazz-prog argentino. Ambos os trabalhos apresentam influências de KING CRIMSON, ZAPPA, jazz-fusion old-school, bem como as cores peculiares dos ritmos folclóricos sul-americanos. Este conjunto se preocupa muito em explorar os sons dos instrumentos de sopro dentro de sua sonoridade global: além da dupla rítmica e do próprio ÍSCARO, um saxofonista/clarinetista/flautista completou a formação do primeiro álbum, enquanto um trompetista foi o quarto elemento no segundo. Na verdade, "Entretejido Cósmico" apresenta uma sonoridade um pouco mais crua devido ao fato de a lista de faixas ser baseada em performances ao vivo aprimoradas e/ou remasterizadas com algumas sobreposições de faixas.

Entretejido Cósmico
Antihéroe Jazz Rock/Fusion

 Celebrada em sua Argentina natal como uma das melhores bandas de rock experimental desde os anos 90 (apesar de sua escassa discografia), é justo que a música do Antihéroe seja disseminada na internet entre os amantes do rock progressivo e do art rock em todo o mundo. Pelo menos, é o que infiro da grande criatividade, entusiasmo e inteligência presentes no repertório do segundo álbum da banda, "Entretejido Cósmico". Diferentemente do álbum de estreia homônimo, lançado 11 anos antes e gravado no ambiente controlado de um estúdio, a lista de faixas de "Entretejido Cósmico" é baseada principalmente em performances ao vivo, que foram enriquecidas de forma bastante moderada, com poucas sobreposições e poucos rearranjos durante a gravação em estúdio. Este conjunto de Córdoba tem seus objetivos artísticos bem definidos: uma confluência da dinâmica do jazz-rock, aventuras à la King Crimson, fusão contemporânea, tonalidades experimentais inspiradas em Zappa e uma alta dose de sofisticação progressiva. Apesar da quantidade de referências que acabei de mencionar, o esquema sonoro da banda nunca soa exagerado ou pomposo, mas, no geral, tenha certeza de que a complexidade é facilmente perceptível e que a habilidade individual dos músicos é sempre exigida para elaborar as articulações musicais que dão foco a cada faixa. A principal razão de ser do guitarrista Íscaro e companhia é a extravagância eclética com um swing ágil. E que melhor maneira de começar um álbum de forma extravagante do que tocar as duas partes de "Ciudad Zombi" em ordem inversa? 'Ciudad Zombi (Parte 2)' retrata uma neurose arrepiante e uma alegria lúdica em compasso 7/8, de tal forma que a demência parece afogada pelo espírito de celebração eufórica; por outro lado, a Parte 1 se volta para texturas sutis de mistério em um andamento mais lento de 7/8. 'Años De Apatía' é traduzido para o inglês como 'Years Of Apathy' (Anos de Apatia), e é irônico, já que exibe um humor vibrante e otimista. Coincidências podem ser encontradas com a banda Tánger, bem como com Forever Einstein e Cabezas De Cera: é fácil reconhecer essa renovação lúdica do prog contemporâneo do King Crimson. Mais uma vez, temos uma faixa seguinte que nos leva a um lugar muito diferente: 'Sonámbula' carrega uma atmosfera explicitamente lânguida, repleta de uma tensão cuidadosamente sutil, como se evocasse imagens de uma mente sonâmbula na névoa que a envolve. Quando a peça se aproxima do fim, o crescendo emergente inicia uma trajetória bem construída rumo a um clímax heroico. A faixa nº 5, 'Indios Electrónicos', desenvolve uma atmosfera bastante extrovertida, parcialmente voltada para o fusion, mas também apresentando toques zappenses e nuances do King Crimson. Toda a estrutura é colorida e sinuosa, algo que não se repete na reflexão calorosa de 'Devian'. Bem,Deixe-me esclarecer que esta faixa não é 100% relaxante, já que as progressões harmônicas da guitarra criam uma aura de mistério inquieto, mas, de modo geral, o ouvinte (eu) se encontra em um estado de espírito mais tranquilo. 'Que Rest L Till' apresenta um clima lânguido semelhante a 'Ciudad Zombi (Parte 1)', porém com menos densidade e um calor bem definido que se assemelha mais à faixa anterior, 'Devian'. 'Lo Viejo Por Venir' estabelece um padrão jazz-rock articulado em torno do contraste entre as linhas de guitarra enérgicas (no estilo Jeff Beck encontra Robert Fripp) e o duo rítmico semicontido. Os últimos 8 minutos do álbum são ocupados por 'La Esquina De Las Corazonadas', cujo corpo principal apresenta uma forte influência fusion; por fim, após os 5 minutos, uma lenta cacofonia "orquestral" se instala para impulsionar uma coda neurótica explosiva. Se alguém me obrigasse a escolher algumas faixas favoritas deste álbum incrível, com certeza optaria por 'Sonámbula', 'Indios Electrónicos' e 'La Esquina De Las Corazonadas' (que final fantástico!). De qualquer forma, o ponto principal deste álbum como um todo é que ele funciona integralmente como uma exposição compacta de rock de vanguarda, encapsulada em uma arquitetura musical que certamente agradará aos fãs de rock progressivo e jazz. Estou muito feliz por ter descoberto esta banda, mesmo que um pouco tarde: agora é a vez de outros.

THE ANTIGRAVITY PROJECT Eclectic Prog • Canada

 

THE ANTIGRAVITY PROJECT

Eclectic Prog • Canada

Biografia do Antigravity Project:
O Antigravity Project é uma banda de Winnipeg, Manitoba, que lançou dois álbuns de prog rock ecléticos no início dos anos 2000. O primeiro lançamento, Annuit Corruptus, foi lançado em 2003 e apresentou o estilo de composição inteligente da banda, misturado com temas profundos e excelentes trabalhos instrumentais. O segundo álbum, Phlogiston I, também lançado em 2003, consiste em material improvisado ao vivo e versões alternativas raras de músicas já existentes, que mostram um estilo diferente das performances ao vivo da banda. A banda desapareceu e não se teve mais notícias dela desde então.

Annuit Corruptis
The Antigravity Project Eclectic Prog

 O THE ANTIGRAVITY PROJECT é uma banda canadense de rock progressivo de Winnipeg, Manitoba, que lançou dois álbuns em 2003 e depois desapareceu sem deixar vestígios. Até mesmo o site da banda parece estar em desuso e não é atualizado desde 2010, então é seguro dizer que a banda provavelmente deixou de existir há algum tempo e não se ouvirá falar dela novamente num futuro próximo. A banda foi formada em 1998 pelo escritor, filósofo e principal compositor Brad Fenwick, cujo interesse por ficção científica, análises de conspirações e reconhecimento de padrões provou ser o tema perfeito para um caldeirão elétrico de rock progressivo.

A banda era formada por Fenwick (baixo, vocal principal), Basil Ganglia (guitarra, teclado, vocal) e Peter Baureiss (bateria, vocal). ANNUIT CORRUPTIS foi o álbum de estreia da banda, com onze faixas originais, seguido rapidamente por um segundo lançamento, "Phlogiston 1", composto por improvisações ao vivo e versões alternativas raras de músicas que exploravam estilos alternativos de interesse da banda. Essencialmente, este lançamento foi a única gravação original de estúdio e passou praticamente despercebido desde seu lançamento em 2003. Embora a aspiração da banda de criar álbuns conceituais grandiosos e sofisticados nunca tenha se concretizado, pode-se dizer que ANNUIT CORRUPTIS chega perto, apresentando uma interessante e intrincada demonstração de música progressiva, reforçada por temas instigantes.

Musicalmente falando, ANNUIT CORRUPTIS é um trabalho de prog melódico com melodias concisas e acessíveis, que fornecem o pano de fundo assombroso para a temática esotérica. Embora os créditos indiquem apenas a presença de instrumentação típica do rock, incluindo guitarra, baixo, teclados e bateria, há muitos elementos folk, como flauta e passagens acústicas, além de toques de metais com influência jazzística. Se esses elementos são reais ou sintetizados, permanece um mistério, mas soam bastante autênticos aos meus ouvidos. De muitas maneiras, THE ANTIGRAVITY PROJECT pode ser comparado aos seus compatriotas canadenses do Rush, já que a música apresenta hard rock, toques de prog sinfônico menos pesados, além de influências de jazz, folk e até reggae. Apesar das letras abordarem a corrupção e as sociedades secretas que tramam a morte e a destruição da raça humana, o álbum é, na verdade, mais uma excursão musical do que uma obra puramente lírica.

A verdadeira definição de prog elétrico, ANNUIT CORRUPTIS apresenta motivos musicais impulsionados por letras que explodem em solos instrumentais e jams, abrangendo desde rock e jazz até música clássica, funk, folk, blues e diversos estilos musicais étnicos. Embora os toques melódicos sejam sempre a base, a força composicional é bastante liberal, com muitas reviravoltas inesperadas e uma exibição sempre interessante de interação instrumental. Liricamente, trata-se de um pot-pourri esotérico que aborda desde corrupção governamental e sociedades secretas até OVNIs/acobertamento de extraterrestres e a situação crítica da destruição ambiental, além de outros temas censurados, pelo menos pela mídia convencional. Vale mencionar que Fenwick é um ótimo vocalista com um estilo diversificado e competente o suficiente para lidar com esse tipo de prog variado.

Esta é uma daquelas bandas que eu adoraria ter visto evoluir. Esta estreia, mais do que competente, está repleta de reviravoltas inteligentes e gêneros musicais inesperados (como o schlager alemão em "Illuminazi"). O destaque do álbum é provavelmente a faixa de mais de 16 minutos "Orwellian Nightmare Revealed". A música começa com uma narrativa falada e então se transforma em um verdadeiro exercício de prog rock, com todos os excessos esperados do gênero. Uma forma de imaginar esta banda é como seria o som do Muse se eles tivessem se dedicado totalmente ao rock progressivo. No geral, uma estreia muito forte que talvez não alcance o status de obra-prima, mas certamente se mantém muito bem mesmo após repetidas audições, com um fluxo musical interessante e letras intelectualmente estimulantes.

Electric Mud - Electric Mud 1971

 

Poderia começar a falar sobre minha relação com essa obscura banda alemã do início dos anos 70. Lançado pela gravadora Lost Pipe Dreams, durante os 95 anos em que morei nos EUA, comprei este CD e fiquei surpreso com a potência do som, que me lembrou bandas como Necronomicon e Virus, certamente muito mais cruas e brutais. Em 2000, perdi este CD durante um roubo em minha casa. Durante todos esses anos, perdi a esperança de conseguir uma cópia, pois a Lost Pipe Dreams havia desaparecido do mercado. Para minha grande surpresa, alguns meses atrás, consegui localizar uma cópia e tive a maravilhosa oportunidade de comprá-la.

O que posso comentar, e que permanece a mesma emoção de muitos anos atrás, é a mesma potência e qualidade dos músicos. Dizem que o álbum foi gravado em estúdio, mas na verdade foi gravado durante uma apresentação de rádio, que também é um prazer de ouvir.

O álbum é composto por apenas quatro faixas. A primeira, intitulada "Hausfrauenreport", é bastante progressiva, sendo a mais longa em alguns trechos e me lembrando da gênese do Foxtrot. A segunda, "Die Toten Klagen Euch", tem um processo um pouco lento, mas é realmente muito boa, com um início denso que se desenvolve com um riff poderoso. A voz de Udo Preising confere um toque sombrio à música, e, claro, os ótimos teclados de Axel Helm completam o trabalho. A terceira, "Immer Das Alte Lied", contém camadas de teclado muito poderosas, mesmo com algumas falhas na gravação, que agregam valor à obra. Por fim, "Zu Essen in der Not a big issue", que coroa um trabalho espetacular desta banda alemã desconhecida.


1. hausfrauenreport (11:33)
2. die toten klagen euch an (5:44)
3. immer das alte lied (6:47)
4. nichts zu essen in der rot (11:26)

Tempo total: 35:12

Formação / Músicos

- Jochen Dyduch / bateria
- Axel Helm / órgão, piano
- Udo Preising / baixo, voz
- Manfred Simhäuser / guitarra

 

MUSICA&SOM ☝

String Cheese - String Cheese 1971

Biografia do String Cheese:
Antes de substituir David LaFlamme de forma desajeitada no IT'S A BEAUTIFUL DAY, Greg Bloch teve sua própria chance de alcançar a fama no folk psicodélico do início dos anos setenta com o STRING CHEESE, uma banda cuja promessa inicial, mas rápido declínio, foi sem dúvida influenciada pela situação de sua gravadora (Wooden Nickel), que começou a ruir mesmo antes de o grupo de destaque STYX começar a ser cortejado pela A&M Records.

Com uma vocalista principal (Sally Smaller) muito no estilo de Patti Santos, do IABD, a música da banda apresenta uma semelhança impressionante com muitas das bandas psicodélicas e folk do bairro de Haight-Ashbury do final dos anos 60 e início dos 70. O grupo também contava com o baterista John Maggi, cujo grupo anterior, IOWA BY THE SEA, ficou conhecido por ter sido a banda que lançou a carreira de Michael Wood com a banda folk-rock AMERICA, nos anos 70.

A estreia da banda foi anunciada com uma matéria na revista Billboard, que destacava a colaboração entre a gravadora Wooden Nickel, de Jerry Weintraub, e a RCA (a banda foi erroneamente considerada um grupo da "Costa Oeste", apesar de tanto eles quanto a gravadora serem sediados em Chicago). As vendas fracas e a pouca promoção deixaram o grupo sem outra opção a não ser se dissolver em 1973. O guitarrista de 12 cordas Lawrence W. Wendelken seguiria carreira como produtor de estúdio, incluindo créditos em filmes, e Bloch conseguiu uma temporada com a MARK-ALMOND, além de seu único álbum com a IABD; o resto do grupo cairia no esquecimento musical.

Outra banda de folk progressivo perdida do início dos anos setenta, o STRING CHEESE, no entanto, deixou para trás um ótimo álbum, provando que o folk rock psicodélico de qualidade não se limitava a São Francisco por volta de 1971.



Faixas:
01. For Now
02. Crystal
03. We Share
04. Here Am I
05. Empty Streets
06. Forage
07. Soul Of Man
08. Certain Kind Of Day
09. Woke Up This Morning, Coming

Duração: 37:01

 Músicos

- John Maggi / Bateria
- Gregory Bloch / Violino Elétrico
- Louis Constantino / Baixo
- William Dalton / Órgão, Piano, Celeste, Guitarra, Cravo, Teclados, Sitar, Narração
- Sally Smaller / Vocais
- Larry Wendelken / Guitarra de 12 Cordas, Vocais

MUSICA&SOM ☝