06, Presentazione della band e dell'album "Storie invisibili"
07. Eterna Transiberiana
08. Il giardino del mago
TRACKLIST CD 2:
09. R.I.P.
10. Il mietitore
11. Non mi spaventa più l'amore - Vittorio speech
12. Paolo Pa
13. Moby Dick
14. Traccia - encore
15. Tanti auguri
16. Non mi rompete
FORMAÇÃO:
Vittorio Nocenzi – tastiere, voce
Filippo Marcheggiani – chitarra
Tony D'Alessio – voce
Marco Capozi – basso
Michelangelo Nocenzi – tastiere
Andrea Bruni – batteria
Imortais . Existe outro adjetivo para descrever o Banco del Mutuo Soccorso? Em 2025, eles ainda estão aqui, após quase seis décadas de história. A nova formação gira em torno do líder de longa data, Vittorio Nocenzi, que fundou a primeira encarnação do Banco del Mutuo Soccorso em 1968 com seu irmão Gianni, um convidado ocasional em shows. Vittorio Nocenzi (usando seu chapéu característico há algum tempo) é um verdadeiro ícone do rock italiano. Com seu Banco del Mutuo Soccorso, ele viveu períodos musicais esplêndidos e difíceis (como a década de 1980) e sofreu perdas terríveis, como as mortes de Francesco Di Giacomo e Rodolfo Maltese. Mas ele não se deixou abater; Pelo contrário, apoiado por músicos novos e virtuosos, ele criou uma trilogia de álbuns de altíssima qualidade nos últimos anos, desde "Transiberiana" (2019) até "Orlando le forme dell'amore" (2022) e o recém-lançado "Storie invisibili". E a nova turnê preparada por Nocenzi e sua banda, que começou no início de 2025, é dedicada a este último trabalho.
Quis escrever este post por dois motivos: o primeiro, sem dúvida, é o grande carinho e respeito que sempre tive por esta banda histórica; o segundo é que não queria perder este concerto muito recente do "novo" Banco del Mutuo Soccorso (datado de 22 de março), que demonstra — ainda hoje e para sempre — o poder musical e a poderosa presença de palco do sexteto. Hoje, ao lado de Vittorio Nocenzi, encontramos o vocalista Tony D'Alessio (na banda desde 2016), o guitarrista de longa data Filippo Marcheggiani (com o Banco há 31 anos), que substituiu com muita competência Rudy Maltese, o filho de Vittorio, Michelangelo, também nos teclados, acompanhando com maestria o virtuosismo do pai, o baixista Marco Capozi e, finalmente, a mais recente adição, o baterista Andrea Bruni, que se juntou à banda recentemente. Voltando à trilogia de álbuns (que Vittorio abordará durante o concerto), e a "Storie invisibili" em particular, tenho quase certeza de que deixou um gosto amargo na boca de algumas pessoas. Confesso que não gostei muito na primeira audição. Mas, como Vittorio dirá durante o concerto, os tempos mudam e as suítes já não estão na moda. As novas canções são curtas, rápidas, como instantâneos que imortalizam um personagem ou um evento. Eu, por exemplo, e comigo aqueles que acompanham a evolução do Banco del Mutuo Soccorso desde o início, devemos aprender a nos distanciar da nostalgia pura e simples. Como se costuma dizer... os tempos mudam e o mundo segue em frente. E o Banco del Mutuo Soccorso teve a capacidade de se regenerar.
O concerto aqui apresentado foi gravado (com excelente qualidade de som) no Teatro Alessandrino, em Alessandria, no dia 22 de março de 2025. O autor, a quem agradecemos, é Max Zarucchi, que também publicou o vídeo completo no YouTube. Agradeço também a Max por tê-lo publicado na íntegra, incluindo os inúmeros diálogos de Vittorio, um grande contador de histórias e "tagarela", como ele mesmo se descrevia: suas memórias vão desde a década de 1970 ("Eu vestia o casaco de pele da minha mãe, calças boca de sino e botas de salto de 30 centímetros compradas em Londres... e em cada porão, garagem e quarto, havia alguém tocando") até uma análise de seus três últimos álbuns. Há até tempo para celebrar o aniversário de Michelangelo Nocenzi, com um improvisado "Parabéns para Você".
Vamos ao conteúdo do concerto, composto por 16 faixas, que dividi e distribuí em dois CDs (para quem ainda quiser gravá-los). A abertura é impactante, com o clássico "Metamorfosi" de Salvadanaio. Seguem-se outros clássicos, como "Il ragno", "Lontano da", "RIP", "Traccia" e "Moby Dick". Mas a verdadeira surpresa é a interpretação completa de "Il giardino del mago", do primeiro álbum de 1972, onde Filippo Marcheggiani, particularmente no segmento final, demonstra toda a sua técnica e virtuosismo na guitarra. Apenas quatro canções da trilogia mais recente são apresentadas: "Studenti" e "Il rietitore", de "Storie invisibili", "Eterna Transiberiana", de "Transiberiana", e "Non mi paura più l'amore", de "Orlando". Um bom equilíbrio entre história e atualidade. O final só poderia ser a onipresente "Non mi rompete", uma canção icônica que se tornou um verdadeiro hino nos shows de Banco ao longo do tempo.
É evidente a importância do álbum Snow Goose não somente para o Camel como também para o Rock Progressivo que se encontrava no ápice de sua existência no ano de 1975. Disco que marcou a carreira da banda e de muitos de seus fãs em diversas gerações. Esse bootleg foi gravado na cidade britânica de Reading em 18 de Dezembro de 1975, ano do lançamento do álbum em questão executado nesse registro em sua integridade. Além das lindas versões das suítes Rhayader e Snow Goose, aqui encontramos também excelentes execuções de The White Rider, Supertwister e Lady Fantasy, extraídas do excelente Mirage de 1974. TRACKS:
01. The White Rider 02. Supertwister 03. Introduction to the Snow Goose 04. The Great Marsh 05. Rhayader 06. Rhayader Goes to Town 07. Sanctuary 08. Fritha 09. The Snow Goose 10. Migration 11. Rhayader Alone 12. Flight of the Snow Goose 13. Preparation 14. Dunkirk 15. Epitaph 16. Fritha Alone 17. La Princesse Purdue 18. The Great Marsh (reprise) 19. Hommage to the God of Light 20. Lady Fantasy
Fundada e sempre liderada por Ritchie Blackmore, um dos melhores guitarristas do mundo, a banda Rainbow gravou oito álbuns de estúdio entre 1975 e 1995. O período entre 1975 e 1978 (também conhecido como a era Dio) seria lembrado como a encarnação mais importante de sua história. Hard rock de extrema qualidade, abriu o caminho para muitos nomes do Progressive Metal com seu virtuosismo musical e instrumental. A força de Blackmore em sua liderança, levou a banda a lançar centenas de álbuns ao vivo, em sua grande maioria não-oficiais. O registro em questão ilustra uma fase diferente da banda dando destaque ao álbum 'Down to Earth' de 1979 com uma formação de peso que contava com: - Graham Bonnet (vocais) - Ritchie Blackmore (guitarra) - Don Airey (teclados) - Roger Glover (baixo) - Cozy Powell (bateria) Gravado em 30 de Janeiro de 1980 no Stadthallen, na cidade alemã de Bremen. Aqui encontramos uma mescla da era Dio com ênfase no disco já citado. Destaque para as entrevistas de Blackmore, Powell e Glover. Bootleg dedicado aos fãs e colecionadores deste tipo de registro por ter sido gravado da platéia porém, em boa qualidade. TRACKS: DISCO I 01. Intro 02. Eyes Of The World 03. Love's No Friend 04. Since You Been Gone 05. All Night Long 06. Catch The Rainbow DISCO II 01. Lost In Hollywood 02. Man On The Silver Mountain 03. Blues 04. Will You Love Me Tomorrow 05. Long Live Rock 'n' Roll with Kill The King 06. Interview with Ritchie Blackmore 07. Interview with Cozy Powell 08. Interview with Blackmore & Glover
O trio de São Francisco, Chokecherry, é uma banda que existe perfeitamente inserida no contexto moderno. Antigamente, você conheceria os integrantes de uma banda na escola, no trabalho ou, talvez, por meio de bilhetes desgastados e envelhecidos no mural da loja de instrumentos musicais local. Por coincidência, essa era a mesma forma de conhecer parceiros românticos. Chokecherry é um símbolo da crescente eficiência da vida moderna, já que se conheceram no Hinge. A guitarrista Izzie Clark e a baixista E. Scarlett Levinson se conheceram no aplicativo de namoro em 2022, mas nunca saíram juntas, optando por formar uma banda. Ripe Fruit Rots and Falls é o primeiro álbum completo fruto dessa decisão. O som da banda se situa dentro dos limites pouco definidos do rock alternativo, mas vai além disso…
...tendem a ser um pouco difíceis de definir. Seriam eles uma banda alternativa atmosférica e melancólica? Uma banda de punk rock com pegada de bar? Reminiscências dos anos 90? Shoegaze influenciados pelo My Bloody Valentine? Sim. Independentemente do efeito específico que buscam em cada música, eles apostam tudo em duas coisas: as harmonias delicadas que Clark e Levinson criam juntos e a bateria precisa de Abri Crocitto. Mesmo quando algumas composições parecem se desfazer, esses dois fatores mantêm o álbum coeso.
Os aspectos shoegaze do álbum são consistentes em muitas das faixas. "Porcelain Warrior" abre o álbum num estilo que a imprensa britânica por volta de 1991 poderia ter chamado de "etéreo", mas que a banda já descreveu como "pop ensolarado com um toque de peso na guitarra". "Goldmine" é um exemplo sucinto dessa tendência, apresentando o que equivale a uma canção pop leve com guitarras ondulantes e ligeiramente distorcidas. Às vezes, isso não funciona bem; "Oblivion" flutua sobre uma almofada de distorção agradável sem nunca realmente chegar a lugar nenhum, e "February" fica em algum lugar no purgatório entre os lados pesado e shoegaze do álbum, lânguida e suave, mas não memorável. Há momentos de êxtase com guitarras pesadas que superam essas faixas mais arrastadas, no entanto, especialmente o clássico solo com bends e sustains que impulsiona "Part of You" a um novo patamar.
Mas nem tudo é névoa e distorção. "Major Threat" mostra o lado mais punk de suas credenciais de rock alternativo, na linha do início do Foo Fighters ou de "Plowed" do Sponge. "You Love It When" reforça esse estilo, criando uma música amarga e confrontadora no estilo hard rock dos anos 90, que se aproxima do nível de bandas como L7. A bateria de Crocitto transforma essas músicas em trens desgovernados; mesmo nas faixas mais melancólicas, ela impede que tudo se dissipe em névoa. Da mesma forma, são os vocais que mantêm as coisas interessantes. Sem as harmonias intensas, usadas como uma segunda guitarra, uma música como "Secrets" seria apenas mais uma faixa alternativa comum, sem nada que a diferenciasse de qualquer outra repetição dos anos 90. O falsete de Clark em "Pretty Things" faz o mesmo, oferecendo um elemento interessante em uma progressão pós-grunge sem graça. Em geral, o álbum funciona assim: não há nada de extraordinário a relatar musicalmente, exceto pelos vocais, que sustentam a maioria das músicas e, por si só, já valem o preço do ingresso.
Além de oferecer uma anedota divertida sobre as possibilidades mutantes dos aplicativos de namoro, não há nada em Ripe Fruit Rots and Falls que não tenha sido feito melhor por uma legião de bandas de rock alternativo nostálgicas dos anos 90. Além disso, não há nada aqui que não tenha sido feito melhor pela própria banda, em seus primeiros singles “Glass Jaw” e “Around Around Around” ou no EP Messy Star de 2024. Com exceção da harmonia apurada de Clark e Levinson e da presença constante da bateria, não há muito que distinga este disco de qualquer outra coisa que você ouvirá este ano. Frutas maduras certamente apodrecem e caem no chão, mas espera-se que sirvam de alimento para que algo novo cresça a partir dessa decomposição.
Rachel Bobbitt chegou a Toronto vinda do interior há alguns anos, encontrando-se com músicos igualmente nascidos no campo, mas apaixonados pela cidade, como Justice Der (seu colega de banda no projeto Call More, que mistura dream-pop e hip-hop). Seu trabalho em Swimming Towards Sand , portanto, eleva o zumbido e o lamento do folk alternativo a um pop vocal arrebatador, brilhando com a clareza melodiosa de Sharon van Etten e Jenny O. Considere, por exemplo, a faixa de abertura, “Don't Cry”, que germina de um zumbido e um gemido prolongado, um som folk arcaico. No entanto, logo se expande para um pop eufórico, ganhando força em meio minuto com uma explosão de bateria e um crescendo de vocais corais. Em modo hino, a voz de Bobbitt é notavelmente pura, implacavelmente…
…na nota, quase sem vibrato. Mas no verso, no final da frase, ela sobe no registro com um soluço típico do interior. É um pop grandioso e belo, com as botas na lama.
Da mesma forma, “Hush” começa com vocais sussurrados e despojados, um toque de autotune arrepiante que a coloca no território de Sharon van Etten em sua fase mais recente. Mas as músicas podem começar pequenas, mas não terminam assim. “Hush” explode em clímaxes de diva que exploram o centro do prazer. Mais tarde, há uma fricção rock em “Hands, Hands, Hands”, na cadência grave e pulsante da guitarra que ancora a canção. É a versão grunge dessa mistura inebriante, embora animada pelo onírico “ hands, hands, hands ” (bem ao estilo de Jenny O., neste refrão).
É inútil, obviamente, prever sucessos estrondosos, mas este disco é maior, mais bonito e mais envolvente do que a maioria dos álbuns de compositores independentes. Um sucesso de arena em um universo paralelo? Ou um sucesso real? Difícil dizer, mas é para onde as ambições estão apontando. Veremos se Bobbitt chega lá.
…por algum motivo, certas formas de arte têm demorado a abordar o fato de que, desde o lançamento do iPhone, muitos relacionamentos são amplamente mediados por telas. Para muitas pessoas, computadores e celulares representam um ponto central para encontrar não apenas conexão, mas também significado, conforto e emoções. Inúmeros artistas lidaram com isso de forma abrangente ao longo das décadas — pense em Imaginal Disk , de Magdalena Bay , uma jornada do herói do niilismo tecnológico à descoberta dos sentimentos humanos, mas também no seminal álbum Computer World , do Kraftwerk, de 1981 , uma exploração ainda profética do que acontece com uma sociedade dependente da tecnologia — mas poucos exploraram a conexão que temos, em nível individual, com nossos dispositivos. É aí que entra Nina Wilson, de 26 anos, também conhecida como Ninajirachi .
Ela quer transar com o computador. Mais ou menos. Uma faixa do seu excelente e estimulante álbum de estreia, I Love My Computer, se chama “Fuck My Computer” (Transar com o Meu Computador), e é meio que uma piada, ou será que não? “Eu quero transar com o meu computador/Porque ninguém no mundo me conhece melhor”, ela diz, com a maior seriedade. “Ele diz meu nome, diz 'Nina'/E ninguém no mundo faz isso melhor.”
“Fuck My Computer” é uma faixa dubstep agressiva e furiosa que anseia pelos tempos em que era possível baixar remixes do Adventure Club de graça no Hype Machine, e surge cedo o suficiente em I Love My Computer para que, na primeira ouvida, possa ser interpretada como ironia. Mas logo fica claro que Wilson, que cresceu em Kincumber, uma cidadezinha no interior de Nova Gales do Sul, Austrália, está levando a sério a proposta do álbum; este é um disco conceitual sobre a relação de Wilson com seu PC, com ênfase no PC . Transitando entre EDM, tech-house, speed garage, dubstep e hyperpop com a irregularidade espasmódica de um músculo ocular em espasmo, I Love My Computer é sincero e singularmente comovente — inteligentemente, evitando questões de opinião de jornais sobre vício em tecnologia e uma sociedade desconectada, Wilson opta por contar uma história específica e pessoal sobre crescer tendo a tela como espelho.
Wilson surgiu na adolescência fazendo música pop bonita e bem elaborada. Alguns de seus discos — como a colaboração com Kota Banks em True North — mostravam aptidão para compor canções pop; outros sugeriam uma paixão por lendas do início da PC Music, como AG Cook e SOPHIE. Mas I Love My Computer tem um ponto de vista distinto: é, em parte, uma homenagem à música eletrônica popular que definiu a Austrália nas décadas de 2000 e 2010. Ouço a lendária dupla de house PNAU — precursora do Empire of the Sun — no hino “All I Am”, e a intensidade estrondosa do segundo álbum de Flume em “Battery Death”. Esses artistas podem ter sido apenas gotas no oceano internacionalmente, mas na Austrália são titãs; referenciá-los conecta I Love My Computer a um momento específico em que a rádio estatal Triple J, uma poderosa referência da música alternativa na Austrália, começou a reconhecer devidamente a música eletrônica.
Essas referências impedem que I Love My Computer seja considerado “música da internet”, o que é uma vantagem para o álbum. “iPod Touch”, a faixa mais sincera e cativante do disco, retrata a adolescência feminina sem colocar a vida online em conflito com a adolescência no mundo físico. Na música, Wilson faz referência a Porter Robinson e ao software de produção musical FL Studio, mas também a roupas “tingidas, desfiadas, de cintura alta, compradas na Supré” — uma rede de fast fashion ultrabarata e onipresente — e a um “dia de praia, onda de calor, chapada e com medo”. É um retrato muito mais fiel de uma adolescente apaixonada por tecnologia do que a imagem estereotipada de uma pessoa solitária e apática cujo mundo inteiro se resume a uma tela.
Apesar da força bruta de sua produção — mesmo em seus momentos mais delicados, I Love My Computer é barulhento, implacável e totalmente hostil a quem não olha com nostalgia para a música eletrônica dos anos 2010 — Wilson é uma compositora e curadora sutil. A faixa de encerramento do álbum, “All I Want”, retrata seu relacionamento com o computador como um conto de fadas tecnofeminista: “Caí na tela como uma estrela/Como uma garota que encontrou um mundo ali e lhe entregou meu coração/Agora, estamos ligados de alma” — enquanto “London Song” é um hino eletroclash ironicamente romântico sobre viajar pelo mundo: “eu em cetim, você enrolada na sua manga”. O primeiro computador digital da Austrália assume uma conotação sinistra em “CSIRAC”, onde uma voz truncada e quase ininteligível sussurra: “Você é a garota, aquela que eu quero/Eu nunca faria nada para te machucar”. Uma linha de sintetizador desestabilizadora se constrói lentamente sob a batida techno frenética da música, criando uma atmosfera inquietante e ameaçadora. Sem fazer sermões ou apontar o dedo, Wilson parece aludir aos recantos ardilosos da internet, aos labirintos e salas de bate-papo estranhas onde a promessa utópica da tecnologia pode ser usada para manipulação e ganho pessoal.
Mas mesmo em “CSIRAC” — ou “Infohazard”, uma faixa trance estridente sobre ter visto acidentalmente um filme snuff quando criança — Wilson não problematiza essas coisas, talvez porque, ao contrário de muitas pessoas que escrevem sobre a internet de qualquer forma, ela realmente cresceu com esses sistemas. Ela os apresenta não como bicho-papão, mas como partes reais do mundo com as quais os adolescentes têm que lidar há mais de uma década. Essa ideia nunca fica tão clara quanto em “Delete”, a peça central de I Love My Computer , uma música inquietantemente eufórica sobre postar e deletar fotos sensuais. “Meu coração está em chamas, é porque sou obcecada por você/Na cama, eu me desvisto para você”, canta Wilson. Mas ela nunca esclarece se é o celular que ela ama ou a pessoa do outro lado. Por outro lado, algum de nós seria capaz de responder a essa pergunta?
…apresentando novas interpretações, lados B raros e preciosidades de arquivo inéditas. Rivers of the Red Planet , o novo LP do promissor produtor berlinense Max Graef , remete a uma era em que o álbum servia como a expressão fundamental da estética de um músico. Isso se deve, em grande parte, ao ouvido versátil do jovem produtor. Graef vem causando impacto no cenário underground do house, mas, como revelou recentemente, gasta a maior parte do seu dinheiro em discos antigos que não pode tocar em clubes. Rivers , por sua vez, foi originalmente concebido como um álbum instrumental de hip-hop. Possui uma atmosfera solta e esfumaçada que deve tanto a beatmakers como Madlib ou J Dilla quanto a qualquer produtor de house. Uma síntese casual de jazz vintage, hip-hop e house, Rivers revela o talento formidável de Graef.
O álbum abre com uma introdução que é, por vezes, ameaçadora e, por outras, cômica. O sintetizador vibrante, acompanhado pelo saxofone, apresenta Graef como nosso guia destemido, livre das ortodoxias do gênero. Como um bom escritor, Graef varia a duração de suas composições. Faixas dançantes como “Vino Rosetto” — um sucesso estrondoso no estilo de Jan Hammer, lançado anteriormente — se estendem por mais de seis minutos. A faixa com o título provocativo de “Jazz 104”, por outro lado, é um improviso jazzístico conduzido pelo Rhodes que se desvanece quase tão rápido quanto começa.
O ouvido eclético e a juventude precoce de Graef permitem que ele voe sem rede de segurança, executando arranjos arriscados e musicalmente ambiciosos. Mais importante ainda, ele abandona os samples que caracterizavam seus primeiros discos, optando por instrumentais envolventes que remetem a trilhas sonoras progressivas dos anos 70 ou a clássicos do jazz como "Chameleon", de Herbie Hancock. "Itzehoe", um dos destaques do álbum, possui uma linha de baixo pulsante que evoca o som nostálgico da música dance dominado por Andrés. Wayne Snow adiciona seus vocais delicados a "Running", e o resultado soa como James Blake com uma predileção pela percussão boom bap. Em mais uma referência à era de ouro do hip-hop, os trechos mais curtos de Rivers frequentemente incluem uma voz seca e institucional que explica didaticamente as características dos diversos tambores e sintetizadores.
Graef não está interessado em te bombardear com faixas de pista de dança. Em vez disso, ele faz incursões lúdicas para fora da pista para manter o ouvinte, e a si mesmo, interessado. Esta é música séria que se recusa a se levar muito a sério.
Uma mistura de tradição e afrofuturismo, acústico e eletrônico, oriente e ocidente, fumigando num caldeirão de ritmos, cantos, explorações solo e explosões de conjunto, Saha Gnawa inspira-se no Festival Gnaoua de Essaouira, que reúne mestres do jazz e maalems Gnawa no palco. Aqui, o Maalem Hassan Ben Jaafer, de Fez, Amino Belyamani, de Casablanca, e Ahmed Jeriouda, de Salé, unem forças com o baterista Daniel Freedman e uma série de outros músicos em guitarras, saxofones, teclados e sintetizadores, elevando o som eletrônico contemporâneo às raízes tradicionais da música. A abertura começa com o coro de “Soudani Manayou”, uma homenagem ao Sahel…
…ancestrais que trouxeram essa música para Marrocos, e com a participação do guitarrista do Wilco, Nels Cline, enquanto a bateria, os qraqebs (castanholas) e o ghimbri (baixo) oscilam como marés, brilhantes, culminando em uma crise catártica e conclusão, levando-nos diretamente a “Baba Mumoun”, uma canção que evoca um dos espíritos protetores do cosmos Gnawa, assim como a seguinte, mais encorpada, “Bacha Hamou” evoca o Espírito Vermelho. Não que tais essências corpóreas necessariamente alcancem desde Essaouira até Manhattan, mas podemos ter esperança. Cline se conecta ao Espírito Vermelho através de fluxos distorcidos de guitarra elétrica sobre ondas de feedback e os ritmos hipnóticos dos qraqebs e do ghimbri, que crescem com urgência e ímpeto cada vez maiores.
Nem todas as fusões são iguais, no entanto. Em “Aicha” (parte do repertório do saudoso e genial Mahmoud Gania), o brilho dos sintetizadores e da guitarra elétrica estridente se mostram companheiros de viagem menos potentes, mas há muito o que apreciar aqui, com a força do Gnawa se destacando e criando pontes para o lado nova-iorquino da equação. O Gnawa tradicional, em seu contexto nativo – uma Zawiya – se estende por longos períodos, e embora o Saha Gnawa se apresente de forma mais condensada, ele consegue introduzir elementos inovadores em uma forma mágica de música que pode fazer as coisas acontecerem, além de ser uma música social que une as pessoas sob uma batida envolvente.
.jpg)
