Com uma cara meio de bobo, do tipo Rocky Balboa, ninguém se engane: de bobo, Billy Joel só tinha a cara mesmo, e mais nada! William Joseph Martin Joel está com 74 anos. Nasceu no Bronx, em Nova York, em 9 de maio de 1949. É cantor, compositor e pianista, dos bons! É o sexto artista que mais vendeu discos nos Estados Unidos - mais de 78,5 milhões.
Billy Joel emplacou dezenas de sucessos, um atrás do outro e todos que ele próprio escreveu, nas décadas de 1970, 80, e 90; alcançando por 33 vezes o Top 40 nos EUA. Ganhou o Grammy 6 vezes e teve 23 nomeações. Já vendeu mais de 150 milhões de álbuns pelo mundo a fora. Foi incluído no Songwriters Hall of Fame em 1992, no Rock and Roll Hall of Fame em 1999 e no Long Island Music Hall of Fame em 2006. Em 2001, recebeu o prêmio Johnny Mercer do Songwriters Hall of Fame. Em 2013, também recebeu o Prêmio Kennedy, a maior honraria estadunidense por influenciar a cultura americana através da arte. Com a exceção da canção de 2007 "All my Life" e "Christmas in Fallujah", Joel parou de escrever e lançar material pop/rock após o álbum de 1993 River of Dreams. No entanto, continua a fazer turnês, e toca canções de todas as eras da sua carreira solo em seus shows. É um dos artistas mais ricos do mundo, com uma fortuna estimada em 500 milhões de dólares.
Com 14 anos, depois de ter visto os Beatles no The Ed Sullivan Show em 1964, Billy Joel decidiu dedicar tempo integral à carreira musical. Passou pela Echoes, (grupo especializado em covers de bandas inglesas) e em 1967, juntou-se à Hassles, grupo de Long Island contratados pela United Artists. Dois anos depois, formou o duo Attila, com o ex-baterista dos Hassles, Jon Small. Lançaram um álbum em julho de 1970 e se separaram em outubro do mesmo ano. Joel assinou seu primeiro contrato com Artie Ripp da "Family Productions" e gravou seu primeiro álbum solo - Cold Spring Harbor, de 1971. E a partir daí, emplacou sucesso atrás de sucesso! A lista é praticamente interminável: "Piano Man", "New York State of Mind", "Only the Good Die Young", "Just the Way You Are", "Honesty", "My Life", "She's Got a Way", "Uptown Girl", "Leave a Tender Moment Alone", "We Didn't Start the Fire", "And So It Goes", "The River of Dreams", "All About Soul", "Lullabye (Goodnight, My Angel)", "Modern Woman"e muitos, muitos outros.
Em 2008, quando Billy Joel fazia a última apresentação no representativo Shea Stadium, em Nova York, convidou Paul McCartney para tocarem“I Saw Her Standing There” e “Let it Be”. Em 2009, McCartney retribuiu o favor, convidando Joel para uma participação especial na abertura do Citifield Stadium, erguido no lugar do antigo do Shea Stadium, também para tocarem “I Saw Her Standing There” que a gente confere por último. É isso aí! I love just the way you are! Valeu!
"Não Há Dinheiro Que Pague", composta por Renato Barros, de Renato & Seus Blue Caps, foi gravada por Roberto Carlos e lançada em seu álbum O Inimitável, de dezembro de 1968. Nesse disco, Roberto Carlos usou a influência doFunk e da Tropicália para fazer a transição da Jovem Guarda, conhecida como pós-Jovem Guarda. Na época, entendia-se que o título do disco se referia aos cantores que tentavam ''imitá-lo'', como, em particular, o cantor Paulo Sérgio. Recheado de sucessos como "E Não Vou Mais Deixar Você Tão Só" (Antônio Marcos), "Se Você Pensa" (Roberto Carlos / Erasmo Carlos), "Eu Te Amo, Te Amo, Te Amo" (Roberto Carlos / Erasmo Carlos), "Ciúme de Você" (Luiz Ayrão) e "Não Há Dinheiro Que Pague" (Renato Barros), O Inimitável foi eleito em uma lista da revista Rolling Stone como o 82º melhor disco brasileiro de todos os tempos.
1987 foi um ano fértil para George Harrison, que já estava há 5 anos sem gravar nada. “CHEER DOWN”(composta por Harrison e a letra em parceria com Tom Pettye produzida por Jeff Lynne) já dava pistas do que seria o Traveling Wilburys. O título, algo como "anime-se" é atribuído à Olivia Harrison, que, sempre que George perdia o entusiasmo, ela insistentemente dizia ao marido: "Ok, anime-se grande companheiro". A letra contêm dicas de Harrison com bom humor e ironia em que ele belisca o slogan familiar "anime-se", acrescentando seu charme inconfundível e decididamente árido para versos como: "Se seu cabelo cair, se suas ações falharem, ou tiver até mesmo uma erupção cutânea, não há lágrimas para serem derramadas. Eu vou te amar em seu lugar, eu quero você por perto. Se o seu cão morrer, eu vou te amar em seu lugar. O mundo ama um palhaço, anime-se”.
“CHEER DOWN”foi produzida em 1989 para o filme Máquina Mortífera 2 e lançada como single para promover o mesmo. No final de 1989, foi incluída no álbum-compilação “The Best of Dark Horse (1976-1989)como faixa final, e ressurgiu na turnê do Japão em 1991, aparecendo no álbum duplo de 1992 “Live In Japan”. Em 2009 foi incluída na melhor coletânea de Harrison“Let It Roll: Songs by George Harrison”.
A década estava chegando ao fim. O mundo estava mudando, transformando condições antes familiares. Heróis do rock do passado se encontravam numa encruzilhada: alguns tentavam se encaixar
no ambiente musical despretensioso da nova era, enquanto outros, ao contrário, se rebelavam ferozmente contra uma estética alienígena. Mas mesmo nesse cenário heterogêneo, artistas individuais conseguiram exibir o melhor de seu talento sem alarde ou ostentação. Um excelente exemplo é o SBB . Desde 1974, o trio galante, liderado pelo imperturbável Józef Skrzek, não fez nada além de realizar extensas turnês e expandir sua discografia. A banda chegou ao fim da década de 70 totalmente preparada. Naquela época, a formação foi agraciada com a adição de um segundo virtuoso da guitarra, Sławomir Piwowar, que já havia colaborado (assim como os outros membros do SBB ) com Czesław Niemen . A apoteose do trabalho colaborativo dos quatro poloneses pode ser considerada o álbum "Memento z banalnym tryptykiem", que não só concluiu a busca criativa deste notável grupo, como também se tornou uma das realizações mais impressionantes do Skrzek & Co. A amplitude da faixa de abertura, "Moja ziemio wyśniona", é vasta e variada: embalando o público com um prelúdio orquestral em um estilo quase straussiano, os músicos, sem mais delongas, mergulham em um rock fusion progressivo e vibrante... até que, repentinamente, em meio à intensidade das paixões sonoras, o quarteto muda de trajetória e começa a construir pontes elegíacas-astrais. Nesse processo, ocorre mais uma reviravolta temática — tudo pela tentadora oportunidade de demonstrar uma execução técnica e, simultaneamente, melodicamente expressiva, imbuída de uma energia surpreendentemente juvenil. A composição de Piwowar, "Trójkąt radości", é apresentada como um dueto: acompanhamento de teclado por Józef e seu "Polymug" + partes eletroacústicas do próprio Sławomir, que aproveita a rara oportunidade para, por um lado, atuar como um letrista de inclinação clássica e, por outro, colorir o espaço com solos místicos e esparsos. Um breve episódio intitulado "Strategia pulsu" (escrito pelo baterista Jerzy Pietrowski e pelo guitarrista Apostolis Anthimos) mantém uma linha puramente jazz-rock: sem floreios "cósmicos", sem excessos artísticos — apenas clareza, uma textura delineada, multiplicada pelo excepcional profissionalismo dos músicos. No entanto, na suíte de 21 minutos que dá título ao álbum, o romântico e progressivo Skzek assume o protagonismo. Dando continuidade à tradição inerente à SBB .Esta complexa construção, uma verdadeira personificação da fantasia rock perfeitamente equilibrada, é uma epopeia verdadeiramente abrangente. Apresenta teclados (piano, quatro subtipos de sintetizador Moog e órgão) que encantam com seu esplendor polifônico; arpejos acústicos reflexivos de seis cordas; vocalizações brilhantes, inspiradas no pop e festivas em um tom maior raramente encontrado entre os proggers ortodoxos; e recitativos de guitarra soberbos e eletrizantes que emanam uma energia vital... Em suma, é um afresco absolutamente deslumbrante que não perdeu um pingo de sua relevância. O lançamento em CD, pela Metal Mind em 2004, inclui uma faixa bônus de 10 minutos, "Z których krwi krew moja". Nela, as entonações oníricas características de Józef são harmoniosamente e graciosamente sobrepostas a um padrão têxtil enigmático, criando, em última análise, uma tela extremamente intrigante, intrigante com seus desenvolvimentos narrativos não convencionais. Em resumo: uma verdadeira obra-prima e um clássico duradouro da música progressiva do Leste Europeu em geral. Eu recomendo.
Embora não seja uma obra-prima do rock progressivo, o álbum "Forchromede Dage" ocupa um lugar especial entre os colecionadores. Seu status de cult se deve a dois fatores principais: a)
o LP, lançado em 1973, nunca foi relançado em CD; b) a dupla Stig & Steen teve envolvimento direto com o renomado grupo dinamarquês Ache . Além disso, o álbum possui qualidades melódicas bastante distintas, que discutiremos a seguir. Por ora, uma breve introdução à história da banda. Stig Kreutzfeld e Sten Toft Andersen se conheceram no final da década de 1960. Nessa época, o primeiro já fazia cerca de dez anos de turnês por clubes escandinavos com diversas bandas como cantor. O amadorismo de seus acompanhantes o desanimava, pois ele sonhava com os grandes palcos. E quando seus caminhos se cruzaram com os de Sten, um talentoso compositor e excelente músico, sua vida tomou um rumo completamente diferente. As fitas demo da banda chamaram a atenção de Freddy Hansson, funcionário da gravadora Sonet, que assumiu a produção do álbum de estreia de Stig & Steen . Lançado em 1972, "Da solen kom" demonstrou o grande potencial dos artistas, mas o vinil teve pouco retorno comercial. No entanto, os rapazes não desistiram sem lutar e continuaram trabalhando diligentemente em sua próxima coleção de músicas. Além disso, o produtor/engenheiro de som Hansson ainda estava por perto, acreditando em seus pupilos e pronto para lhes fornecer todo tipo de suporte logístico... "Forchromede Dage" foi gravado por uma banda de rock completa: Stig Kreutzfeld (vocal principal, guitarras, tabla, bongôs, percussão), Sten Toft Andersen (vocais, baixo, violão, acordeão, harmônio, mellotron, percussão, piano elétrico, xilofone), Nis Jørgensen (vocais, piano, órgão, harmônio, flauta transversal, flauta doce, percussão, mellotron) e Ken Goodman (bateria). Os músicos fizeram os arranjos de cordas em conjunto com Leif Petersen. O lançamento continha oito faixas, variadas em estilo e caráter, mas igualmente interessantes do ponto de vista composicional. A faixa de abertura, "Nedenomsvej", é um sólido exemplo de art-mainstream, lindamente orquestrada com diversos teclados e intercalada com algumas passagens de guitarra elétrica de qualidade por Kreutzfeld. A peça lírica "Forårsvise" tem uma entonação próxima ao estilo que Stig dominaria posteriormente, no início de sua carreira solo (entre as escolhas instrumentais, destaco o revelador diálogo pastoral entre a flauta e o mellotron, acariciando o ouvido com timbres analógicos coloridos). "Mælkebøtterne" é um estudo muito forte, que combina exercícios de pop-rock com um cenário sinfônico dramático. Em "Bag Et Ukendt Landskab", os dinamarqueses voltam-se para o folclore de sua terra natal e o fazem com uma perspicácia incomum. A faixa-título, com foco na voz, cativa com sua polifonia melodiosa e atmosfera geral comovente. "Natten Over Stranden" é adornada com detalhes psicodélicos, o que não diminui a presença dos temas característicos de Stig & Steen . E a balada polifônica "Tabte Slag" também é notável à sua maneira, assim como o final igualmente grandioso "Bring Høsten Ind". Resumindo: um exemplo encantador de arte sinfônica, que transmite uma sensação de aconchego e conforto sem pretender ser algo além disso. Aproveite. Observação: A cópia foi feita a partir de um LP com posterior processamento de som.
Ao ouvi-lo pela primeira vez, você experimenta uma sensação de déjà vu. Parece que você está ouvindo algum álbum solo desconhecido de Dave Gilmour . No entanto, um olhar para a capa dissipa qualquer dúvida. Não, ele não é
Gilmour, é outra pessoa. Conheça o artista canadense Rick Miller – compositor, cantor, guitarrista, tecladista, artista plástico e poeta. Em resumo, um faz-tudo. Seu primeiro lançamento foi o programa "Limberlost", lançado em fita cassete em 1980. Naquela época, Miller criava em um estilo eletrônico new age (e, aparentemente, a partir daí, herdou o gosto por peças cerebrais de andamento médio). A sequência de peças instrumentais relaxantes de Rick durou praticamente até o final da década de 1980. Ao mesmo tempo, ele trabalhou com design de som para vinhetas de televisão e compôs uma variedade de trilhas sonoras relaxantes. O incansável canadense posteriormente se dedicou ao art-rock (pois Miller sempre considerou a música progressiva dos anos 70 como um modelo a seguir) e, diga-se de passagem, obteve bastante sucesso nesse campo... A característica distintiva de "The End of Days" é seu som suave e inteligente. Grande fã de equipamentos vintage, Rick utiliza uma variedade de teclados analógicos em suas gravações, juntamente com sequenciadores MIDI, guitarras Fender, Taylor e Washburn, bateria Ludwig e outras maravilhas de um profissional multitarefas. No entanto, nosso herói multitalentoso jamais dispensa os serviços de acompanhantes. Durante as sessões de "The End of Days", ele contou com a participação da vocalista Christina Saarkoppel, da flautista Sarah Young, do guitarrista/violinista Kane Miller e do baterista Will (que, por algum motivo, não possui sobrenome). A música que eles produzem condiz com o tamanho modesto do conjunto. Vamos falar sobre isso. Na faixa-título, que abre as portas para o universo enigmático de Rick Miller , o gênio demonstra o lado melódico vibrante de seu talento. Uma fusão envolvente de música eletrônica com texturas sinfônicas leves, na tradição de Alan Parsons.Sensíveis nuances de guitarra, um timbre vocal transparente e agradável, e um estilo narrativo comedido — esses são os ingredientes que criam um panorama geral encantador em seu charme discreto. Em "The Knives of Indifference", o classicismo acústico de câmara é habilmente transformado em um espetáculo de rock repleto de solos mágicos. Um toque oriental permeia os distintos, porém conceitualmente conectados, estudos "The Prisoner" e "The Prisoner's Escape". Um clima elegíaco, com um sutil toque de jazz trazido pelo saxofone, reina no esboço "Soma for Your Soul". Há uma balada pop-rock com arranjos complexos ("Echoes of You"), uma faixa instrumental um tanto eclética com uma pegada sinfônica de Mellotron ("Eating Goya") e uma ode solenemente sentimental a "I Can Hear the Sunrise", que reflete indiretamente o fascínio do autor por bandas britânicas como The Alan Parsons Project ... Apenas "Angel Eyes, Part 2" soa um pouco áspera e contrastante com o material principal. No entanto, aqui você pode desconsiderar seu status de faixa bônus e simplesmente aceitá-la como tal. Resumindo: um disco calmo e harmonioso, mantido em um tom extremamente equilibrado, o que, curiosamente, só joga a seu favor. Uma conquista artística perfeitamente respeitável, eu recomendo.
O segundo artigo da série de jazz de 1955 sobre artistas que gravaram para a Blue Note Records é dedicado a um herói desconhecido do jazz moderno. Herbie Nichols, pianista e compositor inovador, teve sua obra pouco reconhecida em vida. A maioria das gravadoras evitou gravá-lo, e a maior parte de suas apresentações ao vivo o obrigou a acompanhar músicas com estilos muito diferentes das composições que ele mesmo escreveu. Mas 1955 foi seu momento de glória, quando a Blue Note o gravou tocando suas próprias músicas em álbuns lançados sob seu próprio nome. Até hoje, quase toda a sua produção gravada como líder provém de quatro sessões realizadas em 1955 e uma em 1956.
Herbie Nichols tinha uma concepção diferente de jazz em comparação com seus contemporâneos. Ao ler sobre suas influências, percebe-se rapidamente que ele não era um pianista de jazz comum. Embora mencione Duke Ellington e Art Tatum como grandes nomes do jazz, ele fala extensivamente sobre compositores de música clássica. Começa com alguns dos grandes nomes da música barroca e do século XIX : “Acho que sempre tive um desejo ardente e uma compulsão para compor. Ideias vêm de quase qualquer lugar. Beethoven, Bach e Chopin são os pilares musicais nos quais me apoio sempre que me encontro em apuros.” Ele então continua citando um compositor do século XX pouco mencionado por artistas de jazz: “As muitas composições de Villa-Lobos sob os títulos Choros e Bachianas Brasileiras são fantasias infinitas que merecem ser ouvidas repetidas vezes. Sempre que quero me maravilhar, há sua grande obra para piano, Rude Poeme.” E então ele conclui com alguns dos compositores mais complexos e inovadores daquele século: “Ouço repetidamente a deliciosa e melancólica Sonata para Violino e Piano nº 1 de Bartók, assim como o Concerto para Violino e Orquestra. A Suíte O Pássaro de Fogo e A Sagração da Primavera (Le Sacre du Printemps) de Stravinsky praticamente completam o núcleo básico da música da qual não posso prescindir.”
Essas influências são evidentes nas composições de jazz que ele apresentou nas sessões de gravação da Blue Note em 1955. Durante anos, ele tentou fazer com que sua música fosse reconhecida, mas, além de gravações esporádicas de outros artistas, sua música, em geral, passou despercebida. Mary Lou Williams, outra musicista inovadora, percebeu a singularidade das composições de Nichols e interpretou algumas delas em gravações que fez para a Atlantic Records. Nichols falou sobre os desafios que enfrentou para encontrar oportunidades de apresentações ao vivo e a firmeza que adotou em relação ao tipo de música que insistia em tocar: “Os donos de casas de shows costumavam achar que eu era muito excêntrico. Chegou a ter gente me dizendo que me contrataria se eu mudasse meu estilo. Mas eu não me importava de tocar qualquer estilo quando trabalhava para outra pessoa. Acho que é bom para um músico ser capaz de tocar de mais de uma maneira. Isso te dá mais possibilidades para explorar seu próprio estilo. Mas se vai ser o Herbie Nichols Trio, então vai ser a música do Herbie Nichols.”
Parte do problema era encontrar músicos que pudessem tocar a música que Nichols compunha e arranjava. Sua música, mesmo para um conjunto mínimo de três músicos, era meticulosamente arranjada, como ele mesmo comentou: “O jazz percorreu um longo caminho desde o 'stomp'. Muitos mitos foram desfeitos e encontramos inúmeros mestres do jazz que também são mestres da música clássica. As fórmulas de compasso são alteradas livremente hoje em dia. Por exemplo, estou começando a perceber que certas melodias que escrevo não ganham vida, nem mesmo por um refrão, a menos que eu escreva a parte da bateria adequadamente. Suspensões e inversões específicas devem ser explicitamente indicadas, caso contrário, percebo que não há 'som'.”
O problema de encontrar músicos de jazz adequados que pudessem lidar com sua música foi resolvido para as sessões de gravação aqui analisadas. O responsável foi ninguém menos que Alfred Lion, cofundador da Blue Note Records. Nichols disse sobre ele: “Implorei a Al Lion por dez anos para gravar um disco, mas só gravei pela primeira vez aos 36 anos. Ele disse que eu era o homem mais persistente que já conheceu. Mas ele é um dos mais abertos a novas ideias que já conheci.” Lion, que tinha acesso ilimitado a artistas de jazz do mais alto nível, escolheu os músicos certos para as sessões que agendou para Herbie Nichols: os bateristas Art Blakey e Max Roach, e os baixistas Al McKibbon e Teddy Kotick.
Herbie Nichols com Alfred Lion
É mérito de Alfred Lion ter reconhecido o valor artístico da música de Herbie Nichols e ter-lhe oferecido cinco sessões de gravação, resultando em dois LPs de 10 polegadas e um LP de 12 polegadas, com mínimas chances de sucesso comercial. Em 1985, ele conversou longamente com o produtor Michael Cuscuna sobre essas gravações: “Eu não ficava tão empolgado com alguém desde que ouvi Thelonious Monk pela primeira vez. Herbie e eu fomos ao estúdio de Nola uma tarde e ele me tocou música após música. Nossa, todas eram ótimas. Eu queria gravar tudo o que ele tinha, assim como fiz com Monk em 1947. O trabalho dele era tão original e tinha swing. Eu preferia usar Art Blakey com ele, mas acho que Herbie preferia Max Roach, que tinha uma abordagem mais intelectual para a bateria, como Herbie. Mas ambos eram ótimos e a música era muito difícil de tocar. Um ou dois dias antes de cada sessão, tínhamos longos ensaios no estúdio de Nola, em Nova York, para garantir que o baixo e a bateria entendessem e sentissem as músicas.”
Mas não foi tão tranquilo assim. Al McKibbon não era a primeira escolha de Alfred Lion para o baixista na primeira sessão de gravação de Herbie Nichols, em maio de 1955. O baixista Gene Ramey, que foi convidado junto com o baterista Art Blakey para aquela sessão, havia sido membro do primeiro trio de Thelonious Monk em 1947, também com Art Blakey. Ele se lembra do ensaio, quando Nichols lhe pediu para tocar a primeira música em Ré bemol, enquanto Nichols a tocava um semitom abaixo, em Dó: “Bem, essas tonalidades são incompatíveis. Se ele quisesse que eu tocasse em Mi bemol ou mesmo em Mi, poderia ter sido interessante. Mas Dó e Ré bemol é uma combinação ruim. Então, irritei todo mundo, me recusei a fazer. Liguei para Al McKibbon e ele gravou o disco.”
As duas sessões de maio de 1955 com Al McKibbon e Art Blakey renderam dois LPs de 10 polegadas, com toda a música composta pelo pianista: The Prophetic Herbie Nichols Vol. 1 e 2. O primeiro volume abre com a música 'The Third World', cujo título resume a visão de outros músicos sobre a música de Nichols. Leonard Feather escreve nas notas originais da capa: “O título deriva de um comentário casual feito certa noite pelo saxofonista alto Sahib Shihab, quando ele e Nichols estavam trabalhando no Elks' Rendezvous anos atrás. 'O que você está tocando, cara?', disse Shihab. 'Você soa como se estivesse no terceiro mundo.'” O trombonista Roswell Rudd, que tocou com Herbie Nichols de 1960 a 1962, explica a singularidade dessa composição: “The Third World foi o início da minha libertação harmônica.” A música possui todas as seis progressões de baixo possíveis: cromáticas até trítonos, movimento ascendente notável em terças menores e quartas descendentes. Pegue essa forma, inverta-a, transponha-a 360 graus e você estará preparado para praticamente qualquer eventualidade. Esse movimento harmônico ascendente em terças menores tornou-se a marca registrada da música de John Coltrane uma década depois.
Os álbuns foram resenhados nas edições de setembro e dezembro de 1955 da revista Downbeat. Ambas as resenhas elogiaram a música e encontraram muitas qualidades satisfatórias nela. A primeira resenha incluiu este parágrafo em sua descrição do álbum: “O que eu ouço aqui é um homem com uma individualidade harmônica original, um senso de humor incomum e provocativamente perspicaz, e uma imaginação geral que seria bem-vinda em qualquer época do jazz. Sua música também é muito calorosa e pessoal, e conquista o ouvinte a cada audição. O álbum é recomendado como um dos lançamentos mais inovadores do ano.” A segunda resenha, também favorável, considerou que a música carecia de desenvolvimento, escrevendo: “Aqui está um talento realmente singular com um profundo senso rítmico, muita expressividade e uma reserva incomum de humor igualmente incomum. Mas Nichols ainda tem muito a evoluir em termos de ampliar sua composição — e sua interpretação. Suas linhas de abertura geralmente são bastante envolventes, mas raramente são desenvolvidas tão bem e extensivamente quanto deveriam. Mesmo assim, o álbum é recomendado para quem aprecia um jazz desafiador, ainda que limitado.”
Nas três sessões restantes, em agosto de 1955 e abril de 1956, Alfred Lion juntou Herbie Nichols não apenas com um dos melhores bateristas da história do jazz moderno, mas também, talvez, com a combinação perfeita para o senso de orquestração e arranjo do pianista. Max Roach disse o seguinte sobre gravar com Nichols: “Herbie era gentil e sensível, fácil de trabalhar. Por outro lado, sua música não era fácil de assimilar, embora ele desse bastante espaço para interpretação. Mas, devido à individualidade que se expressava em suas composições, era difícil entrar no estúdio e fazer tudo em três horas, que era o tipo de pressão a que estávamos submetidos. Tínhamos que lidar com a música imediatamente. Não havia tempo para saboreá-la ou refletir sobre ela. Algumas das gravações ficaram muito boas apesar disso, um testemunho da sensibilidade e paciência de Herbie. Havia uma aura maravilhosa em torno desse grande homem.”
Roswell Rudd ficou maravilhado ao escrever no livreto que acompanha a coletânea 'Herbie Nichols – The Complete Blue Note Recordings': “Como esses caras conseguiram realizar esse milagre em cinco sessões, especialmente as três últimas? Aprender toda essa música incomum em um período incrivelmente curto, entrar no estúdio e gravá-la para a posteridade com integridade, precisão e sensibilidade eminentes. Isso eu nunca conseguirei compreender.” Ele acrescentou um contexto adicional sobre o que é necessário para tocar as composições de Herbie Nichols: “Você realmente precisava conhecer teoria musical e ter precisão e exatidão, com muito treino. Esta é uma música de grande detalhe. Se você examinar a música de perto, perceberá que tudo é colocado com muito cuidado. Se você errar por uma semicolcheia, ou uma colcheia, ou um semitom, esqueça.”
Uma das músicas gravadas em agosto de 1955 foi a que consagrou Herbie Nichols como compositor. "Lady Sings the Blues", originalmente intitulada "Serenade", é sua melodia mais conhecida, pois ninguém menos que Billie Holiday a tornou sua em um álbum de mesmo nome em 1956. Também foi o título de sua autobiografia de 1955 e do filme de 1972 estrelado por Diana Ross. Nichols sobre a música: "Lady Sings the Blues é uma música bluesy e rítmica na qual quase se pode ouvir o dedilhar lendário das cordas do coração. A grande Billie Holiday, ao ouvi-la certa noite, apaixonou-se por ela e imediatamente começou a compor sua própria letra, terrena e inimitável."
As sessões de agosto de 1955 renderam outra grande canção, "House Party Starting". O autor AB Spellman escreveu em seu livro "Four Jazz Lives (Jazz Perspectives)": "É uma melodia adorável e simples, repetida várias vezes com nuances muito sutis de andamento e timbre. Por meio dessas repetições sutis, Herbie concentra e refocaliza a atenção do ouvinte em todas as várias implicações de uma única ideia. É um tipo exclusivo de improvisação, uma estrutura de contenção que administra um movimento espelhado de matéria emocional a partir de uma única base temática. Há uma qualidade relaxada no acompanhamento rítmico, mas toda a ação está integrada ao desenvolvimento melódico."
As gravações com Teddy Kotick e Max Roach, em agosto de 1955 e abril de 1956, foram lançadas em um LP de 12 polegadas intitulado simplesmente 'Herbie Nichols Trio'. Uma crítica, reconhecendo que a música não agradaria a todos os gostos, dizia: “Herbie Nichols não pertence a nenhum grupo. Desenvolvendo seu estilo complexo, tonal e ritmicamente reiterativo, enquanto toca piano em todos os grooves do jazz, ele nunca está à margem, mas sim distante. Herbie Nichols sempre perde parte de seu público, mas o restante é absorvido, deslumbrado pela música.” A revista Downbeat focou nas habilidades musicais de Nichols: “O que ele consegue fazer com o tempo e o fato de seu ritmo e harmonias estarem interligados são excepcionais.” Ele não tem o menor interesse em ritmos, maneirismos ou destreza manual da moda atual, e demonstra que não tem medo algum de um ritmo constante de quatro tempos, de uma versão modernizada da concepção simples de "ritmo de riff" dos anos 30, de um baixo swing – e que ele consegue executar essas coisas com maestria."
Temos a sorte de possuir as gravações dessas sessões da Blue Note. Elas foram posteriormente lançadas na íntegra na excelente coletânea de 3 CDs “Herbie Nichols – The Complete Blue Note Recordings”. Alfred Lion, a quem devemos agradecer pela visão de gravar um artista tão pouco comercial, comentou mais tarde sobre uma oportunidade perdida em 1955 de gravar mais do talentoso pianista: “Quando gravamos os Jazz Messengers no Café Bohemia em novembro de 1955, Herbie tocou piano solo entre as apresentações deles. Gostaria que tivéssemos gravado isso, mas quem sabia? Rudy (Van Gelder) e eu estávamos muito ocupados organizando e gravando os Messengers. Mas Herbie era algo especial. Não sei por que nunca conseguimos vender seus discos.”
Deixarei que Roswell Rudd, um dos mais qualificados para falar sobre a arte de Herbie Nichols, tenha as palavras finais: “Herbie Nichols era um artista. Era um contador de histórias, um escritor, um grande jogador de xadrez, um trapaceiro, um excelente acompanhador de muitos cantores e compôs material em diversos gêneros, desde shows de cabaré até música caribenha. Era muito culto, mas, novamente, um eterno aprendiz. Não era um grande empreendedor. Portanto, no que diz respeito a ser um líder de banda e um negociador, não aprendi nada disso com Herbie, mas aprendi muitos recursos artísticos e nuances sobre composição, improvisação e estilo em nossa música.”
Tinta Blanca foi um grupo mexicano formado no final dos anos 60 na capital Cidade do México. É lembrada pela apresentação no festival de Avándaro em 1971, onde tocaram a emblemática "Salmo VII e VIII", de 23 minutos, a mais longa gravada no país na época. Apesar disso, nunca chegaram a lançar um LP, apenas dois compactos no começo dos anos 70, após problemas com autoridades e gravadoras locais a banda se desfez. Posto aqui o segundo e derradeiro single dos caras, contando com duas versões da música Avándaro, sendo que apenas uma saiu originalmente (1972), a melódica "Virginia" completa o "EP". O som do grupo não é muito diferente de outros nomes do rock no país, seguindo influências de funk, rock psicodélico e latino, com forte presença e riffs de metais, como trompete e sax. O órgão e a guitarra aparecem bem em alguns momentos também. As letras são todas em espanhol, com vocal gritado de Sergio Figueroa e falam sobre paz e amor. Pérola recomendada para fãs de rock latino e psicodélico.
