Yussef Dayes – Black Classical Music 2023

 

01. Black Classical Music (feat. Venna & Charlie Stacey)

02. Afro Cubanism

03. Raisins Under the Sun (feat. Shabaka Hutchings)

04. Rust (feat. Tom Misch)

05. Turquoise Galaxy

06. The Light (feat. Bahia Dayes)

07. Pon di Plaza (feat. Chronixx)

08. Magnolia Symphony

09. Early Dayes

10. Chasing the Drum

11. Birds of Paradise

12. Gelato

13. Marching Band (feat. Masego)

14. Crystal Palace Park (feat. Elijah Fox)

15. Presidential (feat. Jahaan Sweet)

16. Jukebox

17. Woman's Touch (feat. Jamilah Barry)

18. Tioga Pass (feat. Rocco Palladino)

19. Cowrie Charms (feat. Leon Thomas and Barbara Hicks)

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Yussef Dayes: A Explosão Rítmica de Black Classical Music!
O baterista britânico Yussef Dayes estreia em carreira solo com Black Classical Music (2023), um álbum vibrante que funde jazz contemporâneo com influências de afrobeat, funk e toques clássicos, criando grooves hipnóticos e energéticos. Com 19 faixas, o disco pulsa com ritmos intensos, como em "Rust" (com Tom Misch na guitarra), "Pon di Plaza" (feat. Chronixx na voz e baixo) e "Chasing the Drum", onde a bateria de Dayes brilha como protagonista.
A banda principal: Rocco Palladino no baixo, Charlie Stacey nos teclados, Malik Venna nos saxofones e Alexander Bourt na percussão. Participações especiais elevam o som: Shabaka Hutchings no clarinete baixo, Masego na voz, a Chineke! Orchestra adicionando cordas orquestrais, além de Chronixx, Elijah Fox e Jamilah Barry, entre outros, trazendo camadas sonoras únicas e colaborativas.
Curiosidade: Muitas faixas foram gravadas ao vivo no estúdio, capturando a energia orgânica da banda em tempo real, em vez de overdubs isolados. Outro detalhe fascinante: o título homenageia as contribuições de músicos negros à música clássica e ao jazz, refletindo o legado cultural de Dayes na cena londrina moderna.

Carole King - Tapestry (1971)

 

1 - I Feel the Earth Move
2 - So Far Away
3 - It's Too Late
4 - Home Again
5 - Beautiful
6 - Way Over Yonder
7 - You've Got a Friend
8 - Where You Lead King
9 - Will You Love Me Tomorrow?
10 - Smackwater
11 - Tapestry
12 - (You Make Me Feel Like) A Natural Woman

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MUSICA&SOM ☝

Tapestry de Carole King: O Clássico que Redefiniu a Alma da Música nos Anos 70!
Lançado em 10 de fevereiro de 1971, Tapestry catapultou Carole King de compositora brilhante para superstar solo, vendendo mais de 25 milhões de cópias mundialmente e se tornando o álbum mais vendido por uma artista feminina por 25 anos. Com um estilo que une folk introspectivo, pop acessível e soft rock emocional, o disco destaca o piano virtuoso de King e arranjos orgânicos, criando uma sonoridade íntima e atemporal. Faixas inesquecíveis incluem o terremoto roqueiro de "I Feel the Earth Move", a saudade de "So Far Away" e "It's Too Late", além do hino de lealdade "You've Got a Friend". Covers magistrais como "Will You Love Me Tomorrow?" e "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman" ganham nova vida com sua voz autêntica.
Participações estelares elevam o som: James Taylor na guitarra acústica e vocais, Joni Mitchell nos backing vocals, e músicos como o baixista Leland Sklar e o baterista Russ Kunkel na rítmica precisa. 
Curiosidade: o álbum foi gravado em apenas três semanas nos estúdios A&M, em janeiro de 1971, capturando uma espontaneidade viva com custo baixo. No contexto histórico, Tapestry inaugurou a era dos cantores-compositores, empoderando mulheres na música pós-Beatles e ganhando quatro Grammys, incluindo Álbum do Ano.

Circles Around The Sun - Interludes For The Dead II 2025

 

01 – Golden Boot

02 – Hot Pursuit

03 – Starburn

04 – Redeyes

05 – Charleston Choogle

06 – Radiant Radish

07 – Vol de Nuit

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Circles Around The Sun Gira Novamente com "Interludes for the Dead: Volume 2"!
Circles Around The Sun, a superbanda instrumental de Los Angeles, lança "Interludes for the Dead: Volume 2" (2025, Rhino Records), uma sequência hipnótica ao clássico de 2015 que celebra os 60 anos do Grateful Dead com grooves psicodélicos e improvisações infinitas. O estilo é puro jam instrumental, misturando funk cósmico, soul e texturas espaciais que evocam o espírito deadhead, sem vocais – só pura viagem sonora.
Formado por John Lee Shannon na guitarra (substituindo o saudoso Neal Casal), Dan Horne no baixo, Adam MacDougall nos teclados, Mark Levy na bateria e o convidado Mikaiah na percussão, o quarteto (mais um) entrega faixas épicas como "Golden Boot", com seus 11 minutos de riffs hipnóticos; "Starburn", uma explosão estelar; e "Charleston Choogle", cheia de swing funky. A sonoridade única vem das gravações ao vivo no estúdio, com improvisos criados na hora e mínimos overdubs, capturando a essência orgânica das jams 
Detalhe: Este álbum duplo de canções longas marca a evolução do grupo pós-Casal, consolidando seu legado no revival psicodélico e conquistando corações com energia cósmica irresistível.

Jono El Grande "Neo Dada" (2009)

 Um provocador, um mistificador, um louco. Além disso, um compositor incrivelmente talentoso. Esse é Jono El Grande , nascido Jon Andreas Hotun , a figura mais extravagante da 

cena progressiva norueguesa.
Ele é excêntrico desde a infância. A primeira banda de Jon, The Handkerchiefs , era apenas fruto da imaginação de um garoto de dez anos. Naquela época, o pequeno Hotun tinha uma vaga ideia de instrumentos musicais (nosso herói se dedicaria ao tormento inicial da guitarra muito mais tarde, aos quatorze anos), o que, em princípio, não o impediu de construir grandes conceitos especulativos em sua cabeça. Muitas coisas viriam a seguir: a banda escolar Mannes Fatales ; vários sucessos únicos com nomes chamativos como The Terror Duo , Black Satan e outros no mesmo estilo; paralelamente, trabalhando no rádio; estudando na Escola de Arte de Bergen e trabalhando como assistente de cenografia na Norsk Film... Mas o destino é inevitável. Em 1995, Jon Andreas Hotun abandonou todas as suas responsabilidades anteriores e mergulhou de cabeça em seu trabalho criativo.
"Neo Dada" é o terceiro álbum completo lançado sob o pseudônimo Jono El Grande . Tentar resumir esse brilhante enigma estilístico em poucas palavras é uma tarefa inútil. O universo composicional do Maestro Hotun exige uma exploração meticulosa e detalhada. No entanto, como este humilde servo não é um musicólogo certificado, esta análise se limitará a um esboço superficial, destinado apenas a fornecer uma ideia geral do conteúdo. Assim, uma breve descrição da formação: a mini-orquestra de Jono El Grande é composta por quatorze pessoas, incluindo o idealizador do projeto (guitarra, sintetizador, voz, percussão), tecladistas, cantores, um saxofonista, um oboísta, um baterista, um percussionista e o obrigatório quarteto de cordas. O programa é dividido em sete faixas, incluindo um balé (Ballet Morbido em Doze Pequenos Movimentos) e uma suíte (Oslo City Suite). Não se deixe enganar pelos termos clássicos: as construções inventivas de Jono são temperadas com humor. Não um humor leve e ameno, mas um humor sarcástico e paródico que fere como uma vespa. Sob a aparência intrincada, reside um núcleo igualmente engenhoso, dando a impressão de uma espécie de barbárie cultural. O neo-dadaísmo sonoro de Jono El Grande é demonstrativamente cínico, o que, no entanto, não o impede de permanecer entre os artistas de rock altamente artísticos destinados a um público esteticamente refinado. Afinal, quem mais poderia apreciar adequadamente a fusão paradoxal de truques de fusão ao estilo de Frank Zappa , técnicas de vanguarda acadêmica, progressões rítmicas na linha do Gentle Giant e balbucios absurdos (respeito a Samla Mammas Manna)?!) e uma série de outros elementos, inspirados na música sinfônica europeia, no art rock britânico dos anos 70 e no jazz experimental americano...
Em resumo: uma jornada sonora altamente original e ousada, concebida para o ouvinte exigente. Mesmo assim, não recomendo que você a ignore.

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Anima Morte "Face the Sea of Darkness" (2007)

 O legado dos "pesadelos" do Goblin ainda assombra alguns. Enquanto uma banda de veteranos, liderada por Claudio Simonetti, ressurgiu do esquecimento para realizar shows de reunião nostálgicos, 

jovens talentosos escandinavos estão colocando em prática algumas das técnicas consagradas dos clássicos dos Apeninos. Estamos falando, como você provavelmente já adivinhou, do quarteto instrumental Anima Morte . Os integrantes se autodenominam com certa originalidade: "Música de Terror Italiana Vintage da Suécia". É um tanto pretensioso, mas há um fundo de verdade nisso. Curiosamente, todos os quatro têm anos de experiência tocando em bandas extremas (death metal, thrash metal, power metal e outras vertentes do heavy metal). No entanto, as influências desses gêneros não se estendem à nova música do grupo. Pelo contrário, o trabalho do Anima Morte se encaixa perfeitamente no campo do rock retrô, ainda que em sua forma moderna.
"Face the Sea of ​​Darkness" é o álbum de estreia do quarteto (o EP em vinil "Viva Morte!" não conta). Com 38 minutos, é um trabalho típico dos anos 70. Uma breve introdução ao teclado serve como preparação, e então... Então a coisa toda toma um rumo curioso. Primeiramente, gostaria de ressaltar que, ao rotularem seu trabalho como "música de terror", os integrantes estavam claramente sendo desonestos. Suas composições (pelo menos em termos de construção de atmosfera) não chegam a se encaixar no conceito de "melodias de terror". Enquanto o notório Goblin certamente combinava bem com os diretores de cinema Lucio Fulci e Dario Argento , que confiantemente bombardeavam o público com hordas de zumbis e outros espíritos malignos, o mesmo não se pode dizer do quarteto sueco. Seu trabalho é mais suave, mais reflexivo e, curiosamente, mais bucólico. Assim, na composição "He Who Dwells in Darkness", apenas a seção rítmica se enquadra na categoria de "goblin-like" (como um duende), o resto é puramente autoral. As partes de guitarra elétrica mantêm-se em um tom bastante suave. O uso de instrumentos analógicos é um ponto positivo adicional no repertório dos normandos (embora a técnica de manipulação do Mellotron aqui e ali lembre o próprio maestro Simonetti). E os trechos acústicos cativam completamente o ouvinte na contemplação menor característica dos nórdicos. Mesmo quando o Anima Morte acelera, atacando o público com uma avalanche sonora ("Rise Again", por exemplo), não é nada assustador, mas desperta um certo interesse: como, o que mais eles vão inventar? E eles inventam, os diabólicos: ora introduzem segmentos líricos e enigmáticos na estrutura ("Wandering"); ora intrigam habilmente com o desenvolvimento temático ("The Hunt"); ora encantam com a melodia ("In the Dead of Night"); Às vezes, eles acrescentam um pouco de psicologismo, com entonações folclóricas familiares para completar ("A Decay of Mind and Flesh"); ou até tocam uma marcha fúnebre no órgão ("Funeral March").mas tão "delicioso" que você nem vai querer morrer...
Resumindo: uma banda de rock progressivo extremamente envolvente, que certamente merece sua atenção. Aproveite.

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Dr. Z "Three Parts to My Soul" (1971)

 "O conceito da trindade das almas é a base deste disco. Spiritus personifica o lado bom inato do homem; é beleza, gentileza, nobreza. Manes é a personificação do lado sombrio, uma 

imagem coletiva das almas perdidas que habitam o submundo. Finalmente, Umbra é a parte sombria da entidade que se recusa a deixar a Terra após a morte e permanece aqui vagando como um fantasma inquieto..." Bastante acadêmico para os padrões de bandas de rock convencionais, não é? Mas o truque é que o Dr. Z não é uma banda comum. O líder do trio progressivo, Keith Keyes (piano, cravo, órgão, vocais), era professor na Universidade do Norte do País de Gales no início dos anos setenta. E, aparentemente, os temas religiosos e filosóficos do único álbum do Dr. Z estão diretamente relacionados à sua pesquisa científica.
Então, "Three Parts to My Soul" (Três Partes da Minha Alma). Não espere a ingenuidade lírica característica de vários atos proto-progressivos da época. Dois fatores predominam nas paisagens sonoras criadas pelos ingleses: um virtuosismo artístico e uma atmosfera singular que define o tom de cada faixa. A faixa de abertura, "Evil Woman's Manly Child", impressiona com sua sonoridade rhythm and blues. Na ausência de guitarra, os solos são distribuídos entre os teclados; e, claro, não podemos esquecer o trabalho primoroso da banda que a acompanha (Rob Watson no baixo, Bob Watkins na bateria e percussão). Curiosamente, os exercícios vocais nesta faixa em particular ilustram vividamente a dualidade inerente ao indivíduo: o canto afetado é acompanhado por um eco sussurrado, expressando a essência interior do sujeito. A épica narrativa de 12 minutos de "Spiritus, Manes et Umbra" é, acima de tudo, um ritmo cativante e letras cantadas com veemência pelo Professor Keyes. De fato, a interpretação vocal do vocalista lembra, em certa medida, as revelações dramáticas do carismático Peter Hammill . Uma semelhança textural é capturada em peças expressivas como "Summer For the Rose", onde nuances psicodélicas são suplantadas pela energia do rock e elementos clássicos secundários. Melodias de balada, atmosfera neorromântica e um canto camaleônico (de corais a gritos de agitação nervosa e pacificação silenciosa) são os componentes do sofisticado esboço "Burn in Anger", que, mais do que qualquer outro, reivindica qualidade "artística". "Too Well Satisfied" é uma marcha expansiva para o espírito que se liberta das amarras da carne. O álbum culmina com a composição monumental "In a Token of Despair", cuja beleza elegíaca, aliada a explosões agudas de raiva, convida o ouvinte a refletir sobre o difícil destino de um ser imaterial condenado à solidão. O conjunto inclui duas faixas bônus bastante animadas, lançadas como single em 1970; em comparação com o conteúdo do disco, os extras soam como um contraste, mas não prejudicam a experiência geral.
Resumindo: um lançamento muito original, recomendado principalmente para fãs de rock progressivo gótico sombrio e do início do art rock britânico.

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