David Holland Quartet - Conference of the Birds (1973)

A estreia de Dave Holland como líder, Conference of the Birds, parece não receber o devido reconhecimento fora dos círculos de vanguarda; talvez, ao se discutir os grandes, o nome de Holland simplesmente não venha à mente tão imediatamente. Seja como for, Conference of the Birds é um dos maiores clássicos do jazz de vanguarda de todos os tempos, incorporando um amplo espectro de inovações dos anos 60. Parte do motivo pelo qual funciona tão bem é a parceria única de duas lendas da vanguarda: o ardente e apaixonado Sam Rivers e o cerebral Anthony Braxton; eles se complementam e contrastam de forma energizante do início ao fim. Mas muito crédito deve ser dado a Holland; não se engane, mesmo que ele dê destaque a Rivers e Braxton, este é o seu trabalho. O repertório consiste inteiramente em composições originais de Holland, e seu trabalho aqui o estabeleceu como o baixista/compositor mais avançado desde Charles Mingus. Suas composições demonstram uma gama impressionante: temas sinuosos e imprevisíveis acompanhados por solos arrebatadores (os clássicos "Four Winds" e "Interception"); improvisação livre em forma de diálogo coletivo ("Q&A"); avant-bop que desafia os limites ("See Saw"); e surpreendentemente belos e meditativos solos de flauta (a clássica faixa-título, "Now Here (Nowhere)"). Por mais livres que sejam, as peças de Holland sempre estabelecem estruturas lógicas com um foco preciso, o que facilita a compreensão do virtuosismo do quarteto (que também inclui o baterista Barry Altschul, que tocou no Circle de Chick Corea com Braxton e Holland). A ausência de um piano permite que Rivers e Braxton interajam livremente, mas a tarefa de conduzir o conjunto recai sobre Holland, e suas linhas proeminentes e vigorosas conseguem impulsionar a linha de frente por si só. Este álbum é essencial para qualquer coleção de jazz de vanguarda, sendo também uma das introduções mais variadas e acessíveis ao estilo que se poderia desejar.

Estilos:
Avant-Garde,
Free Jazz,
Post Bop

Faixas:
01 - Four Winds (6:32)
02 - Q & A (8:34)
03 - Conference of the Birds (4:34)
04 - Interception (8:20)
05 - Now Here (Nowhere) (4:34)
06 - See-saw (6:40)

Formação:
Dave Holland – baixo
Sam Rivers – sopros, flauta
Anthony Braxton – sopros, flauta
Barry Altschul – percussão, marimba

Anthony Braxton - Five Pieces (1975)

Anthony Braxton deve ser um dos últimos músicos de jazz a alcançar o status de "gigante" antes que a popularidade do gênero declinasse a ponto de isso se tornar impossível. Vale ressaltar que, quando foi o primeiro artista de jazz a assinar com a nova grande gravadora Arista, ele prometeu ser um sucesso de crossover (veja as notas do encarte de The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton e um ensaio de novembro de 2008 na revista The Wire sobre o lançamento). Bem, sucesso ele certamente alcançou. Apesar da crença generalizada de que o novo jazz não era mais lucrativo para gravadoras ou músicos a partir de meados da década de 1970, a série de álbuns de Braxton para a Arista vendeu relativamente bem — o suficiente para a gravadora cobrir os custos, mesmo que o próprio Braxton nunca tenha lucrado financeiramente. Em termos de ser um artista de "crossover", isso é um pouco mais difícil de avaliar. Antes de assinar com a Arista, ele gravou obras como For Alto, que exploravam o território da composição moderna (de compositores como John Cage), mas também trabalhou com material de jazz mais tradicional em álbuns como In the Tradition. E esse tem sido seu modo de operação desde então — transitando entre os polos gêmeos do jazz tradicional e da composição de vanguarda. Mas isso constitui um "crossover"? Na maioria das vezes, a resposta parece ser não. No entanto, Five Pieces 1975 e algumas outras gravações da Arista avançam na transição entre o jazz tradicional e a composição moderna, alcançando uma nova síntese de ambos em uma mesma peça. Parece que, por essa razão, o álbum se destaca como um de seus melhores trabalhos.
O sucesso de Five Pieces 1975 certamente se deve em grande parte à banda excepcional que acompanha Braxton. Eles estão à altura do desafio de cada peça e cada músico se equipara ao outro. Há um equilíbrio alcançado entre eles que evidencia um domínio completo tanto dos elementos de composição quanto da sensibilidade improvisacional mais livre presente no álbum. Se o álbum pudesse ser aprimorado, seria substituindo "You Stepped Out of a Dream" por algo como "Opus 40P" ou até mesmo "Maple Leaf Rag" do álbum Duets 1976, para adicionar mais variedade. Mas, pensando bem, por que mexer em algo diferente?
Músicos rotulados como "prolíficos" geralmente também carregam o rótulo de "inconsistentes", se não por outro motivo, devido à quase inerente falta de decisões editoriais que lhes proporcionem algum tipo de foco. Anthony Braxton carrega esses dois rótulos, além do de que sua música é "difícil". No entanto, ao longo dos anos, ele também conseguiu fazer coisas que o "complexo industrial do jazz" (seu termo, assim como o complexo industrial militar e o complexo industrial prisional) normalmente não permite. Graças, em grande parte, a uma fonte de renda que obteve como professor nos últimos anos, ele conseguiu continuar compondo e gravando obras desafiadoras sem abrir mão de seus impulsos mais suaves, líricos e acessíveis. Ele também conseguiu se tornar um nome tão conhecido quanto qualquer outro músico de jazz moderno desde a era de Coltrane (com exceção de certos membros da família Marsalis e alguns músicos pop que se fazem passar por artistas de jazz). Portanto, além de suas contribuições puramente musicais, que são de fato numerosas, ele apresentou uma imagem do jazz que contrasta com a imagem aceita. Essa talvez seja sua conquista mais duradoura. Significa que ainda haverá mais de um caminho a seguir.

Estilos:
Avant-Garde,
Free Jazz,
Post-Bop

Faixas:
01 - You Stepped Out of a Dream (07:10)
02 - Opus 23 H (04:34)
03 - Opus 23 G (08:07)
04 - Opus 23 E (17:16)
05 - Opus 40 M (03:22)

Formação:
Anthony Braxton - Saxofone, Flauta, Clarinete
Dave Holland - Baixo
Barry Altschul - Bateria
Kenny Wheeler - Trompete

Muhal Richard Abrams - Levels and Degrees of Light (1967)

Levels and Degrees of Light foi a primeira gravação sob o nome de Muhal Richard Abrams e um álbum marcante que lançou o primeiro de uma longa série de belas e musicais investidas da AACM em direção ao mundo do jazz mainstream. A faixa-título mostra Abrams explorando, de forma geral, alguns dos territórios que continuaria a desenvolver nas décadas seguintes: uma qualidade etérea e mística (evidenciada pelos vocais transcendentais de Penelope Taylor e pelo vibrafone cintilante de Gordon Emmanuel) equilibrada por um blues áspero e terroso, apresentado pelo clarinete penetrante do líder. "The Bird Song" começa com uma bela e sombria recitação de poesia por David Moore (ah! os tempos em que não se abordava um poema em um álbum de jazz com grande apreensão) antes de se dissipar em um turbilhão de percussão, assobios de pássaros e violino (este último por Leroy Jenkins em uma de suas primeiras gravações). Quando a banda entra em cena com força total, com Anthony Braxton (em sua primeira sessão de gravação), o efeito é explosivo e libertador, como se a banda de Abrams tivesse se apoiado nos ombros de Coltrane, Coleman e Taylor e dado um salto gigantesco e ousado rumo ao futuro. É uma performance histórica. A faixa final oferece diversas oportunidades para solos sem acompanhamento, destacando o piano suntuoso de Abrams e as habilidades subestimadas de Charles Clark no baixo. Esta é uma gravação marcante e indispensável na coleção de qualquer fã de jazz moderno.

Estilos:
Free-Jazz,
Avant-Garde

Faixas:
01 - Levels and Degrees of Light (10:34)
02 - The Bird Song (22:54)
03 - My Thoughts are my Future - Now and For (09:42)

Formação:
Muhal Richard Abrams: piano, clarinete
Anthony Braxton: saxofone alto
Maurice McIntyre: saxofone tenor
Leroy Jenkins: violino
Gordon Emmanuel: vibrafone
Charles Clark: baixo
Leonard Jones: baixo
Thurman Barker: bateria
Penelope Taylor: vocais
David Moore: poeta (faixa 2)

Anthony Braxton - 3 Compositions of New Jazz (1968)

Embora não seja tão impactante ou revelador quanto For Alto, o segundo álbum de Anthony Braxton para a Delmark, 3 Compositions of New Jazz marca sua estreia como líder e demonstra o quão visionário — ou excêntrico, dependendo do ponto de vista — ele era desde o início. Gravado nove meses após sua estreia com Muhal Richard Abrams em Levels and Degrees of Light, a metodologia composicional de Braxton e sua capacidade de criar uma banda estão em pleno desenvolvimento. Para começar, não há o uso de uma seção rítmica tradicional, embora bateria e piano sejam utilizados. A banda é composta por Leroy Jenkins no violino e percussão, Braxton em todos os instrumentos, do saxofone alto ao acordeão e à mesa de mixagem, Leo Smith no trompete e nas garrafas, e Abrams no piano (e clarinete alto em uma faixa). Todas as faixas, com exceção de "The Bell", possuem títulos gráficos, então não há necessidade de mencioná-los, pois os computadores não desenham da mesma forma. Há uma unidade sonora em todas essas composições, da qual Braxton se afastaria mais tarde. Seu uso de Stockhausen é evidente aqui, e ele se apropria bastante dos preceitos melódicos de Ornette Coleman. O uso do violino de Jenkins como recurso melódico e lírico liberta os metais de seguirem qualquer noção preestabelecida sobre o que deveria ser feito. Abrams toca o piano como um instrumento de percussão — não de ritmo — e colore as figuras texturais, enquanto Smith explora todo o espaço aberto, esforçando-se para não preenchê-lo. Esta é uma audição longa e árdua, mas leve em comparação com For Alto. E não se engane: é incrivelmente inovador, se não — possivelmente — francamente visionário. 3 Compositions of New Jazz, de Braxton, é um documento essencial do início do fim.

Estilos:
Avant-Garde
Post-Bop
Free Jazz

Faixas:
1 - (840m)-Realize-44M-44M (19:59)
2 - N-M488-44M-Z (12:54)
3 - The Bell (10:26)

Formação:
Anthony Braxton – saxofone alto, saxofone soprano, clarinete, flauta, oboé musette, acordeão, sinos, caixa
Leroy Jenkins – violino, viola, gaita, bumbo, flauta doce, pratos, apito deslizante
Wadada Leo Smith – trompete, melofone, xilofone, kazoo
Muhal Richard Abrams – piano (faixas 2 e 3), violoncelo, clarinete alto (faixa 3)

Kvelertak: crítica de Meir (2013)

 

Banda norueguesa que recebeu considerável destaque no cenário nos últimos anos graças ao seu disco de estreia, o Kvelertak é um sexteto formado em 2007 na cidade de Stavanger, e sempre teve uma proposta musical muito simples e direta: uma despretensiosa sonoridade que fica entre o mais distorcido rock and roll e a sujeira do black metal, com uma forte e pulsante veia punk, sempre com letras no seu idioma natal.

Com um contrato com a Indie Recordings, o seu debut autointitulado, de 2010, alcançou Disco de Ouro na Noruega pelas vendas acima de 15.000 cópias, atraindo a atenção das grandes gravadoras para o lançamento de Meir, o segundo álbum, agora pela Sony, na Escandinávia, e pela Roadrunner Records mundialmente.

Alcançando posições consideráveis nos charts europeus, o disco foi gravado no estúdio americano GodCity e produzido novamente por Kurt Ballou, e já chama atenção pela belíssima capa desenhada por John Baizley (do Baroness) e pelo tracklist, com faixas bem mais longas do que o trabalho anterior.

Com "Åpenbaring" já é possível notar que, apesar do Kvelertak ter alcançado um reconhecimento relativamente grande, a sonoridade do novo álbum não é apenas uma repetição incessante da mesma ideia, mas sim uma versão aprimorada e (bem) mais cuidadosa: a sua longa introdução (para uma  música de três minutos) puramente rock’n’roll descamba para um melódico híbrido de black metal e punk rock, que se repete na sujeira de "Spring Fra Livet", que puxa maior influência desse último. "Trepan" vai por um caminho bem diferente, e traz muito do heavy metal tradicional oitentista, com melodias que se encaixaram perfeitamente na identidade do Kvelertak, o mesmo ocorrendo em "Bruane Brenn", primeiro single do disco lotado de riffs barulhentos e grudentos, quase – pasmem – dançantes.

O início de "Evig Vandrar" é basicamente o mais próximo de uma balada que a sonoridade dos noruegueses permite chegar (considerando as abissais proporções), que lentamente acelera, de passagens mais cadenciadas para aquele heavy metal dos primórdios em questão de segundos, enquanto "Snilepisk" e "Månelyst" não podem ser definidas de outra forma além de duas belas cacetadas no ouvido, a primeira mais para o lado black metal, e a segunda para o punk.

"Nekrokosmos", apesar de beber na fonte norueguesa até o osso, também tem o seu mérito por novamente inserir uma série de elementos mais melódicos, que dão um toque adicional na morbidez da música, com trechos que remetem, ainda que levianamente e dentro do som extremo habitual, ao occult rock tão em voga no cenário atual. Esse direcionamento se mostra presente novamente em "Undertro", e mesmo que ainda mais sutil, torna a audição muito mais inteligível, da mesma forma que em "Tordenbrak", a maior faixa já composta pelo sexteto, beirando os nove minutos, que soa como um tênue equilíbrio entre hard rock e punk. Encerrando o trabalho, a faixa que leva o nome da banda não poderia ter outra forma além do mais simples e descompromissado rock orientado pelos riffs de guitarra, e acaba lembrando uma versão ainda mais suja do AC/DC, sendo mais um ponto alto no disco.

O amadurecimento na identidade musical do Kvelertak é o ponto mais notável em Meir: se o primeiro trabalho se destacava por ser totalmente direto, com faixas curtas e que fisgavam o ouvinte na hora, neste novo álbum é possível ver uma banda experimentando timidamente com uma série de outras vertentes, que engrandecem gradativamente as composições, ainda que as inserções sejam sutis. As diversas mudanças de andamento, o descompromisso em arriscar e um foco maior tanto nas melodias instrumentais quanto vocais tornam a audição ainda mais interessante, por mais intencionalmente rústica que seja a produção, eliminando qualquer barreira que o idioma possa levantar.

Uma banda supervalorizada? A cada minuto de Meir eles provam mais um pouco que não. Definitivamente não.

1. Åpenbaring

2. Spring Fra Livet

3. Trepan

4. Bruane Brenn

5. Evig Vandrar

6. Snilepisk

7. Månelyst

8. Nekrokosmos

9. Undertro
10. Tordenbrak
11. Kvelert

Shining: crítica de One One One (2013)

 

Na ativa desde 1999, a banda norueguesa Shining foi formada pelo multi-instrumentista Jørgen Munkeby quando ainda cursava a Norges Musikkhøgskole (a Academia Norueguesa de Música) e procurava por músicos para acompanhá-lo em um show que já havia sido agendado. Indo na contramão do future jazz dominante na cena norueguesa na época, o então quarteto atraiu considerável atenção pelas  músicas predominantemente acústicas, tendência que se manteve até o seu segundo álbum, Sweet Shangai Devil, de 2003.

Porém, foi com o terceiro trabalho, In the Kingdom of Kitsch You Will Be a Monster, de 2005, que eles começaram a construir uma sonoridade única, incluindo elementos de rock progressivo e metal extremo em meio ao jazz, fórmula que vem se tornando cada vez mais excêntrica e complexa, e resultou em Blackjazz, o seu elogiado último disco, que definitivamente os estabeleceram como um dos mais intrigantes nomes da  música escandinava nos últimos anos.

Dando um passo além da sonoridade já apresentada, "I Won’t Forget" abre o disco carregado com efeitos eletrônicos proporcionados pelas linhas de teclado, sobre passagens de jazz em um andamento tipicamente punk, enquanto o ritmo contínuo e complexo de "The One Inside" chega a lembrar uma versão mais caótica do Samael em seus discos mais recentes, em partes pela inserção dos instrumentos de sopro. Porém, nenhuma das duas chega próximo da experiência agonizante que "My Dying Drive" traz, pois a sua mixagem parece ainda mais saturada, principalmente com o baixo e os efeitos sonoros estourando nos ouvidos, enquanto "Off the Hook" apela para tempos rítmicos ainda mais confusos, conduzidos com maestria e ótimas melodias – principalmente vocais – pela banda.

Como o próprio nome define, "Blackjazz Rebels" é um bom exemplo da proposta musical dos noruegueses: esbarrar nas mais diversas vertentes sem deixar de lado a sua essência jazz e black metal, e, o flerte com o hard rock mais moderno se mostra extremamente bem sucedido, seguido por "How Your Story Ends" e a sua demonstração de estupidez técnica (vejam bem, isso não foi dito com sentido negativo – não nesse caso), principalmente se focado no trabalho de percussão inimaginável.

"The Hurting Game" retoma o ritmo predominantemente acelerado, mais próximo do black metal combinado com o punk, mas com forte presença do saxofone novamente, um dos grandes diferenciais do Shining (e que diferencial, certo?). A linha mais agressiva se mantém nos carregados riffs frenéticos de "Walk Away", uma das faixas mais extremas do álbum, que leva a "Paint the Sky Black", aonde a banda encerra o disco com elementos de punk rock e grindcore em meio a incompreensão de tempos jazzísticos esquisitos que mudam pancada após pancada.

Não à toa, a expressão que permanece após o encerramento de One One One é exatamente esse: não é fácil definir o que exatamente se passou nos últimos 36 minutos, se realmente foi entendido o que a banda se propôs a gravar ou qualquer detalhe. A forma brusca como a experiência termina é como acordar depois de sonhar que está caindo, quando você subitamente procura vestígios de que realmente não está mais dormindo. Boa parte desse incômodo que pode trazer aos não familiarizados à sonoridade do Shining se deve a produção ainda mais caótica que eles tem adotado, principalmente no que diz respeito aos tons mais graves, excessivamente distorcidos, mas que tornam a sua proposta ainda mais interessante. 

One One One não deve ser ouvido apenas uma vez, nem no momento errado, sem estar completamente focado. Ele pode se tornar compreensível com o tempo, talvez até agradável. E assim como o seu antecessor, é uma obrigatória obra da música extrema a ser ouvida em 2013.

1. I Won’t Forget
2. The One Inside
3. My Dying Drive
4. Off The Hook
5. Blackjazz Rebels
6. How Your Story Ends
7. The Hurting Game
8. Walk Away
9. Paint The Sky Black