Augusta Barna é um dos excelentes novos nomes da música brasileira. A artista mineira, que fez sua estreia em 2021, está lançando o seu novo single, “Acaju” — já disponível nas principais plataformas de streaming.
“Acaju”
Dançante, alegre e leve, a música chega trazendo uma brisa praiana para lavar a alma e lembrar que o calor está dentro. “Acaju” foi composta por Augusta e versa sobre romances solares e tropicais, convidando o ouvinte a se envolver em suas baladas cheias de energia e cores.
O single brinca com ritmos funkeados e instrumentais em uma saborosa musicalidade que busca de maneira simples e marcante um espaço popular, dançante e apaixonado ao lado do público. O trabalho ganha visualidade em um clipe — realizado com o apoio do Fundo Municipal de Cultura de Contagem —, abrindo alas para futuros trabalhos da nova fase da artista.
“Acaju” nasce e se apresenta ao mundo coberta de subjetividades. Para a realização da música, Augusta Barna contou com produção de Dudu Amendoeira, mixagem de João Myrrha e master de Chuck Leone. A canção conta ainda com os instrumentistas Chico Bueno Amaral na guitarra, Rodolfo Buarque nas percussões, Dudu Amendoeira no piano elétrico e a preparação vocal de Andrea Amendoeira.
Augusta Barna
Augusta Barna carrega em seus 19 anos o querer de quem deseja ser lembrada no agora por dividir sua poesia, voz e sentimentos com o mundo. A música sempre esteve presente na vida da artista, que é dona de uma desenvoltura impressionante, personalidade marcante e determinação diante de seus sonhos e objetivos.
Augusta lançou seu primeiro EP, Cantora de Ruídos, entre Janeiro de 2021 e Maio de 2022, sendo sua maior parte no ápice da pandemia de COVID-19. Para os lançamentos do 2° semestre de 2022, a cantora promete impactar e marcar de vez seu lugar na cena, provocando sinestesias ao compartilhar seu processo de criação de maneira disruptiva.
Foi a época em que a Los Angeles Sunset Strip era mestre e senhor, de mãos dadas com o glam rock de festa e cheio de maquiagem. Mas dali, como contrapartida, vieram cinco renegados para mudar as regras do jogo: ninguém menos que o Guns N' Roses — da união de duas bandas locais, LA Guns e Hollywood Rose. Desde sua formação, em 1985, eles se tornaram o terror do circuito de clubes da cidade; com uma reputação de intratabilidade. “Descobertos” por Tom Zutaut, que anos antes fez a mesma coisa com o Mötley Crüe, eles acabaram assinados pelo selo Geffen – não sem polêmica e a pedido deles.
A banda, que teve um pequeno lançamento autofinanciado anterior - o EP Live Like a Suicide (1986); era exigente, por causa da visão clara que eles tinham do produto final – sem nenhum mas ou sugestão interferindo. O guitarrista e produtor do Nazareth, Manny Charlton, foi chamado para assumir os botões – com Axl Rose entregue, enfrentando um de seus ídolos. Uma dúzia de demos saiu daqueles dias, agora conhecido como 1986 Sound City Session .— que fazia parte da reedição deluxe, lançada em 2018. Mas devido à agenda lotada do nativo da Andaluzia, juntamente com o fato de não se conectarem muito; a vaga permaneceu vazia. Eles acabaram indo com Mike Clink; quase expressamente por sua participação, como engenheiro de som, no indispensável UFO britânico: Strangers in the Night (1979) — o show ao vivo favorito e definitivo de Slash. Essas sessões levaram seis meses, para que o trabalho chegasse às prateleiras em 21 de julho de 1987.
Gravado no Rumbo Studios, tanto o título quanto a capa vieram de uma ilustração de Robert Williams – que tinha um monstro vermelho pulando uma cerca de madeira, prestes a atacar um robô que estuprou uma mulher. Essa primeira versão não durou muito, por motivos óbvios de filtros de censura — embora a imagem, longe de ser descartada, tenha ido parar na cartilha. Eles mantiveram o nome, o muito preciso Appetite for Destruction , mas desta vez uma cruz e os crânios dos cinco membros foram endossados, que Rose mais tarde tatuou em seu antebraço direito. Um objetivo real, de design requintado; Bem ao contrário da ideia tosca que passou pela cabeça deles: o ônibus espacial Challenger no momento de sua explosão (1986).
Welcome to the Jungle é um ponto de partida imbatível; o que muitos buscam ao longo da carreira, sem conseguir, já o tinham na trilha inicial. Uma imortal com todas as suas cartas. Foi a primeira vez que Axl e Slash se sentaram para escrever algo, e saiu em quinze minutos; "Este é o melhor exemplo de uma música alcançada sem muito esforço" , lembra o guitarrista. Apesar de se inferir que "é sobre as ruas de Hollywood" , como disse Izzy Stradlin, ele teve passos em outras cidades: os crushes chegaram a Rose enquanto em Seattle, pois a frase que fez um antes e um depois veio de Nova York: " Dormi uma noite em um pátio de escola em Queens. Um negro veio até mim e disseVocê sabe onde está? Você está na selva! Vai morrer! ” — disse ele em entrevista à revista Rolling Stone, que derrubou inúmeros mitos.
It's So Easy se destaca dos demais pelo recurso vocal que possui, longe do timbre habitual de Axl. “Canto em tom mais baixo, pois combina melhor com a atitude da música; Não era algo que eu realmente pensava, eu apenas comecei a fazer isso. As pessoas me perguntam por que eu não canto muitas músicas assim, e é só porque eu faço do jeito que a música merece. E isso merece ser cantado de forma diferente do resto do material. É um punk rock, duro e apertado” . Creditado a Duff McKagan e West Arkeen - um amigo e colaborador ocasional da banda em seus primeiros anos. Em uma época em que o dinheiro era escasso, mas seus melhores aliados abundavam: mulheres jovens, muitas delas strippers, que as ajudavam com algum dinheiro ou acomodação.“As coisas eram muito simples. Há uma sensação de vazio ali: é tão fácil” , explica o baixista. Foi feito acusticamente, como um cruzamento entre hippie e country; até Slash aparecer e aumentar o volume. “Eu me levantei e comecei a fazer o malvado Iggy Pop, enquanto West estava lá com um rosto comprido e caído; como dizer minha música! ” , limita o ruivo.
O chocalho de Steven Adler dá início ao Nightrain , que foi baseado em um vinho barato de mesmo nome; uma das preferências do grupo, na já mencionada fase de vacas magras. “Com um dólar você caga, cinco dólares e você morre” , segundo as palavras de McKagan; em alusão ao alto percentual de álcool que possuía. Out Ta Get Me , furioso, é dilacerado pelo vocalista: “A letra está dizendo 'Estou sempre com problemas, mas ainda consigo lidar com isso.' É como se toda vez que você se virasse, alguém estivesse tentando te cagar; ou a polícia batendo na sua porta e você não fez nada. Está apenas sendo puxado para algo e tentando sair de baixo disso . ” Por Mr BrownstoneMuito tem sido feito disso em um tom distorcido, já que retrata o vício em heroína – rumores como a overdose de Slash quando foi feita por ambos os guitarristas. Mas a verdade é que “escrevemos em cerca de cinco minutos, enquanto eu cozinhava alguma coisa” — diz Stradlin, fiel ao seu estilo conciso.
Paradise City , um grande sucesso, que em questão de tempo ficou com a tarefa definitiva de encerrar os shows todas as noites; inescapavelmente. A razão é óbvia: é um hino inato das grandes arenas e estádios — em crescendo do duo de guitarra e bateria, do coro, do mellotron e do apito com que explode. “ Escrevi os acordes quando me mudei de Seattle para Los Angeles, quando não conhecia ninguém e foi uma sensação que me derrubou ”, enfatiza Duff — o que pode estar ligado a que “há partes que têm aquela sensação de voltar para casa” , como eles próprios diriam. O solo, como Slash afirmou, é basicamente improvisado.
Depois de uma sutil introdução das seis cordas, que explodem de repente, aparece My Michelle . “Eu tinha um riff, era uma melodia lenta e suave. Quando íamos tocar, Slash ligou seu amplificador e começou a bater [a música] . Virou hard rock, mas começou como acústico ”, diz Stradlin. A aludida é Michelle Young: “Conheci uma garota, que se tornou uma grande amiga da banda; Namorei com ela por algum tempo. O tema é baseado em uma história real ”, lembra Rose. Foi ele quem o levou a um show, e Your Song , de Elton John, tocava no rádio; comentando de passagem que “eu adoraria que alguém escrevesse uma linda música sobre mim” .
Ele começou a trabalhar, colocando toda sua honestidade em suas palavras; que nada mais abre os versos: “Seu pai trabalha com pornografia, agora que a mãe não está por perto; Ele costumava amar sua heroína, mas agora ela está no subsolo." O resto da história sabendo claramente para onde está indo. “Ele leva uma vida tão louca com drogas, não sei o que ele está fazendo agora. Nunca se sabe se ela estará viva amanhã, toda vez que a vejo fico aliviado e feliz por ela” , completa. Os outros não acharam uma boa ideia, por causa da densidade envolvida; sendo Slash quem elucida: “Axl me trouxe esta carta um dia, e eu disse a ele que não podia dizer isso. Quer dizer, nós conhecemos aquela garota há anos . ” Mas a própria Michelle ficou satisfeita com a realidade impressa:"Na época eu não me importei porque eu estava tão confuso, mas tudo o que ela diz é verdade . "
Think About You , uma balada de energia em ritmo acelerado, pouco se sabe. Foi uma jogada individual de Izzy, e é por isso que ele mantém tanto sigilo; mas é ele, excepcionalmente, quem lida com o solo de guitarra. Acaba abrindo campo para o superlativo Sweet Child O' Mine , e seu riff de marca registrada. Riff que, a propósito, inicialmente não gostava de Slash; tendo feito isso quase como uma brincadeira, soando quase como uma música de circo para ele - mas ele acabou aceitando assim que eles entraram no estúdio, e ainda mais vendo a reação que teve ao vivo. “Uma tarde estávamos todos lá, eu estava sentado em frente a uma lareira e comecei [a cantarolar a introdução].Realmente foi uma piada! O que aconteceu depois foi que Izzy começou a tocar os acordes básicos, Axl se inspirou e começou a cantar; e isso se tornou uma música completa” .
Com uma doçura difícil de acreditar que vem deles, ela tem nome e sobrenome: Erin Everly — filha de Don Everly, de The Everly Brothers. Aquele que "tem um sorriso que me faz lembrar das lembranças da minha infância, quando tudo era tão fresco quanto o brilho do céu azul". Na época namorada, e futura esposa efêmera, de Axl. “Muitas bandas de rock são covardes demais para ter qualquer sentimento ou emoção, a menos que estejam com dor. É a primeira música de amor positiva que eu já escrevi, mas eu nunca tive ninguém para quem escrever antes, eu acho . ” O processo em estudo não foi deixado ao acaso, como Rose ilustrou à já citada revista Rolling Stone:“Em um ano, gastei US$ 1.300 em cassetes. Comprei tudo, desde Slayer até Wham!, só para ouvir a produção, os vocais, as melodias e todos os detalhes. [Para gravar Sweet Child O' Mine ] eu saí e comprei algumas fitas antigas do Lynyrd Skynyrd, para ter certeza de que conseguiríamos transmitir essa intensidade de sentimento . " O que se encaixa com o que foi coletado de McKagan: “É provavelmente a música mais difícil para mim e Steven gravarmos, porque você tem que se manter firme; além da emoção nele” .
A coisa mais louca da coleção é You're Crazy . A princípio chamava-se Fucking Crazy — que aparece de forma sorrateira em três ocasiões, aproveitando-se do transe desenfreado. “ [Mudou] porque eu não queria que algum idiota pegasse e dissesse 'eles botaram foda no título', nem dando chance ”, diz Axl, terminando dizendo: “É sobre outra garota que conhecemos. , que era louco” . Originalmente escrito em formato acústico, pouco antes da banda assinar o contrato de gravação; foi usado para os testes rigorosos, até que saltou para a seleção final. Qualquer coisa serveremonta ao período anterior, no Hollywood Rose, dividindo o crédito de composição com Chris Weber – “Costumava ser speed metal ”, comentou Izzy, sobre um que costumava ter doze minutos de duração e tinha ajustes significativos.
O Rocket Queen foi o escolhido para abaixar a cortina: “Eu escrevi para uma garota, [Barbi Von Greif] , que ia formar uma banda com esse nome. Ela me manteve vivo por algum tempo; a última parte é o meu recado para essa pessoa, ou para quem puder tirar algo disso” , refere a cantora. Mas que a primeira metade se mova por águas completamente diferentes, um ato sexual longe de ser figurativo: “Axl queria alguns sons pornográficos, então ele trouxe uma garota e eles fizeram sexo no estúdio; gravamos cerca de trinta minutos” , conta o responsável pela mixagem. Adriana Smith, namorada do baterista, foi quem esteve lá com Rose. “Ela não queria ficar por aí para filmar alguém sendo fodido; Não foi o ponto alto da minha carreira. Então preparei os microfones e mandei meu assistente gravar” , dando assim espaço para um certo Victor “o engenheiro do caralho” Deyglio.
Um prato redondo, um grande sucesso em si mesmo, onde não sobra uma nota – a um fio de distância de incluir um cover de Jumpin' Jack Flash , um original dos Rolling Stones. Mas foi difícil para ele decolar: eles não estavam vendendo o suficiente, já tinham o vídeo de Welcome to the Jungle ; sem prestar atenção nisso. “A MTV estava com medo de que se eles passassem pelo Guns N' Roses, as emissoras a cabo locais os tirassem do ar.Liguei para o escritório de David Geffen e ele disse que o álbum estava pronto. Então eu fui até lá e perguntei se ele poderia fazer com que fosse lançado pela MTV. Algumas horas depois, ele respondeu: 'Eles vão exibir o vídeo às 5h da manhã de domingo, como um favor especial para mim.' Mesmo àquela hora da manhã, fizeram tantos pedidos para a música que derreteram a central telefônica” , conta Tom Zutaut.
Eles subiram lentamente como espuma, embarcando em uma turnê promocional onde viajaram como número de abertura do The Cult, Mötley Crüe, Iron Maiden e Aerosmith; para já nessa última parte, em 1988, dar o hit com o clipe Sweet Child O' Mine . Depois disso, não havia ponto de retorno; colocando Apetite pela Destruiçãocomo a estreia mais lucrativa, junto com Led Zeppelin e Van Halen. Foi delineado como um pilar do rock, até hoje com mais de trinta milhões de cópias vendidas; bem documentado, como é o caso do livro Reckless Road (2008) — feito por Marc Canter, um amigo próximo que gravou tudo desde os primeiros dias. Começaram com o pé direito, pavimentando o caminho com platina maciça; transformando o lenço e a cartola em grito e prata.
Curso Top Produtor: afinal, o que precisa para produzir música?
Todos os produtores musicais do mundo moderno devem ter pelo menos consciência do que significa o termo Digital Audio Workstation, também conhecido pela sua abreviatura DAW. Se traduzirmos o termo para português, obtemos algo como Estação de Trabaho de Aúdio Digital. Ainda não está a perceber o que é isto? Bem, continue a ler porque, além de apresentarmos uma resposta, vamos explicar aquilo que pode fazer para se tornar num mestre desta tecnologia áudio.
O Digital Audio Workstation é um sequenciador que permite gravar e editar áudio digital. Basicamente tratam-se de softwares que permitem produzir música e sons, assim como tratar de todo o processo de edição: equalizar sons, organizar sequências de tracks, eliminar ruídos que estejam a perturbar o som, entre outros.
Para o músico moderno é uma ferramenta essencial mas que, por vezes, não é fácil de dominar. Por muito que sejamos bons a tocar um instrumento ou até mesmo a cantar, isso não significa que consiga dominar com a mesma mestria um software DAW. Se é esse o seu caso, fique então a conhecer o curso Top Produtor, que se debruça exatamente na produção de música eletrónica e na utilização de softwares de edição de som.
Curso Top Produtor: como fazer música eletrónica
O Curso Top Produtortem como alvo de estudo a produção de música eletrónica e, de forma a assegurar uma boa aprendizagem, é composto por 8 módulos lecionados, de forma regrada, durante 12 semanas. Assente totalmente na Internet, é a escolha perfeita para quem quer aprender a produzir músicas através de softwares Digital Audio Workstation (DAW) mas não tem tempo para se deslocar para escolas ou centros de formação.
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O Curso Top Produtor é ideal para qualquer pessoa que já tem algumas noções básicas sobre softwares de música eletrônica.
Anvil é uma banda canadense de heavy metal. No começo dos anos 80, a banda causou impacto na cena crescente do speed metal. Seus primeiros três álbuns mostravam um metal tecnicamente avançado e espantoso numa velocidade nunca antes vista - som pelo prazer do som, e não pela música.
A história do Anvil começa em 1973, quando os colegas de escola Steve “Lips” Kudlow (vocal e guitarra) e Robb Reiner (baterista) se juntam a um guitarrista local para montar uma banda. Cinco anos depois, com a adição de Dave “Squirrely” Allison (vocais e guitarra) e Ian “Dix” Dickson (baixo), a banda Lips começaria a seguir a mesma trajetória de qualquer banda iniciante atrás de gravadoras. Três anos depois, já renomeada Anvil, Lips, Kudlow & cia debutariam com Hard ‘N’ Heavy.
Em termos musicais, o início dos anos 1980 foi marcado por um grande movimento chamado NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal – “A Nova Onda do Heavy Metal Britânico”) cujo maior representante ainda ativo é o Iron Maiden. A influência do movimento não se restringiu à terra da Rainha e diversas bandas do outro lado do Atlântico se beneficiaram dele. O Anvil foi um deles. A banda obteve um certo sucesso naqueles anos, sendo seu ápice um festival no Japão ao lado de gigantes da época, como o Scorpions e Bon Jovi, em 1984. Citado como influência por grandes nomes do metal como Kerry King (Slayer), Slash (ex-Guns ‘N’ Roses) e Scott Ian (Anthrax), tudo levava a crer que o Anvil marcaria a história da dita música pesada. E realmente, isso aconteceu. Mas não da forma que todos poderiam esperar.
Do Japão de 1984, pulemos para Toronto, Canadá, em 2006. É lá que o diretor Sasha Gervais (mais conhecido por ter escrito o roteiro de O Terminal, de Steven Spielberg) encontra Steve Kudlow e Robb Reiner. Duas estrelas consagradas de rock com 30 anos de estrada, fama e sucesso? Não mesmo.
Mais de vinte anos após seu grande momento, as duas mentes por trás do Anvil levam vidas quase patéticas, ainda que bastante honestas: Lips sustenta sua família trabalhando como entregador de merendas escolares, enquanto Reiner trabalha na construção civil. E, sim, os dois continuam perseguindo aquela chance que tem certeza merecer.
Lançado no fim de 2011 por aqui para o mercado de homevideo, Anvil: The Story Of Anvil é um dos mais interessantes e honestos documentários sobre música já feitos. Sasha Gervais, um grande fã do Anvil, decidiu ficar ao lado da banda por praticamente dois anos, registrando seus (raríssimos) altos e seus (constantes) baixos. Da arena no Japão, o Anvil reduziu-se a uma banda que toca em casas minúsculas no Canadá, para uma base fiel de fãs. Quando conseguem a chance de uma excursão de um mês pela Europa, o cenário muda, mas a rotina não. Liderados por uma empresária tão bem intencionada quanto incompetente, o Anvil toca em bares para plateias de, muitas vezes, meia dúzia de pessoas. Literalmente. E praticamente não recebem nada pelos serviços prestados, chegando ao cúmulo de serem pagos com comida.
Tudo isso parece roteiro de uma comédia, mas não é bem isso. Anvil: The Story of Anvil é uma história tocante sobre dois homens que, mesmo na casa dos 50 e com todos os prognósticos negativos, perseguem seu sonho de infância. Filmado e editado de maneira brutalmente honesta por Gervais, o documentário foi muito bem recebido por crítica e público em geral, incluindo, obviamente, pessoas que nunca haviam ouvido falar da banda. O filme teve sua estreia no Festival de Sundance em 2008, e naquele ano foi premiado com o Audience Awards no Sydney Film Festival, no Los Angeles Film Festival e no Galway International Film Festival. Em 2009, foi premiado como Melhor Documentário no Evening Standard British Film Awards e, no ano seguinte, levou o mesmo prêmio do 2010 Independent Spirit Awards de Los Angeles.
Mais importante que qualquer prêmio é que, ao abrir as portas de seu cotidiano e mostrar sua rotina diária sem pudores, Lips e Reiner atraíram também a atenção das pessoas certas. Desde 2008, o Anvil encontrou uma sobrevida e conseguiu o sucesso perseguido durante três décadas: hoje, finalmente, os dois cinquentões podem viver exclusivamente de sua música.
Integrantes.
Atuais.
Steve "Lips" Kudlow (Vocal, Guitarra, desde 1978) Robb "Robbo" Reiner (Bateria, desde 1978) Chris Robertson (Baixo, Vocal de Apoio, desde 2014)
Ex - Integrantes.
Dave "Squirrely" Allison (Guitarras, Backing Vocals, 1978-1989) Ian "Dix" Dickson (Baixo, 1978-1993) Sebastian Marino (Guitarras, 1989-1995) Mike Duncan (Baixo, 1993-1996) Ivan Hurd (Guitarras, 1995-2007) Glenn "Glenn Five" Gyorffy (Baixo, Backing Vocals, 1996-2012) Sal Italiano (Baixo, 2012-2014)
02. Winged Assassins 03. 666 04. Thumbhang 05. School Love 06. Heat Sink 07. March Of The Crabs (Instrumental) 08. Plenty Of Power 09. Mothra 10. Sins Of The Flesh 11. Jackhammer (Live) 12. Juggernaut Of Justice 13. No One To Follow 14. Mad Dog 15. Bottom Feeder 16. Race Against Time 17. American Refugee 18. Fire In The Night 19. Park That Truck
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