"Sabbath Bloody Sabbath" foi o primeiro álbum do Black Sabbath que comprei em CD. Meu pai me recomendou com base no fato de que era seu álbum favorito dos três Sabs que ele possuía em vinil (junto com "Paranoid" e "Never Say Die"). E cara, acabou sendo a introdução perfeita ao Sabbath para mim! Em uma pequena nota lateral, acho que a capa do álbum é perfeitamente má, embora pareça um pouco datada.
Assim como em outros álbuns do Black Sabbath, a principal força aqui são os riffs; a maior parte do álbum contém riffs pesados épicos. Por exemplo, a faixa-título é um metal de masmorra absolutamente épico; aquele riff de abertura soa como se estivesse arrancando as algemas das masmorras das paredes de pedra. Curiosamente, esse primeiro riff é seguido por uma seção que soa um pouco como Jethro Tull (o que não é uma coisa ruim!) antes de retornar ao material pesado. O outro riff costumava me assustar na minha juventude, mas agora eu aprecio o quão mal soa! Com exceção da música acústica "Fluff", todas as músicas contêm maravilhosos riffs de Iommi, especialmente a faixa-título, A National Acrobat, "Sabbra Cadabra" e "Killing Yourself To Live".
Liricamente, este álbum me parece um de seus álbuns mais interessantes e fortes. "A National Acrobat" tem uma letra incrivelmente estranha (“quando pequenos mundos colidem, estou preso dentro da minha célula embrionária”) e uma das melhores risadas de Ozzy de todos os tempos bem no final do extenso groove do meio. "Killing Yourself To Live" é um sábio conto de advertência, e "Spiral Architect" é uma joia de conto. Ozzy faz um ótimo trabalho em todas as faixas!
O Black Sabbath também mostra maturidade e variedade bem posicionada neste álbum, coisas apenas insinuadas em seus álbuns anteriores. "Fluff" é provavelmente a música acústica mais bonita do Sabbath. É certamente muito mais melódica, suave e bonita do que "Laguna Sunrise", que sempre soa um pouco instável para mim. E "Sabbra Cadabra" pode ser a música mais animada e polida do início do Sabbath. Meu pai uma vez a descreveu como “doce Sabbath” e acho que é uma boa descrição, com todos os teclados de Rick Wakeman e as letras românticas.
Existem algumas áreas para mim onde este álbum perde algumas marcas. As três primeiras faixas do lado dois se arrastam para mim depois de repetidas audições, e o sintetizador em "Who Are You" soa um pouco datado e cafona. Além disso, Geezer é muito menos perceptível no baixo do que nos quatro álbuns anteriores. No entanto, pela primeira vez, Bill Ward faz um álbum inteiro sem nunca soar como um baterista bobo para mim. Não, de fato, neste álbum Bill Ward se encaixa perfeitamente em todas as músicas. É como se ele tivesse aprendido a ser baterista entre o "Vol. 4" e "Sabbath Bloody Sabbath".
A última faixa, "Spiral Architect", é uma das maiores conquistas do Black Sabbath como artistas musicais. Não é minha música favorita deles, e provavelmente não é a melhor ou mais influente faixa deles, mas há algo nela que transcende a necessidade de identificação de gênero como ouvinte. Não importa se você é um metaleiro, um frequentador regular de sinfonias ou um fanático por jazz. "Spiral Architect" é uma música tão bem escrita que deve fornecer algo para todos. Começa com um belo violão acústico, antes de se transformar em algo majestoso e arrebatador, com guitarras, bateria, ótimos vocais e arranjos orquestrais de bom gosto. Os arquitetos da cidade espiral, de fato, os senhores Iommi, Osbourne, Butler e Ward!
Em uma nova entrevista à RockFM da Espanha, o vocalista do Deep Purple, Ian Gillan, foi questionado se é verdade que ele quebrou o único álbum do Black Sabbath em que cantou, "Born Again", de 1983, quando conseguiu uma cópia dele. Ele respondeu (conforme transcrito pelo BLABBERMOUTH.NET): "Eu não quebrei. Joguei pela janela do meu carro. [Risos]
Olha, fiquei desapontado", explicou."Eu não tinha a mentalidade de todos os caras do Black Sabbath. Eu adorei. Tive um ano fantástico; foi insano. Mas quando terminamos as mixagens... 'Born Again', e soa fantástico - apenas em uma fita cassete. E foi a última coisa que ouvi no estúdio de gravação. Quando ouvi o álbum, pensei, 'O que é isso?' O estrondo do baixo foi um pouco demais para mim.
Há uma frase famosa em um filme famoso chamado 'This Is Spinal Tap' que tem duas ou três referências ao Black Sabbath”, acrescentou Gillan. "E eu não sei de onde isso pode ter vindo [risos], mas uma delas era 'Este álbum não pode ser reproduzido nas rádios americanas', por causa do final do baixo. E assim foi - impossível de tocar no rádio.
"Fiquei desapontado com a mixagem da produção final", esclareceu Ian. "Não sei o que aconteceu entre o estúdio e a fábrica, mas algo aconteceu. Então foi uma decepção. Dito isso, adoro algumas das músicas de lá. E 'Trashed' é uma das minhas favoritas do rock and roll de todos os tempos, e ainda mais porque é uma história completamente verdadeira. [Risos]"
Gillan também refletiu sobre sua atividade na turnê com o Sabbath, dizendo: "Eu estive com banda por um ano e cantei canções de Ozzy Osbourne, bem como as canções de 'Born Again'. E nunca me senti bem fazendo isso. Foi ótimo - Eu poderia cantá-las bem - mas não soava como Ozzy. Havia algo que não estava certo."
Lançado em agosto de 1983, "Born Again" também foi o último dos álbuns de estúdio do Sabbath a apresentar o baterista Bill Ward.
Após a saída do vocalista Ronnie James Dio e do baterista Vinny Appice após a mixagem de estúdio do álbum "Live Evil", o grupo estava mais uma vez à procura de outro vocalista principal para preencher o vazio significativo deixado na frente do palco. A banda se virou para Gillan.
O álbum resultante e a turnê ao vivo certamente criaram uma das associações mais curiosas do mundo do heavy metal. Grande parte dessa era do Black Sabbath passou para o folclore do rock e foi, na verdade, a fonte do material usado no documentário de rock "This Is Spinal Tap". Desde a réplica da produção teatral de "Stonehenge", que era muito grande para alguns dos locais da turnê mundial, até o emprego de um anão para se vestir e fazer o papel do "bebê-demônio" da capa do LP, o mundo do Black Sabbath assumiu um ar distinto do surreal.
Embora o bem recebido álbum "Born Again" e as datas ao vivo tenham conseguido atiçar as brasas e manter as chamas do Sabbath acesas, esse seria um casamento construído mais sobre amizade e respeito, em oposição a qualquer associação musical compatível e de longa data. Depois de uma turnê, Ian Gillan acabaria se despedindo e se juntando a seus antigos colegas para a reunião da aclamada Mk. II do Deep Purple, deixando o Black Sabbath mais uma vez olhando para a bola de cristal, esperando que o rosto de outro vocalista se revelasse.
Para Iommi, Geezer Butler, Ward, Gillan e o tecladista Geoff Nicholls, o trabalho começaria rapidamente em maio de 83 no Manor Studios na vila de Shiptonon-Cherwell, Oxfordshire. Produzido pelo grupo e o co-produtor Robin Black, que também trabalhou em "Sabotage" de 1975, "Technical Ecstasy" de 1976 e "Never Say Die" de 1978, o décimo primeiro lançamento de estúdio do Sabbath representaria um afastamento radical da atmosfera sombria e enegrecido lirismo que forjou sua identidade e gerou inúmeros descendentes.
A abordagem de Gillan para a composição de canções revelou uma abordagem mais leve para o que tinha, até então, sido a principal preocupação de Butler. A abertura do álbum "Trashed", por exemplo, foi inspirada na corrida embriagada de Gillan pelos terrenos do Manor no carro de Bill Ward, que terminou em quase uma catástrofe e um veículo destruído. "Disturbing The Priest" foi o resultado de uma porta no estúdio ter sido deixada aberta durante a reprodução, e um vigário local apareceu na porta pedindo que o volume fosse abaixado, pois estava atrapalhando o ensaio do coral na vila adjacente.
Apesar de toda a sua aparência desequilibrada, no entanto, "Born Again" ainda era o Sabbath por completo. Musicalmente distorcido e possuído por mais do que um sopro de enxofre, o álbum é um vislumbre emocionante de um mundo alternativo.
Em uma entrevista de 2018 para a SiriusXM, Gillan disse que "Born Again" começou com uma bebedeira no Bear Inn, um dos pubs mais antigos de Oxford, Inglaterra.
"Como tudo começou foi porque ficamos bêbados juntos uma noite", disse o vocalista do Deep Purple. "Fui tomar uma bebida com Tony e Geezer e acabamos debaixo da mesa. E não me lembro de muito mais do que aconteceu. Mas recebi uma ligação do meu empresário no dia seguinte dizendo: 'Você não acha que deveria me ligar se você vai tomar decisões como esta?' Eu disse: 'Do que você está falando?' Ele disse, 'Bem, aparentemente você... Acabei de receber uma ligação. Você concordou em se juntar ao Sabbath.' Então foi assim que aconteceu. Eu estava meio perdido de qualquer maneira, tendo acabado de terminar com minha própria banda e o Purple não sendo realmente nada viável na época. Então estabelecemos um plano de um ano, e era fazer um álbum e uma turnê. Ninguém sabia o que ia acontecer, então eu montei minha barraca, literalmente, na velha mansão em Oxfordshire. E fizemos um álbum. Eu não os via muito. Eles eram pessoas da noite , então eles dormiam o dia todo e trabalhavam a noite toda. Eu levantava de manhã, fazia meu café da manhã, ia para o estúdio ouvir o que eles tinham gravado na noite anterior e escrever uma música sobre isso. E foi assim que o álbum foi feito."
Gillan passou a descrever a produção de "Born Again" como "um desafio para mim. Foi um pouco como fazer 'Jesus Christ Superstar' ou cantar com Pavarotti; é apenas algo completamente diferente", explicou. "Mas Tony é um ótimo escritor. Você sabe o que esperar de Tony. Não há uma abordagem multidirecional. Ele é o pai de tudo que saiu de Seattle, acredito. Ele é muito direto e foi assim que evoluiu desde o início.
"Achei muito fácil cantar e escrever músicas com [Tony]", continuou Ian. "E tivemos algumas boas. Sempre houve uma narrativa. Minha música favorita desse álbum é 'Trashed', que era uma história verdadeira sobre uma pista de corrida e muita bebida e um carro girando e batendo e virando de cabeça para baixo . Foram tempos emocionantes."
A segunda faixa de "Born Again" foi uma breve instrumental chamada "Stonehenge", e na turnê do Sabbath de 1983, a banda hilariamente teve que abortar um conceito de palco de Stonehenge porque o cenário era grande demais para ser usado.
"Tínhamos uma produtora chamada Light And Sound Design; eles estavam em Birmingham, onde a banda era baseada", lembrou Gillan. "E um dia, depois do ensaio, tivemos uma espécie de reunião para ir ao escritório e, enquanto caminhávamos por esses corredores, um dos caras disse: 'A propósito, alguém tem alguma ideia de conceito para um cenário de palco ou nada?' E Geezer Butler disse: 'Sim, Stonehenge'. E o cara disse: 'Uau! Isso é ótimo.' Ele disse: 'Como você visualiza isso?' E Geezer disse: 'Bem, em tamanho real, é claro.' Não chegamos ao tamanho real, mas foi cerca de dois terços. E nunca conseguimos colocar tudo em um palco. Tocamos em grandes arenas, lugares, estádios, e você não conseguia [lá em cima] . Portanto, existem partes dele, existem monólitos que estão espalhados por docas em algum lugar e são vistos em todo o mundo, até onde eu sei."
Um tesouro de longa data entre os fãs hardcore do Sabbath, "Born Again" foi relançado na primavera de 2011 como um conjunto especial de dois CDs com uma apresentação ao vivo de 1983 no Reading Festival.
Na época de seu lançamento inicial, "Born Again" foi um sucesso comercial. Foi o álbum do Black Sabbath com maior sucesso no Reino Unido desde "Sabbath Bloody Sabbath" e se tornou um hit do Top 40 americano. Apesar disso, tornou-se o primeiro álbum do grupo a não ter nenhuma certificação RIAA (ouro ou platina) nos Estados Unidos.
No ano passado, Iommi disse ao jornal francês Le Parisien que estava pensando em remixar "Born Again", agora que localizou as fitas originais do álbum.
Um álbum de flamenco rock feito por um grupo de músicos experientes com dois tecladistas (piano/sintetizador), guitarras, baixo e bateria. As sete canções são diversas, melódicas e apaixonadas com vocais dramáticos influenciados pelo flamenco, jazz e rock. Mekkipuur
Álbum de edição privada e raríssimo, Siegfried, il drago e altre storie foi o primeiro e único LP lançado por esta banda de Turim, que estava na ativa desde 1974 e que já havia gravado duas fitas e algumas faixas lançadas postumamente em CD no início dos anos 90.
A banda era inicialmente um trio sem nome, depois um quarteto que só assumiu o nome de Errata Corrige quando o estreante Mike Abate substituiu o guitarrista anterior Cardellino. Duas fitas demo, intituladas Da mago a musicista e Saturday il cavaliere foram lançadas pelas primeiras formações.
O LP é lançado em 1976, com letras inspiradas na fantasia e atmosferas sonhadoras de soft-prog, não muito diferente de Celeste em seu primeiro álbum ou Pierrot Lunaire. Arranjos mais complexos e mudanças de ritmo tornam este disco atraente e com som original. Os integrantes da banda tocam uma longa lista de instrumentos com boa musicalidade e o resultado é absolutamente positivo.
O CD Mappamondo inclui suas primeiras gravações junto com faixas de 1977 com som mais comercial.
Após a separação da banda, Marco Cimino tocou com Arti & Mestieri, Esagono, Venegoni & co. e o grupo folk do Piemonte La Ciapa Rusa, e também aparece no recente CD de reunião de Arti & Mestieri, Murales. Ele também estava entre os membros fundadores do selo Mu, inspirado no jazz de Turim. Italian Prog Rate Your Music Link
A Polônia moderna produziu alguns artistas musicais de sucesso internacional nas últimas décadas, com bandas como Riverside, Behemoth, Vader e Mgła obtendo sucesso mundial. A era comunista da música polonesa não é tão conhecida. Nos círculos progressivos SBB, Czesław Niemen e Anawa ganharam algum reconhecimento, mas havia tantos outros que ainda espreitam na bruma nebulosa da obscuridade. OSSIAN (também escrito OSJAN) é uma dessas bandas que se formou em Cracóvia em 1971 e ainda existe até hoje como uma unidade de banda.
Conhecida mais por seus shows ao vivo improvisados do que por seus lançamentos esporádicos de álbuns, esta banda tocou em locais incomuns, como prisões suecas, bem como em locais nativos de sua Polônia natal. Ao contrário de muitos de seus contemporâneos progressivos, OSSIAN ofereceu uma mistura única de elementos que o tornam difícil de classificar. Existindo em algum lugar nas nebulosas regiões nebulosas onde avant-folk, psicodelia, jazz avant-garde e minimalismo se cruzam, OSSIAN é mais conhecido por criar seu próprio estilo único de música pacífica e meditativa que, embora não seja raga indiana por natureza, ainda exala o mesmo transcendental vibe.
OSSIAN lançou dois álbuns autointitulados consecutivos em meados dos anos 70, com este aparecendo pela primeira vez em 1975. Alguns afirmam que este é um álbum ao vivo e outras fontes o citam como o primeiro álbum de estúdio. Dado que há poucos ruídos do público, é impossível dizer, no entanto, dada a natureza improvisada da banda, o álbum provavelmente foi gravado ao vivo no estúdio e, portanto, permitindo que ambas as afirmações sejam verdadeiras simultaneamente. Este álbum originalmente apresentava seis faixas no tempo de reprodução do vinil padrão, mas algumas reedições de CD apresentam duas faixas bônus extras adicionando 18 minutos adicionais. Na verdade, há alguns sons de participação do público em "Księga deszczu VI", mas esta pode ser a única faixa retirada de uma apresentação ao vivo.
Este é realmente um álbum de som único que apresenta apenas os três músicos Jacek Ostaszewski na flauta e dholak, Marek Jackowski nas guitarras e bateria e Tomasz Hołuj tocando tabla, gongos e outros instrumentos percussivos. Por se tratar de música improvisada, as faixas parecem ter estruturas pré-ordenadas que, uma vez introduzidas, podem decolar para a improvisação e em muitos aspectos trazem a natureza improvisada do jazz para o mundo progressivo do avant-folk.
Embora as melodias sejam comuns ao longo do álbum, especialmente com a flauta, também há muitos elementos monótonos, como os riffs repetitivos do violão e as explosões percussivas tribais da tabla. Em alguns momentos o álbum realmente soa como se tivesse sido inspirado nas Indo-ragas do subcontinente indiano e em outros momentos lembrando um pouco mais a banda de folk progressivo chileno Los Jaivas, especialmente com algumas das escalas de flauta. O que está claramente ausente da abordagem de OSSIAN é qualquer traço de polonês ou qualquer outra influência folclórica eslava. A música oferece uma abordagem muito escapista e, ao contrário de contemporâneos progressivos como SBB e Anawa (que apresentavam alguns membros aqui), não depende da música clássica como fonte de influência.
Os membros do OSSIAN eram mestres em pegar riffs rítmicos cíclicos repetitivos, grooves e conjuntos de percussão e aumentar a intensidade da mesma forma que muito do pós-rock moderno lentamente avança para crescendos estrondosos. Enquanto um álbum como este pode soar um pouco chato no papel, as performances reais são muito cativantes. Isso quase soa como um círculo de bateria improvisado por músicos de primeira linha que por acaso trouxeram mais alguns instrumentos, onde se transformou em uma genuína sessão de jamming. Embora a abordagem minimalista na composição pareça limitante, a interação de alguma forma descobriu como alquimizar a alma e levá-lo a um nível mais alto de consciência em uma expansão cósmica da cosnciência.
Este é um álbum muito interessante, na verdade. Embora o minimalismo possa ser pouco inspirador e chato, de alguma forma OSSIAN usa as mudanças sutis de tons, timbres e variações rítmicas para tecer uma prática mediativa maior que a vida que insinua o mundo das ragas indianas, mas existe em um universo paralelo. Este é realmente um estilo único que eu nunca ouvi e pensar que isso existe há quase 50 anos e eu nunca o ouvi! É claro que os instrumentos indianos trazem à mente o mundo da raga indiana quando dominam as paisagens sonoras, mas OSSIAN transcendeu para um estilo muito mais esotérico de misturar tudo de maneira tão bela. Que banda interessante que está no meu radar há tanto tempo, apesar de já ouvir o nome há algum tempo.
Embora formado em 1969 em Bremen, Alemanha, o trio formado por Egbert Fröse (guitarra, órgão, saltério, koto, cítara, voz), Matthias Mertler (guitarra, percussão, saltério, banjo, pedais baixo, voz) e Ulrich Nähle (guitarra, flauta, percussão, vocais) evitou completamente toda a cena psicodélica do Krautrock e, em vez disso, foi mais inspirado pela música folclórica britânica, mais comumente associada a bandas como Pentangle ou Fairport Convention. O nome da banda LANGSYNE deve dar uma pista disso, tendo vindo do termo escocês que significa há muito tempo e hoje em dia usado em todo o mundo de língua inglesa na popular canção de Ano Novo "Auld Lang Syne".
Existindo como uma dupla nos primeiros sete anos, em 1976, quando Merler se juntou ao trio recém-formado, lançou seu primeiro álbum autointitulado, que permaneceu como o único álbum até "Langsyne 2" surgir em 2016 no selo Garden of Delights. O único álbum de LANGSYNE dos anos 70 foi exclusivamente acústico, misturando folk rock britânico com influências orientais que incorporaram a cítara indiana e o koto japonês junto com outra instrumentação folk não convencional, como banjo, glockenspiel, harpa e órgão de judeu. O trio também executou algumas harmonias vocais excelentes com aquele tipo de sotaque "eu sei que o inglês não é a primeira língua deles", mas nunca se revelando como de origem alemã.
Embora LANGSYNE não soasse realmente alemão, eles foram referenciados a outros atos alemães que se concentravam em motivos folclóricos pacíficos em vez do escapismo Kraut lisérgico e, portanto, frequentemente agrupados na cena folk progressiva alemã com Witthauser & Westrupp, Hoelderlin e Broselmachine. O que diferencia LANGSYNE de todos os seguintes é que esses caras se concentraram em arranjos musicais contemplativos que misturaram a instrumentação de maneira bastante convincente e o casamento improvável de banjos com cítaras e harpa judaica com órgãos nunca parece forçado nem um pouco. Embora a instrumentação indiana seja usada em parte, o LANGSYNE não ressoa da mesma forma que outras bandas inspiradas no raga e meio que existia em seu próprio universo. As partes com banjo realmente prognosticam o que artistas modernos como Bela Fleck &
Em suma, esta é uma bela experiência musical pastoral que meio que escapa pelas rachaduras de tentar classificá-la de uma maneira particular. Sim, é música folclórica inspirada na cena britânica, mas ainda assim há definitivamente um pouco de senso de aventureirismo alemão nela. Ao incorporar o banjo americano e a cítara indiana, ele nunca se afasta muito do mundo do folk americano ou do raga rock, mas cria sua própria marca única de música meditativa que oferece um pouco de todas as influências envolvidas, mas principalmente cria um bom conjunto de sons principalmente acústicos. Músicas folclóricas guiadas por guitarra com letras cantadas em inglês. As músicas são instantaneamente viciantes e os desenvolvimentos melódicos são bastante brilhantes. Enquanto bandas como Broschelmaschine eram muito mais psicodélicas em suas sensibilidades folk, LANGSYNE era mais pé no chão.
ABNORMAL THOUGHT PATTERNS é uma banda técnica instrumental de metal progressivo dos Estados Unidos.
Vindo do norte da Califórnia, os irmãos gêmeos Jasun (guitarra) e Troy Tipton (baixo) junto com Mike Guy (bateria) são a força criativa coletiva por trás do Abnormal Thought Patterns. Em 2008, Jasun escreveu e gravou o instrumental de 12 minutos Velocity and Acceleration, a faixa que levaria à fundação do Abnormal Thought Patterns. Ao ouvir a música, Troy manifestou o desejo de montar uma banda instrumental. Os irmãos Tipton não procuraram mais do que o baterista e amigo de longa data Mike Guy para fornecer a base rítmica para o ATP. Os três membros então foram para o estúdio e gravaram sete músicas para CynNormal Lab Recordings.
Antes de formar a ATP, o trio foi por muitos anos a espinha dorsal das potências do prog-metal Zero Hour, lançando cinco álbuns, incluindo o épico de 2001, The Towers of Avarice. Os irmãos Tipton também foram colunistas convidados no popular site de entusiastas da guitarra, Chops from Hell, e lançaram dois vídeos instrutivos.
O EP autointitulado Abnormal Thought Patterns de 2011 recebeu críticas elogiosas de muitas das principais revistas e sites de metal. Energizada com a resposta, a banda estava ansiosa para voltar ao estúdio. O trio escreveu e gravou Manipulation Under Anesthesia no outono de 2012, que foi mixado por Matt LaPlant (Sikth, Nonpoint) e masterizado por Alan Douches (Between The Buried and Me, The Dillinger Escape Plan). Para garantir que suas apresentações ao vivo correspondam à intensidade de suas gravações de estúdio, a ATP recrutou seu amigo de vários anos, Richard Sharman, para tarefas adicionais de guitarra.
Uma das grandes atrações da cena psicodélica sueca, criada por iniciativa do cantor organista Claes Bodemark. Este último começou sua carreira adquirindo um órgão Hammond L-100 aos 17 anos. Pouco depois, ele conseguiu um emprego como músico de estúdio para um canal de televisão de Estocolmo no início dos anos 1960. Ao mesmo tempo, ele tocou em várias bandas suecas, mas também finlandesas, como The Adventurers, Nilla And The Blackbird, Savages... In em meados dos anos 60 ficou conhecido como Mecki, inspirado no personagem Mecki the herrisson (Mecki the Hedgehog) por seu cabelo espetado. Depois de dois singles com o combo Vat 66, ele liderou o Mecki Mark Five, que em 1967 se tornou o Mecki Mark Men. Após uma passagem surpreendente no Stockholm Experimental Jazz Festival em julho de 67 e um single lançado em setembro, o grupo se estabiliza com Clas Svanberg na guitarra, Hans Nordström no saxofone, Björn Fredholm na bateria, Thomas Gartz também na bateria, mas também na cítara e, claro, Mecki Bodemark no órgão, xilofone e voz. O quinteto volta ao estúdio por conta da Phillips para imprimir um Lp homônimo no final de 67.
Esta primeira tentativa, composta por 11 faixas, é uma pura maravilha do rock psicodélico com nuances de jazz e soul, assombrado pelos Doors e Iron Butterfly. O baile começa com "Opening", um instrumental estranho, pesado e angustiante feito de sons corrosivos conduzidos por um sax abrasivo e um órgão doentio. O pesadelo desaparece com “Get Up” para um rhythm & blues onde o saxofone nos mergulha num bolero caleidoscópico, mas a ameaça ainda é palpável. No gênero ácido rhythm & blues pontilhado de momentos nebulosos para se enviar ao planeta Marte, podemos apreciar “Love Your Life”, “I Had A Horse”, “Enlightment” e “I Got It”. De resto, "Free" conduzida por uma cítara avassaladora, bem como por um órgão vaporoso e groovy, é mais pesada e stoner. "Scream" é mais sombrio e intrigante. Em "Sweet Movin" acompanhado por uma guitarra fuzz, o sax é mais alto. Mecki Mark Men experimenta a balada picante com “Love Feeling”. O caso termina com a instrumental “Please” num estilo mais cósmico, experimental e vanguardista.
Em suma, um disco bem cruzado que ia chamar outros. Boa Viagem.
Titulos : 1. Opening 2. Get Up 3. Free 4. I Got It 5. Love Your Life 6. I Had A Horse 7. Scream 8. Sweet Movin’ 9. Enlightment 10. Love Feeling 11. Please
Musicos : Mecki Bodemark : Orgue, Xylophone, Chant Clas Svanberg : Guitare Hans Nordström : Saxophone Björn Fredholm : Batterie Thomas Gartz : Batterie, Sitar
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