Faixa integra o EP "A Song of Death, A Song of Pain", que chegará no dia 9 de dezembro próximo.
A cantora Marcela Bovio, já conhecida por seus trabalhos com o Elfonia, Stream of Passion, The Gentle Storm, Ayreon, MaYan, Dark Horse White Horse, além de inúmeras colaborações com vários artistas, lançou hoje a canção "Loneliness anthem #1", o 2º dos 2 singles que comporão o EP vindouro "A Song of Death, A Song of Pain", que chegará em diversos formatos (pré-venda) no dia 9 de dezembro próximo.
A cantora discorreu sobre a canção:
"Lancei uma nova música hoje. E eu já disse isso no "Loneliness anthem #2", MAS! Acho que esta pode ser a música mais triste que já escrevi... é, claro: "Loneliness anthem #1".
Inclui um dos meus momentos de coral em estilo barroco de que mais me orgulho 😊 e apresenta o convidado especial Raphael Weinroth-Browne no violoncelo. Você deve conhecê-lo por seu trabalho incrível com a banda Leprous, da qual sou uma grande fã, ou por seu trabalho solo mágico. Fiquei super feliz que ele concordou em colaborar nesta faixa! Confira aqui abaixo:"
Talvez seja um dos maiores aplausos a receber no mundo da música se você ou sua banda forem descritos como ecléticos. O Pink Floyd certamente cai na classificação de ser quase impossível de classificar. De seu começo humilde, mas estelar como uma banda de rock psicodélico dos anos 1960, eles se mudaram para os anos 1970, sempre fazendo esforços concentrados para adaptar seu som a algo orgânico. Depois de uma série de álbuns irregulares no final dos anos 60, o grupo chegou ao som que os impulsionaria ao estrelato com o lançamento de "Meddle" em 1971, que foi rapidamente usurpado pelo poder de "The Dark Side of the Moon", sem dúvida a obra-prima do Pink Floyd. . A essa altura, a banda havia criado sua própria estranha mistura de gêneros, do blues ao jazz e a maioria dos intermediários.
Depois de "Dark Side of the Moon", o Pink Floyd manteve essa combinação vencedora de genética musical em meados da década de 1970 com o lançamento de "Wish You Were Here", que foi destacado pelo épico de nove partes 'Shine on You Crazy Diamond', escrito sobre O ex-membro fundador Syd Barrett, que havia deixado a banda em meio a problemas com doenças mentais cerca de sete anos antes, e também a faixa-título acústica extremamente acessível 'Wish You Were Here'. Quando começaram a trabalhar em seu décimo álbum de estúdio, a banda voltou à prancheta, não para a composição musical, mas para o assunto, onde os dois álbuns anteriores foram bastante focados internamente em explorar temas de loucura, envelhecimento e vício, este próximo álbum foi criado para apontar o dedo para a sociedade e o status quo.
"Animals" foi lançado em 1977 e teve um bom desempenho nas paradas, alcançando o número dois no Reino Unido e o número três nos Estados Unidos, apesar dos tempos de execução não comercialmente simpáticos das faixas, uma marca registrada de grande parte da discografia do Pink Floyd. O álbum consiste em apenas cinco músicas: 'Dogs', 'Sheep', 'Pigs on the Wing (partes um e dois)' e 'Pigs (Three Different Ones)'. Os títulos dessas músicas apontam para o conceito do álbum antes mesmo de ouvir as letras reveladoras. O Pink Floyd havia apostado em um álbum conceitual inspirado em George Orwell, baseando o conteúdo na sátira política de "Animal Farm", onde Orwel astutamente apresentou as doenças inevitáveis do mundo ocidental, onde os porcos controlam o poder com os cães trabalhando para eles para manter as ovelhas na linha.
O álbum apresenta temas de coerção política e ansiedade em meio à paisagem sonora sombria esculpida por algumas seções rítmicas impressionantes. É, sem dúvida, uma adição muito impressionante ao rio interminável de conceitos belos e eruditos do Pink Floyd, mas o que mais me chama a atenção neste álbum, em particular, é a arte da capa. A imagem mostra a Battersea Power Station, o símbolo supremo do domínio industrial com sua subestrutura semelhante a uma prisão e chaminés ameaçadoras empoleiradas em cada esquina. Acima da estação há um porco voador que presumi, em minha juventude ingênua, deve ter sido adicionado pelas forças mágicas dos métodos de design gráfico da era pré-computador.
Infelizmente, eu estava errado. O Pink Floyd pensou que eles iriam aproveitar o dia e partiram para o oeste de Londres em 2 dezembro de 1976 para inflar um modelo de porco de 40 pés de comprimento projetado por Roger Waters chamado 'Algie'. Na primeira tentativa, a banda e a equipe artística de apoio da trupe de design de Londres, Hipgnosis, contrataram um atirador treinado pronto para atirar e derrubar o poderoso porco caso as amarras do cabo falhassem e o soltassem ao vento. Infelizmente, depois de algumas tentativas de inflar o porco gigante, ele não conseguiu voar. Cansados da derrota, resolveram remarcar para o dia seguinte.
No dia seguinte, o porco finalmente partiu do chão subindo para o céu a algumas centenas de pés no ar, permitindo que os fotógrafos tirassem a famosa foto pronta para ser gravada na história. No entanto, o drama não parou aqui; os ventos estavam fortes neste segundo dia de filmagem e a equipe Hipgnosis havia ironicamente negligenciado a contratação do atirador novamente em caso de emergência. E eis que o porco se esforçou contra as amarras do cabo e se libertou no espaço aéreo de Londres, subindo para a visão dupla dos pilotos de linha aérea a 30.000 pés.
A comoção se espalhou quando os voos de Heathrow e Gatwick foram cancelados e a Royal Airforce enviou um esquadrão de pilotos de caça em busca de um porco voador gigante. Eles não tiveram sucesso porque o radar em suas aeronaves falhou em detectar a consistência plástica do porco. Felizmente, mais tarde, ao anoitecer, a equipe do Hipgnosis recebeu uma ligação de um fazendeiro perplexo em Kent que havia encontrado um porco gigante boiando em um de seus campos, alarmando seu gado, que, imagino, se sentiram bastante amedrontados. Depois de um dia tão estressante, a equipe e a banda ficaram aliviadas. Essa história um tanto pitoresca, eu acho, torna a já notável capa do álbum ainda mais memorável, pois ela se posiciona orgulhosamente na prateleira da história do rock progressivo.
Triple Trouble: The Original Soundtrack Recording é um álbum de trilha sonora de The Residents , apresentando sete “suítes coladas” contendo pistas musicais estendidas, diálogos e alguns “temas familiares” do longa-metragem de 2022 do grupo com o mesmo nome. O álbum da trilha sonora foi anunciado pelo co-roteirista e diretor do filme, Homer Flynn, da The Cryptic Corporation, em meados de dezembro de 2020; nesta época, o álbum tinha o título provisório de Endless Illusions . Flynn também observou que as ideias desenvolvidas por The Residents durante a gravação da trilha sonora de Triple Trouble "abriram uma porta para o que eles podem querer fazer com o próximo álbum". A banda sonora (mais tarde com o título alterado…
…para simplesmente Triple Trouble ) estava “na lata” em maio de 2022, com os gráficos sendo finalizados em fevereiro. Ele estava originalmente planejado para ser lançado em junho, mas acabou sendo adiado para seguir a estreia do filme no Chicago Underground Film Festival em setembro.
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“Do sacerdócio ao encanador: após a morte de sua mãe, um homem idealista, mas emocionalmente isolado, substitui sua crença em Deus pela fé em fungos…”
Mergulhe fundo na psique de Randall “Junior” Rose, filho de uma estrela do rock recentemente falecida e um ex-padre que perdeu a fé na igreja. Convencido de que um fungo é uma ameaça para a humanidade, e acompanhado por sua única amiga Cherry, um drone aprimorado por IA, Junior lentamente reúne evidências para apoiar sua teoria bizarra, ficando fora de controle no processo…
O “álbum perdido” do ano 2000 é finalmente editado, trazendo-nos um Bowie feliz a dar novas roupagens a alguns dos seus temas de início da carreira
No dia em que David Bowie faria 75 anos, é finalmente editado Toy, o “álbum perdido” gravado em 2000 e que há muito era ansiado pelos fãs mais conhecedores.
A história começa após o triunfante concerto de Bowie em Glastonbury, no ano 2000. Sentindo-se com energia, o cantor decidiu que era altura de se atirar a uma ideia que tinha na cabeça há alguns anos: revisitar de forma totalmente nova alguns dos seus primeiros temas, dos anos 60. Agarrou na sua banda de então e marcou estúdio. Tinha o alinhamento relativamente estabelecido, que era uma mistura de temas menos conhecidos compostos a partir de 1965, alguns lados B e até uma música gravada nas sessões de Ziggy Stardust mas nunca editada.
As gravações correram bem, já que Bowie e a banda se encontravam num momento de grande vitalidade. O músico queria, de facto, que todos encarassem os temas como se tivessem acabado de ter sido escritos, e sugeriu fortemente que ninguém (nem ele) devia ir ouvir as versões originais. O resultado disto é que as canções surgem realmente com uma nova vida, e mesmo para quem conhece os temas como foram originalmente gravados há uma frescura e um ar de novidade.
Bowie ficou muito entusiasmado com o resultado das gravações e queria editar o disco, chamado Toy, imediatamente, de surpresa. Acontece que a editora tinha outros planos: tinham acabado de disponibilizar digitalmente o catálogo de Bowie, para download, e queriam focar as energias na promoção disso e não de um novo disco que, na verdade, não era de material novo. Por outro lado, a EMI/Virgin foi adiando a data de lançamento para não coincidir com outras edições grandes que tinha programadas, enquanto ao mesmo tempo vivia no meio de um tumulto financeiro que privilegiava apostas mais certas. Resultado: Bowie partiu para o disco novo que a EMI queria, mas não o fez com essa editora. Zangado com o tratamento dado a Toy, saiu para a Columbia, pela qual editaria, em 2002, Heathen.
Nos anos seguintes, Bowie nunca esqueceu Toy. Tanto assim foi que foi retirando fatias deste para lados B de novos singles e autorizando a sua inclusão em compilações. Por outro lado, em 2011, uma versão de Toy foi divulgada online (ainda que ligeiramente diferente do que é editado agora), levando a que os fãs mais conhecedores já soubessem o que lá estava.
Agora, Toy vê finalmente a luz do dia, em todo o seu esplendor (e carregadinho de extras). Em Novembro de 2021, saiu na caixa Brilliant Adventure, que reúne os seus discos de 1992 a 2001; e em Janeiro de 2022, coincidindo com o 75º aniversário de Bowie, ganha edição autónoma.
Focando-nos nos 12 temas de Toy, o que temos é um olhar de uma banda moderna sobre temas quase todos pré-“Space Oddity”, música que acabaria por dar o verdadeiro impulso ao início da carreira de Bowie, depois de alguns trabalhos pouco reconhecidos comercialmente (mas que o autor destas linhas recomenda vivamente!). O que não deixa de ser curioso é que quando ele se reinventa em 1969, já em modo “Major Tom”, renega o seu primeiro disco, impregnado de muito british vaudeville, acabando mesmo por chamar David Bowie ao seu segundo disco (exactamente o mesmo nome do primeiro que, para ele, fora uma falsa partida e era para ser esquecido). Ora, 30 anos depois, Bowie regressa a músicas desse tempo pré-sucesso, mostrando que havia feito as pazes com essa fase.
Temos muitos pontos de interesse nestes 50 minutos de música: desde a recuperação da excelente “Karma Man” à balada elegante de “Conversation Piece”, passando pela oração da inédita “Shadow Man” (a tal que vem das sessões de Ziggy Stardust, em 1971) ou pela pop de “Let me sleep beside you”, a rockalhada de “Can’t Help thinking about me” ou a viagem bowieana do único tema original surgido no meio de uma jam dessas sessões de 2000, “Toy (Your turn to drive)”.
As 12 músicas dão-nos, assim, um pouco do Bowie mod e do Bowie folk antes do mergulho no glam, mas pelos olhos do Bowie de 2000 e da sua banda, assentes no som de discos da época como Hours, de 1999, ou o seguinte Heathen, de 2002.
Se juntarmos a isto o cofre de extras, a fasquia sobe ainda mais: o segundo disto cheio de remisturas e versões diferentes e o terceiro todo em formato acústico, com novos instrumentais gravados recentemente por Earl Slick e Mark Plati, que fizeram parte da equipa original do projecto Toy (com Plati a co-produzir, com Bowie).
Não há aqui nenhuma grande revelação nem estamos perante um dos melhores discos da fabulosa carreira deste alien londrino. Mas é um disco bem feito, com uma banda claramente num momento positivo e um Bowie enérgico e divertido com o que tinha entre mãos. E, sendo uma edição póstuma, não estamos perante uma editora a rapar o tacho já vazio com obscuros out-takes ou temas rejeitados, e sim um disco pelo qual o próprio autor sempre teve grande carinho. Juntando aos extras bem cuidados e interessantes, temos aqui uma compra obrigatória para quem segue a discografia de David Bowie.
E que bem sabe, agora que ele infelizmente partiu, ouvirmos música sua que nunca havíamos escutado….
Uma das bandas populares da cena rock islandesa dos anos 70. O Trúbrot foi formado em maio de 69 em Keflavík (cidade costeira no sudoeste do país) após a separação do grupo Hljómar após dois álbuns entre 1967 e 1968 de batidas pop fortemente inspiradas nos quatro meninos ao vento. Assim, o guitarrista/flautista Gunnar Þórðarson, o baixista/vocalista Rúnar Júlíusson e o cantor Shady Owens se juntam ao tecladista Karl J. Sighvatsson e ao baterista Gunnar Jökuls Hákonarson, um antigo combo menos conhecido do Flowers. A surfar nas cinzas de Hljómar, o quinteto goza de grande popularidade e não passa despercebido nos concertos e diversos festivais onde se apresenta. Os músicos partiram rapidamente para Londres onde gravaram algumas faixas no estúdio Trident com a participação de Tony Visconti nas orquestrações (produtor de T-Rex e David Bowie). Essas gravações servirão de material para um disco homônimo impresso em dezembro do mesmo ano (3.000 cópias ao que parece) em nome da Parlophone Odeon sob a marca EMI.
Optando por cantar em islandês, Trúbrot oferece-nos um vinil pop psicadélico com aromas prog largamente influenciados pelos Beatles, Traffic, Nice e outras Pretty Things. Quando não estão em dueto para belas harmonizações, os letristas dividem as canções. A voz de Rúnar Júlíusson é mais nervosa enquanto a de Shady Owens é mais leve e suave.
Esse Lp é bem variado. São peças fortes e agradáveis com melodias bem cuidadas como “Sama Er Mé” abrindo com teclado e bateria atmosférica. "Hlustaðu Á Regnið" é uma balada folclórica regida por uma flauta caleidoscópica e orquestrações outonais. “Þú Skalt Mig Fá” é mais pesado. O orquestrado "Við" que cheira a descuido nos gratifica com pontes jazzísticas tanto na guitarra quanto no órgão. "Frelsi Andans" é um folk enganosamente medieval, melancólico e pastoral com efeitos irreais e oníricos. “Konuþjófurinn” é uma peça estranha composta por conversas em ambientes de pousada e music-hall. “Án Þín” é mais galopante e mais sedutora. Salpicado de flautas, violões e percussão, “Lít Ég Börn Að Leika Sér” convida à fuga.
Dois títulos merecem atenção especial. Introduzida pela breve “Byrjenda Boogie”, surge a celeste “Elskaðu Náungann” para 5 minutos de rock sinfónico. Inspirado no "Coro dos Peregrinos" da ópera Tannhäuser de Richard Wagner , este título terá a alegria de ser censurado pela rádio e televisão islandesa. Com efeito, não apreciaram a mistura de géneros e a apropriação da música do compositor alemão pelos fumadores de haxixe.
A outra peça é “Afgangar” com mais de 9 minutos de duração e que fecha este 33 rpm. Começando com um ritmo pesado e funky 'n' blues em um fundo de improvisação no órgão, é um catch-all alucinatório que é semelhante a uma comédia musical maluca. Entre piano dramático, vozes desesperadas e burlescas, canto tradicional em pleno transe, aceleração do andamento e bebedeira, não é difícil entender que Trúbrot foi seguir os passos delirantes do engenhoso Frank Zappa.
O começo do sucesso para nossos amigos islandeses. Para ouvir sem moderação.
Títulos: 1. Sama Er Mér 2. Hlustaðu Á Regnið 3. Þú Skalt Mig Fá 4. Við 5. Frelsi Andans 6. Konuþjófurinn 7. Byrjenda-Boogie 8. Elskaðu Náungann 9. Án Þín 10. Lít Ég Börn Að Leika Sér 11 Afeganistão
Músicos: Gunnar Jökull Hákonarson: Bateria Gunnar Þórðarson: Guitarra, Flauta, Coro Karl J. Sighvatsson: Órgão, Piano, Coro Shady Owens: Vocal Rúnar Júlíusson: Baixo, Vocal
Não confundir com a banda alemã comandada pelo tecladista Florian Fricke. Aqui, é um combo progressivo norueguês dos anos 70 que também usou um nome tirado de um texto da mitologia maia.
Nascido das cinzas de Arman Sumpe com um single datado de 1972, o Popol Vuh foi criado em Oslo no mesmo ano e reúne o cantor Jahn Teigen, o guitarrista Arne Schulze, o tecladista Pete Knutsen, o baterista Thor Andreassen, o baixista Terje Methi e o flautista Pjokken Eide. Rapidamente o sexteto assinou contrato com a Polydor e lançou um LP homônimo com capa digna de quadrinhos dos anos 70.
Composto por 7 faixas, o vinil é variado para um prog de abordagem direta mas sobretudo longe das aspirações espirituais do seu homólogo germânico. Começa com os 4 min de “Hunchback” com bombardeios de mellotron que acompanham um piano enérgico. A aparência da flauta em um fundo mellotron sonhador tempera um título muito agradável. "Joy + Pleasure" soa mais funky, beirando a fusão. Fusão de jazz encontrada no instrumental " Sucklin' Pig” com sabores exóticos. "All We Have Is The Past" é uma balada pontilhada com efeitos de sintetizador moog, onde os vocais de Jahn Teigen têm um tom caloroso e emocional. Tom que contrasta com a faixa seguinte, “Leavin' Chicago” com um registo mais boogie e vestida com uma guitarra bluesy, onde a cantora está mais nervosa e emotiva. "For Eternity" é um folk progressivo com uma atmosfera sombria, dramática e melancólica. O álbum termina com os 8 minutos de “Medicine”. Peça complexa entre heavy rock e jazz fusion que em pleno transe nos mergulha numa pausa estratosférica.
Em suma, este é um álbum muito bom e fácil de ouvir. Para Popol Vuh a aventura estava apenas começando.
Títulos: 1. Hunchback 2. Joy + Pleasure 3. All We Have Is The Past 4. Leavin’ Chicago 5. For Eternity 6. Sucklin’ Pig 7. Medicine
Músicos: Terje Methi: Baixo Thor Andreassen: Bateria Pete Knutsen: Piano, Synth, Moog Arne Schulze: Guitarra Pjokken Eide: Flauta Jahn Teigen: Vocais
Cabelos desgrenhados, mal cortados, nada penteados. Olhares inocentes que no fundo nos tentam transmitir uma mensagem de maturidade única. Melodias enfeitiçadas e videoclips cheios de saltinhos. Simplicidade na forma de vestir e cor. Muita cor. Já sabe de quem falo? Não? Fique por aí então.
Nasceram em 2002 e puseram o Mundo inteiro a seus pés. Cozinham uma variedade de estilos musicais únicos que só os mais corajosos se atrevem. Se pensarmos numa mistura entre proto-electro punk, pop-friendly, rock psicadélico e muitos unicórnios temos o cocktail único que se dá pelo nome de MGMT.
Surgiram em Brooklyn, Nova Iorque, pela mão de Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden , estudantes de artes na Universidade de Middletown.
Começaram a carreira pelo nome de “Management” e da forma mais humilde possível. Sintetizadores, vozes pré gravadas e uma atitude algures entre a performance artística e a hostilidade punk da antiga faziam dos seus espectáculos, algo único e digno de se ver.
Universidade terminada, saída do seu primeiro EP em 2005. O electro-rock “Time to Pretend”, lançado pela pequeníssima editora indie “Cantora Records” veio ao Mundo para ser famoso. Com boas críticas (principalmente o single que dava o nome ao álbum) e grandes digressões, o duo americano rapidamente interessou o produtor britânico Steve Lillywhite e a sua equipa, assim como a Columbia Records, que acabou por ganhar esta pequena “disputa” e ficar com os MGMT.
2007 é o ano em que a banda assina com outro produtor e grava o fantástico “Oracular Spectacular” que é, de longe, o álbum mais musical do duo vendendo mais de 500,000 cópias nos EUA e chegando a platina na Austrália, Inglaterra e Irlanda.
O single “Kids” marca o ano de 2008 com o seu espectacular videoclip.
Os MGMT vêm a sua agenda recheada de concertos e digressões, o que os manteve bastante ocupados para se preocuparem com novos trabalhos discográficos... até 2010, em que é lançado “Congratulations”, o mais recente registo discográfico do grupo.
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