Artistas de Rock Progressivo Italiano

L' ESTATE DI SAN MARTINO

L' Estate Di San Martino biografia
Fundada em Perugia, Itália em 1975 - Hiato entre 1983-1993 - Ainda ativa em 2015

Uma banda italiana com uma história muito longa, que não havia gravado nenhuma gravação até recentemente, exceto uma faixa solitária em um raro single promocional dividido. L'Estate di San Martino foi criado em 1975 para fornecer o pano de fundo musical para uma peça de teatro com um som baseado principalmente em violões, flauta e percussão. Em 1978 o grupo participou do concurso Centocittà, chegando ao show final em Capri e ganhando a chance de gravar o single "Il Bimbo e l'Eroe". O disco foi lançado, mas apenas de forma promocional.

Nos anos seguintes a formação se estabilizou com a adição de novos músicos para enriquecer o som, com uso de teclados, guitarra elétrica e bateria, e o grupo teve uma intensa atividade ao vivo principalmente na Úmbria, com shows baseados em projetos conceituais, e faixas longas com grandes partes instrumentais.
O CD "Alder", lançado em 2006, contém um show completo gravado em Perugia em 1983 nos dias 15 e 16 de dezembro de 1983 no Zenith Theatre quando outras bandas importantes como MARILLION, IQ e PENDRAGON estavam iniciando suas carreiras.

L'Estate di San Martino foi uma das primeiras bandas italianas de prog da segunda onda, pouco antes de NOTTURNO CONCERTANTE, EDITH e NUOVA ERA. A música não está longe dos clássicos do GENESIS e, obviamente, do PFM. Paradoxalmente esta fase coincidiu com o fim temporário do grupo que se reformulou dez anos depois para trabalhar noutro projecto: "Febo". Uma ideia que apesar de um longo, cuidadoso e fértil período criativo que durou cinco longos meses, foi entregue e abortada sem nunca ter sido concretizada em público. Em 2007, finalmente Febo viu a luz. Adolfo Broegg, após uma longa experiência em Assis com o grupo de inspiração medieval Ensemble Micrologus, faleceu repentinamente em 2006.

Parecido com

1. La Coscienza Di Zeno

   

2. Unreal City

   

3. Egonon

   

Faixas principais

Classificação	Reproduzir	Álbum	Favorita	Nome da faixa	Comprar	Opções	Ouvintes
1			Marcar esta faixa como preferida	Archivista			29 ouvintes
2			Marcar esta faixa como preferida	Silbo			28
3			Marcar esta faixa como preferida	Fretta			26
4			Marcar esta faixa como preferida	Long Now Clock			20
5			Marcar esta faixa como preferida	Ely			20
6			Marcar esta faixa como preferida	Il Cielo per San Lorenzo			20
7			Marcar esta faixa como preferida	Hallucigenia			17
8			Marcar esta faixa como preferida	S.E.N.O.			16
9			Marcar esta faixa como preferida	L'Estate di San Martino			15
10			Marcar esta faixa como preferida	Otto			15

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Disco Imortal: Blind Melon (1992)

 

Capitol Records, 1992

Muitos dirão que a morte de um vocalista carismático de uma banda de rock de sucesso moderado, em geral, ao longo dos anos transforma aquele grupo em um grupo "cult". No entanto, a qualidade musical e a performance ao vivo desta banda, formada em Los Angeles em 1989, não faz jus a essa premissa tão desgastada. A explosão e o auge do chamado “grunge” especialmente na primeira metade dos anos 90, deixou as breves filmagens de Blind Melon em segundo plano para o mainstream, aquele quinteto desalinhado, com ares da onda hippie dos anos 60 e anos 70, que chegou a usar instrumentos vintage, como guitarras, para emular um som mais retrô, e que tinha um frontman com uma voz única, agudamente melódica, aquela que ainda falta no cenário musical.

E é que a estreia autointitulada do Blind Melon, em 1992, já foi precedida pela colaboração de Shannon Hoon com o Guns N' Roses, icônica em sua aparição no videoclipe de “Don't Cry” com Axl Rose. O que alavancou muito esse álbum, embora não no começo em termos de vendas. O som sulista e o groove das suas guitarras abrem este álbum com “Soak the Sin” onde Rogers Stevens e Christopher Thorn brilham nas seis cordas. Situação semelhante ocorre em “Tones of Home”, um dos pilares do álbum, onde as mudanças de ritmo se encaixam perfeitamente com as duas faces da voz de Hoon, sua delicadeza aveludada aliada a seus uivos entonados.

O deleite vocal de Shannon é ainda mais perceptível em “I Wonder”, uma música que com sua existencialidade lírica transita por todos os humores com grandiloquência sonora. A lúdica “Paper Scratcher” segue com alguns versos não menos significativos, (No dia em que eu morrer, graças a Deus minha alma será libertada/ El día que muere, graças a Deus minha alma será libertada).

Em “Dear ol' Dad” a bateria de Glen Graham marca os tempos de uma música comovente, junto com uma mistura de guitarras elétricas e acústicas, com a voz contagiante de Hoon. Mas se o espírito de boas intenções e boa sorte nas letras de Shannon pode ser expresso em um único registro, é a bela "Change" e seu conselho a todos os adolescentes problemáticos de uma geração: (E quando seus pensamentos mais profundos forem quebrados, continue sonhando, garoto, Porque quando você para de sonhar é hora de morrer./ E quando seus pensamentos mais profundos se quebram, continue sonhando, garoto, porque quando você para de sonhar é hora de morrer). Uma música que ele escreveu aos 18 anos quando tocava em uma banda cover, justamente, do Guns N' Roses.

Metade do prato é marcada pela música que lançou o quinteto à fama mundial, “No Rain” e seu aclamado videoclipe (marca registrada na MTV) de uma menina disfarçada de abelha, incompreendida e que mais tarde encontra seu lugar. Tudo envolto num enquadramento pop com acordes sulistas que ressoa nas contas desta década até aos dias de hoje.

“Deserted” eleva os decibéis com um groove incansável e uma grande explosão na caixa de Graham. Enquanto a calma “Sleepyhouse” é o nome da casa onde a banda começou a ensaiar em seus primórdios, na Carolina do Norte, onde Shannon voltou a sua infância. Imediatamente, “Holyman” mergulha nas crenças espirituais de Hoon, que com sua voz rouca não para de nos envolver em uma atmosfera “janis-jopliana”. Tudo, em geral, sempre contando com a presença assídua de Brad Smith no baixo.

“Seed to a Tree” devolve-nos o habitual rock do quinteto, enquanto “Drive” exala o folk rock que paira sobre este álbum. “Time” fecha em alta esta estreia mágica de Blind Melon, que marca o seu ponto de viragem em termos de rápido crescimento. Vale destacar a permanente referência existencial e espiritual (não religiosa) de Shannon Hoon em suas letras e o clima positivo geral das músicas do álbum, que mais tarde farão a diferença com seu segundo e último álbum de estúdio "Soup" de 1995, ano em que os excessos de Richard Shannon Hoon tiraram sua vida em 21 de outubro em Nova Orleans em meio a uma turnê já acidentada.

Disco Imortal: Morrissey – You Are the Quarry (2004)

 

Sanctuary Records / Attack Records, 2004

"Alguém tinha que ser eu, então eu também posso ser", declarou Steven Patrick Morrissey humildemente há 14 anos para resumir o que viria a ser "You Are the Quarry", o sétimo álbum dos ex-The Smiths onde canções e melodias dariam sua apreciação crítica de forma massiva. O que seus fãs disseram? Obra de arte por excelência. Tal qual.

17 de maio de 2004. Morrissey em um terno listrado e uma metralhadora no verdadeiro estilo gangster desafiou o mundo inteiro e especialmente a imprensa britânica que o criticava durante grande parte da última década. 'Moz', em sua melhor forma e representando-se como nos filmes policiais noir, resistiu ao ataque com uma obra de 47 minutos que o devolveria à elite musical da qual se afastara por alguns anos.

'America Is Not The World' foi a escolhida para dar início a um disco que iria gerar aquele rolê polêmico que os ingleses tanto gostam. Porque? Simples: Morrissey sempre manteve uma relação de cabo de guerra com grande parte do Ocidente e mais acirrada com os Estados Unidos, que era governado na época por George Bush, que puxava os cordões da guerra contra o Iraque e o terrorismo. A introdução da primeira faixa nos enche de ironias e bate forte em um dos piores presidentes da história e em sua condução da política externa: «América sua cabeça é muito grande / Porque América / Sua barriga é muito grande / E eu te amo Eu só gostaria que você ficasse onde está».

No entanto, pensamos que só a América receberia aquelas letras lânguidas e cheias de afeto –ANIMADVERSIÓN- nesta longa duração? Nunca. O nativo de Lancashire se lembraria de sua terra e na segunda faixa com Irish Blood, English Heart deixou claro que não tinha medo de ninguém ( “Não há ninguém na terra que eu tenha medo”). A métrica movimentada é pulsante e lacerante, não deixa nada ao acaso e desencadeia imediatamente o que ele pensa da classe dominante: “Tenho sonhado com uma época em que / Os ingleses estão fartos de trabalhistas e conservadores” (“ Eu tenho sonhado com uma época em que / Os ingleses estão fartos de Conservadores e Progressistas").

Então ele retrata Camdem, sim, Camdem, aquele lugar que para muitos é o berço do rock alternativo inglês e onde existe uma feira bastante peculiar, com barracas de roupas, discos, entre outras coisas, ele reflete isso em "Come Back To Camdem ” com aquele passado do período da Rainha Vitória do século 19: cinza e deprimente. “First of the gang to die”, é um daqueles cartões postais indeléveis deste álbum e reconhecido mundialmente, pois nos lembra a melhor faceta de sua antiga banda com aqueles riffs que Johnny Marr executava com tanta perfeição, o mesmo rock que para a crítica foi a salvação dos anos 80 no Reino Unido, voltou a sentir-se com intensidade mas com mais de duas décadas de fase. Este pode ser o maior single deste álbum; Entretanto, seria cair na banalidade, pois cada letra, cada som, cada momento é o resultado de anos de trabalho da 'Moz'. Let Me Kiss You, é aquela balada romântica, mas com cotas de não ser a pessoa certa para ele ou ela. Você realmente queria refletir amor ou rancor nesta balada? Julgue por si mesmo.

Este disco passa por tantos estágios. Talvez Morrissey estivesse planejando levar anos para lançar outro LP só porque queria algo perfeito. Do começo (America Is Not The World) ao fim (You Know I Couldn't Last) é ostensivo, poderoso, agressivo, político, romântico, cheio de nostalgia e elegância. Não só fica por aí, como vai além, já que a extravagância e a polêmica vêm de sua encenação. Toda vez que Patrick toca singles em suas apresentações dessas músicas, as mensagens são abundantes. Sim, sabemos que deixa mensagens em todas as suas canções, mas recordemos que este álbum foi lançado depois do seu último álbum Mal ajustado em 1997 e deu-lhe um novo ar, onde até teve concertos onde esteve vestido com uma batina alusiva ao Armageddon .

O álbum, no qual os toques punk e indie que estiveram a cargo do saudoso produtor Jerry Finn se aliaram em harmonia aos escudeiros de Morrissey (Gary Day, Alain Whyte e Boz Boorrer) para concentrar múltiplos adágios inspirados em Oscar Wilde (O retrato de Dorian Gray / The Importance of Being Earnest) e Johan Wolfgang von Goethe (The Sorrows of Young Werther / Prometheus) as afinidades que este sarcástico e emotivo inglês tanto aprecia para fazer um dos melhores discos da última década.

“Ameaça”, novo single de Livy, resgata origem roqueira

A cantora paulista LIVY lançou o single Ameaça. A faixa é a primeira do álbum de estreia, It was never dead, just resting, previsto para 2023.

Pautado pelo renascimento, o disco apresenta também algumas canções compostas no início da carreira de LIVY, o que ela considera o “lado B” do álbum. Curiosamente, é uma dessas faixas, Ameaça, a escolhida como primeiro single.

“Escolhi essa música porque ela representa minha raiz, de onde eu vim, e as nossas raízes dizem bastante sobre a gente. Honre-as sempre que possível. Isso nunca vai fazer com que você erre a direção. Honre mesmo aquela versão ‘rascunho’ que fez você chegar até aqui. ‘Ameaça’ é sinônimo da artista em formação, buscando identidade e se colocando no mundo. Acho que é uma boa forma de recomeçar”.

LIVY também recorda que na época em que compôs a faixa, ouvia bastante hard rock como Halestorm e The Pretty Reckless, o que justificaria a pegada mais roqueira da música. “Pode ter um elemento ou outro dessa combinação”.

Já a letra, segundo ela, aborda a dualidade, o maniqueísmo, a ameaça em algo inevitavelmente sedutor.

“A música fala também em estados de exceção, totalitarismo. O verso dizem que ninguém escapa desse charme de sempre, dessa velha ameaça não parece atual num contexto de democracia tão recente quanto a nossa? Esse flerte com a ausência do Estado de Direito não tem nada de novo e continua se alastrando nos dias atuais, travestido de nacionalismo”, revela.

Em julho deste ano, numa retomada de carreira, LIVY lançou Baby, é o Fim do Mundo em videoclipe. A ótima repercussão, deu o gás que a artista precisava para trabalhar no novo álbum, e Ameaça é o início do que está por vir em 2023.

 

Lhanura lança EP provocador; ouça “Antropoceno”

A banda paulista Lhanura lançou o primeiro EP, Antropoceno, uma combinação do peso e da liberdade rítmica presentes no nu-metal, com o compromisso e as contestações observadas no rap e no hardcore.

Com reflexões sobre os meandros da vida contemporânea, o novo trabalho, de acordo com o vocalista Bollo, é um exercício de escopo sociológico a respeito dos desdobramentos e efeitos da vida em sociedade.

“É uma leitura antropológica das questões que permeiam o modo de vida no Brasil. Trouxemos provocações que vão desde o problema da identidade no mundo globalizado e sua liquidez, passam pela motivação de ser quem se é, de reconhecer os pares, da aceitação e naturalização da desigualdade, e ainda, sobre estruturas de poder que reproduzem falácias legitimadas”, revela.

Para destacar o lançamento do EP, Lhanura escolheu a música Toga Vil com o intuito de representar a energia e autenticidade emanada pela banda.

“É uma faixa que denuncia o descalabro provocado por omissões do poder judiciário. Ela critica as históricas decisões de arquivamento quando personagens brancos, ricos, correligionários ou herdeiros de figuras importantes, estão no foco de atos criminosos”, diz o vocalista.

Antropoceno se apresenta como uma amostra do caminho o qual a banda pretende trilhar, de forma poética, incisiva e cativante. Além de Busque o melhor e Toga Vil, o EP reúne as faixas Nos Reconhecer, Ainda Não e Quem é você?.

“Todas elas contêm características que pretendemos carregar durante nossa jornada. É o nosso grito inicial, um chamado a quem pondera o misto de racionalidade e emoção – um convite à plenitude”, finaliza Bollo.

Lhanura é formada ainda por Vinao (bateria), Minhoca (guitarra) e Kahlil (baixo).