TEDESCHI TRUCKS BAND - LET ME GET BY (2016)

 

TEDESCHI TRUCKS BAND
''LET ME GET BY''
JANUARY 29 2016
56:28           MUSICA&SOM
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01 Anyhow 06:34 (Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
02 Laugh About It 05:06 (Kofi Burbridge, Tim Lefebvre, Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
03 Don’t Know What It Means 05:58 (Kofi Burbridge, J.J. Johnson, Tim Lefebvre, Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
04 Right On Time 04:33 (Mike Mattison, Derek Trucks)
05 Let Me Get By 04:25 (Kofi Burbridge, Tyler Greenwell, Tim Lefebvre, Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
06 Just As Strange 03:41 (Doyle Bramhall II, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
07 Crying Over You / Swamp Raga For Hozapfel, Lefebvre, Flute And Harmonium 08:02 (Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
08 Hear Me 04:31 (Doyle Bramhall II, Derek Trucks)
09 I Want More 07:14 (Doyle Bramhall II, Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
10 In Every Heart 06:20 (Mike Mattison, Susan Tedeschi, Derek Trucks)
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Doyle Bramhall II/Clapping, Drums, Fuzz Bass, Guitar, Guitar (Acoustic), Guitar (Bass), Guitar (Electric), Guitar (Rhythm), Percussion, Vocals
Maurice Brown/Clapping, Horn Arrangements, Trumpet, Vocals (Background)
Kofi Burbridge/Clapping, Clavinet, Flute, Harmonium, Horn Arrangements, Mini Moog, Organ (Hammond), Pedal Piano, Piano (Grand), Vocals (Background), Wurlitzer Piano
Alecia Chakour/Clapping, Vocals
Jonathan Dinklage/Viola, Violin
Tyler Greenwell/Clapping, Drums, Percussion, Vocals (Background)
Henry Hey/Horn Arrangements, String Arrangements
J.J. Johnson/Clapping, Drums, Percussion, Vocals (Background)
Tim Lefebvre/Bass (Upright), Clapping, Drones, Field Recording, Guitar (Bass), Vocals (Background)
Mike Mattison/Clapping, Vocals, Vocals (Background)
Mark Rivers/Clapping, Vocals, Vocals (Background)
Saunders Sermons/Clapping, Horn Arrangements, Trombone, Trombone (Bass), Vocals (Background)
Susan Tedeschi/Clapping, Guitar, Guitar (Rhythm), Vocals, Vocals (Background)
Derek Trucks/Clapping, Drums, Guitar, Guitar (12 String Acoustic), Guitar (Acoustic), Guitar (Electric), Guitar (Leslie), Guitar (Resonator), Guitar (Rhythm), Harmonium, Horn Arrangements, Percussion, Slide Guitar, Vocals (Background)
Kebbi Williams/Clapping, Horn Arrangements, Sax (Baritone), Saxophone, Vocals (Background)
Anja Wood/Cello

Depois de Made Up Mind de 2013, Tedeschi Trucks Band pegou a estrada com força, acumulando 200 datas em 2014. Depois que Derek Trucks fez os shows finais da Allman Brothers Band e TTB se separou da Sony, a banda de 12 integrantes e amigos (incluindo Doyle Bramhall II ) entrou em seu Swamp Raga Studios atrás da casa de Trucks e Susan Tedeschi e começou a gravar ensaios no estilo jam; todos foram encorajados a contribuir com ideias, músicas, etc. Eles paravam para trabalhar na estrada e depois voltavam para gravar um pouco mais. O resultado final é Let Me Get By, produzido pela Trucks, gravado por Bobby Tis e lançado pela Fantasy. O baixista de jazz Tim Lefebvre juntou-se permanentemente (ele também fazia parte da banda de David Bowie no Blackstar), e Alecia Chakour foi contratada para equilibrar Mike Mattison e Mark Rivers nos backing vocals. A formação é completada pelo tecladista Kofi Burbridge, os bateristas Tyler Greenwell e JJ Johnson e uma seção de trompas de três integrantes. Caminhões prova um produtor destemido aqui. Este conjunto de dez canções escrito de forma colaborativa mostra a habilidade da banda em tocar e compor através do soul sulista, rock de raiz, blues, funk gorduroso, jazz, música clássica indiana, música de cinema e polirritmias africanas e brasileiras. Uma óbvia oferta de estúdio, é caloroso e ressonante, mas cheio de energia e ideias. A sensação é solta e grooving, as performances quentes. Nos dois últimos álbuns do TTB, Tedeschi se sentiu confortável como vocalista de uma grande banda. Ela é quase icônica aqui, arriscando com o fraseado, encontrando espaços ocultos em linhas e sílabas e emocionando da barriga. Ela nunca exagera em uma música, mas sempre canta muito. (Verificar " A fusão de gospel, soul, doo wop e blues rock no próximo "In Every Heart" oferece um solo de Trucks que se aprofunda no grão emocional para contrastar com a doce vibração. Nunca TTB soou tão orgânico, relaxado e livre. Let Me Get By é o álbum pelo qual este grupo tem se esforçado desde sua formação. Você precisa disso. A fusão de gospel, soul, doo wop e blues rock no próximo "In Every Heart" oferece um solo de Trucks que se aprofunda no grão emocional para contrastar com a doce vibração. Nunca TTB soou tão orgânico, relaxado e livre. Let Me Get By é o álbum pelo qual este grupo tem se esforçado desde sua formação. Você precisa disso.

Classificação de todos os álbuns de estúdio de Tyler Childers

Vindo das Montanhas Apalaches do leste de Kentucky, Tyler Childers tem feito suas rondas na cena da música country. Seu primeiro álbum de estúdio, Purgatory , foi lançado em 5 de outubro de 2018, pela Hickman Holler Records. Este artigo classifica todos os quatro álbuns de estúdio de Tyler agora, colocando um contra o outro para ver qual sai por cima. Não entenda mal, porém, cada álbum é ótimo por si só, e eu recomendo conferir cada um deles. Não há uma única música de Tyler Childers que eu tenha ouvido que eu ache ruim, mas isso não quer dizer que algumas músicas não se destacam um pouco mais do que outras. Então, sem muito mais delongas, aqui está minha classificação de todos os quatro álbuns de estúdio:

4. Long Violent History (2020)

 

Este é o álbum mais recente de Tyler Childers, e é o menos favorito de muitos fãs até agora, com base nos padrões que seus álbuns anteriores estabeleceram. Em seus dois primeiros álbuns, “Bottle and Bibles” e “Purgatory”, Tyler canta sobre fazer música, drogas, beber, sentir falta de sua mulher e sua vida como um caipira. Em “Long Violent History”, no entanto, Tyler dá uma guinada esperada ao se concentrar na violência mundial e em como a humanidade está se destruindo. Antes de lançar o vídeo, Tyler lançou um vídeo de 6 minutos para servir de introdução para seu álbum. No vídeo, ele fala sobre toda a violência e sofrimento que vemos no noticiário todos os dias e como tudo está conectado. Ele explica que, para combater a violência, devemos primeiro nos conscientizar do que está acontecendo ao nosso redor e, o mais importante, tentar criar empatia com outros grupos. Para maior clareza, vamos abordar o álbum em três partes:

Melodias de violino

O álbum começa com uma ótima nota, com um cover impetuoso de violino da música do show de 1973 de Stephen Sondheim, “Send In The Clowns”. Seguem-se outras sete melodias de rabeca – seis tradicionais e uma moderna – executadas com a habilidade e confiança de um homem que acabou de aprender a tocar rabeca (criança admite ter começado a aprender a rabeca há apenas um ano). Ao fundo estão dobradores de cordas experientes.

As canções de protesto

Na faixa-título do álbum e na música final, Tyler canta sobre essa “Long Violent History” que todos nós estamos envolvidos, e ele não esconde seus sentimentos. Ele aborda o racismo sistemático e a brutalidade policial, contextualizando a questão da verdade indescritível e da saturação da mídia na América. Ele também pede que as pessoas tenham empatia, sugerindo que a mudança começa com a simples capacidade de se colocar no lugar de outra pessoa.

O vídeo

Lançado como uma introdução ao álbum, vemos um vídeo de Childers falando diretamente para a câmera, explicando seus pensamentos sobre a violência ao nosso redor e como podemos combatê-la. Childers não mede suas palavras e deixa bem claro que precisamos abrir nossos olhos e ver verdadeiramente tudo ao nosso redor, para que possamos lutar por aqueles que não podem lutar.

3. Country Squire (2019)

 

“Country Squire” é o terceiro álbum de estúdio de Childers , lançado em 2 de agosto de 2019. O álbum mistura os estilos Country e Americana, com várias músicas apresentando instrumentação de guitarra de aço. A faixa-título abre o álbum e dá o tom do que vem a seguir: um homem de quase vinte anos que se orgulha de ser pobre e ama sua caminhonete. Na primeira linha da faixa de abertura, ele canta: “Bem, esta noite estou em Chillicothe, Na direção do vento da fábrica de papel, estou aqui cuspindo na calçada”, e você pode sentir a tristeza que está por vir. . Tão estereotipado de músicos country. Eles prosperam em situações difíceis e, em seguida, endurecem para deixar tudo rolar em suas costas. Há muitas músicas neste álbum que se encaixam nessa imagem, “Bus Route”, “ House Fire”, e “Paz de espírito”. Na segunda música, "Bus Route", ele fala sobre ter sido rejeitado por um colega de classe por quem tinha tesão e como ele "tentou beijá-la uma vez no corredor do ônibus, e ela passou por cima de mim, de bruços o chiclete no chão.” Childers é muito bom com detalhes, o que ajuda a dar vida às suas letras.

2. Bottle and Bibles (2011)

 

Childers tinha apenas 19 anos quando lançou este álbum. Lançado em 2011, Bottle and Bibles é seu primeiro álbum de estúdio. Este mostra as raízes country do artista com uma influência particular do bluegrass. Suas letras são cruas com um senso de imediatismo, tornando-as muito pessoais, mesmo quando falam sobre os temas mais universais de amor e pobreza. Hoje em dia, existem algumas músicas deste álbum que vi Childers tocar ao vivo, particularmente “Se Whiskey Could Talk”, “Hard Time” e a faixa-título. Não porque as músicas sejam medíocres nem nada, mas porque ele prefere se ater aos lançamentos mais recentes, o que é compreensível. Ainda assim, é interessante ver o quanto ele cresceu como músico. Childers se apóia mais em seu lado espiritual/religioso neste álbum, ainda mais do que em lançamentos subsequentes. Isso explica por que muitos de seus fãs gravitam mais para este álbum, com muitos passando-o como seu favorito. “Hard Times” é a minha favorita deste álbum.

1. Purgatory (2017)

 

O segundo álbum de estúdio de Childers, Purgatory, foi lançado em 2017. O artista de música country desenvolve seu primeiro álbum, “Bottle and Bibles” (2011), apoiando-se na instrumentação de bluegrass e influências folk. Notavelmente, Childers tem um som mais maduro neste álbum, mais aparente em sua entrega vocal. Ele escolhe abandonar seu estilo característico de cantar aos gritos, o que eu acho uma coisa boa. Ele permite mais variação em termos de melodia e harmonias, tornando este álbum mais forte no geral. A faixa de abertura “I Swear (to God)” não é uma música clássica de amadurecimento, nem é uma música sentimental de separação, mas sim um aceno para o valor do sal da terra de trabalhar e resistir. No videoclipe de I Swear (to God), Childers toca violão e piano, além de cantar. Você pode ver em sua performance emocional que ele coloca seu coração em cada verso que canta. 

Bandas Raras de um só Disco

 

Diabolus - High Tones (1972)

MUSICA&SOM - senha muro

Embora muito pouco conhecida , "a banda que o mundo esqueceu", como disse Max Von Seibold, filho do baterista, em um site de memória (www.diabolustheband.net, não mais ativo) – a banda DIABOLUS, formada em Oxford, Inglaterra, é uma predecessora do rock sinfônico que viria a surgir no meio dos anos 70s. Seus membros eram: John Hadfield (guitarra e vocal), Anthony Hadfield (baixo, vocal), Philip Howard (flauta, sax tenor, órgão, piano, vocais), Ellwood Von Seibold (bateria, percussão) e Pedro Cornel (sem detalhes adicionais). A banda foi considerada não comercial e sucessivos desmembramentos e reintegrações sob o nome de Sunfly acabaram por mantê-la ativa por um bom tempo.

Seu único LP, "High Tones", foi gravado em 1971 em Londres, produzido por Hugh Murphy e Shel Talmy (leia-se The Who), mas nunca foi lançado por razões "comerciais". Uma edição não autorizada foi lançada na Alemanha pelo selo Bellaphon. Quando em meados de 1990, os membros tiveram ciência disso, começaram a lutar judicialmente pelos direitos de propriedade, acabando por finalmente relançar o álbum pela gravadora Sunrise Records, da Europa.

Seu estilo musical vai de melodias populares até a instrumentação eclética, incluindo flauta, sax e vocais de pelo menos três membros da banda, passando por jazz e composições mais trabalhadas. O trabalho vocal lembra bastante Gentle Giant, enquanto o uso de flautas tem a similaridade do Jethro Tull. O sax usado nos remete ao Pink Floyd dos anos 80s, banda que usava esse instrumento de uma maneira mais eventual, enquanto que no caso do DIABOLUS, já fazia parte do álbum como um todo. Algumas das músicas aproximam-se do jazz fusion, através do uso de tempos quebrados e percussões abertas, com momentos de total livre improvisação. 

Integrantes.

John Hadfield (Guitarra, Vocal)
Anthony Hadfied (Baixo, Vocal)
Philip Howard (Flauta, Teclados, Saxofone)
Ellwood Von Seibold (Bateria)

 

 01. Lonely Days (7:10)

02. Night Clouded Moon (5:46)
03. 1002 Nights (4:48)
04. 3 Pieces Suite (7:05)
05. Lady Of The Moon (3:56)
06. Laura Sleeping (8:04)
07. Spontenuity (8:20)
08. Raven's Call (6:18)

Crítica ao disco de Ángel Ontalva & Vespero - 'Live at the Astrakhan State Theatre of Opera and Ballet' (2020)

 Ángel Ontalva & Vespero - 'Ao vivo no Astrakhan State Theatre of Opera and Ballet'

(23 de junho de 2020, OctoberXart Records)

Hoje temos a grata oportunidade de apresentar a terceira peça fonográfica da associação hispano-russa ÁNGEL ONTALVA & VESPERO, o álbum ao vivo “Live At The Astrakhan State Theatre Of Opera And Ballet”. Quase todo o material aqui contido provém daquele fabuloso disco de estreia da associação que foi "Carta Marina" (2018), juntando três temas que já figuravam num disco a solo do próprio ONTALVA: tudo isto foi gravado ao vivo durante a inauguração de uma exposição das obras de Ontalva no local mencionado no título, em 28 de fevereiro de 2019. As gravações adicionais subsequentes foram distribuídas entre os estúdios La Ratonera (Fuensalida, Espanha) e Astracán (Rússia). O álbum em questão foi editado pela editora OctoberXart Records a 23 de junho em co-produção do próprio ONTALVA e de Francisco Macías, embora se deva esclarecer que, literalmente falando, não se trata apenas de um álbum dele em conjunto com VESPERO. Em efeito,Natasha Blinova ao pé do cânion, assumindo a melódica e o piano em metade das canções contidas neste item fonográfico. Toda esta informação sonora é tratada com uma precisão imaculada que nos permite potenciar o sentido de conjunto projectado pelo conjunto, o que se traduz numa abordagem mais movida pela subtileza e por um espírito de engenharia na hora de concretizar o esquema psicodélico progressivo e experimental que é o marca desta casa multinacional. Claro que Ontalva está a cargo da arte gráfica, e o trabalho é impressionante, como sempre.

Os primeiros 14 minutos do álbum são ocupados pela dupla de 'Horrenda Charybdis Near Lofoten' e 'Giant Lobster Between The Orkneys And The Hebrides'. Ambas as peças, que estão entre as mais significativas da associação entre ONTALVA e VESPERO, apresentam dois exercícios de elegante e refinada musicalidade jazz-progressiva com inegáveis ​​arestas crimsonianas e muitas outras enraizadas na fusão. O primeiro destes temas é expressão de uma extroversão deslumbrante no interior de uma engenharia sofisticada, enquanto o segundo privilegia a graça evocativa, estabelecendo-se num jogo de alternâncias entre passagens intensas e outras mais contidas. A proeminência do violino e as relevantes texturas do bandolim marcam um importante contrapeso ao senhorio imposto pelo duo rítmico. Pode-se afirmar desde já que quase todas as cartas do conjunto estão na mesa. Segue-se 'Satélites, uma peça que cumpre a função de explorar nuances serenas e contemplativas assentes num desenvolvimento temático que se mantém firme no âmbito da envolvente através das variantes que vão surgindo ao longo do percurso. A cadência particular da escaleta ajuda a reforçar uma aura de intimidade espiritual, tornando-se o cúmplice perfeito do violino, que, juntamente com a guitarra elétrica, se embebe de um lirismo cristalino. Imaginamos aqui o boletim meteorológico experimentado com os padrões de Canterbury. 'Sledges Crossing The Gulf Of Bothnia' é o item mais longo com quase 8 minutos e meio de duração, e a sua função é realizar uma nova exploração em ares fusionais dentro de um enquadramento sonoro inicialmente sustentado por uma suavidade meticulosamente elegante, e posteriormente, redireccionado para um groove mais vivo. Nesta nova situação, o conjunto adiciona cores space-rocker à sua paleta de sons. 'Never Again' retorna ao terreno do jazz contemporâneo, desta vez com ornamentos latinos herdados. Os majestosos floreios do piano são os principais recursos para ampliação e valorização do desenvolvimento temático. 'Carta Marina' estabelece o oposto do calor da peça anterior com a sua demonstração de densidade e tensão numa arquitectura sonora onde o avant-prog e o jazz contemporâneo se misturam. O piano de Blinova continua presente para reforçar o papel dos teclados no cenário geral,

'Sea Orm' – outro dos standards mais célebres deste projeto – resume uma engenharia musical coerentemente erguida sob uma roupagem prog-psicodélica onde o núcleo temático deixa claro o seu brilho e carisma essenciais. Tudo termina com a chegada de 'Eyes In The Mirror', uma peça que regressa plenamente ao discurso e groove típicos do jazz-fusion com uma orientação progressiva. O calor cativante que emana do encontro entre o violino e a melódica estabelece o corpo central de onde a guitarra eléctrica terá de partir para marcar um sistema de floreios que dinamizam uma fantasia extremamente notável. Talvez seja a melhor presença do violão em todo o evento. A jovialidade ágil que aqui impera faz desta peça o momento perfeito para uma despedida carinhosa. Em fim,

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- Amostras de 'Live at the Astrakhan State Theatre of Opera and Ballet':

DE RECORTES & RETALHOS

 

Musica&Som Nº 68 - "O Country, o Rock e a Amiga" / Célia Pedroso 1981

Musica&Som Nº 68 - "Irish Rock Army" Rory Gallagher, Thin Lizzy / José Oliveira 1981

Jornal Expresso - Roy Harper "In Between Every Line" / Manuel Falcão, João Lisboa 1987

Jornal Expresso - Nick Drake "Time Of No Reply" / João Lisboa 1987

Jornal Blitz Nº 24 - Este Mundo... E o Outro / Rui Monteiro 1985

Jornal Blitz Nº 24 - Busca no Sótão "A Folk Music" / Luis Pinheiro de Almeida 1985

Jornal Blitz Nº 24 The Lords of The New Church / Blitz 1985

Disco Imortal: Led Zeppelin – Houses of the Holy (1973)

Atlantic Records, 1973

 Depois de lançar álbuns de força abismal como os quatro primeiros, o que mais você poderia pedir do Led Zeppelin? A resposta seria fornecida pela impressionante exibição evolutiva e engenhosidade resplandecente em "Houses of the Holy". Primeiro álbum com nome próprio, como se dissesse "este é mesmo o nosso primeiro trabalho 100% original". Longe vão os anos em que, com base num blues de outrora, conseguiam peças de hard rock como ninguém jamais imaginou, algo que no final lhes trouxe momentos difíceis (por o fazerem sobretudo sem as devidas autorizações) -apesar de a genialidade na hora de re-versionar no Led Zeppelin é praticamente inegável.

Mas não, aqui estava outra coisa. Este álbum é precisamente divorciado um pouco disso, e do blues em grande medida. A banda quis mostrar ao mundo inteiro que não precisava de recorrer a estruturas pré-fabricadas ou moldadas e que também havia outras sonoridades que impregnavam a sua aura durante aqueles anos. "Houses of the Holy" é talvez o primeiro álbum em que a banda experimentou além do que já foi feito. Com Jimmy Page em um estado superlativo de técnica na guitarra (e como levar isso a outro patamar na produção com Eddie Kramer, que por sinal fez um trabalho magnífico) e Plant sendo a alma total na interpretação dessas músicas, também com seu universal look muito mesclado, produto de viagens ao leste que mudaram totalmente o espectro da banda. Grande primeiro exemplo disso: os enormes 'Dancing Days', mais um clássico da voracidade do rock que, como o próprio nome diz, te incentiva diretamente a dançar e festejar. A guitarra de Page, como nunca, tomando uma forma tão aderente na sua cabeça que é até difícil de explicar.

São coisas muito díspares (a verdade é que essa é uma virtude histórica da banda). Enquanto "The Song Remains the Same" é uma escada de energia que sobe sem parar em busca da glória, a melancolia de "The Rain Song" mais uma vez nos mostrou aquela faceta de soberba inspiração, que ainda hoje é reverenciada por muitos. graças a esta música ou «All My Love» ou a própria «Stairway to Heaven» do seu álbum anterior, entre muitas outras. Sensibilidade e épico, algo que LZ adorava exibir e sabia manejar muito bem.

O trabalho de John Paul Jones aqui é notável. Os teclados e o mellotron foram uma parte importante. A gloriosa “No Quarter” roubou o crédito dos bastiões progressivos da era do Yes ou mesmo de Emerson Lake & Palmer, numa das construções musicais mais prodigiosas da banda. “Over the Hills and Far Away” fez o mesmo, com aquelas reminiscências folk mas com um ímpeto rock and roll total. Com 'The Crunge' ficou aquele ar funk quase sátira da banda, que se acentuava nessa fase (anos em que Sly & The Family Stone ou Funkadelic estavam na moda, diga-se de passagem), a banda também quis mostrar seu groove e que eles poderiam parar de igual para igual com esses tremendos expoentes. O reggae finalmente chegou ao hard rock, ou uma banda assim. O grande 'D'yer Maker' é uma delícia que não se esgota com o passar dos anos. A entrada bem-sucedida de John Bonham na bateria, aquela doçura caribenha (Jamaica está no imaginário da música) e a voz de Plant com desenvoltura e essa coisa sedutora de sempre, fazem dela uma música estranha para o formato Zeppelian, mas outra que prova que a banda queria apontar para outro lugar , claramente. Talvez 'The Ocean', no final, seja mais do que um pouco parecida com o que temos ouvido, riffs fortes e Plant cantando de uma forma mais bestial e hard rocker, mas ainda assim é uma ótima música.

Não podemos deixar de rever este álbum sem falar da sua capa, uma obra de arte (como melhorou em relação às suas feias - diga-se - capas anteriores) com estas crianças e acenos ao sacrifício humano escalando como animais. Tudo inspirado no livro Fim da Infância. Um disco como esse tinha que ter uma capa bombástica (não à toa, a banda consultou a Hipgnosis, os empresários das novíssimas artes do Pink Floyd) e saiu mesmo.

É apenas mais uma joia na tremenda discografia desses gênios, que naqueles anos, aliás, também lidavam com tragédias, vícios e constantes desmandos e questionamentos, mas parecia que musicalmente não os afetava nem um pouco. A construção de registros imortais, ao que parece, é marcada por essa tangente de forma histórica.

VALE A PENA OUVIR DE NOVO

Chico Buarque & Maria Bethânia - "Chico Buarque & Maria Bethânia ao vivo" [1975]

MUSICA&SOM

Pery Ribeiro - "É todo bossa" [1963]

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Mireille Mathieu - "Made in France" [1967]

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