John Bence – Archangels (2023)

 

John Bence emprega a música como uma expressão tangível do imaterial. O mundo sonoro visceral e espiritual do compositor britânico investiga o metafísico. Criado na florescente cena da música eletrônica underground de Bristol e graduado pelo Royal Birmingham Conservatoire, Bence consegue empregar complexidade composicional para manifestar emoções potentes. Canto gregoriano, arranjos orquestrais, sintetizadores ondulantes e gravações de campo estão igualmente em casa em sua música. Os primeiros trabalhos aclamados de Bence focaram na experiência humana, mapeando as próprias experiências do compositor com o vício e o alcoolismo, tanto no minimalismo absoluto quanto nas erupções de ruído cáustico. Escrito dois anos depois de sua recuperação, Arcanjos encontra o compositor lançando seu olhar…

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…para o céu, esculpindo paisagens sonoras radiantes que oferecem um vislumbre do divino.

… Arcanjosdeve ser um dos novos álbuns mais silenciosos do mercado agora. Não é totalmente pacífico por completo, no entanto. Após uma curta faixa introdutória chamada “Salmo 34: 4” (“Busquei o SENHOR e Ele me respondeu / E me livrou de todos os meus medos”), Bence começa a listar os nomes de diferentes arcanjos faixa por faixa, começando com “Metatron , Arcanjo de Kether”. Um gemido de uma nota junta-se a um zumbido distorcido, chegando ao clímax com um grito seguido por uma caixa de marcha estrondosa. Depois disso, o piano assume, martelando um padrão que não é nem maior nem menor, mas tenso e inquietante. A partir daí, os Arcanjos vão repetidamente para o esconderijo sônico, amarrando o ouvinte enquanto esperam por mais interrupções como “Metatron, Arcanjo para Kether” para ocorrer novamente.

Os álbuns Love and Archangels de Bence são respostas musicais ao seu tratamento para o alcoolismo. Enquanto Love é uma coleção de peças abstratas para piano que abrangem uma gama de estilos clássicos contemporâneos, Archangels é como um vapor; às vezes, mal está lá. Em vez de assumir a liderança, o piano de Bence fica ao fundo, ajudando a criar texturas escuras com as vocalizações do canto e tantos ruídos sussurrantes diversos. Se os monges de um mosteiro se entregassem a algumas experiências lisérgicas e acrescentassem os instrumentos mais simples, o resultado poderia ser Arcanjos .

Se você ler sobre o passado de Bence, nada disso deve ser muito surpreendente. Ele cresceu em Bristol e frequentou o Royal Birmingham Conservatoire, o que significa que foi influenciado pela música eletrônica e clássica em igual medida. Ele não mostra predileções filosóficas ou religiosas, em vez disso, apenas pega o que se encaixa em sua visão de mundo e os sintetiza na música. Bence começou a trabalhar em Archangels dois anos depois de começar sua recuperação, dando à música um peso espiritual extra que fala muito onde a dinâmica mal fala. Em vez de ver o quanto ele pode compor, Arcanjos encontra Bence vendo o quão pouco ele pode se safar.

Os resultados podem ser desde calmantes até angustiantes. O trecho intermediário do álbum, de quando Bence invoca “Tzadkiel, Arcanjo de Chesed” até “Haniel, Arcanjo de Netzach”, é preenchido com a música de câmara clássica mais minimalista que você poderia pedir. A penúltima faixa do Archangel, “Sandalphon, Archangel of “Malkuth”, é a mais longa e faz o lance mais alto por um earworm. Um grupo de vozes masculinas canta uma melodia repetida em três quartos de tempo quase em uníssono. O texto é desconhecido para este escritor, embora deva ser uma oração, pois dança repetidamente em sua cabeça como se estivesse tentando fazer algo acontecer - o zumbido suavemente distorcido retorna, acompanhado de gemidos cavernosos e delicados ruídos auxiliares. “Anu/Enlil/Enki (O Caminho de Anu)” então prossegue para encerrar os Arcanjos com uma mistura de um pulso lento e desbotado, outro momento “om”,

A obra de John Bence exige contexto aqui. Claro, é possível se deixar afogar na música dos Arcanjos , mas fazer isso parece uma experiência incompleta. Esperançosamente, nenhum de seus seguidores precisa experimentar o vício para apreciar este trabalho. Talvez o pior que eles tenham que fazer seja revisar sua mitologia de arcanjo. De qualquer maneira, Bence conjurou o olho de uma tempestade, tornando Arcanjos uma fascinante contradição estética

Inhaler – Cuts & Bruises [Japan Edition] (2023)

Inhaler ocupa um lugar peculiar na cena musical de 2023. Eles aparecem como uma típica banda de indie rock: quatro membros, um cantor galã e canções sobre a juventude movidas por guitarras e bravatas. Mas eles assinaram com uma grande gravadora da Polydor, e o pai do vocalista Elijah Hewson é Bono, uma das figuras musicais mais divisivas do século 21. Uma justaposição curiosa.
A estatura deles em uma cena lotada também confundiu a banda. Falando ao NME, a banda relembrou uma conversa que tiveram com Sam Fender sobre como encontrar seu lugar, com o herói Geordie declarando a si mesmo, a banda e seus contemporâneos como “pop alternativo”. E ele está em grande parte certo. O que a banda de Dublin fará em Cuts & Bruises , seu segundo álbum, certamente será popular; afiada o suficiente…

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…para atrair o ouvinte mais cínico e acessível para os casuais. Mas pouco do que eles fazem é alternativo. A banda já possui recordes, seu álbum de estreia 'It Won't Always Be Like This' sendo o álbum de estreia em vinil mais vendido no Reino Unido neste século. Slots de suporte com Arctic Monkeys e Harry Styles no final deste ano apenas promoverão o nome. Bandas como a deles estão surgindo regularmente: basta olhar para as vitórias triunfantes do Wet Leg no Grammy e no The Brits na última quinzena.

Talvez o dilema seja adequado para eles, então. Embora alguns achem difícil superar o discurso #NepoBaby - é sua perda, honestamente - há alegria aqui nesta coleção completamente agradável. 'Cuts and Bruises' é um disco que mostra em vez de contar: os singles principais 'Love Will Get You There' e 'These are The Days' são ambiciosos como a maioria das canções pop deveriam ser, deixando um rastro sutil e indelével. O álbum pode não estar repleto de experimentação – e um tanto discreto em alguns lugares – mas certamente é potente o suficiente.

Os pontos de contato dos discos são óbvios com 'Sam's Town' do The Killers, The War on Drugs, The Stone Roses e o lado mais tonto de Turnstile se infiltrando em suas composições. Uma mistura inebriante é evocada: 'Just To Keep You Satisfied' aponta para uma banda com menos pressa, contente em favorecer a ambição sônica ao imediatismo; A voz de Hewson em 'If You're Gonna Break My Heart' combina com a de seu pai, mas a convicção e a alma são dele. A banda faz jus a 'Dublin In Ecstasy', uma favorita dos fãs de longa data gravada em estúdio pela primeira vez – os stans estavam certos em clamar por ela.

O ímpeto vacila no terço final, já que o mid-tempo 'Now You Got Me' e 'Valentine' carecem da faísca anterior do álbum. Mas 'Cuts & Bruises' deixa espaço para o Inhaler crescer e continuar desenvolvendo um som mais próprio. Enquanto eles não têm aquela garra ao estilo Fender em sua história, eles são igualmente zelosos e charmosos – eles estão rapidamente conquistando seu próprio lugar digno na cena

Jen Cloher – I Am the River, The River Is Me (2023)

O primeiro álbum de Jen Cloher em cinco anos parece uma espécie de renascimento. Embora nascido na Austrália, a herança de Cloher é descendente do povo indígena polinésio de Aotearoa, Nova Zelândia, conhecido como Māori. I Am the River, The River Is Me é a homenagem de Cloher a essas pessoas, mais especificamente à comunidade LGBTQ+ – a faixa de abertura do álbum, Mana Takatāpui, foi tirada da palavra Māori para 'parceiro dedicado do mesmo sexo'.
É o trampolim para um álbum que é estritamente político – os temas abordados incluem soberania indígena, consciência ambiental e os incêndios florestais que ainda varrem a Austrália causando danos incalculáveis. E, para aprofundar ainda mais os temas das músicas, Cloher canta em inglês e maori, e há…

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…contribuições de vários músicos Māori ao longo do álbum.

É uma conquista e tanto, e não apenas porque na maioria das mãos isso pode se tornar algo digno demais ou polêmico demais. No entanto, as canções de Cloher são lindamente desenhadas, calorosas e bem observadas, e suas influências Māori parecem naturalmente parte da música aqui, e nunca desajeitadamente inseridas.

Existem alguns momentos neste álbum em que Cloher vai além de sua habitual zona de conforto musical. My Witch é um pouco fora do comum no álbum - pois esta é a música sexual de Cloher, para ser franco, um hino divertido e cativante para todas as coisas carnais, com letras como "agora você me deixou de joelhos, me dê um pouco disso grande sapatão D” e “não dava a mínima para o tamanho, quando sua cabeça está entre minhas coxas”. É uma música que realmente sai dos alto-falantes e algo totalmente diferente do que ouvimos de Cloher antes.

Protest Song aborda preocupações mais globais, como se a música pode realmente fazer a diferença nos assuntos mundiais. Ele também apresenta uma primeira linha que chama a atenção de "uma noite após o show, uma mulher veio nos bastidores - irrompeu pela porta chorando, dizendo que precisávamos fazer alguma coisa". É um número adorável e cadenciado por um acústico, com uma melodia na qual você sente vontade de mergulhar. Being Human está no outro extremo da escala musicalmente, um hino urgente e poderoso sobre o genocídio e a história que vem com ele, apresentando tambores violentos e o som ocasional de um canto de haka. Chegando no início do álbum, é uma declaração de intenções bastante brilhante.

A faixa-título se desenvolve de forma magnífica e majestosa ao longo de seus cinco minutos de duração, culminando em um canto Māori arrepiante, enquanto He Toka-Tu-Moana é quase uma canção de ninar, um dueto cantado em Māori com Em-Haley Walker, também conhecido como TE KAAHU, que harmoniza lindamente com Cloher. Tudo vem à tona com a linda e calmante I Am Coming Home, uma homenagem à linhagem de Cloher que resume os muitos temas do álbum.

Em comparação com alguns de seus contemporâneos antípodas, Jen Cloher parece ter voado um pouco sob o radar. I Am The River, The River Is Me deve ser o álbum que eventualmente os transformará em uma grande estrela.

Crippled Black Phoenix – “Ellengæst”

 

Justin Greaves deve ser azarado ou um pé no saco para trabalhar. O líder do Crippled Black Phoenix já perdeu a maior parte da banda duas vezes. A primeira vez foi em 2014, quando os membros tentaram assumir o controle do CBP antes de sair em massa para formar o Vly.

Agora em 2020, Daniel Änghede, Jonas Stålhammar, Daisy Chapman e Mark Furnevall saíram para formar sua própria banda, o Venus Principle. Todas as vezes, Greaves afirmou que era ótimo ter um novo começo sem toda a negatividade. E, no entanto, o fio comum é ele. Independentemente de qualquer drama que o siga e CBP, a música não pode ser negada. A questão é se o CBP pode ressurgir das cinzas.

E agora temos um novo álbum “Ellengæst” que significa “demônio travesso”. Autobiográfico? Brincando. Musicalmente, soa como o lado mais pesado do CBP do que o lado Floydiano atmosférico. “House Of Fools” e “Lost” batem forte e mostram que o CBP está de volta mais uma vez e talvez com mais agressividade. Como a banda sempre teve vocais masculinos e vocais femininos (Änghede era o vocalista masculino), vocalistas convidados foram usados ​​no álbum. Vincent Cavanagh (Anathema) aplica seus talentos na abertura “House of Fools” e eu gostaria que ele estivesse em todo o álbum.

Belinda Kordic ainda é um membro do CBP (é claro) e seus vocais em “Lost” resistem bem à percussão trovejante que Greaves distribui. Poucas vezes os samples funcionam, mas o CBP é uma banda que os usa bem, especialmente no início de “In the Night”. Infelizmente, o problema nesta faixa são os vocais falados de Gaahls Wyrd, que são basicamente um silêncio. Simplesmente não funciona para mim e Änghede definitivamente faz falta. A música continua e fica maior à medida que avança, com um solo fantástico.

"Cry of Love" tem vocais convidados de Suzie Stapleton e Ryan Patterson. Sim, mais convidados. Musicalmente, a música é uma brincadeira galopante e arrasa. Mais uma vez, os vocais seguram este aqui. Patterson simplesmente não tem cor em sua voz e Stapleton se perde na mistura. É uma vergonha. Com um vocalista forte, essas duas últimas faixas seriam estelares. Na melancólica “Everything I Say”, Kordic me lembra um pouco a falecida Natasha Shneider do Eleven. É um vocal imperfeito perfeito que se encaixa bem na música, especialmente quando o refrão começa.

O épico “The Invisible Past” tem (sim, você adivinhou) outro vocalista convidado, Jonathan Hulten do Tribulation. Sua voz e estilo realmente se encaixam no CBP e eu adoraria tê-lo ouvido em mais faixas. Você sabe, como aqueles no meio do álbum. Musicalmente, a faixa me lembra aquelas faixas do tipo Floydian em que a banda é boa, embora essa música talvez tenha um som ainda mais cinematográfico. Além disso, é um estudo de como usar a dinâmica, já que no meio do CBP você decola. Excelente faixa e a melhor do álbum.

Acho que “The Invisible Past” teria sido uma faixa de encerramento melhor do que o cover da Bauhaus “She’s in Parties”. Se você gosta dessa banda gótica clássica, está tudo pronto. Eles nunca fizeram nada por mim e esta versão da música não muda isso. Esta capa se encaixaria bem no “Horrific Honorifics” do CBP, que foi apropriadamente nomeado. Que confusão foi aquela. Então o álbum termina com uma nota amarga para mim.

O ponto principal é que Crippled Black Phoenix simplesmente não parece a banda que eles eram. Com razão, já que a banda já virou duas vezes. A primeira vez funcionou bem, embora eu sempre tenha preferido a banda que estava nos álbuns pré-Season of Mist. Infelizmente, sem um vocalista forte e o que parece não ter uma direção real, “Ellengæst” é decente na melhor das hipóteses, mas realmente uma decepção. Além disso, parece que Greaves está liderando o que ele chama de encarnação mais forte de Crippled Black Phoenix (nem perto) até o momento, no que parece ser um terceiro e último ato.

Classificação: 7/10

1. House Of Fools
2. Lost
3. In The Night
4. Cry Of Love
5. Everything I Say
6. (-)
7. The Invisible Past
8. She’s In Parties

Release Date: 9 October 2020

 

The Flower Kings – “Islands”

 

Não faz nem um ano desde o último álbum dos Flower Kings. “Waiting for Miracles” foi lançado em 8 de novembro de 2019. Mas com o mundo basicamente fechado devido à pandemia, Roine Stolt e companhia voltaram ao estúdio para gravar “Islands”. A primeira coisa que você notará sobre o novo álbum é a capa que foi desenhada pelo lendário Roger Dean. Já era hora de ele fazer um cover para o TFK!

Ao contrário da maioria dos álbuns dos Flower Kings, “Islands” não tem grandes épicos. E considerando que este é um álbum duplo, é ainda mais surpreendente. Ainda assim, o álbum tem 92 minutos de duração e tem uma tonelada de ótimas músicas, apenas feito de uma maneira mais... digerível. Há um tema de isolamento percorrendo o álbum, embora não seja um “álbum conceitual”. Considerando que todos estamos lidando com mais isolamento com o COVID-19, cada um de nós é sua pequena ilha. Então as músicas estão ligadas, embora não seja uma verdadeira música longa com muitas pequenas partes como “Garden of Dreams” estava em “Flower Power”.

Musicalmente, soa como... bem, The Flower Kings. O som vintage prog está muito intacto. Há muitas melodias fortes em “Islands”. As músicas variam de momentos mais suaves como “Morning News” a prog mais aberto como a abertura do Yes, “Racing With Blinders On”. Logo de cara, essa música me deixou saber que seria um álbum divertido. “From The Ground” é um pouco de prog pop como apenas Roine Stolt pode escrever. Ótima melodia. Mas há muitas músicas ótimas.

O primeiro disco tem algumas boas canções como “Black Swan” que tem um swing que a banda é ótima, ou a insana instrumental “Journeyman” que tem pouco menos de dois minutos e é perfeita. Há também o miniépico de 9 minutos e meio “Solaris” e a majestosa “Heart Of The Valley”, que é outra das minhas favoritas. “Man In A Two Peace Suit” mostra o incrível talento da guitarra de Stolt. E se o álbum fosse um disco, ainda seria incrível.

Mas espere! Tem mais!

“All I Need Is Love” abre o segundo disco e mais uma vez Hasse Fröberg adiciona sua ótima voz a uma ótima música. Além disso, outra coisa de que todos precisamos é positividade e aqui está uma música com isso. “A New Species” mostra o lado jazzístico da banda que realmente tocou pela primeira vez em “Unfold the Future”. Você obtém mais disso em “Hidden Angles”, que dura pouco menos de um minuto, mas é tudo menos preenchedor! “Serpentine” mantém o frescor fluindo (muito clássico TFK). E isso é outra coisa que preciso mencionar. A ordem das faixas é realmente perfeita. As músicas fluem tão bem juntas em termos de estilo.

É engraçado que o segundo disco tenha tantas músicas incríveis. O mellotron encharcou “Telescope”, a saltitante “Between Hope & Fear” com um ótimo uso de cordas e a faixa-título que fecha o álbum, uma música que deixaria Steve Hackett orgulhoso. Uma ótima faixa de guitarra para fechar um GRANDE álbum!

“Islands” é facilmente um dos melhores álbuns que The Flower Kings já fizeram. Em vez de se preocupar com a duração das músicas, o que importa é o quão BOAS elas são. Para aqueles que nunca se familiarizaram com esta banda, este álbum pode muito bem ser o que você estava esperando. Para os fãs de The Flower Kings, este é outro grande álbum para se perder. Você é a própria ilha.

Avaliação: 9/10

Tracklist:

CD 1 (49:40)
1 – Racing With Blinders On 4:24
2 – From The Ground 4.02
3 – Black Swan 5:53
4 – Morning News 4:01
5 – Broken 6:38
6 – Goodbye Outrage 2:19
7 – Journeyman 1:43
8 – Tangerine 3:51
9 – Solaris 9:10
10 – Heart Of The Valley 4:18
11- Man In A Two Peace Suit 3:21

CD 2 (43:01)
1 – All I Need Is Love 5:48
2 – Uma Nova Espécie 5:45
3 – Aurora Boreal 5:43
4 – Ângulos Ocultos 0:50
5 – Serpentina 3:52
6 – Procurando por Respostas 4:30
7 – Telescópio 4:41
8 – Ouro de tolo 3:11
9 – Entre a esperança e o medo 4:29
10 – Ilhas 4:12

Rótulo: Inside Out Music
Data de lançamento: 30 de outubro de 2020

Gryphon – “Get Out of My Father’s Car!”

 

Gryphon está de volta, provando que sua reunião para “Re-invention” não foi única. “Get Out of My Father’s Car!” apresenta os membros originais Graeme Taylor, Brian Gulland e Dave Oberlé acompanhados por Andy Findon do último álbum mais dois novos membros. O som do novo álbum está muito de acordo com o que se esperaria de Gryphon. Sons medievais misturados com prog savvy.

“Saia do carro do meu pai!” não vai me fazer esquecer de “Red Queen to Gryphon Three”. Esse álbum é uma obra-prima que ofusca o resto de seu grande catálogo. Este álbum também não tem a inteligência de “Treason”. Soa um pouco parecido com “Re-invenção”, o que também é bom. A faixa-título é um pouco extravagante para o meu gosto e o título em si é bastante bobo.

São músicas como “A Bit of Music By Me” que me lembram o clássico Gryphon. Onde está o fagote? Felizmente, o instrumento que torna o Gryphon diferente da maioria das bandas faz parte do som, “Suite For '68” é um exemplo.

“Percy The Defective Perspective Detective” é realmente melhor do que seu título com flauta e cravo liderando o caminho. Eu preferiria que o álbum fosse instrumental porque os vocais monótonos na agradável “Christina's Song” são... infelizes. “The Brief History of a Bassoon” é outro motivo para a banda abrir mão dos vocais. É bobo e divertido, mas uma música que eu pulo. Menos vocais, mais fagote.

“Forth Sahara” é outro destaque. Grande interação instrumental entre flauta, violino e fagote. Enquanto “Krum Dancing” soa como uma imitação de Jethro Tull e Gryphon é melhor do que isso. A cantoria retorna para a fraca “A Stranger Kiss”. Eu esperaria isso em um álbum do Renascimento. Isso é legal se você gosta disso. Simplesmente não faz nada para mim. As duas últimas faixas variam de um bom instrumental para uma faixa vocal mediana.

Infelizmente, “Saia do carro do meu pai!” é uma decepção em geral. Existem algumas faixas excelentes aqui e ali, mas infelizmente existem algumas sonecas reais e momentos estranhos que estragam as coisas. Os fãs obstinados provavelmente vão gostar disso, mas "Saia do carro do meu pai!" não vai trazer novos fãs. Parece muito rápido como um todo e o legado de Gryphon merece algo melhor.

Avaliação: 6/10

Cynic – “Ascension Codes”

 

Desde o último álbum do Cynic, Sean Reinhart e Sean Malone faleceram repentinamente. Reinhart tinha 48 anos e Malone tinha 50. Eles morreram com 11 meses de diferença. Isso deixa Paul Masvidal e pode-se argumentar que o novo álbum “Ascension Codes” é mais um álbum solo nesse aspecto. Mas no geral soa como Cynic ou pelo menos como a banda tem soado em seus últimos álbuns.

Este é apenas o quarto álbum completo da banda e isso é incrível, pois parece que eles deveriam ter muito mais. É verdade que eles desapareceram por 22 anos. Para mim, cada um de seus álbuns foi bom... mas sempre faltou algo que os tornaria ótimos. Isso tende a ser o mix ou a produção. “Focus” pode ser um clássico, mas soou muito datado e os remixes de 4 faixas na reedição apontaram isso. Então você tem a produção enlameada de seu último álbum “Kindly Bent to Free Us”. As músicas eram tão boas e a produção era horrível.

“Traced in Air” foi um álbum sólido, mas quando foi remixado em 2019, soou MUITO melhor na minha opinião. A mixagem original soava como uma banda tentando soar como Cynic versus apenas BEING Cynic. O EP “Carbon Based Anatomy” foi provavelmente o meu favorito, mas é um EP. Depois do sólido single autônomo “Humanoid” de 2018 (o primeiro lançamento com Matt Lynch na bateria em vez de Reinhart), pensei que a banda finalmente lançaria um álbum perfeito. Eles tinham que acertar!

Então ambos os Sean faleceram. Fazia sentido que Cynic existisse? “Códigos de Ascensão” é a resposta. Mas uma resposta realmente confusa. São 18 faixas. 9 deles somam um total de 5 minutos. Isso significa interlúdios new age de 30 segundos entre quase todas as músicas reais. PORRA! Eu odeio preenchimento e sim, esta é a definição de preenchimento. O único ponto do álbum em que não há 30 lixo new age separando as músicas, temos uma música com 4 minutos dela! QUE PORRA! “DNA Activation Template” é um snoozefest até 4 minutos e então a música começa. E é feito às 5:25.

O resto das músicas SOAM bem, então a mixagem e a produção são provavelmente as melhores que o Cynic já teve. Mas, no geral, não há nada muito atraente. Masvidal está de volta apoiando-se no vocoder para seus vocais, o que é decepcionante. Há um rosnado de morte em um ponto que foi estranho, pois não foi seguido. Esquisito. Minha faixa favorita é a instrumental “The Winged Ones”. A banda tem muita energia, o que contribui para uma boa mudança.

Eu realmente esperava que “Ascension Codes” fosse o álbum definitivo do Cynic, mas é um esforço desarticulado que se soma à estranha carreira dessa banda tremendamente talentosa, se não amaldiçoada. Dito isso, tenho certeza de que este álbum marcará caixas suficientes para a maioria dos fãs. Infelizmente, eu não sou um deles.

Data de lançamento: 26 de novembro de 2021