DISCOS QUE DEVE OUVIR

 

Werner Müller und sein Orchester - Budenzauber (Crazy Party) 1965 (Germany, Easy Listening)

Artista: Werner Müller und sein Orchester
Origem: Alemanha
Álbum: Budenzauber (Crazy Party)
Ano de lançamento: 1965
Gênero: Easy Listening
Duração: 34:23
Formato: MP3 CBR 320 (Vinyl Rip)
Tamanho do arquivo: 81,5 MB (com 3% para recuperação )

MUSICA&SOM

Tracks:
01. America (Leonard Bernstein, Stephen Sondheim) - 2:27
02. Medley: Don't Ha Ha (Huey "Piano" Smith, John Vincent) / Do Wah Diddy (Jeff Barry, Ellie Greenwich) / I Feel Fine (Lennon-McCartney) - 2:12
03. Hello Dolly (Jerry Herman) - 2:28
04. Downtown (Tony Hatch, Carl Ulrich Blecher) - 2:59
05. Schön, schön (Letkiss) (Rauno Lehtinen, Joe Menke) - 2:21
06. Humbta Täterä (Toni Hämmerle) - 2:01
07. Budenzauber-Twist (Werner Müller) - 3:05
08. Memphis Tennessee (Chuck Berry) - 2:22
09. Teenagers Ragtime (Werner Müller) - 2:20
10. Das ist die Frage aller Fragen (Spanish Harlem) (Jerry Leiber, Phil Spector) - 2:24
11. Whistle Stop (Jimmy Bryant, Billy Strange) - 2:17
12. Guitar On The Rocks (Werner Müller) - 2:38
13. Pretty Woman (Roy Orbison, Bill Dees) - 2:45
14. Schaffe, schaffe, Häusle baue (Josua Röckelein) - 2:04

Personnel:
- Werner Müller und sein Orchester - orchestra
- Werner Müller (or Heinz Buchholz, René Ullmer, Ricardo Santos) - conductor
- Gerhard Lehmann, Erich Werner, Bob Henders, Alex Machowiak, Günter Grunwaldt, Gunter Hampel, Günther Seppel, Heinz Deschan, Harald Emmelmann, Hans Berry, Heinz Kamberg, Macky Kasper, Kurt Masnick, Paul Rutz, Rolf Kühn, Rudolf Krueger - musicians

Phil Ochs - I Ain't Marching Anymore 1965 (USA, Folk)

Artista: Phil Ochs
Local: EUA
Álbum: I Ain't Marching Anymore
Lançamento: 1965
Gênero: Folk
Duração: 50:12
Formato: MP3 CBR 320
Tamanho do arquivo: 119 MB (com 3% para restauração)

MUSICA&SOM

Tracks:
Songs written by Phil Ochs except where noted.
01. I Ain't Marching Anymore - 2:33
02. In The Heat Of The Summer - 3:05
03. Draft Dodger Rag - 2:09
04. That's What I Want To Hear - 3:08
05. That Was The President - 3:22
06. Iron Lady - 3:32
07. The Highwayman (Alfred Noyes, Phil Ochs) - 5:37
08. Links On The Chain - 4:18
09. Hills Of West Virginia - 3:20
10. The Men Behind The Guns (John Rooney, Phil Ochs) - 3:01
11. Talking Birmingham Jam - 3:10
12. The Ballad Of The Carpenter (Ewan MacColl) - 3:52
13. Days Of Decision - 3:11
14. Here's To The State Of Mississippi - 5:54

Personnel:
- Phil Ochs - vocals, guitar
- Paul A. Rothchild, Jac Holzman - producers

CRONICA - ROBERTA FLACK & DONNY HATHAWAY | Roberta Flack & Donny Hathaway (1972)

 

É o encontro de dois grandes nomes do soul. Roberta Flack e Donny Hathaway ambos cantor e pianista, mas também o desejo de oferecer uma alma sofisticada com aromas de jazz.

Foi Jerry Wexler quem teve a ideia desse encontro. No entanto, os dois cantores/pianistas já colaboraram no passado. Donny Hathaway ajudou nos dois primeiros LPs de Roberta Flack. Sem falar no single lançado em maio de 1971, a balada mid-tempo "You've Got A Friend", cover de Carole King. Título que encontraremos nas 33 voltas da dupla.

Publicado em maio de 1972 pela Atlantic, este Lp homônimo apresenta os guitarristas Eric Gale e David Spinozza, os bateristas Bernard Purdie e Billy Cobham, o flautista Joe Gentle (Yusef Lateef) e Hubert Laws, o vibrafonista Jack Jennings, o percussionista Ralph MacDonald, o baixista Chuck Rainey, o saxofonista Joe Farrell e Arif Mardin sobre os arranjos.

Composto por 10 músicas, este vinil é quase feito de baladas, em sua maioria covers. Exceto pelo country um pouco boogie, "Baby I Love You" de Aretha Franklin mais balançante.

O disco abre com "I (Who Have Nothing)", uma canção do artista italiano Joe Sentieri originalmente intitulada "Uno dei Tanti". Após esta introdução sombria liderada por uma guitarra brilhante, uma música desesperada começa. Roberta Flack começa. Donny Hathaway assume. Nos refrões o duo oferece-nos notáveis ​​harmonizações às vozes mas também aos pianos. De facto este disco será atravessado por estas harmonizações vocais, orquestrações sumptuosas, flautas de feltro, guitarras blues e claro pianos delicados sem esquecer estas vozes desconcertantes e apaixonadas. Assim rola a suave "Be Real Black for Me" (uma bela composição da dupla), a intrigante "You've Lost That Lovin' Feelin'" (The Righteous Brothers) com efeitos psíquicos e progressivos, a desencantada "For All We Know" (canção popular dos anos 1930) onde Donny Hathaway canta sozinho, a despreocupada "Where Is the Love" (escrita por Ralph MacDonald para a dupla), a nostálgica "When Love Has Grown" (por Donny Hathaway) e para encerrar "Come Ye Disconsolate" (um título popular do século 19) com aromas gospel. O caso termina com a frágil “Mood”, um instrumental lírico e sensível onde Roberta Flack está sozinha com seu piano.

O disco venderá milhões de cópias permitindo que Roberta Flack saia das sombras. Cada um retomará sua carreira solo. O de Donny Hathaway sendo mais desconexo. Em 1979, os dois intérpretes afro-americanos voltaram a se encontrar para renovar a experiência. O destino decidirá o contrário.

Títulos:
1. I (Who Have Nothing)
2. You’ve Got A Friend
3. Baby I Love You
4. Be Real Black For Me
5. You’ve Lost That Loving Feeling
6. For All We Know
7. Where Is The Love
8. When Love Has Grown
9. Come Ye Disconsolate
10. Mood

Músicos:
Roberta Flack: Vocal, Piano, Órgão
Donny Hathaway: Vocal, Piano, Arranjo
Eric Gale: Guitarra
David Spinozza: Guitarra
Chuck Rainey: Baixo
Bernard Purdie: Bateria
Billy Cobham: Bateria
Ralph MacDonald: Percussão
Jack Jennings: Vibrafone
Joe Gentle: Flauta
Hubert Laws: Flauta
Joe Farrell: Saxofone
Arif Mardin: Arranjos

Produtores: Joel Dorn, Arif Mardin

CRONICA - BILL WITHERS | Just As I Am (1971)

A carreira de Bill Withers é atípica em mais de uma maneira. Em primeiro lugar, sua carreira começou bem tarde, quando já estava na casa dos trinta. Montador de várias empresas industriais, dedicou-se no final dos anos 60 a se apresentar em clubes de Los Angeles enquanto produzia demos por conta própria. Um deles chamou a atenção de uma pequena gravadora, a Sussex Records, que o colocou em contato com nada menos que Booker T. Jones para produzir um primeiro álbum. Através dele, Withers poderá trabalhar com outros músicos dos MG's (e portanto da backing band da Stax) mas também com prestigiados músicos brancos de estúdio (Jim Keltner e Chris Ethridge) e sobretudo nada menos que Stephen Stills, num dos maiores estrelas do rock americano na época. Tivemos começos mais infelizes. Outra peculiaridade, Bill Withers mistura seu Soul com o Folk Rock, desviando-se assim do Soul Psicodélico ou do Funk, estilos mais brutais que eram favorecidos pelo público negro da época. Mesmo vocalmente destaca-se dos colegas, preferindo uma sensibilidade despreocupada às eructações apaixonadas praticadas pela maioria dos cantores de Soul e Funk.

Obviamente, Just As I Am , este primeiro álbum, é aquele do título pelo qual Bill Withers passou para a posteridade, quero, claro, falar de "Ain't No Sushine". Uma balada melodiosa e melancólica que vai aumentando gradualmente de intensidade com a chegada das cordas que se unem à instrumentação Folk. Este título, que chegará ao terceiro lugar nas paradas americanas e fará de Bill Withers uma estrela da noite para o dia, é inspirado no filme Days Of Wine And Rosesapresentando um casal de alcoólatras interpretado por Jack Lemmon e Lee Remick. Para que conste, o famoso “I Know” repetido ad libitum preencheu um vazio deixado por letras ainda não escritas, mas face ao resultado final, optou-se por deixar como estava. Inspirada nos espirituais negros, “Grandma's Hands” homenageia a avó da cantora, nascida na época da escravidão nos Estados Unidos. Observe o lado percussivo do ritmo de Donald Dunn e Al Jackson, enquanto adivinhamos a guitarra elétrica de Stills no final da peça. Será o outro single do álbum, e se seu sucesso foi menor, aos poucos se tornará um clássico que já foi repetido muitas vezes por seu tema pungente.

Claro, o álbum tem outros destaques interessantes. Como a tranquila "Harlem" que abre o álbum. Um simples riff de violão que evolui como nada (com escolhas cromáticas muito interessantes) enquanto os instrumentos vão aumentando o todo sem incomodar em nada o nosso cantor. Mais melódica e Pop, “Sweet Wanomi” é um bom exemplo do típico Folk Soul of Withers cuja voz suave nos envolve sem dificuldade. A cantora endossa o cover de "Everybody's Talkin'" popularizado por Harry Nilsson enquanto o tom é mais Jazz em "Do It Good". Entre o Pop/Rock e o Gospel, a balada "Hope She'll Be Happier" mostra com muita simplicidade toda a beleza e emoção da voz da cantora. E então, eu te pergunto francamente, quem mais poderia ter transformado "Let It Be" dos Beatles em uma música gospel frenética de forma tão convincente? Aretha talvez. Mas o estilo de Withers é mais discreto do que a Rainha do Soul teria feito.

A Soul Rock "I'm Her Daddy" deve muito às percussões de Bobbye Hall e certamente pode ser considerada uma joia desconhecida do repertório da cantora. Por outro lado, por querer soar muito crua, só guitarra/voz em uma música Blues-Folk, "In My Heart" é um tanto chata com essa parte de guitarra que dá a impressão que o músico (provavelmente o próprio Withers) decifra sua partição . Os vocais estão impecáveis, mais uma vez, mas isso não chega, até porque, paradoxalmente, o título é de longe o mais longo do álbum. Felizmente tudo isso é apanhado pelo funky Folk de "Moanin' And Groanin'" onde podemos adivinhar novamente a participação de Stephen Stills. Terminamos com a classudíssima "Better Off Dead" e seu groove tranquilo e irresistível.

Excelente álbum, com a notável exceção de uma faixa, Just As I Am mostrou que era possível outra forma de misturar o Soul com a música contemporânea do que as praticadas por Sly Stone e Norman Whitfield. Um grande sucesso que viria a lançar um dos artistas mais queridos dos anos 70, não convenceu no entanto o seu autor a abandonar a sua obra, desconfiado da volatilidade do espectáculo. O que ver já a modéstia e o pudor deste artista que sempre recusará suas listras de estrelas (o que fará com que hoje se seus títulos continuem conhecidos, seu nome esteja um pouco esquecido). E, no entanto, a sequência provou ser tão bem-sucedida comercialmente quanto artisticamente.

Títulos:
1. Harlem
2. Ain’t No Sunshine
3. Grandma’s Hands
4. Sweet Wanomi
5. Everybody’s Talkin’
6. Do It Good
7. Hope She’ll Be Happier
8. Let It Be
9. I’m Her Daddy
10. In My Heart
11. Moanin’ and Groanin’
12. Better Off Dead

Músicos:
Bill Withers: Vocais, guitarra
Booker T. Jones: Teclados, guitarra, arranjos
Stephen Stills: Guitarra
Donald Dunn: Baixo
Chris Ethridge: Baixo
Al Jackson Jr: Bateria
Jim Keltner: Bateria
Bobbye Hall: Percussão

Produtor: Booker T. Jones

CRONICA - CURTIS MAYFIELD | Superfly (1972)

Superfly é um filme do diretor Gordon Parks Jr. Conta a história de um grande traficante do Harlem que quer fazer uma última grande jogada para passar alguns dias tranquilos. Claro, isso não vai sair como planejado.

Um longa-metragem que classificamos em um gênero que chamamos de blaxploitation, uma corrente cultural e social específica do cinema americano dos anos 70 que valoriza a imagem dos afro-americanos ao apresentá-los em papéis dignos e protagonistas e não mais apenas como secundários ou fantoches papéis.

Para a trilha sonora pensamos em Curtis Mayfield. É verdade que a sua música se prende aos filmes que descrevem os guetos do Harlem ou do Bronx. Mas o compositor nascido em Chicago não se sente atraído por escrever uma trilha sonora. No entanto, ele lê o roteiro e talvez veja a oportunidade de denunciar as drogas e esses traficantes que assolam os bairros afro-americanos. E ele não precisa procurar muito. Tendo crescido nos bairros podres do sul de Chicago, ele se inspira nos bandidos desses mesmos bairros para escrever as letras. Como resultado, as palavras do letrista não irão necessariamente aderir ao filme. Mas a música dará uma boa dinâmica às imagens rolantes. No entanto, Curtis Mayfield não produzirá uma trilha sonora, mas sim um álbum concebido como tal. À chegada, não é necessário ver o filme para apreciar este disco.

Intitulada Superfly (literalmente "super pairando", significando cocaína na gíria), a comparação com Shaft de Isaac Haye é inconfundível. No entanto, o duplo Lp Shaft é feito principalmente de instrumentais e Isaac Hayes faz o jogo da trilha sonora. Superfly , consiste em 9 faixas. 7 são canções. Os dois instrumentais, o jazz funky "Junkie Chase" e o folk sonhador "Think" com seu belo refrão de saxofone aparecem de fato como anedóticos.

Abre com os 5 minutos de “Little Child Runnin' Wild”. Introdução feita de congas e órgão à la Gregg Rolie de Santana, os metais e as orquestrações que se seguem atravessadas por um sax quente lembram o estilo Curtis Mayfield, uma manhã sensual e cheia de alma de funk. No entanto, as diferenças permanecem em relação às produções anteriores. Em particular, aquele baixo espesso, pesado, quase difuso e cheio de querosene para nos enviar a Marte se foi, exceto talvez (e ainda) pelo groovy e vertiginoso "Freddie's Dead". Mais uma ausência, os coros explosivos deixados de lado. Ficam algumas reminiscências da psique através da guitarra estilo acid rock com efeito wah wah. Mas o exotismo caro a Curtis Mayfield continua presente como se pode ouvir na tensa “Pusherman”.

De resto e isto diz respeito quase ao lado B, Curtis Mayfield inventa-nos baladas mid-tempo, carnais ora despreocupadas, ora dolorosas mas todas feitas de melodias bem polidas. Assim desfilam alegremente “Give Me Your Love (Love Song)”, “Eddie You Should Know Better”, “No Thing on Me (Cocaine Song)”. O caso é concluído com o título homônimo com um groove poderoso.

Notável, Superfly impresso em Curtom seria o grande cartão de Curtis Mayfield, permitindo que ele se tornasse conhecido do público em geral.

Títulos:
1. Little Child Runnin' Wild
2. Pusherman
3. Freddie's Dead
4. Junkie Chase
5. Give Me Your Love (Love Song)
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think
9. Superfly

Músicos:
Curtis Mayfield: Vocais, Guitarra
Phil Upchurch: Guitarra
Joseph Lucky Scott: Bass
Master Henry Gibson: Percussão
Tyrone McCullen: Bateria
Morris Jennings: Bateria
Craig McMullen: Guitarra
Johnny Pate: Orquestração, Arranjo
Harry "Slip" Lepp: Trombone

Produção: Curtis Mayfield

Dødheimsgard - Black Medium Current (2023)

Black Medium Current (2023)

Dødheimsgard

O artesão norueguês de black metal Vicotnik voltou com mais um elenco de personagens para a mais recente jornada bizarra de Dødheimsgard na filosofia inebriante, mistérios universais e o ocasional solo de theremin. Parece que todo mundo que é alguém teve uma mão em um dos capítulos anteriores de Vicotnik, incluindo Aldrahn de Thorns, Apollyon de Aura Noir, até mesmo Thrawn Hellspawn de Nocturnal Breed. Esta formação em particular, no entanto, apresenta o relativamente desconhecido multi-instrumentista Lars Emil Måløy junto com dois outros relativamente desconhecidos, Øyvind Myrvol na bateria e Tommy Thunberg na guitarra. Os resultados são outra experiência sonora DHG fascinante: etérea e assustadora, agressiva e punitiva, espinhosa, mas fascinante.

Algumas das faixas irrompem em ajustes de metal sinfônico, como a obra de 8 minutos “Tankespinnerens Smerte” (The Mind Spinners Pain), uma das três faixas cantadas inteiramente em norueguês em oposição ao inglês. Como de costume, há muitas mudanças animadas de parada rápida, bateria caindo, melodias Floydianas crescendo em um exercício de indução de calafrios em power pomp para fechar as coisas. Como nossos heróis do prog dos anos 70, um dos elementos-chave do som de Dødheimsgard são mudanças abruptas e muitas vezes chocantes. Obviamente, esses virtuosos têm a habilidade de mudanças sutis de humor, mas muitas vezes optam por não empregá-las, deixando de lado variações turbulentas de tempo, tom, estilo vocal e arranjo. Sim, é estranho pra caralho. Cerca de um minuto no meio do ritmo triunfante de “Interstellar Nexus”, Vicotnik entra no modo vocal carrancudo, melodias de guitarra divertidas surgem do nada como algo do Gong da era Pothead Pixies por um minuto ou mais antes de passar por outro alçapão pesado de sintetizador. A produção dessa coisa é enorme, desde as partes orquestrais até o belo tom do baixo e os segmentos de piano gelados subindo e descendo nessas camadas de melancolia cuidadosamente arranjadas.

Não espere entender totalmente esse labirinto de arte negra imediatamente, mas encontre consolo no fato de que cada giro revela novos diamantes saindo dos alto-falantes. Este é (outro) para as eras

Portrayal of Guilt - Devil Music (2023)

Devil Music (2023)

Portrayal of Guilt

A representação do som de Guilt consiste em fundir o hardcore punk com a escuridão do black metal e a aspereza do sludge. Desta vez no muito apropriadamente intitulado Devil Music , a banda continua com seu som híbrido para a primeira metade do álbum, consistindo em uma atmosfera um pouco mais sombria em comparação com o lançamento anterior, com os vocais diabólicos soando como sempre. Durante a segunda metade de Devil Music, a banda lança uma bola curva e se aventura no que só pode ser descrito como música de câmara enegrecida, que é o que faz este álbum realmente se destacar.

O resultado disso é uma abordagem extremamente sinistra, mas emocionante, de ambos os gêneros combinados. A última metade mencionada parece a trilha sonora de um pesadelo sobre ser condenado ao inferno. Devil Music prova que o Portrayal of Guilt é uma banda carregada de novas ideias, mas sem medo de correr riscos inesperados.

Faixas favoritas: Burning Hand, IV (Where Angels Come to Die), V (Devil Music)

Everything but the Girl - Fuse (2023)

 

Fuse (2023)

Everything but the Girl

Everything But the Girl lançou seu último álbum em 1999 e então fez uma pausa de 24 anos como uma dupla de gravações. Tanto Ben Watt quanto Tracey Thorn permaneceram ocupados durante esse tempo com seus próprios projetos (e eles permaneceram parceiros de vida, criando seus filhos juntos), mas de fato já se passou quase um quarto de século desde o último álbum do EBTG. Eu queria chamar Fuse de 'retorno triunfante' e elogiá-lo por continuar exatamente de onde parou, mas não tenho certeza se algum desses descritores está certo.

Isso não quer dizer que seja um álbum ruim. É absolutamente um álbum muito bom. Muito agradável. É lindamente gravado, para iniciantes, e soa especialmente bem em fones de ouvido. As batidas, a programação e as bases instrumentais de Ben Watt são adoráveis. Tracey Thorn é uma das grandes cantoras de sua geração e sua voz se aprofundou com a idade. É perfeito para essas faixas - esfumaçado, pensativo, paciente, envolvente. Mais uma vez, ouça em fones de ouvido. Ela está bem ao seu lado, contando suas histórias.

A letra continua sendo uma das melhores partes de Everything But the Girl, e uma das coisas que sempre os diferenciam, não importa em que estilo ou gênero eles estejam se intrometendo (e havia muitos). Tanto Ben quanto Tracey são excelentes letristas e contadores de histórias com grande habilidade para criar personagens, humores e imagens em poucas palavras. Suas letras não são floridas. Sempre achei que ambos são escritores altamente realistas que lidam principalmente com a observação. Eles também tendem a manter as coisas simples e discretas - esse é o caso tanto das palavras quanto da música.

Então, por que não chamo isso de 'retorno triunfante'? Simplesmente porque não é um álbum para o qual 'triunfante' é a primeira palavra que vem à cabeça. É um álbum maduro e ponderado e eu diria que a maior parte do álbum - especialmente na segunda metade - poderia realmente ser descrito como baladas. Seus dois últimos discos dos anos 90, Walking Wounded e Temperamental, eram essencialmente discos de deep house com letras de cantores e compositores. Não tenho certeza se Fuse é cortado do mesmo tecido. Ele *não* continua exatamente de onde o Temperamental parou. É uma besta completamente diferente.

Na minha opinião, isso é uma coisa boa. Um dos melhores aspectos do EBTG sempre foi sua vontade de mudar, crescer e experimentar. Fuse reflete absolutamente a idade de Ben e Tracey e como eles são diferentes de quem eram quando os últimos discos foram lançados. Há um elemento de melancolia nessas faixas e um tema definido de apego aos outros e nosso relacionamento com eles para nos ajudar a perseverar nas tempestades da vida moderna.

Com base nas quatro faixas prévias, eu esperava que o álbum fosse um pouco mais voltado para a dança midtempo. Nothing Left to Lose, Caution to the Wind e No One Knows We're Dancing são todas construídas sobre batidas e melodias com movimento. Eles não são 'bangers', mas são vibrantes. Nothing Left to Lose constrói um incrível crescendo de emoção ("Beije-me enquanto o mundo decai / Beije-me enquanto a música toca"). No One Knows We're Dancing tem um gancho de sintetizador brilhante e ótimas letras cheias de breves esboços de personagens. "Amy é a mais doce... Ela sabe o nome de todo mundo").

Mas essas faixas acabam sendo as faixas mais agitadas do Fuse. A maior parte do álbum está mais alinhada com a linda balada ruminante Run a Red Light - uma das minhas melhores faixas de 2023, apresentando um vocal principal ardente de Tracey e uma atmosfera triste como 3 da manhã na última chamada. Não acho que nenhuma das outras faixas aqui atingiu o mesmo nível de Run a Red Light, mas a sequência de faixas de Lost a Karaoke parece quase um conjunto de músicas, todas construídas em um clima noturno e lento com empatia palavras e voz de Tracey.

No geral, o Fuse é um lançamento muito bem-vindo. Ben Watt e Tracey Thorn estão talentosos como sempre e isso oferece algo novo e diferente em seu catálogo. Cada um de seus discos tem sua própria voz e caráter e isso permanece verdadeiro aqui. É outro tom da paleta. Este é o trabalho de dois veteranos na casa dos 60 anos e prova que o tempo nos torna mais sábios e mais confortáveis ​​em nossas próprias peles. Tenho certeza que é um recorde que só vai melhorar com as jogadas seguintes. Essas faixas são em camadas e honestas e a atmosfera é quente e segura.