'Unchained' de Johnny Cash com Tom Petty & the Heartbreakers: um sonho tornado realidade

 

Quando a lenda da música country Johnny Cash estava gravando seu 81º álbum, com o produtor Rick Rubin em 1993, suas perspectivas de ressurgimento da carreira estavam diminuindo. Como ele disse mais tarde ao jornalista Barney Hoskyns, havia tão poucas cópias de seu último álbum fabricadas que nenhuma foi fornecida a estações de rádio ou a gravadoras para reprodução em loja: “Por que estou trabalhando nisso, sabe? Por que girar minhas rodas? Aí veio o Rick Rubin e disse: 'Quero levar você para o estúdio, na frente de um microfone, e você canta as músicas que quer gravar'”.

Cash, ainda lutando com problemas gerais de saúde e abuso de substâncias, estava cético em relação a Rubin no início, mas mudou quando percebeu que esse cara com metade de sua idade era sincero sobre dar a ele o tipo de controle criativo que ele tinha quando era um das maiores estrelas da Columbia Records nos anos 60 e 70.

A gravadora de propriedade de Rubin, Def American, era conhecida por rap e metal, mas mudar seu nome para American Recordings acabou alterando sua marca e também forneceu a Cash o título de seu set de retorno inovador, American Recordings . Cortado apenas com a guitarra e os vocais de Cash, foi gravado principalmente na sala de estar de Rubin em Los Angeles e na cabana de Cash em Nashville. Para o seguimento, finalmente intitulado Unchained e lançado em 5 de novembro de 1996, Cash e Rubin mudaram as coisas ao convidar Tom Petty and the Heartbreakers (com quem ele estava co-produzindo a trilha sonora do filme She's the One ), junto com membros do Fleetwood Mac, Marty Stuart e outros músicos para participar.

Cash durante sua apresentação final (captura do YouTube)

Unchained rendeu a Cash um Grammy de Melhor Álbum Country e levou a vários outros álbuns célebres e honras da indústria antes de sua morte por complicações de diabetes aos 71 anos de idade em 12 de setembro de 2003. Cash disse a Hoskyns que, em comparação com a American Recordings , ele “se divertiu mais” gravando Unchained , “porque eu estava com um monte de gente e nos divertimos fazendo a música juntos, e é um disco mais musical. Este disco também abrange mais 50 anos de música, com uma música de Jimmie Rodgers e um pouco de rockabilly e uma música de Dean Martin.” Para Cash, trabalhar com o simpático Rubin foi “um sonho que se tornou realidade”.

Ainda assim, Cash teve que ser convencido a gravar várias músicas que inicialmente achava que não combinavam com ele, incluindo "Rowboat", uma música do álbum de Beck de 1994, e "Rusty Cage" do Soundgarden. Tentar fazer as músicas suas, disse ele, foi difícil: “Se foi feito de uma forma que eu não senti, que estava certo, que eu estava comunicando, então estava errado”. Mas, muitas vezes, quando os arranjos surgiam dos Heartbreakers, mesmo que ele não estivesse lá para os ensaios, Cash encontrava uma maneira de entrar. Tom Petty (guitarras, teclado Chamberlain), Mike Campbell (todos os tipos de instrumentos de cordas), Benmont Tench (teclados) , Howie Epstein (baixo) e Steve Ferrone (bateria/percussão) comprometeram-se a um heróico papel de apoio. Nas extensas e bem-humoradas notas do encarte do álbum, Cash admitiu que Beck acertou uma realidade familiar com “Rowboat”, escrevendo: “Beck está lendo minha correspondência”.

Ao longo do álbum, o barítono de Cash é forte, com uma aspereza envelhecida que só aumenta o pathos e a autoridade que ele traz para cada letra. O uso de violões, dobro e bandolim em combinação com guitarras elétricas vibrantes e a ampla variedade de cores de teclado da Tench (piano de aderência, órgão Hammond e Vox Continental, harmônio) ilumina cada faixa. “Você pega a soma da experiência, a soma da intuição e da emoção e deixa a música fluir”, escreveu Cash nas notas do encarte. “Se for comercial, não deve ser motivo de preocupação.” Rubin usou vários estúdios de gravação na área de Los Angeles para capturar os sons e, junto com os engenheiros principais Sylvia Massy e David Ferguson, produziu um conjunto que brilha, com cada instrumento e voz dando o seu devido valor.

Petty fornece a harmonia vocal em vários cortes, incluindo o hit de Don Gibson de 1961, “Sea of ​​Heartbreak”, que tem uma leitura direta e enérgica. Mick Fleetwood fornece percussão e Lindsey Buckingham acrescenta violão. "The One Rose (That's Left In My Heart)" de Rodgers foi gravada no ano de nascimento de Cash, 1932, e era uma de suas memórias musicais mais antigas. Em um ritmo moderado de valsa, apresenta o dobro de Campbell, tocado com uma delicadeza adorável. Um órgão gospel apresenta “The Kneeling Drunkard's Prayer”, escrita por Maybelle Carter e suas filhas Helen, Anita e June, e originalmente gravada por elas em 1949 como Carter Sisters. Cash foi talvez mais inspirado pela versão dos Louvin Brothers, que ele os ouviu tocar ao vivo em Memphis quando pegou carona para seu primeiro show country em 1947. Cash conheceu June Carter em 1956 e eles se casaram em 1968; ele manteve o legado musical de sua família próximo durante toda a sua carreira.

“I Never Picked Cotton”, escrita por Bobby George e Charlie Williams, foi lançada pela primeira vez como a faixa-título de um álbum de Roy Clark de 1970. Esta narrativa em primeira pessoa do membro mais jovem de uma família de meeiros acaba se passando um dia antes de sua execução por assassinato, depois de uma vida em que “eu tinha tudo que o dinheiro podia trazer/E eu levei tudo com uma arma”. O arranjo lembra as primeiras gravações de Cash para o selo Sun com o Tennessee Three, e faz parte do interesse inesgotável de Cash em “Eu atirei em um homem em Reno apenas para vê-lo morrer” no estilo americano e na vida da classe trabalhadora. Nas notas do encarte de Unchained , ele forneceu uma longa lista de seus anexos, incluindo “canções sobre cavalos, ferrovias, terras, dia do julgamento, família, tempos difíceis, uísque, namoro, casamento, adultério…”

“I've Been Everywhere” também está na veia do rockabilly, com Petty, Marty Stuart e companhia absolutamente encantados por estar lá. Uma espiada na vida difícil e desprezível, com uma lista de chamada de várias dezenas de cidades no norte e no sul dos Estados Unidos, foi originalmente escrita pelo cantor australiano Geoff Mack em 1959. Hank Snow levou para # 1 nas paradas dos Estados Unidos em 1962, quando Mack escreveu novas letras, usando um atlas de continentes que nunca havia visitado. Cash está claramente se divertindo muito com isso.

Johnny Cash nunca respeitou categorias musicais rígidas, e sua versão do hit pop super descontraído de 1955 de Dean Martin, “Memories Are Made of This”, revela bem suas raízes na música folk. “Country Boy” é hardcore rockabilly em um ritmo vertiginoso; Cash gravou uma versão muito mais lenta em 1957. Embora tenha começado a compor "Mean Eyed Cat" em uma sessão da Sun em 1955, ele nunca pensou que a versão de dois versos lançada por Sam Phillips estivesse completa: "Nunca fiz a música em palco e, com o passar dos anos, fiquei cada vez mais incomodado com o fato de a música estar inacabada. Então ele escreveu um terceiro verso depois de 41 anos. Steve Ferrone dirige junto com um swing country experiente.

O material contemporâneo oferece um desafio para Cash que ele enfrenta diretamente, especialmente em sua versão extraordinária de “Rusty Cage”, que lhe rendeu uma indicação ao Grammy de Melhor Performance Vocal Masculina Country. O arranjo instrumental dramático é acompanhado pelo vocal cuidadosamente cantado e falado de Cash, que ele modula e aprofunda enquanto lida com a letra sinistra de Chris Cornell: cadeia / Para assistir meu sangue começar a ferver.

A faixa mais longa do álbum, “Spiritual” de Josh Haden, originalmente feita com sua banda Spain, apresenta Flea do Red Hot Chili Peppers no baixo, Curt Bisquera substituindo Ferrone e alguns bandolim cruciais de Campbell, mas é a vitrine de Cash desde as palavras iniciais e arrepiantes: “Jesus, eu não quero morrer sozinho”. É uma performance verdadeiramente fascinante, com sua voz mixada bem na cara do ouvinte.

Cash achou que a elegíaca “Southern Accents” de Petty “teria sido um hino melhor para o Sul do que 'Dixie'”. um minuto foi tudo tão real / Por apenas um minuto ela estava lá comigo.” O teclado de Chamberlin, um precursor do Mellotron, se aproxima de uma orquestra de cordas.

Cash teve uma reação visceral à faixa-título de Jude Johnstone, relacionando-a com o que sua mãe disse a ele: “Deus tem a mão sobre você. Nunca ignore 'O Presente'. Eu nunca soube o que ela quis dizer com presente até que senti o presente me deixar. Quando o presente volta, é tão doce. Acho que às vezes fazemos 'contato' se deixarmos nossos ouvidos espirituais abertos.” Há uma intensidade fantasmagórica no vocal de Cash, e o Chamberlin novamente fornece um pano de fundo etéreo. O refrão é uma oração descarada: “Oh, eu sou fraco/Oh, eu sei que sou vaidoso/Tire este peso de mim/Deixe meu espírito ser solto.”

Envolto em uma impressionante foto em preto e branco da capa do Cash grisalho e seu estojo de guitarra contra uma cerca de madeira gasta, Unchained vendeu bem o suficiente, mas só chegou ao 26º lugar na parada de álbuns country da Billboard e atingiu o pico de apenas # 170 no Top 200. Mais dois álbuns produzidos por Rubin, Solitary Man e The Man Comes Around , foram lançados durante a vida de Cash, e também houve bons lançamentos póstumos. Aqueles que desejam um mergulho profundo na última década de gravações de Cash são direcionados para o conjunto de 5 CDs Unearthed , que mostra definitivamente que nada, incluindo problemas de saúde, poderia impedi-lo de criar música monumental até seu último suspiro.

Assista Cash apresentar a faixa-título ao vivo

'Aqualung' de Jethro Tull: o álbum conceitual final

“Sentado em um banco de parque…”

É uma das linhas de abertura icônicas da música rock, contra um de seus riffs mais característicos, a introdução do ouvinte ao mundo de Aqualung de Jethro Tull , lançado no Reino Unido em 19 de março de 1971 (e 3 de maio nos EUA).

Em Aqualung , Jethro Tull demonstrou toda a gama de seus talentos, infundindo canções com hard rock, elementos clássicos e progressivos. Seja em breves cantigas ou épicos de várias partes, o cantor/compositor/flautista Ian Anderson e a banda nos apresentam párias, pecadores e aqueles que foram deixados para trás, ao mesmo tempo em que fazem uma dura crítica contra as construções sociais. É um álbum ambicioso, que permanece relevante, atemporal e infinitamente acessível. No mundo do rock progressivo, isso não é tarefa fácil.

A banda Jethro Tull, de Blackpool, fez seu nome principalmente com estilos de blues-rock em This Was (1968), Stand Up (1969) e Benefit (1970). Mas quando o trabalho em Aqualung começasse , eles estariam revitalizados: mais pesados, mais insistentes e ainda mais atraentes.

Jethro Tull, início de 1971

Aqualung apresenta Anderson em sua distinta flauta, violão e vocais; Martin Barre na guitarra elétrica; e Clive Bunker na bateria e percussão para o que seria seu último álbum com a banda. Completando a formação estavam os novos recrutas John Evan nos teclados e Jeffrey Hammond, que aprendeu a tocar baixo enquanto se juntava à banda no final de 1970. Eles se estabeleceram no Island Studios em Basing Street, Londres, para gravar um álbum com um tema.

Como Anderson lembrou, a banda era essencialmente cobaia no novo espaço, trabalhando com equipamentos novos nos quais ninguém parecia ter sido treinado. Como se viu, o Led Zeppelin reservou o espaço menor e menos animado no complexo de estúdios. para fazer Led Zeppelin IV então Jethro Tull ficou com uma igreja convertida cavernosa mais adequada para gravações orquestrais, dando ao álbum uma impressão digital sonora distinta. Embora a criação do álbum possa não ter sido fácil, a facilidade da musicalidade de Jethro Tull e o excelente material brilharam neste álbum marcante.

O lado um explora o papel dos desajustados e os sistemas que os deixam de lado. Ele abre com o último conto do vagabundo: “Aqualung”. Aqui, temos vislumbres de um vagabundo desagradável e desgrenhado, gorduroso, indesejado, lançando olhares para as garotas, tudo contra algumas das melhores rochas que Tull já fez. Mas o clima muda na seção B, onde Anderson aproveita o momento para introduzir um elemento patético: “Aqualung, meu amigo, não comece inquieto”, orienta o narrador. “Seu pobre coitado, você vê que sou só eu.”

O contraste entre o comportamento socialmente inaceitável do vagabundo e as descrições de sua condição - sua "perna doendo muito quando ele se abaixa para pegar uma ponta de cachorro" e sua dependência do Exército de Salvação para conforto - é espelhado pela complexidade musical. Os vocais de Anderson são ao mesmo tempo terríveis e uivantes, depois delicados e suaves. Enquanto isso, a banda canaliza rock pesado, com Barre entregando riffs e solos marcantes. Eles apontam para suas raízes do blues, depois alternam para a intimidade folclórica. Isso sem falar no forte contraste entre a instrumentação de rock pesado e a flauta de Anderson. Como abertura, é uma introdução ao Jethro Tull revitalizado, às suas canções baseadas em histórias e aos temas que continuariam ao longo do álbum. Isso fica evidente na história de outro desajustado ambientada no hard rock, “Cross-Eyed Mary,

O meio do primeiro lado apresenta um som mais despojado, influenciado pelos gostos do folk escocês e dos estilos de cantores e compositores. “Tínhamos alguns bons modelos como compositores ao nosso redor”, lembrou Anderson em 2011. De Simon e Garfunkel e Bob Dylan ao violonista Bert Jansch e “o extravagante e levemente filosófico Roy Harper”, Anderson estava interessado em “uma espécie de pureza e uma simples clareza de abordagem”.

Assista Tull tocar “Cross-Eyed Mary” ao vivo no Capital Center, Landover, MD, 21 de novembro de 1977

A breve “Cheap Day Return”, com pouco mais de um minuto, mostra figuras de guitarra semelhantes a Jansch, junto com orquestrações complementares de Dee Palmer. “[É] cerca de um dia em que fui visitar meu pai no hospital em Blackpool”, disse Anderson em 1971. “Peguei um trem às nove, passei quatro horas viajando, quatro horas com meu pai e quatro horas para voltar . Era uma música longa, principalmente sobre a viagem de trem, mas a parte do disco é sobre visitar meu pai. É uma música verdadeira.” A cadenciada "Mother Goose", com influência escocesa, com suas linhas de flauta doce em camadas e compassos alternados, é puro surrealismo. Senhoras barbadas, criadores de galinhas, elefantes em Piccadilly Circus e espantalhos roubando bonecos de neve, todos aparecem neste alegre conto de inspiração medieval.

É seguida por talvez a música mais pessoal do álbum, uma balada de amor chamada "Wond'ring Aloud". “Somos nossos próprios salvadores quando começamos nossos corações batendo um no outro”, canta Anderson contra seu dedilhado acústico, pontuado por ondas orquestrais e a ocasional linha de piano entrelaçada. A música foi originalmente gravada como um épico de sete minutos, e as sobras podem ser ouvidas em "Wond'ring Again" no álbum de compilação de 1972 Living in the Past . Uma versão alternativa completa da suíte apareceu como "Wond'ring Aloud, Again" em uma reedição expandida de 2011 de Aqualung . Você pode ouvi-lo abaixo.

Ouça “Wond'ring Aloud, Again” (Versão Full Morgan) (Steven Wilson Stereo Remix)

O lado fecha com "Up To Me". É um queimador de blues-rock pesado com riffs, apresentando solos sinuosos de guitarra elétrica contra o violão suave de Anderson e linhas sinuosas de flauta, um contraste perfeito com as músicas mais alegres que o precedem e uma cartilha para o material mais pesado que está por vir.

O lado dois é centrado no tema “My God”, que também é o nome da primeira música do lado. É um número de rock dramático e de construção lenta criticando a religião organizada, completo com um interlúdio de coral. “É um lamento por Deus”, disse Anderson em uma entrevista em fevereiro de 1971. “Realmente, dentro de mim, estou me referindo ao tipo de ideias de Deus e religião com as quais fui criado. No contexto em que eu o conhecia, Deus é uma coisa altamente pessoal, um sentimento de retidão e bondade”.

Esta foi uma jogada ousada para uma banda britânica em 1971. Anderson sabia que provavelmente ofenderia com versos como: “Então, apoie-se nele gentilmente/e não chame-o para salvá-lo/de suas graças sociais/e dos pecados que você costumava renunciar”, para não mencionar “E a maldita igreja da Inglaterra/nas cadeias da história/solicita sua presença terrena/no vicariato para um chá”. Mas Anderson também enfatizou que sua preocupação não era com Deus ou a espiritualidade, mas com os sistemas de autoridade que usaram o relacionamento com um deus “como desculpa” para comportamento desumano. “Eu não gostaria de afastar as pessoas de Deus”, disse ele à Disc & Music Echo antes do lançamento do álbum. “Na verdade, não acho que você possa se afastar mais de Deus do que estamos hoje.”

Ouça “My God” ao vivo no Palais des Sports, Paris, 5 de julho de 1975

Ele continua a explorar o tema com “Hymn 43”, um número motivador e tingido de evangelho que pede perdão a Deus pelo que o homem fez a Ele. “Se Jesus salva, bem, é melhor Ele salvar a Si mesmo”, uiva Anderson sobre os licks de Barre e o piano frenético de John Evan, “dos sangrentos caçadores de glória que usam Seu nome na morte!”

Então, em “Locomotive Breath”, Anderson faz um balanço de um tipo diferente de destruição iminente. Tematicamente, a música lida com o pavor da sobrevivência em um mundo que saiu dos trilhos devido à ganância e à corrupção, personificada como um trem desgovernado. Em 1971, Anderson pôde ver os efeitos do avanço tecnológico, dos sistemas sociais e de um mundo em crescimento superando a si mesmo, declarando em seu refrão que “não havia como desacelerar”.

“Ainda estamos lá”, disse ele a um repórter em 2011. “Estamos tornando um habitat muito mais difícil em termos de comida, água e qualidade do ar que respiramos, pois as pessoas continuam a obter recursos sem um prazo mais longo. plano." Esse perigo é representado musicalmente pelas construções dramáticas da música. Começa com uma introdução de piano declarativa, antes de fazer a transição para um vamp de blues, depois para aquele riff distinto de tom menor que carrega o canto frenético e uivante de Anderson. A banda está presa, com um ritmo metronômico intenso, mas parece que pode sair dos trilhos a qualquer momento. Mas, como muitas outras músicas do álbum, ela desaparece, deixando você se perguntando se a intensidade já transbordou.

Ian Anderson

A faixa final, “Wind Up”, é a culminação de todas as ideias que percorreram o álbum até agora, mas mais diretamente uma condenação da religião organizada como uma farsa e sua influência na juventude. Como Anderson relembrou em uma entrevista em fevereiro de 1971: “[Meus pais] me mandaram para a escola dominical quando eu era jovem, mas me rebelei após a primeira visita e nunca fui forçado a voltar. Mas acho que meus pais são a exceção, e hoje há tanta religião imposta às crianças simplesmente em virtude da raça ou credo de seus pais - e isso em si é inerentemente errado. Aqui, ele descreve a religião como uma ação feita para apagar os pecados, algo que se torna um ritual performático, mas nunca é verdadeiramente adotado como um caminho para a iluminação. “Para mim, a religião é algo que você cresce para encontrar do seu próprio jeito”, disse ele à NME .em março de 1971. “Tenho certeza de que muitas outras pessoas acreditam em Deus como eu, que a fé é uma forma de bondade em torno da qual você relaciona sua vida”.

Assista “Wind Up” ao vivo no Capital Center, Landover, MD, 21 de novembro de 1977

Essas declarações chamaram a atenção daqueles que sentiam que o rock já era uma forma ímpia e uma má influência para a juventude. Mas Anderson se defendeu, dizendo: “Sou basicamente uma pessoa religiosa - acredito no conceito de Deus para o indivíduo e a maioria das canções do álbum [são] pró-Deus. Não há realmente nenhuma música anti-Deus no álbum.”

No final das contas, Aqualung provou ser um sucesso, com a imprensa do rock anunciando o álbum por sua variedade, seriedade e musicalidade incomparável. "Hymn 43" foi selecionado como single, mas apenas alcançou o Top 100 da parada de singles. O álbum, no entanto, foi um sucesso mundial, alcançando o top 5 em oito países, alcançando a 7ª posição nos Estados Unidos e a 4ª posição no Reino Unido. Desde seu lançamento, o álbum vendeu mais de sete milhões de cópias e suas músicas se tornaram FM. grampos de rádio.

A aclamação trouxe à banda seu primeiro gostinho real do estrelato e a lançou em sua próxima fase como gigantes do rock progressivo. Mas Anderson está convencido de que, apesar de seu status, Aqualung não é seu álbum conceitual usual. Pode parecer contra-intuitivo, especialmente porque a banda passou a fazer alguns dos exemplos mais aclamados do gênero, mas está claro por que Anderson se sente assim sobre Aqualung . O álbum conceitual canônico inclui uma história abrangente para atrair o ouvinte. Muitas vezes, o conceito atola a qualidade da música à medida que mais e mais subtramas surgem, temas musicais e variações são executados e o público em geral perde o interesse. Não é assim com Aqualung. Claro, existem histórias e personagens, e tópicos temáticos são tecidos por toda parte, mas as músicas também existem perfeitamente por conta própria, sem um enredo abrangente.

Em uma entrevista de 2016, perguntaram a Anderson por que ele estava ansioso para escrever o que chamou de “emoções de adolescente”. Ele respondeu: “Eu estava preocupado em crescer com eles”. No entanto, 50 anos depois, ele ainda acredita nas mensagens por trás do Aqualung . “Não é nostalgia para mim… Ainda parece importante.” Esses temas universais e até proféticos de segurança, perda, espiritualidade e lutas com autoridade não apenas ressoam com o vocalista, mas também com fãs e recém-chegados - mesmo todos esses anos depois. De fato, em Aqualung , Anderson, Barre, Bunker, Hammond e Evan conseguiram aproveitar a ocasião para criar um verdadeiro clássico - um álbum que desafiou as convenções e ajudou a estabelecer o rock como uma forma de arte - álbum conceitual ou não.

Assista Jethro Tull tocar “Aqualung” ao vivo no Rockpop In Concert em 1982

 

'Devil With a Blue': a melhor música para festas

 

Se você está participando de uma festa e as coisas começam a ficar um pouco monótonas porque o Mister DJ está ficando muito auto-indulgente com suas mixagens principais, aqui está uma sugestão infalível para começar a festa. Faça-o tocar o single medley de sucesso de Mitch Ryder & the Detroit Wheels, "Devil With a Blue Dress On" / "Good Golly, Miss Molly". Os presentes que têm pulso rapidamente se levantam e começam a dançar.

Embora a gravação de Ryder em 1966 tenha sido um sucesso, na verdade era um cover. A canção foi gravada pela primeira vez dois anos antes pelo cantor de soul “Shorty” Long, que co-escreveu com o produtor da Motown “Mickey” Stevenson (o último dos quais também co-escreveu clássicos como “Dancing in the Street” e “It leva dois”).

A gravação de Long para o selo Soul da Motown, com um arranjo significativamente diferente, falhou nas paradas.

Alguns anos depois, o multi-instrumentista teve seu único sucesso pop com uma canção inovadora, "Here Comes the Judge", de 1968, baseada na popularidade do esquete na série de comédia de TV Rowan & Martin's Laugh In . A gravação de Long [nome real: Frederick Long] alcançou a 8ª posição na parada pop. Um ano depois, ele foi vítima de afogamento com apenas 29 anos, quando um barco em que estava caiu no rio Detroit, em Michigan.

Quando adolescente em Michigan, Ryder (nascido William Levise, Jr., em 26 de fevereiro de 1945) começou a se apresentar com um grupo de soul chamado The Peps. Em 1964, ele formou uma banda chamada Billy Lee & the Rivieras e eles começaram a desenvolver seguidores em Detroit. Um DJ local reconheceu que eles eram promissores e deu sua demo ao produtor e compositor do Four Seasons, Bob Crewe, que ficou impressionado.

Mitch Ryder em 

Enquanto estava na cidade de Nova York para gravar, Billy Lee / William Levise foi inspirado a mudar seu nome artístico para Mitch Ryder quando o viu em uma lista telefônica de Manhattan, e a banda se tornou Detroit Wheels para homenagear Motor City.

Em um ano, o grupo estava a caminho com dois singles de sucesso, incluindo o top 10 "Jenny Take a Ride".

Em 1966, com a produção de Crewe, eles gravaram o medley "Devil With a Blue Dress On" / "Good Golly, Miss Molly", este último um arranjo espirituoso do clássico de Little Richard. Os gritos e apartes entusiásticos de Ryder, e sua enunciação no primeiro verso é algo de se ver.

Fee, fee, fi, fi, fo-fo, fu
Olhe para Molly agora, lá vem ela
Usando seu chapéu de peruca e óculos escuros para combinar
Seus sapatos de salto alto e um chapéu de crocodilo
Usando suas pérolas e um anel de diamante
Tem pulseiras o dedo dela, agora, e tudo

Crewe fez Ryder apimentar o refrão com um perfeito “Senhor, tenha piedade”. A jovem cantora tinha apenas 21 anos quando o single foi lançado em setembro pelo selo New Voice. Quando o single alcançou a posição # 4 no Hot 100 em 3 de dezembro, foi bloqueado no topo pelos companheiros de Detroit, os Supremes.

Uma década depois, as canções se tornaram parte integrante do set ao vivo de Bruce Springsteen e da E Street Band, como parte de uma extensa "Detroit Medley".

Assista ao vídeo oficial ao vivo de 1978

Quanto a Ryder, em 2017 ele foi introduzido no Rhythm and Blues Hall of Fame. Na época, ele disse: “Olhei os nomes de alguns dos que vieram antes de mim e isso se tornou uma festa de alegria para mim. Quero dizer, Aretha Franklin, David Ruffin, Marvin Gaye, Otis Redding, Jackie Wilson, Sam Cooke e tantas outras vozes que me trouxeram grande prazer ao longo da minha vida e carreira. Ainda está me emocionando e tenho medo de acordar do sonho!”

MUSICA AFRICANA

Jay Lima - Exodus 2 (2019)

Vargas Monteiro - Viaja… A Musical Journey (2019)

Vargas Monteiro, natural da ilha do Fogo, imigrante desde 1992 nos EUA, tendo já gravado 2 solo albums, 2 álbuns de banda (Kreation), e 3 colaborações com a Isadora Ribeiro (com sucessos tais como Nha Sonho e Honey), já tinha lançado um single no ano passado "Nha Mudjer" com muito sucesso e uma colaboração com o Ze Delgado do Extreme intitulado "Grip D'amor", lançou em 2019 o seu terceiro álbum intitulado "Viaja..A Musical Journey" , culminando com os seus 25 anos de Carreira de Músico (no que em gravações concerne), lançou no dia 16 de Abril um novo Single intitulado "Ka Nu Disisti" produzido por It’s A Montrond Production, do Manny Montrond, com arranjos do Zonjo Master, vídeo produzido pelo "Senavision" do Ceejay Sena, contando com participação do guitarrista Tino Correia, e de corus da Tatiana Michel. Mistura e Mastering ficou a cargo do Cleu Cardoso.