quinta-feira, 11 de maio de 2023

'Ao vivo no Carnegie Hall' de Bill Withers: pregação da alma

 

Quando o grande cantor e compositor Bill Withers morreu de insuficiência cardíaca em 30 de março de 2020, ele havia se aposentado do que chamou de “jogo da fama” por 35 anos. Ele nasceu na pequena cidade mineira de Slab Fork, West Virginia (pop. 200), no Dia da Independência de 1938, o caçula de seis filhos. Como um jovem adulto, ele sustentou a si mesmo e sua família com uma série de empregos de colarinho azul e uma passagem de nove anos na Marinha, estacionada principalmente no Sudeste Asiático. A carreira musical profissional não estava em sua lista de planos.

Na capa de sua gravação de estreia em 1971 Just As I Am , para o selo independente de Sussex, ele foi fotografado no intervalo do lado de fora de seu empregador, Weber Aircraft em Burbank, Califórnia, segurando sua lancheira. Withers ainda trabalhava lá como mecânico de avião, principalmente instalando banheiros, quando uma música do álbum, “Ain't No Sunshine”, se tornou um sucesso pop e o elevou com razão à companhia de Stevie Wonder, Al Green, Marvin Gaye e Curtis Mayfield. “Não sou um virtuoso”, disse ele em seu discurso de introdução ao Hall da Fama do Rock and Roll em 2015, “mas fui capaz de escrever canções com as quais as pessoas poderiam se identificar”. Normalmente, para um homem tão humilde, isso era um grande eufemismo.

Withers sempre gostou da música variada que ouvia na igreja, no rádio e nas casas noturnas da Virgínia Ocidental, seja country, folk, blues, pop, gospel ou soul, e quando começou a mexer com suas próprias composições aos 30 anos uma mistura de estilos veio naturalmente. Como ele disse a um entrevistador da PBS em 2007, quando foi introduzido no West Virginia Music Hall of Fame, em Slab Fork altamente segregado, sua família era uma das poucas famílias negras a viver apenas no “lado branco” da cidade, ao longo do trilhos de trem que dividiam a população em linhas raciais. Ele tentou minimizar sua experiência de racismo: “Quando você sai da mina de carvão, todo mundo é negro”, ele brincou tristemente.

O apaixonado tributo “Grandma's Hands” seguiu-se a “Ain't No Sunshine” nas paradas pop, e ele foi indicado a vários prêmios Grammy, com “Ain't No Sunshine” ganhando o prêmio de Melhor Canção de Rhythm & Blues. No ano seguinte, seu segundo álbum, Still Bill , continha sucessos ainda maiores, “Lean on Me” e “Use Me”, trazendo maiores taxas de performance ao vivo e a chance de tocar em locais de prestígio; quando ele pisou no palco do Carnegie Hall em 6 de outubro de 1972, Sussex estava gravando o show esgotado para um LP duplo ao vivo.

Um anúncio do Village Voice para o show de 1972

Withers tocava violão com um toque sutil e desenvolveu uma notável simpatia por sua banda de turnê e gravação: o tecladista Ray Jackson, Bernorce Blackman na guitarra elétrica, o baixista Melvin Dunlap e o baterista James Gadson (complementado para o show no Carnegie Hall pelo conhecido ás da percussão de estúdio Bobbye Hall). “Nunca estive tão empolgado em toda a minha vida”, escreveu Withers sobre aquela noite no encarte de Live at Carnegie Hall , lançado em 21 de abril de 1973. “Em cerca de uma hora e meia aquele público nos transformou. todos, desde músicos nervosos e sérios a pessoas livres e felizes.”

O show começa com o groove de alta energia de “Use Me”, impulsionado pelo clavinete de Jackson e a bateria superfunky de Gadson. O público está batendo palmas no ritmo inusitado, Blackman lamenta em wah-wah e Withers prega, exortando a multidão e a banda. Há um final falso e vários minutos de hard funk. Ele fala por todo homem louco por amor cujos amigos dizem que ele está sendo “usado” quando canta para sua mulher: “Quero espalhar a notícia/Que se é tão bom ser usado/Ah, continue me usando/Até você me esgota.”

Withers imediatamente muda de ritmo com a mais leve e não gravada “Friend of Mine”, que é reforçada com cordas e metais dublados nas fitas master mais tarde na Record Plant em Los Angeles (a maioria das faixas tem overdubs semelhantes).

A multidão silencia para uma sólida “Ain't No Sunshine” e ri junto com a introdução brincalhona, mas sincera de Withers para “Grandma's Hands”.

Outra nova música, “World Keeps Going Around”, é liderada pelo entrelaçamento das guitarras acústicas e elétricas. A letra conta uma história através de vários personagens e contém, como muitas das canções de Withers, uma filosofia caseira: “Olhando para as fotos dos lugares/Que ele esteve, um velho me contou o que encontrou/ Disse que não faz diferença se você está/Fora ou se está dentro/O mundo continua girando e girando.”

A balada de amor “Let Me in Your Life” de Still Bill recebe uma interpretação sensual e fácil (novamente, as cordas dobradas ajudam a definir a atmosfera agridoce). O vocal de Withers é extraordinário, uma combinação de Johnny Mathis e Al Green. Ele segue com a corajosa “Better Off Dead” de seu álbum de estreia, e seu carisma está em plena floração enquanto a banda absolutamente cozinha atrás dele (ouça como o baixo, a guitarra e a bateria estão travados).

A percussão de Hall é perfeita em outra nova música, “For My Friend”, que também apresenta um wah-wah mais sedoso de Blackman e um vocal tipicamente direto e confiante de Withers. Fecha o primeiro disco do conjunto de dois LPs.

Murcha mais tarde na vida

"I Can't Write Left-Handed", um co-escritor de Withers-Jackson, nunca foi lançado em nenhum álbum de estúdio de Withers, embora em sua introdução ele mencione que o gravou. Esta é talvez a performance mais marcante do Live at Carnegie Hall , lembrando o poder do disco contemporâneo de Marvin Gaye, What's Going On . Um refrão de apoio taciturno estabelece uma cama gospel, Jackson fornece os acordes de bloco santificados e Blackman a saborosa e contida guitarra principal. Withers entoa a letra, sobre um soldado amputado, com fogo controlado: “Não sei escrever com a mão esquerda/Por favor, escreva uma carta/Escreva uma carta para minha mãe?/Diga a ela, diga a ela para contar ao advogado da família/ Para tentar obter um adiamento para meu irmão mais novo.

O público está claramente encantado e, quando Withers começa a tocar “Lean on Me”, eles batem palmas e gritam encorajamento. Ouça os sotaques de pandeiro de Hall durante os primeiros versos simplesmente arranjados e a maneira como o refrão explode com emoção épica. Withers gosta tanto de como o público canta junto que pede um bis. (OK, sem dúvida Withers aprendeu a construir esses momentos “espontâneos” em seu show no palco, mas mesmo assim parece totalmente genuíno.)

Segue-se o funk agitado de "Lonely Town, Lonely Street", com partes de trompete dobradas que soam diretamente dos estúdios Stax ou Hi de Memphis. Withers balança absolutamente o vocal, tornando sua voz mais áspera para um som mais do tipo Wilson Pickett. Segue “Hope She'll Be Happier” de seu primeiro álbum. É um lamento tremendamente triste, com um vocal cheio de dor de Withers: “Talvez a escuridão da hora/Me faça parecer mais solitário do que sou/Mas sobre a escuridão não tenho poder/Espero que ela seja mais feliz com ele.” Enquanto Withers estende algumas notas e corta outras, você pode imaginar Sinatra cantando.

Outra música indisponível em outro lugar, “Let Us Love”, tem ecos dos Staple Singers e Sam Cooke. O solo de carne e batatas de Blackman se encaixa perfeitamente na vibe gospel. Nos últimos minutos, ele começa a dobrar enquanto uma seção de trompas cozinha.

O álbum termina com um medley de 13 minutos de “Harlem” (a faixa inicial do LP de estreia de Withers) e “Cold Baloney”, uma música de Withers previamente gravada pelos Isley Brothers. Para começar, Hall está em congas enquanto Jackson estabelece os acordes de piano ascendentes e Withers absolutamente lamenta seu coração, seu sotaque sulista deliciosamente dobrando “par-tay”. Você pode visualizá-lo perambulando pelo palco enquanto canta: “Estou em casa sozinho/Apenas cinco anos de idade, e sho' está com frio/Mama cozinhando bife para outra pessoa”. Tudo evolui para uma chamada e resposta com o público que é pura alegria.

Após o lançamento, o álbum foi favoravelmente comparado a marcos como Aretha Franklin's Live at Fillmore West e James Brown's Live at the Apollo. Em 2015, a Rolling Stone classificou-o entre os 50 melhores álbuns ao vivo de todos os tempos. Withers seguiu com seu último álbum em Sussex, o ambicioso +'Justments, antes de pular para a Columbia Records por muito dinheiro e descobrir que não se encaixava lá; ele chamou o departamento de A&R de "antagônico e redundante". Ele só atingiu o top 20 mais uma vez, como vocalista de "Just The Two of Us" de Grover Washington Jr. em 1981.

Os cinco álbuns de Withers na Columbia não conseguiram fazer sucesso, e ele se sentiu cada vez mais alienado de uma indústria que era muito comercial e pouca música. Ele se afastou em 1985 e, mesmo com os artistas de hip-hop elogiando-o e sampleando-o, e seu catálogo antigo continuando a vender, ele nunca foi atraído de volta. Durante seus anos longe dos holofotes, vários artistas organizaram shows em homenagem ao seu legado, e um documentário, Still Bill , chegou em 2010. O cantor José James lançou um excelente álbum tributo, Lean on Me , em 2018. Withers participou de seu Indução ao Hall da Fama do Rock and Roll, mas se ele estava gravando algo novo, ele não compartilhava, não importa o quão cordial ele continuasse sendo durante entrevistas e eventos não performáticos.

“Uma das coisas que sempre digo aos meus filhos é que não há problema em ir para o maravilhoso, mas no caminho para o maravilhoso, você terá que passar por isso”, Withers gostava de dizer. “Quando você estiver bem, dê uma boa olhada ao redor e se acostume, porque pode ser o mais longe que você irá.”

Vídeo Bônus: Bill Withers, Stevie Wonder e John Legend tocam “Lean On Me” na Cerimônia de Indução do Rock and Roll Hall of Fame de Withers em 2015

'Live—Blow Your Face' de J. Geils Band revisitado

 

Muitas bandas passam por mudanças estilísticas ao longo da carreira, mas poucas tão drasticamente quanto a J. Geils Band. depois de mais de uma década juntas. Embora sua formação tenha permanecido constante desde sua formação em Boston em 1968 até a saída do vocalista Peter Wolf 15 anos depois, o sexteto pareceu alterar seu curso musical quase da noite para o dia com a chegada da MTV no início dos anos 80.

Antes disso, a banda - Wolf, o guitarrista J. Geils, o tecladista Seth Justman, o gaitista Magic Dick, o baixista Danny Klein e o baterista Stephen Jo Bladd - era uma festa, apresentando performances hiperdinâmicas que exploravam seu amor coletivo por música R&B vintage. Seus shows foram eventos sísmicos que deixaram o público tão encharcado de suor quanto os músicos, e seus álbuns venderam moderadamente bem, com um, de 1973 Bloodshot de 1973 , chegando ao top 10.

Em 1981, a banda mudou de rumo, indo para um som de rock mais mainstream que tocava bem no novo canal de videoclipes que estava na moda. Os antigos fãs ficaram coçando a cabeça, mas a mudança valeu a pena - "Centerfold", lançado no final de 1981, tornou-se o primeiro e único single nº 1 da J. Geils Band, seguido pelo nº 4 "Freeze-Frame" no início do ano seguinte. . De repente, eles passaram de teatros lotados para arenas de rock. E embora eles tenham perdido pouco em termos de força de suas apresentações, eles inegavelmente se tornaram um tipo diferente de banda.

E então, assim, acabou: devido a choques de personalidade e divergências sobre a direção criativa da banda, Wolf saiu. O JGB continuou sem ele, lançando um último álbum em 1984, mas sem seu principal ponto focal andando freneticamente por todo o palco, o público perdeu o interesse.

Ouça “(Ain't Nothin' But a) Houseparty” de Blow Your Face Out

O que eles deixaram para trás não pode ser negado, no entanto, e talvez nenhum documento resuma melhor a loucura de um show da J. Geils Band da era nobre como Live - Blow Your Face Out , o conjunto de dois LPs que eles lançaram em 22 de abril de 1976. Não foi o primeiro álbum ao vivo deles - foi o Live Full House de 1972 . Mas enquanto aquele primeiro esforço, gravado no Cinderella Ballroom de Detroit, capturou a energia maníaca e a soberba musicalidade da banda, Blow Your Face Out levou-o a outro nível.

Gravado em novembro anterior na cidade natal de Boston Garden e de volta a Detroit, desta vez no Cobo Hall, Blow Your Face Outmostrou a evolução da banda ao longo desses quatro anos, de um ato de clube corajoso para o bacanal do rock 'n' soul. “A banda era conhecida como uma banda forte ao vivo, e sempre houve uma grande demanda por mais coisas ao vivo”, disse Wolf a este autor em uma entrevista no início dos anos 90 sobre o álbum. “Havia o Red Sox, o Bruins e o Celtics, os times esportivos da cidade natal de Boston, e também o Geils. E sempre consideramos Detroit nossa segunda casa. Detroit nos adotou quando ainda estávamos na estrada andando de perua, comendo sardinha e dormindo em lugares estranhos. Quando chegávamos a Detroit, chegávamos marchando e partindo. Eles sabiam festejar e apreciavam uma banda que sabia dar uma.”

Ouça “Shoot Your Shot” de Blow Your Face Out

Onde Full House apresentou vários itens básicos do setlist da banda, incluindo covers de “First I Look at the Purse” dos Contours e “Serves You Right To Suffer” de John Lee Hooker, para Blow Your Face Outo JGB decidiu incluir algum material mais novo e um punhado de músicas que haviam tocado no início de sua carreira. “Além disso”, disse o tecladista Justman nos anos 90, “desenvolvemos uma noção de como a dinâmica musical é importante para comover o público, como a música e o showmanship estavam ligados de uma maneira que um aprimorava o outro. Você pode ouvir neste disco como cada músico transformou seu estúdio tocando para o palco. Todos tiveram a chance de se alongar. Os caras da banda são instrumentistas poderosos,” ele continuou, “e Peter foi um guia que te levou em um tour pela banda. Éramos azarões que chutavam, arranhavam e rastejavam até o topo. Então, uma vez que estávamos lá, apreciamos nossos fãs tanto quanto eles nos apreciavam. E todos nós curtimos a música juntos.”

Assista a J. Geils Band tocar “Southside Shuffle” ao vivo em 1977

Blow Your Face Out começa com “Southside Shuffle”, co-escrita por Wolf e Justman para Bloodshot . “Foi uma daquelas músicas que ajudaram a tornar até mesmo o maior salão mais íntimo”, disse Justman. Outra música do mesmo álbum favorito dos fãs, “Back to Get Ya”, segue, mostrando a afinidade da banda com o funk da época. A seguir, um cover de Jr. Walker and the All-Stars "Shoot Your Shot", uma grande influência na gaita de Magic Dick, seguida por "Musta Got Lost", uma das músicas mais populares da equipe de Geils, originalmente encontrada em seu álbum Nightmares de 1974.

Ouça “Musta Got Lost”

Essa apresentação é precedida por um rap clássico de Peter Wolf “woofuh goofuh”, que, diz ele, “foi totalmente espontâneo. Naquela época, todos os raps que eu fazia eram basicamente espontâneos. Eu simplesmente comecei a vagar e ninguém sabia para onde eu estava indo. Depois que o álbum saiu, muita gente começou a pedir rap nos shows, mas eu não conseguia me lembrar. Lembro-me de ter que reaprender a introdução do disco enquanto estava na estrada. Acho que por causa da popularidade do rap, ela se tornou uma de nossas músicas mais solicitadas. Essa música capturou muito do que fizemos ao vivo no que diz respeito à interação entre a banda e o público.”

Um cover de “Where Did Our Love Go” do Supremes permitiu que a banda prestasse homenagem à Motown e precedeu uma rara incursão na música country com o clássico de 1954 “Truck Drivin' Man”, uma música que Wolf passou a amar. “Love-Itis”, do álbum Hotline da banda de 1975 e originalmente editado pelo obscuro Harvey Scales and the Seven Sounds, era, disse Wolf, “apenas um rock direto”, e então veio uma versão abreviada de “Lookin' for a Love ”, anteriormente um sucesso do grupo de R&B Valentinos, com Bobby Womack. A banda raramente perdia a chance de tocar a música e já a havia incluído em The Morning After de 1971 e no primeiro álbum ao vivo.

Ouça a versão da Geils Band de “Where Did Our Love Go?” das Supremes.

Antes que o sexteto fosse muito mais longe, eles começaram “(Ain't Nothin' But a) Houseparty”, uma música definitiva da J. Geils Band como qualquer outra. A música, originalmente gravada por um grupo da Filadélfia chamado Show Stoppers, deu início a Bloodshot e o público nunca se cansou dela. “Gostamos de encontrar músicas que achamos ótimas, mas que o rádio não tinha tocado muito ou que as pessoas talvez não conhecessem, e prestar homenagem a esses artistas”, disse Wolf.

"So Sharp", outro remake, veio da discografia da banda de R&B Dyke and the Blazers, e foi apresentado anteriormente no álbum do JGB The Morning After . Em seguida veio “Detroit Breakdown”, escrita – assim como muitos dos originais da banda, por Wolf e Justman. “Quando a Geils Band chegasse a Detroit, seria uma festa ininterrupta por sete dias e sete noites”, disse Wolf. “Estaríamos arrastando o rabo para fora de lá. Nós realmente tentaríamos explodir o telhado do lugar.” Outro original de Wolf-Justman, “Chimes”, do álbum Ladies Invited de 1973, segue, e depois “Sno-Cone”, a versão da banda de um blues favorito de Albert Collins. “Esta foi uma chance para J. solo e para todos fazerem suas coisas”, disse Wolf. “Costumávamos fazer isso como uma abertura para deixar a multidão saber o que estava por vir.”

Ouça “Detroit Breakdown”

“Raise Your Hand”, escrita por Eddie Floyd, famosa por “Knock on Wood”, leva a outro original de Bloodshot , “Start All Over”, um dos esforços mais sérios da banda, decorrente de uma tragédia que deixou um amigo de Wolf , “minha primeira namorada”, morto. Finalmente, sopre sua cara sai com um original acelerado de Justman-Wolf, “Give it To Me”, inspirado na mesma mulher do conto “Start All Over”. Ela trouxe alguns dos primeiros discos de reggae da Inglaterra, lembrou Wolf, e ele e Justman decidiram escrever naquele então novo estilo. “Foi um grande sucesso até ser banido do rádio”, lembrou Justman. “Eles disseram que a letra era muito sugestiva. É difícil de acreditar, porque algumas semanas depois, 'My Ding-A-Ling' de Chuck Berry foi lançado e não foi banido. Na verdade, foi para o primeiro lugar. Então, quem diabos sabe?

Live—Blow Your Face Out entrou na parada de álbuns da Billboard em maio de 1976 e subiu apenas para a 40ª posição, mas é frequentemente visto hoje como um dos grandes álbuns ao vivo de seu tempo, a gravação ao vivo mais definitiva de uma banda que realmente sabia como levar a multidão ao frenesi. O próprio J. Geils já faleceu, Wolf e alguns dos outros ainda se apresentam, mas a entidade que era a J. Geils Band foi injustamente esquecida, exceto por alguns grandes sucessos de rádio no final de sua carreira. Uma pena, porque isso, não aquilo, era o que os tornava ótimos.

Ouça “Give It to Me” de Blow Your Face Out


Rita Lee - Rita Lee [ Lança perfume] (1980)

 

Em Sampa, de Caetano Veloso , que mesmo em uma tradução grosseira do português soa como uma ode estonteante à São Paulo tropicalista vista pelos olhos de um garoto do interior, ele chama Rita Lee de a mais completa interpretação da cidade em toda a seu glamour, vício e agitação. Demorou, mas com este álbum a vocalista dos Mutantes assume-se plenamente como um avatar da sofisticação metropolitana.

As notas alegres, suaves e sensuais desse estilo se espalharam pelo mundo nessa época, encontrando compra globalmente via Disco, via Rumorse Yacht Rock no Ocidente, e via City Pop no Japão. Mas a música brasileira, da MPB à Bossa, sempre teve esse elemento em primeiro plano, e foi apenas uma questão de tempo até que os artistas a empurrassem para uma direção mais urbana, misturando as harmonias e ritmos jazzísticos da Bossa com um som mais liso e sintetizado e um som mais cosmopolita. e, francamente, uma vibração muito mais excitante.

Nos curtos 36 minutos aqui, Lee explora esta combinação perfeita de todos os ângulos, indo de números disco animados e animados a queimaduras lentas noturnas e fumegantes, e executando tudo com o próximo nível de classe e estilo. Louca quanta alegria esse álbum me deu nesses tempos profundamente anedônicos.


Rita Lee - Rita Lee [Mania de você] (1979)


Após uma sequência de discos de sucesso que apostavam fortemente na sonoridade rock nos anos 70, Rita Lee finaliza sua parceria com o grupo Tutti Frutti e lança oficialmente seu primeiro álbum “solo” homônimo, com uma pegada mais disco pop dançante que a cantora já dava pistas no icônico Babilônia . O tom crítico, apesar de ainda estar presente em peso, agora é substituído por canções doces e apaixonadas, fortemente influenciadas pelo romance da cantora com Roberto de Carvalho , que se tornou sua parceria musical desde então.

“Rita Lee” abre com a atemporal “Chega Mais”, um clássico da música brasileira que tem influências dance e pop, muitas vezes sendo referenciado como “disco-rock-carnaval” devido à sua mistura de elementos nacionais e estrangeiros. Em sequência temos hinos como “Doce Vampiro” e “Mania de Você” , baladas que mostram um lado sensível e poético de Rita, expressando seu romantismo pouco explorado em suas obras anteriores. “Corre-Corre” , “Papai Me Empresta O Carro” e “Arrombou A Festa II” , atualização da canção de mesmo nome da cantora lançada dois anos antes ( Arrombou a Festa ), também são sucessos que marcam o disco.

Se por um lado muitos fãs da cantora criticaram a transição da cantora para a música pop mainstream com o lançamento de “Rita Lee” , esse se mostrou um passo essencial para sua evolução como artista. “Rita Lee” e seu gigansteco sucesso anterior via algo ainda maior que aconteceria nos anos seguintes.


Fromjoy - Fromjoy (2023)

Fromjoy (2023)
fromjoy é uma daquelas bandas que, apesar de fazer parte de um gênero tão saturado quanto o metalcore, consegue contribuir com algo único e fresco, e em seu álbum autointitulado, eles continuam provando isso.

Tomando a música daedalus como fórmula principal para este projeto, esta parece uma "dissecção" da faixa acima mencionada, com muito mais ênfase em elementos vaporwave e pós-metal e sem esquecer suas raízes mathcore. Faixas como as formas de corações e humanos mostram uma alegria muito mais dinâmica e catártica, enquanto outras como morbidamente perfeitas nos lembram o quão pesadas e brutais elas podem ser. Uma das coisas que eu mais temia era a possibilidade de não haver variação suficiente entre as pistas, mas felizmente não foi o caso. Cada música tem algo único acontecendo que a diferencia das demais, ao mesmo tempo em que compartilha semelhanças que tornam este álbum uma experiência sólida e consistente.

Concluindo, fromjoy conseguiu criar um dos sons mais interessantes e inovadores que já ouvi dentro do metalcore, e um dos melhores discos de metal de 2023 até agora.


Destaque

Juicy Lucy - Juicy Lucy 1969

Se apenas uma música pode ser dita para encapsular tudo o que Juicy Lucy pressagiou quando sua carreira começou na nova década dos anos 70, ...