Feito no leito da morte, Donuts não é só um grande disco de hip-hop instrumental. É a vitória de um homem contra a estupidez do destino.
J Dilla, talvez o melhor produtor de toda a história do hip-hop, sempre desprezou o dinheiro e a fama (tipo o Kanye West mas ao contrário). A sua vida era a sua arte: ou estava na loja de discos do quarteirão em busca da sua matéria-prima ou estava na sua cave-estúdio, cortando e colando fatias de vinil numa espécie de transe, até chegar à perfeita imperfeição das suas batidas.
Produziu A Tribe Called Quest, De La Soul, Busta Rhymes e Erykah Badu, entre muitos outros. Pharell e West veneravam-no como um deus. E mesmo com todas estas credenciais manteve-se longe dos holofotes do mundo.
Depois adoeceu: os rins escangalhados, hematomas pelo corpo, dores lancinantes. O seu último ano de vida foi duro, quase sempre no hospital, a sua saúde degradando-se de dia para dia. No entanto, J Dilla nunca abrandou. Mesmo acamado, continuava na senda do sublime, apenas munido de um pequeno gira-discos portátil, de um sampler rudimentar e de uma força de vontade sobre-humana.
Foi assim que foi surgindo Donuts, a sua comovente despedida. Um álbum todo ele feito de batidas, sem nenhum MC a distrair-nos da sua arte. São 31 fragmentos (a maioria com pouco mais que um minuto) porque Dilla tinha 31 anos e julgava não os ultrapassar.
Qual Thelonious Monk do hip-hop, Donuts subverte todas as regras de boas maneiras.
Má educação nº 1: que se lixem os tempos certinhos. Um sampler tem uma opção que corrige ligeiras irregularidades no ritmo. Ora uma das originalidades de Dilla é prescindir dessa batota. Os pequenos erros são incorporados, dando um toque desengonçado mas humano.
Má educação nº 2: que se lixe o equalizador. Dilla gosta de cortar médios e agudos a eito, deixando só os graves. O que para um audiófilo é um crime monstruoso para nós é requinte lo-fi. Morte aos engenheiros de som!
Má educação nº 3: as rugas não são para disfarçar, elas contam a nossa história. O grão de um vinil velhinho é mantido, aprofundando a nostalgia da batida. Por vezes, o sample original é apresentado sem alterações, como quem diz: contemplem bem a perfeição deste rosto, pois ele está prestes a ser cruelmente desfigurado.
Se os samples (de soul vintage mas não só) já são quentes na sua fonte, todo este amarrotar adicional só dá mais humanidade às batidas. Como as rugas fundas na tez de um velho pescador.
Três dias depois de fazer 33 anos, Dilla morre. Mas três dias antes, Donuts estava nas lojas. Não chorem, pede-nos Dilla em “Don’t Cry”, num dos momentos mais tocantes do disco. Não choraremos. Contra todas as probabilidades, Dilla conseguiu acabar a sua obra-prima antes de partir. Venceu. E a humanidade ficou um pouco maior.
Os Imagine Dragons acabam de lançar a curta-metragem para o single “Crushed” para apoiar o esforço de socorro ucraniano liderado pela UNITED24 – a organização fundada pelo presidente da Ucrânia, Volodymyr Zelenskyy.
Realizado por Ty Arnold, “Crushed” conta a história real de um rapaz de 14 anos chamado Sasha. As forças russas ocuparam a sua aldeia durante cinco meses, até que os combatentes ucranianos finalmente o libertaram. No entanto, o conflito deixou a sua casa, escola e vizinhança em ruínas. Ele só sobreviveu ao bombardeio refugiando-se num abrigo subterrâneo. O vídeo mostra ao detalhe a sua inacreditável história de perseverança enquanto caminha pelos destroços. Termina com uma foto do rapaz com as palavras: “And like so many others, Sasha and his family hope to rebuild their home. They are still here.”
No verão passado, Joni Mitchell espantou o público do Newport Folk Festival com uma atuação de surpresa – a primeira em 20 anos – que incluiu algumas das suas melhores canções.
O regresso triunfal de Joni Mitchell ao palco, no dia 24 de julho de 2022, surge num novo álbum editado pela Rhino, “AT NEWPORT”, com edição marcada para dia 28 de julho de 2023, produzido por Joni Mitchell e Brandi Carlile.
Joni Mitchell foi acompanhada por uma banda liderada por Brandi Carlile, vencedora de 9 GRAMMY®, e por outros artistas, entre os quais, Phil e Tim Hanseroth, Wynonna Judd, Marcus Mumford, Celisse, Jess Wolfe e Holly Laessig, da banda Lucius, e Taylor Goldsmith, dos Dawes. Joni Mitchell encantou o público, combinando a sua voz com a dos outros cantores em clássicos como “Big Yellow Taxi”, “A Case Of You”, e “Both Sides Now.” E até demonstrou o seu talento de guitarrista com uma versão instrumental a solo de “Just Like This Train.”
No texto que acompanha o álbum, Cameron Crowe escreve sobre a difícil e milagrosa recuperação de Joni Mitchell do aneurisma cerebral que a deixou às portas da morte em 2015: “Joni Mitchell apareceu no palco toda gingona, de boina e óculos de sol, e deu o tom com a sua boa disposição. O concerto foi uma reunião íntima de amigos, parecida com as Joni Jams que ela organizou em sua casa nos últimos anos da recuperação. Joni Mitchell apareceu no palco com um grande sorriso e sentou-se ao lado de Carlile. Em minutos, a notícia correu mundo: Joni Mitchell estava de volta, cheia de entusiasmo, num concerto terno e apaixonado com 13 canções que terminou com o público a cantar ‘The Circle Game.’”
Os Queens of The Stone Age acabam de anunciar “In Times New Roman”, o 8º disco de originais com edição agendada para 16 de Junho via Matador.
Cru, corajoso e às vezes brutal, “In Times New Roman” não é recomendado para os fracos de coração. E, no entanto, é talvez o álbum mais bonito e definitivamente o mais gratificante da discografia épica da banda de Josh Homme.
Com as letras ácidas de Josh Homme impulsionadas pela assinatura sonora inconfundível dos Queens of the Stone Age, o novo álbum tem um refinamento que se revela a cada escuta. “In Times New Roman” é um banquete para os obscenos, os betinhos, os párias, os esquisitos e para todos aqueles que se encontram no meio destes rótulos sem sentido.
Uma das bandas mais importantes da história contemporânea do rock estão de volta e urge celebrar o seu regresso. Não é exagero chamar este álbum de renascimento devastador. O primeiro avanço chama-se “Emotion Sickness”.
Aretha Franklin começou sua carreira ainda criança, cantando gospel na mesma igreja em Detroit, Michigan, onde seu pai era pastor. Quando ela completou 18 anos, ela conseguiu um contrato com a Columbia. Ela não foi um sucesso da noite para o dia, mas depois de mudar de gravadora para a Atlantic em 1966, sua sorte mudou. O lançamento de uma série de singles de sucesso como I Never Loved a Man (The Way I Love You), Respect, (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, Chain of Fools, Think and I Say a Little Prayer conquistou tanto a crítica e aclamação comercial. Na década seguinte, ela consolidou seu status como álbum de Aretha Franklin , classificado. Rainha do Soul com um disco de sucesso após o outro. Na época de sua morte em 2018, ela havia vendido mais de 75 milhões de discos em todo o mundo, tornando-a uma das artistas mais vendidas de todos os tempos. Aqui está a nossa escolha dos dez melhores
10. So Damn Happy
Como diz o All Music , nos cinco anos que separaram So Damn Happy e seu álbum anterior, A Rose is Still A Rose, Franklin apareceu mais nas páginas de fofocas de celebridades do que no rádio. Mas depois de contornar seus problemas com a lei, ela voltou ao estúdio e provou que ainda tinha o que era preciso para fazer sucesso. Consistindo em uma coleção extremamente agradável de canções cativantes e acessíveis, a gloriosa mistura do soul dos anos 70 e R&B contemporâneo mostrou que, quase 50 anos após sua estreia, Franklin não havia perdido nenhum de seus encantos.
9. Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)
Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) pode não estar à altura de alguns de seus predecessores, mas ainda é um álbum profundamente intrigante e extremamente agradável. O lendário produtor Quincy Jones está disponível para adicionar o pó mágico, mas, como sempre, são os vocais luxuosos de Franklin que roubam o show. Os principais destaques incluem a balada Angel, escrita por Carolyn Franklin (que liderou as paradas de R&B em seu lançamento como single), Master of Eyes (The Deepness of Your Eyes) e o maravilhosamente jazzístico Moody's Mood for Love. Lançado em junho de 1973, o alume alcançou a 30ª posição na Billboard 200 e a 2ª posição na parada de R&B.
8. Almighty Fire
O Fogo Todo-Poderoso é tanto o bebê de Curtis Mayfield quanto de Franklin. Além de compor todas as músicas, exceto a faixa final, Mayfield também produziu o álbum, resultando em um dos álbuns mais coesos, para não mencionar os mais fortes, da carreira de Franklin. Na época de seu lançamento em abril de 1978, a mania generalizada de disco levou Franklin a uma crise comercial. O álbum não foi suficiente para tirá-la disso, mas seus singles, a faixa-título e More Than Just a Joy, ainda conseguiram subir para um respeitável número 12 e número 51 na Billboard R&B Singles Chart, respectivamente.
7. Sparkle
Quando Aretha Franklin e Curtis Mayfield se uniram, coisas boas aconteceram. Sparkle não foi exceção. Gravado durante a crise comercial de Franklin em meados dos anos 70, o álbum foi lançado como trilha sonora do filme de mesmo nome. O filme foi um fracasso. O álbum, por outro lado, foi glorioso, restaurando a Rainha do Soul ao seu trono e lembrando ao mundo exatamente por que ela ganhou sua coroa em primeiro lugar. Pelo menos parte do crédito pelo sucesso do álbum cabe a Mayfield, cujas letras e produção complementam perfeitamente o estilo de Franklin. Os principais cortes incluem a faixa titular e o hino Something He Can Feel.
6. Spirit in the Dark
Embora não tenha produzido tantos sucessos consideráveis quanto seu antecessor, This Girl's In Love With You, Spirit in the Dark é inquestionavelmente essencial para os fãs dedicados e casuais de Franklin. Franklin escreveu quatro das composições ela mesma (incluindo o corte titular deslumbrante e gospel), enquanto sua irmã Carolyn contribuiu com o adorável Pullin '. Os destaques do resto do álbum incluem um cover maravilhosamente simpático de Ben E. King's Don't Play That Song, uma linda versão de Maxine Brown's Oh, No, Not My Baby, e um ousado remake de BB King's The Thrill Is Gone.
5. This Girl’s In Love With You
Como observa o thegreatalbums.com , após um breve contratempo comercial com todas as covers do Soul '69, Franklin se recuperou com seu décimo sexto álbum de estúdio, This Girl's In Love With You. Os principais destaques incluem um cover de Share Your Love with Me de Bobby Bland, uma versão emocionante de Let It Be dos Beatles (que na época nem havia sido lançado pela própria banda) e sua composição original, Call Me. O álbum não chamou muita atenção na época, mas é um álbum extremamente forte, embora subestimado.
4. Aretha Now
Aretha Now pode ter apenas 29 minutos de duração, mas não perde um único segundo. Um álbum confiante e cheio de alma, repleto de alguns dos maiores e melhores sucessos de Franklin (não menos importante Think e o igualmente maravilhoso I Say a Little Prayer), ele se destaca não apenas como um dos maiores álbuns de Franklin, mas também como um dos melhores discos. dos anos 60. Lançado em junho de 1968, alcançou o terceiro lugar na parada de álbuns da Billboard e vendeu rapidamente mais de um milhão de cópias apenas nos Estados Unidos
3. Young, Gifted and Black
Se Amazing Grace, o seminal álbum ao vivo de Franklin gravado na New Temple Missionary Baptist Church em Los Angeles ao lado do reverendo James Cleveland e do Southern California Community Choir, foi o álbum mais profundamente pessoal de Franklin, Young, Gifted and Black vem em segundo lugar. Nina Simone pode ter escrito a faixa titular, mas o álbum é pesado em canções escritas pela própria Franklin, resultando em um álbum incrivelmente sincero e emotivo que é tanto uma declaração pessoal quanto artística. Lançado no início de 1972, o álbum alcançou a 11ª posição na Billboard 200 e a 2ª posição na parada de R&B da Billboard. Em 2020, foi nomeado um dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone.
2. Lady Soul
Você não pode se mover para golpes em Lady Soul . Todos os grandes rebatedores estão todos lá – You Make Me Feel Like) A Natural Woman, Chain of Fools, Since You’ve Been Gone (Sweet Sweet Baby) – mas mesmo os cortes profundos soam como se tivessem sido selecionados de grandes sucessos compilação. Como observa a Wikipedia , o álbum se tornou o terceiro topo das paradas de R&B de Franklin, bem como o segundo hit na Billboard 200.
1. I Never Loved A Man The Way I Love You
Eu nunca amei um homem do jeito que eu te amo é o lar de Respeito. Que. para a maioria das pessoas, seria suficiente para justificar sua inclusão no número 1 de nossa lista. Se você não se convence tão facilmente, dê uma olhada no resto do álbum. Pela faixa de abertura do lado dois, você não terá dúvidas quanto aos seus méritos. Composto por 11 faixas de pura perfeição soul, este é o álbum que transformou Franklin de cantor em lenda.
A melhor geléia costuma ser feita em potes velhos. É o que os músicos do DANGEREENS devem frequentemente dizer a si mesmos, já que trabalham em um Rock com influências claramente retrô.
Este grupo, que se descreve como elegante e decadente, vem de Montreal em Quebec e chega de surpresa no final da década de 2010 com um EP homônimo de 5 títulos.
Retrô? Você disse retrô? Desde o início, DANGEREENS afirma sua paixão, sua devoção pelo Rock n 'Roll da velha escola com "Blacklight City", uma faixa emocionante, enérgica e emocionante de Glam-Rock / Boogie-Rock, alegremente retomada em refrão no refrão e no que aparecem algumas dicas de Rockabilly. O grupo de Quebec faz malabarismos habilidosos com revivals dos anos 50 e 70 e, como cereja no topo do bolo, o solo manda madeira. "She's So Fine" e "Finish What You've Started", aromatizadas com um colorido solo de scratch, são composições melódicas e rítmicas de Glam-Rock, puxadas por coros aéreos indiferentes, um refrão agradável, um estado de espírito anti-dor de cabeça diferente o que é um sucesso nas rádios mainstream-rock na América do Norte e tem algo para agradar os fãs de ROLLING STONES e NW YORK DOLLS. O enérgico mid-tempo "Reign of your mind" também está de olho nessas referências e se nada de novo é oferecido, continua sendo um título agradável. Com a mid-tempo “Libertines”, o grupo quebequense vai caçar nas terras do rock melódico americano e se os coros arejados, leves e casuais trazem à peça um toque 50 que não falta charme, antes ecoa o que disse Tom PETTY & OS QUEBRA-CORAÇÃO.
No geral, este EP de 5 faixas, portanto, tem uma coloração resolutamente retro do Glam-Rock que lembra os anos 70, às vezes os anos 50. Além disso, algumas notas de piano polvilham os títulos presentes. Em resumo, é um aperitivo na tradição de NEW YORK DOLLS, ROLLING STONES, até Tom PETTY que se saboreia, pode ser degustado.
Tracklist: 1. Blacklight City 2. She’s So Fine 3. Finish What You’ve Started 4. Libertines 5. Reign Of Your Mind
Formação: Hugo Chartrand (vocal, guitarra) Felix Brisson (guitarra) Myles Morin (baixo) Yanick Berthiaume (bateria)
Originalmente dos Estados Unidos, Entheos (que significa deus dentro) é uma banda de death metal técnico progressivo que está intimamente alinhada com o boom renascentista de bandas técnicas com inclinações para o death core. Seu novo álbum, Time will take us all, é um dos mais digeríveis do gênero e ao mesmo tempo uma amostra do poder que esse tipo de bandas como Lorna Shore estão tendo.
Zero absoluto é o começo do que podemos esperar como um álbum estrondoso, também construído com bases djent. E que também estamos encantados com a voz feminina de Chaney Crabb. Que, assim como Tatiana Shmayluk, projetam para nós que as mulheres estão se posicionando como vocalistas guturais na cena do metal.
In purgatoryethe interior wildsão peças para continuar batendo cabeça e curtir as mudanças de ritmo.Com sonoridades melódicas e harmoniosas que podem até se disfarçar de jazz para dar lugar aoOblivion.Em todas as vezes que ouvia o álbum, nem sentia a mudança de uma música para outra.Portanto, esta peça é a conexão genuína com o metal progressivo.
I am the void em sua introdução me lembra os sons atmosféricos do black metal para então dar uma reviravolta tremenda na voz, totalmente aguda e calma em relação aos guturais. Uma peça com muitas mudanças e algo obscuro.
Dia mais escuro e clareza nas ondas são autênticos death metal técnico, com arranjos de guitarra muito bem definidos, nos lembrando as origens e influências da banda, animais como líderes e meshuggah.
O sol poente, talvez minha peça favorita do álbum, fiquei fascinado com a bateria, que é o instrumento que dá lugar aos outros instrumentos. Não deixamos de ser prog porque é a música com maior duração. A voz e as guitarras em todos os momentos muito bem arranjadas.
O álbum termina com o time will take us all o que me lembra o trabalho de ne obliviscaris por começar acusticamente e quebrar o esquema para continuar com o prog death metal e algumas linhas de baixo se destacando. Sem dúvida é mais uma grande banda que estará nos cartazes dos festivais internacionais. Ouvir toda a sua discografia é uma obrigação para todos os amantes da música progressiva.
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