The Flaming Lips - YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS

 

1. Fight Test (4:14)

2. One More Robot / Sympathy 3000-21 (4:59)

3. Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 1 (4:45)

4. Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 2 (2:57)

5. In the Morning of the Magicians (6:18)

6. Ego Tripping at the Gates of Hell (4:34)

7. Are You a Hypnotist (4:44)

8. It's Summertime (4:20)

9. Do You Realize (3:33)

10. All We Have Is Now (3:53)

11. Approaching Pavonis Mons by Balloon (Utopia Planitia) (3:09)

Renove ou morra, dizem, e é por isso que hoje resolvi trazer algo que não se encaixa perfeitamente (embora se encaixe em alguns aspectos) com o que costumamos ter no blog. De qualquer forma, Yoshimi Battles the Pink Robots é um álbum de 2002, e com o fato de estar se enquadrando musicalmente no mais puro mainstream, não estará longe de ser considerado um pequeno clássico na linha nebulosa que separa o pop-rock de tudo que está além, e que tanto nos interessa.

Tanta justificação talvez seja desnecessária, pois estamos a falar de um álbum fantástico, um deleite instrumental e melódico que, guardadas as distâncias óbvias, está na veia dos Pet Sounds dos Beach Boys ou do próprio Sgt. Pepper's  pela sua imaginação sem limites e seu otimismo infinito e colorido. The Flaming Lips é uma banda americana composta por Wayne Coyne , Steven Drozd e Michael Ivins , cada um tocando vários instrumentos. Este álbum em particular, o décimo de sua carreira, é um experimento mais ou menos conceitual em uma linha de rock alternativo psicodélico muito melódico com cortes instrumentais interessantes e um uso discricionário de recursos eletrônicos e arranjos de todos os tipos.

The Flaming Lips (do site Classic Album Sundays ).

O título "Yoshimi luta contra os robôs rosa" é uma referência à japonesa Yoshimi P-We, que participa do álbum como colaboradora externa, e que tocava um instrumento de vozes sampleadas que soavam como se ela "lutasse com monstros", segundo a um comentário casual. Essa ideia da garota que luta contra robôs não só também inspira a capa, como em 2012 deu origem a um musical escrito por Aaron Sorkin ( The West Wing of the White House , The Social Network), em que esse enredo infantil de ficção científica escondia metaforicamente a luta da menina contra o câncer. A verdade é que apenas as quatro primeiras faixas usam esses sons robóticos/monstruosos a seu critério e alguns samples com ruído de multidão como "false direct", então no final poderíamos estar diante de uma suíte conceitual limitada a apenas parte do álbum. Um pouco como no famoso 2112 do Rush.

teste de luta

A estrutura das canções é mais ou menos convencional, mas a produção é muito minuciosa e há sempre muita coisa acontecendo ao fundo. O álbum abre com o fantástico Fight Test , que de uma forma certamente não intencional lembra o pai e o filho de Cat Stevens . Um acordo amigável foi alcançado e o que agora é chamado de Yusuf Islam recebe alguns royalties. De One More Robot tudo impressiona, embora eu prefira sua seção instrumental final, que é primorosa. Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 1 é um tema mais ou menos comercial, mas tão ingênuo que chama a atenção, e sua segunda parte ( Pt. 2) é um instrumental incidental praticamente típico de uma cena de ação de anime em que Yoshimi faz sua coisa com os felizes robôs baseados em kung fu.

Yoshimi luta contra os robôs rosa, parte 2

Na Manhã dos Mágicos  tem uma delicadeza de outrora, um sentimentalismo cativante acentuado pela bela produção. From Ego Tipping at the Gates of Hell destaca o ritmo eletrônico e, novamente, os arranjos surpreendentes aqui e ali. Mas para arranjos, você é um hipnotizador? , entre o urbano e o cósmico, com alguns coros impressionantes. O melhor do disco.

Você é um hipnotizador??

It's Summertime continua numa linha intimista e delicada que cresce segundo a segundo, e então vem aquele -se não me engano- foi o single de maior sucesso do álbum, Do You Realize?? , talvez o que eu menos gosto, e não porque seja ruim, mas porque o arranjo de cordas não soava mais tão original depois de alguns clássicos do REM nos anos noventa. É uma música que soa muito com o que se fazia naquela época no grêmio do rock alternativo. All We Have Is Now é uma última faixa atmosférica e imersiva pouco antes do fechamento perfeito do álbum: a estupenda  Approaching Pavonis Mons de Balloon (Utopia Planitia) , um capricho de pura ficção científica retrô que ganhou o Grammy de Melhor Faixa Instrumental de Rock.

Aproximando-se de Pavonis Mons de balão (Utopia Planitia)

Não consegui tirar algumas das músicas de Yoshimi Battles the Pink Robots da minha cabeça desde que ouvi alguns meses atrás, e acho que com essa entrada eu estava tentando me exorcizar um pouco. Não é como quase nada que você pode ouvir na rádio comercial hoje (acho que não na época também), mas é uma obra de culto que fascina desde a primeira escuta e teve uma profunda penetração na cultura popular alternativa. Recomendado até mesmo para céticos pop.

Essa música na minha cabeça, "TELSTAR"

 

Diretamente de uma novela retrô de ficção científica impressa em papel amarelo e comprada em banca de jornal, trazemos para vocês esta adorada seção Telstar , de The Tornados . Mais do que uma raridade, é um tema tão antigo que, do ponto de vista das gerações atuais, beira os limites do esquecimento total. Mas foi nada menos que o primeiro single a alcançar o número 1 nos Estados Unidos por um grupo britânico em termos absolutos, o terceiro se contarmos com artistas solo. Numa época, sim, em que era bastante comum as músicas instrumentais terem grande repercussão na mídia.

Um videoclipe, acho que com qualidade de som restaurada.

O pai da invenção foi o visionário produtor Joe Meek , que compôs e produziu a peça inspirada no satélite de comunicações Telstar lançado em 1962, naquela época de otimismo futurista ambientada em plena Guerra Fria. Os Tornados eram então George Bellamy (guitarra base), Heinz Burt (baixo), Alan Caddy (guitarra), Clem Cattini (bateria) e Roger LaVern(teclados). E digo "então" porque os membros do grupo foram substituídos várias vezes ao longo dos anos. Eram a típica banda de apoio das estrelas pop da época que ocasionalmente produziam um álbum instrumental, mais ou menos na linha do surf rock que estava em voga, mas neste caso com uma abordagem mais futurista. . 

Outra capa.

Exceto por este Telstar , não se pode dizer que atingiram um nível de sucesso semelhante ao de outras bandas do estilo como os posteriores The Shadows. O mais notável no som desta música é o uso de um sintetizador primitivo, não está claro se o conhecido como Claviolina ou Jennings Univox, que eram semelhantes. O resultado é uma peça que hoje soa ingênua, quase infantil, mas na época era com certeza a coisa mais vanguardista que se podia encontrar no campo da música popular que tocava no rádio.

As Sombras cobriram Telstar, é claro. Como Hank Marvin estava se divertindo.

Sobre Joe Meek há coisas muito interessantes a dizer, mas reservo tudo para um post futuro. Se alguém quiser investigar por conta própria, direi apenas que ouço um novo mundo.

Joe Meek: quando o produtor se tornou a estrela.

 

Joe Meek (1929-1967)

Na entrada anterior falamos sobre Telstar , aquele hit instrumental dos The Tornados de 1962, e mencionamos seu produtor Joe Meek como um visionário. Vale dizer que Telstar já é por si só um tema original e relativamente à frente de seu tempo ("relativamente", pelo uso de equipamentos eletrônicos aplicados ao pop e não tanto pela ideia da ingênua banda instrumental como de uma orquestra de salão). Este é I Hear a New World ("Eu ouço um novo mundo"), que seria publicado em 1960, mas não viu a luz do dia até 1991.

Portada de I Hear a New World.

I Hear a New World é bizarro como uma catedral, o tipo de música mainstream anglo-saxônica não convencional feita no final dos anos 1950, mas misturada no liquidificador com loucos devaneios de ficção científica da época que fazem do álbum uma rara avis uma década à frente da psicodelia mais hardcore que estava por vir. É o tipo de disco que os fãs do heterodoxo não devem perder, mas -com total respeito pelos seus autores (Joe Meek e a banda The Blue Men)-, é difícil de entender, não sei se é agradável, se não é muito profundo no contexto da época e na psique abismal do próprio Meek.

I Hear a New World, al completo.

Não se pode dizer que nosso protagonista era um homem comum com o tipo de preocupação que tal e tal tem, mas também não quero reproduzir a quantidade de neuras que a Wikipédia coleta sobre Meek, principalmente porque algumas são tão extravagantes que parecem pura especulação. Podemos resumir que ele tinha problemas mentais muito sérios, incluindo mania de perseguição por medo de que alguém tornasse pública sua homossexualidade e paranóia do tipo conspiratório. Entre eles, havia um com marcianos que leram sua mente. Não sei até que ponto as tribos alienígenas cantando em I Hear a New World em vozes de flauta foram uma fantasia criada para o álbum ou uma verdadeira prova do que Meek pensou estar ouvindo no silêncio de seu apartamento.

Um pequeno documentário sobre as técnicas de gravação de Meek.

Treinado como técnico de radar no exército e apaixonado por equipamentos elétricos desde a infância, Meek trabalhou durante seus anos mais criativos em uma residência de três andares acima de uma loja de peles no subúrbio londrino de Islington. Ele andava pelo prédio fazendo experimentos ruidosos que incomodavam os vizinhos, buscando na mídia caseira uma nova abordagem para o trabalho do produtor que, mais do que simplesmente visar garantir fidelidade e clareza ao suporte de áudio, ele via como uma contribuição essencial para a música. gravado. Eu via o produtor musical, por assim dizer, como um último filtro criativo por meio do qual a música ganhava personalidade para publicação. O produtor assinava o que os artistas com quem trabalhava publicavam.

Joe Meek com os Tornados.

Isso, como no exemplo perfeito de Telstar , pode levar a uma concepção um tanto intrusiva do produtor que atingiria seu ápice com o trabalho do arquirrival de Meek, Phil Spector, em Let It Be dos Beatles , ao qual ele se candidatou à queima-roupa sua popular técnica de "parede de som". O produtor chega a modificar tanto o trabalho original dos músicos que o produto final não se parece muito com o que eles originalmente queriam alcançar. Por supuesto, con los años se ha logrado una interacción mucho más fluida, coordinada, entre músico y productor, de manera que ambos queden satisfechos con lo grabado, o incluso seleccionando el primero al segundo con plena conciencia del barniz que quiere que se aplique a suas obras. 

O que Joe Meek estava fazendo era mais experimental do que puramente enigmático, mas a semente do produtor estrela é plantada aqui e a planta cresce e cresce até hoje. Meek era mais um músico do que um técnico, especialmente porque obras como I Hear a New World levaram seu trabalho muito além do que corresponde à mera engenharia de som. Certamente ele estava destinado a investir totalmente em suas próprias obras e não tanto nas dos outros, talvez como fariam os grandes produtores das décadas posteriores (tomemos Alan Parsons como exemplo).  

Joe Meek entre trastos.

Ele deve ter sido muito afetado pelo processo de plágio movido contra ele pela Telstar , que segundo seu acusador era muito parecido com a trilha sonora do filme Austerlitz . Em 3 de fevereiro de 1967, Joe Meek matou sua senhoria e depois se matou com a arma que havia tirado de um dos Tornados. Três semanas depois, e depois de não ter recebido royalties pela Telstaranos por causa da acusação de plágio, o julgamento foi resolvido a seu favor. Em seu estudo, foi encontrada uma quantidade enorme de material inédito que não sei se foi publicado na íntegra. Não faltaram homenagens a Joe Meek por músicos de todos os tipos, às vezes um pouco enigmáticos, e até peças sobre sua vida. Suponho que na Espanha ele não seja um personagem muito conhecido, mas no mundo anglo-saxão é uma espécie de artista maldito e cult, uma figura decisiva cuja contribuição ainda é objeto de estudo.

Dead Can Dance - DIONYSUS

 

ACT I

1. Sea Borne (6:44)
2. Liberator of Minds (5:20)

3. Dance of the Bacchantes (4:35)

ACT II

4. The Mountain (5:34)

5. The Invocation (4:56)

6. The Forest (5:04)

7. Psychopomp (3:53)

Não é que seja uma novidade (é de 2018), mas para já é o mais recente álbum dos australianos Dead Can Dance, um grupo que se move entre o culto de uns poucos “selecionados” e os totalmente lendários, dependendo de quem você perguntar. . Acho que só revi dois álbuns da dupla antes, não consecutivos e com muitos anos de diferença, e tenho que admitir que a discografia deles é um dos meus assuntos pendentes mais atraentes. Algo me diz que vou adorar ouvir todo o seu trabalho passo a passo e me aprofundar nele, mas as bicadas que fiz me deixam um pouco confusa. Não é que me surpreenda que tópicos extraordinariamente diferentes tenham sido publicados sob um único nome, mas neste caso o contraste é extremo. Compare as canções pop-rock góticas sombrias de seus primeiros álbuns com algo tão terreno, A Hoste dos Serafins . Eu tenho que levar isso muito a sério.

Dead Can Dance: Lisa Gerrard e Brendan Perry. De sua página oficial.

O fato é que Dionysus me apareceu por acaso entre as sugestões geradas pelo feliz algoritmo do YouTube que destruiu a música popular atual, onde aparecem outros menos afortunados cantores de reggaeton e damas de tangas. Dionysus é um álbum conceitual que explora o arquétipo de Dionísio através do tempo e em diferentes contextos culturais. Dionísio ou Dionísio era o deus do vinho, da fertilidade e do êxtase religioso, encarnação simbólica do carpe diem, abandono aos prazeres. Não é toda a parafernália da world music que Lisa Gerrard e Brendan Perry administram aquiresponde exactamente à forma como os antigos gregos veneravam o seu deus mais festivo, já que os instrumentos nos remetem para cultos diversos ao mesmo que se foram infiltrando nas culturas da Europa balcânica, do Mediterrâneo oriental e do Norte de África. Certamente, algumas dessas pessoas nem sabiam que certo rito deles tinha origem no panteão olímpico, mas afinal todas as civilizações celebraram de alguma forma rituais relacionados ao dionisíaco versus apolíneo, ao êxtase do carnal versus o contido e reflexivo. Indiretamente, existem celebrações perfeitamente dignas de Dionísio, mesmo na América. Não por qualquer motivo, há uma máscara mexicana na capa.

Dionysus não pretende ser um documento estrito de música étnica como alguns álbuns -por exemplo- da gravadora Real World às vezes são, já que a abordagem de Dead Can Dance tende ao sensacionalismo e à grandiloquência sonora, conseguida ao desfocar os vários elementos que os compõem a sonoridade da obra para integrar um todo indefinível a serviço da mudança de estilo da dupla. Nem mesmo há muito talento vocal de Gerrard e Perry (este último parece ter mais peso neste álbum), mas preferem focar-se em ritmos poderosos que convidam ao movimento, texturas e ao uso combinado original de uma vasta gama de instrumentos. : o birimbao brasileiro, a balalaica russa, a gadulka búlgara, percussão tradicional turca e iraniana, etc.

A primeira metade (Ato I) de Dionísio.

A marca geral que o álbum deixa, pelo menos após as primeiras audições, é a de uma alegria pagã e colorida dividida em duas partes para se adequar à versão lançada em vinil. Nas edições físicas do disco, aliás, ele contém apenas uma faixa de áudio para cada "ato", como uma suíte dupla. Alguns críticos consideram que  Dionísio  pode ser entendido como se fosse um oratório vanguardista e multiétnico, e eu concordo plenamente. Não há nenhuma música que soe como protagonista, já que a estrutura do álbum é sustentada pela integração dos cortes como partes de um todo unificado. E, sendo a primeira parte do álbum basicamente instrumental, não há um momento estelar para as vozes de Gerrard e Perry até o início da segunda suíte, sobre o temaA Montanha , em que desenvolvem um canto em língua inventada. Há mais vozes em The Invocation , embora não sejam as dos membros do grupo. Voltamos a ouvi-los a ambos em The Forest e Psychopomp , mas, como em todo este segundo ato, a componente instrumental e rítmica torna as vozes um elemento não tão essencial. O conceito do álbum, que Brendan Perry desenvolveu durante dois anos, está acima do espectáculo dos seus vocalistas. É um pouco curto para a capacidade do suporte físico actual (36 minutos e pouco), mas ouve-se num ir pela beleza da produção e seu caráter evocativo, muito cinematográfico. 

Fãs e críticos gostaram na época, e hoje entendo que as expectativas para um novo lançamento de estúdio devem ser altas. Vou tentar estar um pouco mais atualizado quando chegar.

50 anos de Tubular Bells. E muito mais coisas

Quem já está por aqui há algum tempo sabe que em 2013 dedicamos toda uma série de postagens ao Tubular Bells em seu 40º aniversário. Passei meses pensando no que mais falar neste 50º aniversário que hoje se comemora e nada me ocorreu. A verdade é que Tubular Bells é um álbum tão exageradamente conhecido que é muito difícil contar uma nova anedota que não tenha sido repetida milhares de vezes em artigos de jornais, livros monográficos sobre Mike Oldfield ou sobre como o próprio álbum foi composto e gravados, programas de televisão, blogs ou podcasts de temáticas muito diversas, desde as cinematográficas às ufológicas.

Tubular Bells  poderá ser uma das obras musicais da órbita pop que mais tinta tem espalhado ao longo dos anos. Praticamente todos os aniversários desde o mesmo 1973 em que foi publicado, há pelo menos uma dezena de artigos da prestigiosa imprensa -nacional e internacional- comentando-o, e se incluirmos o mundo dos blogs e redes sociais, estaríamos falando de centenas . Porque? Eu não sei exatamente. Afinal, sou apenas um amador como qualquer outro e só posso confiar em minhas próprias impressões, tanto hoje falando deste lendário álbum quanto quando abordo qualquer outro trabalho através deste antigo blog. Afirmo que Tubular Bells , o fenômeno, a revolução, é um mistério e aí reside parte de seu caráter perene.

Vivo em Espanha, e como sei que são muitos os leitores que nos seguem de outros países, gosto de recordar de vez em quando que Mike Oldfield é, pelo menos para nós entre os 35 e os 55 anos, um dos os artistas internacionais mais queridos do nosso país. E não falamos apenas de Tubular Bells , mas de toda a discografia do músico britânico, incluindo muitos dos álbuns menos essenciais da sua última carreira. Aqui Mike Oldfield é um nome sacrossanto entre os fãs com algumas filmagens.

Mike Oldfield em uma imagem vintage.

Acho que a ascensão de Oldfield nos anos 1970 e início dos anos 1980, coincidindo com a abertura total da Espanha ao resto do mundo após a ditadura de Franco, foi uma descoberta feliz e ao mesmo tempo desconcertante para nossos amantes da música. Num contexto em que parecia que só existiam cantores de folclore de pente e cantores de balada aqui radicados, o que chegara pouco antes era esquartejado pelas dificuldades de importação e era descrito como hippy ou yeye, raridades decadentes para teimosos esnobes de cabelo comprido.

Mas os "boomers" aumentaram o seu poder de compra, foram às lojas de discos e às montras das bombas de gasolina e grupos como Queen, Supertramp ou Dire Straits entraram nas nossas casas, para não falar do ABBA e dos Bee Gees. Se tudo isso -mesmo sem entender um pouco de inglês- fez nossas cabeças explodirem, imagino que ouvir Tubular Bells pela primeira vez deve ter sido para mais de uma pessoa como ser atropelado por um trem. Tinha o brilho do estrangeiro e do moderno, era legal, tinha classe, era diferente de tudo aqui, era tremendamente acessível. Soou em um filme polêmico como poucos, O Exorcista. E essa capa maravilhosa. Nós, espanhóis da EGB (Educación General Básica, sistema educacional vigente entre os anos 1970 e 1990), amamos Mike Oldfield porque entendemos sua música desde o início.

Acredito que esta seja a chave do mistério de Tubular Bells , que com toda a complexidade de sua composição, afinal, é um disco fácil de apreciar em que sua genialidade é apreciada na primeira escuta. Não é uma obra conceptual, não há canções para ler nas entrelinhas, não responde a uma situação social ou política, não é preciso ser muito art rock ou rock progressivo (tendências a que costuma estar associado) para apreciá-lo. A única coisa que Tubular Bells exige São 50 minutos sem outra obrigação senão prestar atenção para saborear as melodias, descobrir à medida que avança a estrutura sinfónica perfeita da sua primeira metade e as experimentações evocativas da segunda e, sobretudo, apreciar a música de Mike Oldfield como um exercício purista de virtuosidade e imaginação sem limites.

O biscoito de um vinil Tubular Bells , com o logotipo da Virgin criado por Roger Dean. 

O próprio Mike Oldfield, às vezes dado a hipérboles, disse várias vezes que não acha que nada de importante aconteceu na música desde Tubular Bells , e embora essa afirmação nos faça sorrir indefinidamente, nos últimos anos estamos descobrindo que, de fato, muito de o que se consome hoje no mundo do entretenimento existe graças à nostalgia de muitas coisas grandes que não foram igualadas desde então. Mil coisas importantes aconteceram na música no último meio século, vamos terminar, mas continuamos voltando a essa época repetidamente porque foi quando as bases da cultura popular atual foram lançadas. 

estou exagerando? Pense bem se pensa que nos anos 70 houve um "renascimento" do que se usava nos anos 20, ou se os anos 30 viraram moda nos anos 80 e os anos 40 nos anos 90. Claro que não. Qualquer hipster indie com um pouco de cultura reconhece que seus atuais artistas cult não existiriam sem a marca do Pink Floyd e David Bowie. Qualquer fã de música eletrônica sabe que não haveria Tomorrowland sem Jarre, Tangerine Dream e Kraftwerk. Qualquer geek sabe que o santuário da cultura nerd foi construído na redescoberta de O Senhor dos Anéis pelos universitários da época , nas reprises da  série Star Trek e na estreia da  saga Star Wars .. Qualquer cinéfilo sabe que não houve uma geração de cineastas tão decisiva para os filmes comerciais de hoje quanto a de Scorsese, Spielberg, Coppola e Lucas. Que não haveria Call of Duty ou League of Legends sem Pong , Space Invaders e Pac-Man .

Um maduro Mike Oldfield, no documentário da BBC sobre Tubular Bells .

A Tubular Bells esteve no mesmo ponto crucial desde o primeiro minuto e, apesar do fato de muitas de suas soluções de produção parecerem antigas devido ao seu artesanato, esse "algo" inexplicável e vibrante dentro delas ainda está vivo. Basta ouvir a versão que Oldfield regravou no início deste século para perceber que, com todos os seus bumpers e sua produção artificial, faz a música naquele velho vinil soar como se tivesse sido composta em 2003. Sinto o mesmo ao ouvir a versão açucarada que a Royal Philharmonic Orchestra gravou para este 50º aniversário, que Tubular Bells é uma obra intemporal e que resiste a quase todas as ocorrências que levam o seu nome ou logótipo.

Fui apresentado à música de Mike Oldfield no Natal de 1994-1995, quando ele me deu o CD The Songs of Distant Earth . Eu gostei no começo, mas não prestei muita atenção. Então, por curiosidade, um grande amigo do colégio gravou Tubular Bells II para mim em uma fita cassete  (lembrei daquela música com gaita de foles que estava no Top 40) e a verdadeira febre começou. Eu nunca tinha ouvido nada parecido. Na verdade, eu nem imaginava que tal coisa pudesse existir e senti falta disso toda a minha vida. Bebi várias vezes até memorizar cada nota. Os Tubular Bells originais caíram em minhas mãos pouco tempo depois, pois não eram fáceis de encontrar nas lojas provinciais da época. acho que não valorizeiTubular Bells na sua verdadeira glória até algum tempo depois, e embora ainda pense que Mike Oldfield elevou a fasquia com Ommadawn , compreendo perfeitamente que Tubular Bells continuará a ser a sua obra essencial por excelência, um ícone associado ao seu nome que, ao contrário do que habitualmente acontece nesses casos, seu autor nunca renegou. Feliz 50!

Phil Hooley – Provenance (2023)

 

Quando se trata de seu segundo álbum, Phil Hooley acredita muito em que menos é mais. As dez faixas do mais novo lançamento do cantor e compositor de Yorkshire foram inicialmente gravadas com mais sinos e assobios, apenas para Hooley e o produtor Justin Johnson, percebendo que o som não fazia justiça às músicas, para tomar a decisão de despojá-los até seus ossos nus. As canções receberam espaço adequado para respirar; faixas de bateria foram removidas, mas violino, violoncelo, piano e violão permaneceram.
“Ela entra na sala com um ar confiante / Com aquele swing e aquela coisa que pode fazer um homem olhar,” vem a voz de Hooley com uma qualidade terna e sussurrante, uma dualidade interessante para uma música como 'Casualty' que fala da máscara confiante que algumas pessoas usam para tentar esconder sua…

MUSICA&SOM

…vulnerabilidade. Na gaita e no violino 'The Key' (expert tocando violino vindo de Jim Van Cleve), Hooley anseia por aventura ("Vou comprar um barco para mim, vou velejar ao redor do mundo / Vou ver todos os lugares que me disseram ”) sabendo que seu coração sempre o chamará de lar (“Quanto mais alto você voa, mais você cai / Quanto mais você dirige, mais as cordas do coração chamam”).

'Some Say' é profundamente pessoal para Hooley, o assunto é um amigo que ele perdeu em sua batalha contra o alcoolismo alguns anos atrás. “Alguns dizem que ele era um homem bêbado, alguns dizem que ele era um tolo / Alguns dizem que foi uma coisa egoísta para um homem assim fazer”, lamenta. “Mas a imagem de que me lembro nas risadas e lágrimas / Era aquele velho e doce violão tocando e sua voz que ainda ouço.” 'If Only' atinge um tom mais alegre com seu violino, mas o conteúdo lírico é na verdade enganosamente profundo, Hooley enfatizando como ele gostaria que a vida fosse mais fácil e os problemas mais solucionáveis ​​("Se corações partidos fossem feitos de porcelana ou argila / We'd juntar os pedaços e guardá-los em segurança / Então, em um dia chuvoso, quando não tivéssemos nada melhor para fazer / Retirávamos todos aqueles fragmentos e os consertávamos, como novos”).

Um sabor decididamente jazz e blues percorre 'Matter of the Heart', com seu piano preguiçoso (cortesia de Mark Gordon) que se sentiria em casa em um bar enfumaçado, enquanto Hooley luta para deixar um relacionamento no passado. 'Magdalena' é tão pura e doce quanto uma música pode ser: “Agora eu não acredito em anjos, mas talvez ela seja um / Porque não importa o clima, ela sempre traz o sol”, Hooley elogia um possível anjo em forma humana. 'Words' mostra um uso mais magistral do violino por Van Cleve, o instrumento se entrelaçando perfeitamente com as letras enquanto Hooley relata um arrependimento sem fim por palavras não ditas em um relacionamento fracassado. Em 'The Veteran's Song', Scott Poley mostra um trabalho de guitarra sutilmente habilidoso, permitindo que as letras de Hooley de um veterano do exército desgastado sejam ainda mais eficazes.

“Às vezes, no processo de gravação, você pode se deixar levar pela instrumentação e pelo lado tecnológico das coisas e perder de vista o significado das músicas”, Hooley refletiu sobre 'Provenance' e como seu título surgiu. “Dessa vez tive certeza do que queria que acontecesse com as músicas. Tive confiança para fazer as mudanças necessárias para reorientar as letras. Acho que valeu muito a pena. As letras são tudo sobre a minha composição.” E, francamente, quando a voz tranquila e confiante de Hooley recebe espaço para chamar a atenção contra instrumentais despojados, simplesmente não há como contestar isso.

Dave Hause – Drive It Like It’s Stolen (2023)

 

Qualquer álbum que junte dois cantores/compositores veteranos Dave Hause e Will Hoge certamente será uma entrada auspiciosa. Não é de surpreender que Drive It Like It's Stolen possua uma música tão memorável, graças às músicas e configurações notáveis ​​de Hause e ao fato de Hoge estar sentado atrás das pranchas.
Então, novamente, Hause sempre encontrou inspiração em sua própria introspecção, seja no divórcio de sua primeira esposa, um tópico que informou seu álbum , Devour , em 2013, preocupações com o estado do mundo, a América e suas próprias emoções frágeis. como compartilhado com Kick (2019), ou sua alegria por poder passar um tempo com seus gêmeos, um tema principal para a oferta mais recente, Blood Harmony .
Sua ansiedade novamente toma o centro das atenções desta vez...

MUSIC&SOM

…ao redor, com uma série de canções que mostram Hause lutando com sua sobriedade, as responsabilidades da paternidade e os desafios cotidianos que surgem ao tentar encontrar o caminho no mundo. O próprio Hause se refere ao esforço atual como “americana pós-apocalíptica” e, como tal, está repleto de aberturas sinistras, sentimento sóbrio e uma perspectiva abrangente que garante imersão total no esforço geral. Isso fica imediatamente aparente em canções como “Chainsaweyes”, “Cheap Seats” e “Pedal Down”, todas reflexões memoráveis ​​e comoventes sobre o que é preciso para compreender a humanidade. Não que o álbum inteiro seja temperado por um brilho baixo - “Hazard Lights”, “The Vulture” e “Damn Personal” surgem com uma onda de hino que pode encontrar um ajuste bem-vindo em um setlist de Springsteen ou Mellencamp.

Na verdade, não há uma única faixa aqui que não soe com uma certa resiliência ou determinação. A faixa-título resume melhor o sentimento: Tumbling down off the trave / Hide at home or make a scene / Trying to put the “I” inseam / Same old ryming schemas / Try as I could I can't get off the equilíbrio certo…

Memorável, comovente e repleto de percepção e emoção, Drive It Like It's Stolen é o tipo de álbum que não apenas causa uma impressão instantânea, mas também permanece muito tempo depois que as notas finais desaparecem. Seu sentimento é expresso melhor na música “Tarnish” em particular. Quando você encontrar manchas nas relíquias de vidas passadas, espero que isso não tire o brilho de seus olhos…

Apesar de todo esse pressentimento, o vislumbre - e mais - permanece. Obrigado a Hause por nos ajudar a perceber que há esperança no horizonte... se ao menos estivermos dispostos a procurá-la.