1974 é o ano de lançamento do LP "Atrás do Porto tem uma Cidade" e esse disco aqui postado é o registro fiel de um show de divulgação em Belo Horizonte. Um registro tirado diretamente das mesas de som e disponibilizado nas bandas de cá por algum técnico que esteve por lá. Viva ele e viva nós que podemos curtir o climão rock pós mutantes e (arrrrg...) pré-disco-roberto-de-carvalho!
1 - Cão Vadio Celso Adolfo 2 - Minha Fé Celso Adolfo 3 - Coração Brasileiro Celso Adolfo 4 - Arenga-de-sapo Celso Adolfo 5 - Flor bonita Celso Adolfo 6 - Argentina Celso Adolfo 7 - Azedo e mascavo Celso Adolfo 8 - Calango dela Celso Adolfo 9 - Pensa que nós é boi? Celso Adolfo 10 - Sombra de Vinhedo Celso Adolfo
Participação especial Milton Nascimento
Músicos Celso Adolfo - Paulinho Carvalho - Moura - Paulinho Santos - Nenem - Juarez Moreira - Luiz Avelar - Túlio Mourão - Nivaldo Ornelas - Tavinho Bretas - Armando Bonfim - Gilmar Rodrigues - Sérgio Santos - Alexandre Salles - Eduardo Delgado - Mariene Gondim - Silvana Malta - Tifi Walter - Vanessa Falabella - Renato Andrade - Dori Caymmi - Sérgio Andrade - Luiz Carlos -Giancario Parechi - Michel Bresser - Paschoal Perrotta - Walter Hack - Alfredo Vidal - Alzir Geller - Carlos E. Hack - José A. da Silva - Murilo Loures - Nelson de Macedo - Arlindo Penteado - Frederick Stephany - Marcio Mallard - Alceu de A. Reis - Jaques Morelenbaum - Jorge Ranevsky
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Esse é o primeiro LP de Celso Adolfo. A direção geral de Milton Nascimento, trazendo à execução uma constelação de músicos de primeira linha, lança luz para composições primorozas, inspiradas na congada mineira, no calango, no samba, na latinidade, entre outros ritmos, emoldurando uma poética sofisticada que passeia entre o barroco e o olhar caipira sobre o mundo, com metáforas a partir de imagens do campo e inquietações contemporâneas sobre o amor e questões sociais.
Talvez vinte canções fossem muito poucas. Talvez eu pudesse ter deixado para as dez e não ter ficado confuso sobre o que escolher e, acima de tudo, o que descartar. A discografia de Vangelis, por mais extensa que seja, mal nos permite apontar algumas coisas como "descartáveis". Mesmo assim, não incluí nada de Ignacio (1975/1977), que tem alguns cortes reconhecíveis na série Cosmos , nem a bela melodia cantada de La Fête Sauvage (1976), nem grandes canções usuais como Spiral , The Dragon (música do programa de rádio Milenio 3), Hymne e L'Enfant , Blade Runner Blues e a posterior Rachel's Song , um pouco deSoil Festivities (1984) or Mask (1985), pelo menos uma música de Direct (1988), The City (1990), Oceanic (1996), Mythodea (2001), trilha sonora de El Greco (2007), versão para teatro de Chariots of Fire (2012) e alguma outra música com Jon Anderson ou Aphrodite's Child...
...ou uma de suas jam sessions mais incríveis.
E claro, claro que você deve ter notado que pulei os três últimos álbuns do músico: Rosetta (2016), Nocturne (2019) e Juno to Jupiter(2021). Em 2013, pôde ser visto o documentário Vangelis and the Journey to Ithaca, do qual muitos fãs deduziram que Vangelis estava negando seu palco como um músico eletrônico e progressivo de vanguarda, talvez buscando a aprovação do "estabelecimento" da música clássica, que ( talvez também) menosprezou seu trabalho recente por ser um músico que veio do mundo do pop. Pessoalmente, acho que toda essa ideia é um mal-entendido, porque justamente esses três últimos discos de que falávamos buscam de várias maneiras retornar à eletrônica cósmica dos melhores dias de Vangelis, ou são diretamente reivindicados (estou falando de Nocturne) aquele passado do qual o músico certamente se orgulharia até o fim. Não que esses álbuns representem um retrocesso em sua carreira, mas o elemento evolutivo neles é sem dúvida mais sentimental do que formal.
Uma improvisação mais recente. Incrível.
Apesar de sua fama de artista hermético, trancado em sua torre de marfim, após sua morte pudemos ver (dê uma olhada em elsew.com ) uma infinidade de fotos com amigos que iam visitá-lo em sua casa, provavelmente em Paris ou talvez em Atenas. Seus amigos sabiam onde encontrá-lo. E certamente ele estava ciente do que seus seguidores pensavam sobre seu trabalho. Acho que Vangelis finalmente encontrou o equilíbrio entre o herói dos sintetizadores e o compositor para sopranos, talvez por isso digam que o velho voltou a ser meio criança e quis mexer nas coisas de sempre.
Concluo, e peço desculpas se alguém achar que estou trapaceando, com uma grande canção final à qual atribuiremos o número 21: Na Magia do Cosmos (2021).
1. Osiris (18:28) 2. Seth (31:47) 3. Der Hauch Des Lebens (27:00)
Depois de merecidas férias, estamos de volta com um álbum que tínhamos em cima da mesa desde antes do verão: o álbum póstumo do tão esperado Klaus Schulze, que foi uma grande surpresa para mim.
Não é que eu esperasse algo ruim ou medíocre de um artista que acompanho há muitos anos, mas pensei erroneamente que Schulze realmente não teria nada de novo a oferecer neste ponto do jogo. Se qualquer domínio, experiência. Mas é claro que com alguém como Klaus Schulze eu errei na minha estratégia. Acontece que sempre insisti em ouvir seus discos em ordem cronológica, muitas vezes pensando em uma nova entrada neste blog, e mal fiquei em algum lugar em meados dos anos oitenta. Com exceção de Rheingold (que escutei pelo encanto da presença de Lisa Gerrard), ela nem havia tocado em sua produção mais atual, e esse Deus Arrakis (2022) me fez entender algo inquietante.
Klaus Schulze em imagem promocional.
Agora estou convencido de que o Klaus Schulze dos últimos anos soa como sempre quis, graças às tecnologias musicais atuais. Que ninguém se irrite, não estou dizendo que clássicos como Timewind (1975) ou Moondawn (1976) sejam obras falhadas ou preparatórias, mas acho possível que o toque sombrio de suas primeiras obras seja resultado das limitações técnicas de na época, e não tanto que Schulze procurasse deliberadamente atmosferas esotéricas. Deus Arrakis contém todos e cada um dos tiques do músico, menos a capa daliniana, e mesmo assim consegue expandir com um colorido musical e uma variedade textural que, a meu ver, respondem ao que talvez o alemão sempre quis para suas composições.
Contracapa
Não sei se o álbum é apenas inspirado em Dune , porque os títulos das canções seguem outros caminhos ("Osíris", "Seth", "O sopro da vida") mas é verdade que abundam nuances mais ou menos árabes , um fluxo horizontal que evoca horizontes amplos e mares de dunas. Não falta o violoncelo (essencial nas gravações de Schulze), aqui de Wolfgang Tiepold numa gravação anterior que o nosso artista tinha em arquivo, e a vocalista Eva-Maria Kagermann também intervém na última música. Schulze explicou que o impulso criativo veio até ele graças à nova versão de Dune de Denis Villeneuve, da qual participou indiretamente graças a Hans Zimmer, autor de sua trilha sonora ., foi baseado em um tema seu para um fragmento da partitura que mais tarde ganharia o Oscar. Klaus Schulze era um geek do romance de Frank Herbert desde sua publicação, e sabemos que existem várias referências a ele ao longo de sua volumosa discografia.
Deus Arrakis parece-me uma obra essencial, enorme na sua duração (quase 80 minutos) e na sua ambição pela variedade de ambientes e texturas envolventes. Ele se inclina muito mais para a luz do que para a escuridão, mas sem perder o caráter misterioso das obras de Klaus Schulze. Você tem que ouvir, porque é um dos seus melhores trabalhos e uma despedida do topo.
Ele pode ser ouvido na íntegra no YouTube, mas coloquei aqui apenas uma pequena parte.
Foi lançado em vários formatos, incluindo uma edição limitada e numerada em uma caixa de luxo.
Continuamos com a música para amar ou odiar sem compromisso, continuamos também neste festival de discos mexicanos a redescobrir, e voltamos também à obra do maestro Ledesma, aqui com um trabalho extremamente experimental como só o Sr. músico de vanguarda já nos anos 80 e dentro da emergente cena progressiva mexicana, já havia sido o líder do inesquecível ensemble Nirgal Vallis, que cultivou uma abordagem sinfônica com elementos folclóricos, recebendo influências de figuras clássicas do gênero como Genesis, o Premiata e Sim, mas com espírito próprio. Já como solista, o Sr. Ledesma foi explorando e expandindo seus horizontes criativos, indagando sobre o experimental embora, por vezes, retomando velhas ideias e atmosferas líricas.
Artista: Jose Luis Fernandez Ledesma Álbum: Híbridos Ano: 2007 Gênero: Experimental Duração: 62:08 Nacionalidade: México
Agora com uma rara combinação de música eletrónica, e continuamos na mesma sintonia. Não há dúvida de que o Sr. Fernández Ledesma é um músico muito versátil e prolífico. Já ouvi um bom número de discos deles (acho que todos), e cada um é diferente. Este realmente me surpreendeu. Não estou dizendo que gostei mais (acho muito pelo contrário), estou dizendo que me surpreendeu. Novamente acompanhado pela Sra. Botello; ambos conjugam um álbum de uma forma algo refrescante, sem de facto ambicionar ser um clássico do género.
Este trabalho reflete a diversidade criativa atual de alguns músicos mexicanos que estão acostumados a fazer abordagens constantemente sérias e de alta qualidade.
Mas é melhor que o nosso eterno comentarista involuntário sempre comente sobre eles, que sabe explicar melhor do que eu:
Ainda não nos recuperamos totalmente das atmosferas densas e agudamente misteriosas de “La Paciencia de Job”, e já chegou uma nova obra do visionário mexicano José Luis Fernández Ledesma: “Híbridos”. A JLFL está mesmo numa fase muito ativa e prolífica, estando neste momento também embarcada no projeto do grupo Saena. Em suma, o que acontece é que os colecionadores de música progressiva e experimental não têm como se encher de tantas obras carregadas de alto valor artístico, e no caso deste álbum "Híbridos" que nos interessa agora, a visão musical de JLFL parece continuar em contínua expansão e repensar. Sem dúvida, também podemos ver uma coerência e consistência bem definidas na obra de JLFL, e em “Híbridos” temos uma afinidade com uma das suas obras-primas, “Sol Central”. Mas também notamos em "Híbridos" que há uma abordagem palpável da estética da fusão que é mais explícita: por isso o resultado final expresso neste repertório tem um pouco mais de calor e um pouco menos de densidade. ". De facto, o arsenal predominantemente instrumental é menos “tempestuoso”, por assim dizer, e a utilização de processos eletrónicos é muito mais comedida, concentrando-se mais nas cadências de cada peça e menos na valorização do colorido musical global. Neste sentido, “Híbridos” apresenta-nos um quadro sonoro menos perturbador do que em “Paciencia de Job”, “Al Filo” ou “Sol Central”. Mais acessível, então? – bem, não exatamente, porque a JLFL não abre mão nem um pingo de suas peculiares preocupações de vanguarda. 'Santo y Seña' abre o álbum com um percurso extrovertido marcado por sopros e percussão, quase como uma folia, embora abrigada numa atmosfera misteriosa. 'Tricky Trip' é uma breve excursão instrumental ao mundo dos Art Bears, seguida imediatamente por 'Date in Ziggurat'... que também nos leva a uma vibração ao estilo dos Art Bears, mas desta vez com o canto e o acordeão de Margarita Botello incorporados. Por sua vez, 'Road Movie' é um exercício de sons eletrônicos oníricos, inspirado no krautrock pulsante e atmosférico de Stockhausen e Can (estágio "Future Days"). 'Bolero' remete-nos para a densidade acinzentada e vibrante que tanto marcou presença nos momentos mais marcantes de “La Paciencia de Job” e “Al Filo”. Essas camadas densas são mantidas firmemente no ar por um período de 9 minutos. As coisas se movem para um terreno mais ágil com 'La Piedra que Caído del Cielo', um número lúdico encharcado de combinações inéditas de loops, linhas de sanfona, molduras santur e violão, sanfona, vocais distorcidos, trechos de sax - é tudo sobre algo como um RIO cibernético com nuances de fusão. A última parte consiste em um alarde aleatório reconstrutivo, criando assim uma coda inesperada. 'A Bao A Qu' exibe uma série significativa de sons elevados como um manto enevoado, intrigante e até sombrio, mas não tanto avassalador quanto místico. O clímax surge como uma escuridão que toma conta do ambiente sem paliativos. 'ParaRap' é uma paródia de rap ambientada em uma vibração jazzística e reciclada por meio de influências de Slapp Happy e Art Bears - talvez o JLFL mais engraçado já gravado. Seguem-se duas peças totalmente diferentes: 'Ca(s)za de Chaneques' é uma aventura no mundo inescrutável da música concreta, enquanto 'Oigo Voces' é um híbrido sugestivo de rock psicadélico e fusão onde o acordeão se insinua naturalmente entre o arpejos e fraseados da guitarra elétrica. 'Muda de Piel' é a peça épica do álbum. Este tema mostra-nos um JLFL determinado a caminhar um pouco pela floresta electro-jazz: os contributos do violino e da violectra ajudam muito nas passagens mais quentes, enquanto os mais lânguidos expandem a manifestação da densidade, algo que JLFL maneja magistralmente. Os últimos minutos são um lamento que atinge um clímax equilibrado, e digo lamento porque o canto e o acordeão de Margarita evocam uma melancolia terrível sobre as cortinas sonoras feitas por Fernández Ledesma. O epílogo do álbum é 'Road Movie II', uma breve parada onde o harmônio e a sanfona constroem um ambiente propício para as múltiplas canções finais de Botello. Assim termina esta nova contribuição de José Luis Fernández Ledesma ao mundo vanguardista:
O álbum traz alguns cortes, são usados instrumentos pré-hispânicos, muita música eletrônica que serve como ferramenta para experimentar vários estilos da vanguarda mais sem preconceitos. Mas é melhor ouvir por si mesmo.
Tinham ou tenho que continuar a escrever?... Se a experimentação e a vanguarda musical Avant-Garde te agradam, podes levar este disco porque é para ti, mas isto implica sempre um risco, isto é arriscado música, o que acontece e caminha pelo fio da navalha, não é a música que busca a expressão do "belo" mas sim desdobramentos que buscam estabelecer novas fronteiras... e que sempre carrega sua parcela de risco, que aqui não é escondida por um segundo. Assim termina esta nova contribuição de José Luis Fernández Ledesma ao mundo vanguardista: “Híbridos”, um exemplo de vanguarda multicolorida.
Track List: 1. Password 2. Tricky Trip 3. Ziggurat Quote 4. Road Movie 5. Bolero 6. The Stone That Fell from Heaven 7. A Bao a Qu 8. ParaRap 9. Ca(s)za de Chaneques 10. Oigo Voces 11. Muda de Piel 12. Road Movie II
Lineup: - Jose Luis Fernandez Ledesma / guitarras elétricas, acústicas e de 12 cordas, sintetizadores, pianos de cauda e elétricos, baixos, alaúde, harmônio, sitar, flauta, zampoסas, kalimba, darbuka , santur, ocarinas, autoharp, percussão, processos eletrônicos, rádio de ondas curtas, vocais - Margarita Botello / vocais, acordeão, ocarina, marimba, percussão Músicos convidados: Bringas alemães / trompetes, saxes soprano e tenor Alejandro Sanchez / violino, barítono violeta Carlos Bonequi / bateria
Biografia do After Dinner O After Dinner foi formado sob a orientação de Haco (vocalista) em 1981; abordando uma frouxa coesão coletiva. Suas origens (embora diferentes) os uniram durante os tempos de gravação e apresentações ao vivo. Vindo de diferentes esferas da vida, algumas das origens musicais adotadas pela banda foram: new wave, música tradicional japonesa, música contemporânea e rock de vanguarda.
O próximo ciclo foi gasto prudentemente consolidando sua aptidão no cenário internacional desavisado. Seu primeiro vislumbre de fama veio da rádio nacional alemã, onde seu primeiro single (EP) foi reproduzido. Depois de lançar seu primeiro mini-álbum "Glass Tube", 1983, (que teve distribuição doméstica e internacional), eles seduziram as "cenas de música livre" europeias e americanas com sua graça. Os anos seguintes, até 1988, viram dois lançamentos internacionais (um de estúdio, um ao vivo), ambos encontrados na proeminente Recommend Records (Reino Unido). Entre os álbuns a banda ocupou-se com festivais musicais como: festival francês Mimi e ICA (Instituto de Arte Contemporânea); também iniciando sua primeira programação de turnê internacional.
Não foi até 1989 que o After Dinner lançou sua conquista "Paradise of Replica". O álbum é uma fatia lindamente trabalhada do pop de câmara Avant, complementado sem esforço pelos belos vocais de Haco (que às vezes é visto como a resposta japonesa a Dagmar Krause). Empregando uma vasta gama de instrumentos e arranjos complexos, a banda apresenta um toque teatral delicioso, sem a pompa de muitas outras bandas de rock progressivo.
After Dinner logo se separou em 1990.
2001 viu a tão necessária remasterização de seu segundo álbum (internacional) "Paradise of Replica"; agora com quatro novas faixas remixadas por Terre Thaemlitz, Pascal Plantinga e Joshua McKay dos indie-ethno rockers Macha. Mais remasterizações viriam em 2005, compilando seu single de 1982 e o mini-álbum de 1984, embalados como réplicas das capas e livretos originais.
After Dinner's pode ser musicalmente paralelo a bandas como Art Bears e News From Babel, com um pouco mais de exagero nas contrapartes eletrônicas. Ao abraçar o mundo Avant-prog, esta joia japonesa certamente encantará todos os amantes do rock progressivo.
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