sábado, 5 de agosto de 2023

Os 10 melhores álbuns de Billy Joel classificados

 

Quando se trata de classificar os álbuns de Billy Joel, por onde começar? Como cada álbum tem seu sabor particular e todas as opiniões são subjetivas, isso significa que sempre haverá alguém na multidão que ficará desapontado com as escolhas. O próprio Joel faz alusão a isso em sua visita ao Stephen Colbert Show . Não importa o que aconteça, este mestre do som é um dos artistas solo mais vendidos de todos os tempos e merece nosso respeito por uma vida criativa bem vivida. Em nossa contagem regressiva para os 10 melhores álbuns de Billy Joel, começamos com o que menos gostamos e terminamos com a melhor escolha.

10. River of Dreams


Em agosto de 1993, Billy Joel lançou seu décimo segundo e último álbum, River of Dreams. A essa altura, Joel estava enfrentando problemas de confiança com colegas de trabalho e familiares. Além disso, já se passaram quatro anos desde o lançamento de seu último álbum de estúdio, Storm Front. Só podemos imaginar a pressão que Joel estava sentindo ao lidar com questões de confiança de associados próximos e expectativas dos fãs. Seja como for, o álbum alcançou o primeiro lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos e parecia contar a história de um homem que atingiu seus limites com o mundo por meio de seu último álbum. Em relação à faixa-título, Joel disse o seguinte : “Pensei: quem diabos sou eu para tentar fazer essa música gospel, então tomei um banho para lavar essa música. Eu cantei no chuveiro e sabia que tinha que fazer isso.”

9. Storm Front

 

Nomeado para um Grammy, Storm Front teve em si vários singles no topo das paradas, como "I Go to Extremes" e "We Didn't Start the Fire". Lançado em 1989, Storm Front representou uma travessia para Joel. Ele estava procurando por mudança? Ninguém realmente sabe ao certo. No entanto, este álbum o viu mudar de pessoal, para trazer sangue novo. Foi-se o produtor Phil Ramone, Doug Stegmeyer e Russell Javros, e Mick Jones, Joey Hunting e Tommy Byrnes. Seja como for, dois de seus singles subiram nas paradas, reforçando Joel como um homem que pode escrever um disco de sucesso.

8. The Nylon Curtain



Agora, chegamos a um álbum do qual Billy Joel tem muito orgulho, The Nylon Curtain. Difícil de fazer, valeu a pena para Joel, pois o forçou a testar seus limites musicais. Por exemplo, foi sua primeira incursão na mixagem eletrônica e digital com o músico Rob Mounsey sendo trazido para tocar o sintetizador. Lançado em 1982, poucos álbuns foram produzidos digitalmente naquela época, então isso fez da Nylon Curtain uma pioneira na indústria. Joel e o produtor de longa data Phil Ramone também trouxeram Eddie Daniels para sax e clarinete, Charles McCraken para violoncelo e Dave Grusin para lidar com arranjos de cordas e trompas. Lançado em 1982, atingiu a parada de álbuns da Billboard no número sete e foi indicado ao Grammy de Álbum do Ano.

7. Turnstiles


Nenhum mistério aqui. Turnstiles é clara e abertamente um álbum que celebra a cidade de Nova York. Platina certificada, o álbum alcançou a posição 122 na parada US Billboard 200. Produzido pela primeira vez por James William Guercio, Joel decidiu que realmente não se importava com o andamento do álbum, então rejeitou a versão de Guercio e começou o álbum novamente. Isso marcaria a primeira tentativa de Joel de produzir usando sua própria banda em vez de músicos de sessão. Faixas notáveis ​​​​do álbum incluem "New York State of Mind" e "Summer, Highland Falls".

6. An Innocent Man

1983 viu o lançamento do nono álbum de estúdio de Billy Joel, An Innocent Man. Um dos melhores álbuns de Joel, permitiu que ele explorasse os estilos musicais dos líderes das paradas que vieram antes dele. A música que ele gostava quando jovem nos anos 50 e 60 ele agora fez sua. Os fãs também gostaram, pois alcançou o pico na parada da Billboard 200 dos EUA no número quatro e gerou seis 40 maiores sucessos. A música "Easy Money" foi feita a música tema do filme de mesmo nome, estrelado por Rodney Dangerfield. O vídeo de "Uptown Girl" apresentava sua futura esposa, a supermodelo Christie Brinkley. Romântico, charmoso e repleto do talento de Joel como intérprete/compositor, An Innocent Man é obrigatório para qualquer fã sério de Billy Joel.

5. Piano Man



O segundo álbum de Joel em 1973, Piano Man, pode não ter chegado ao topo das paradas, mas solidificou sua posição como um homem que sabia escrever e tocar música, e não fazer prisioneiros ao fazê-lo. Piano Man destaca sua versatilidade destemida quando se trata de abordar diferentes gêneros e adaptá-los ao seu estilo. No entanto, foi sua composição, “Piano Man” que conquistou os corações e almas de seus fãs. “Piano Man” conta a história de um homem que ganha a vida tocando piano no bar de Los Angeles, o Executive Room. Sobre a música, Joel diz: “Foi um show que fiz por cerca de seis meses apenas para pagar o aluguel. Eu estava morando em Los Angeles e tentando me livrar de um contrato ruim com uma gravadora… não tenho ideia de por que essa música se tornou tão popular…”

4. Songs in the Attic

 

Qualquer pessoa ouvindo rádio em 1981 provavelmente ouviu a música “She's Got a Way”. Uma linda canção sobre admiração e amor, alcançou o número quatro na parada Billboards Adult Contemporary. Esta música foi apresentada em seu álbum, Songs in the Attic, um ponto culminante de apresentações ao vivo. Foi a primeira gravação ao vivo de Joel e foi projetada para apresentar canções de seu álbum de estreia, Cold Spring Harbor, de 1971. Outras faixas de Songs in the Attic incluem "Summer, Highland Falls", "Everybody Loves You Now" e "Captain Jack". Considerado seu melhor álbum ao vivo, foi disco de platina triplo, vendendo mais de 3.000.000 de unidades apenas nos Estados Unidos.

3. 52nd Street

 

Recém-saído do sucesso de The Stranger e encontrando-se inspirado, Joel entrou no estúdio para começar a gravar 52nd Street. O título do álbum, 52nd Street, refere-se a uma famosa rua da cidade de Nova York que foi considerada o coração dos teatros de jazz da cidade durante os anos 30 até os anos 50. Alcançando o número um no outdoor dos EUA 200, este álbum também deu a Joel duas merecidas vitórias no Grammy, uma de Álbum do Ano e a segunda de Melhor Performance Vocal Pop de um artista masculino.

2. Glass Houses

 

Mais uma vez, vemos o quão hábil Joel é quando se trata de mudar estilos e adaptá-los para seu próprio benefício. Enquanto a 52nd Street homenageia a cena do jazz de Nova York há muito tempo, a Glass Houses deu vida ao lado rock and roll de Joel. Na verdade, Joel foi atormentado por detratores que acreditavam que ele era muito "pop" e não "rock" o suficiente. Para refutar isso, Joel deu ao mundo Glass Houses, que por sua vez deu a ele seu primeiro single número um “It's Still rock and Roll to Me”.

1. The Stranger

 

Foi o quinto álbum de estúdio de Joel, The Stranger, que marcou sua entrada no mundo da música contemporânea mainstream. Isso era exatamente o que ele precisava, já que as vendas de seu quarto álbum não atingiram o que a Columbia Records esperava, então eles estavam a centímetros de deixá-lo cair. Em parceria com o produtor Phil Ramone pela primeira vez, The Stranger foi lançado ao público em 1977, com ótimas críticas, produzindo singles estelares como "Only the Good Die Young", "She's Always a Woman", "Just the Way You São” e “O Estranho”.



WAZE x APOLLO G - ROCKSTAR LIFE (𝗟𝗘𝗧𝗥𝗔 da música)


LON3R JOHNY & PLUTONIO - PIÑA COLADA (𝗟𝗘𝗧𝗥𝗔 da música)

MÚSICA NOVA DO DIA: Héber Marques - Dia de Sol

 

TAYOB J. feat. HÉBER MARQUES & AMAURA - O MEU PARA SEMPRE (𝗟𝗘𝗧𝗥𝗔 da música)

 

Resenha: "Final Pitch" de Arch Echo, o retorno da grande banda instrumental que não entrega diversidade sonora (2023)

 

Introdução.

Se você já pensou que algumas manhãs precisa de um empurrãozinho para começar o dia, sugiro o seguinte, pegue um espremedor e misture: Jazz, Ritmos Latinos, Metal e Djent. Desta mistura interessante você obterá Arch Echo, que retorna este 2023 recarregado com virtuosismo e uma progressiva tão deliciosa que não permitirá que você tenha dias ruins, pelo contrário, Final Pitch vem com aquele tema que destaca a união que existe em a banda em todas as suas vertentes musicais, nos consome emocionalmente e particularmente me transporta por passagens inexploradas dentro de um gênero tão imenso e que se aprecia, às vezes nos deixa sem fôlego e outras vezes com uma energia de querer explodir. Tudo isso e muito mais nos espera nesta tremenda jornada.

Angry Sprinkles: Como primeira música, eles nos apresentam completamente o que vão nos apresentar durante esta viagem, cheia de toda a escola que eles interpretaram em seus 2 primeiros álbuns, guitarras com riffs pesados ​​carregados de metal, mas misturados Perfeitamente com uma base interpretativa de excelência, o acompanhamento de melodias de Joey nos teclados é perfeito, conferindo-lhe uma tranquilidade e harmonia que até se podem sentir.

Aluminosidade (Feat. Jordan Rudess): Quero destacar nessa viagem pós-apocalíptica do nosso interior que a Aluminosidade nos ensina, a integridade com que nos mergulham em um mundo desconhecido, os teclados de Joey durante os primeiros minutos do álbum junto com o de Richi acompanhamento eles nos propõem a viajar junto com contratempos extremamente complexos, estabelecendo batidas rápidas e muito poderosas. Os solos de guitarra sempre revelando o tecnicismo e claro o teclado onde Jordan nos mostra sua experiência propondo uma calma perceptível e audível (Ambiente perfeito para a mixagem do álbum neste sentido). 


Red Letter: Vamos falar de execução e tomamos o Red como ponto de viragem, mostra-nos claramente todos os membros, cada um a destacar-se no profissionalismo musical que projectam, muita emoção, notas avassaladoras, e tudo acompanhado de um bom Djent, uma escola para jovens que nos deixa bem claro o que significa fazer as coisas com visão e projeção. Deve-se notar que muitas vezes não é necessário realizar um solo para se destacar, pois todos se destacam como uma banda em si (é disso que se trata a letra vermelha).

Final Pitch (Feat. Anthony Vincent & Adrián Terrazas-González): Como não fazer uma retrospetiva da vida com Final Pitch, leva-nos diretamente para a alma com uma dinâmica focada e acompanhado de forma muito versátil pela voz de Anthony, a base do tema de Calderone e o manejo da técnica que ele demonstra vão te surpreender. E Adrian encaixando o sax de uma perspectiva mais profunda dentro do que é a música em si, mas ainda se dando a conhecer com seu jeito particular de tocar. 


Cloudsplitter: Uma imersão total rumo ao que vem a seguir (Battlestar Nostalgic) nos leva a uma viagem estelar a um planeta desconhecido, podemos ver variações de tempo nas medidas e notas tiradas do estúdio (parece mesmo que tocam há décadas) , indo da tranquilidade ao espanto, sons oitentistas muito marcados dos teclados, pequenas pinceladas de contratempos (os cortes Djent que Richie toca em alguns momentos da música são muito bons) sem deixar de lado o som metal das guitarras com riffs e calúnias bem marcados .

Battlestar Nostalgic: Chegamos in situ, e encontramos esta grande canção (devo dizer a minha preferida do álbum), uma exploração e interação de sonoridades onde o progressivo ressoa em todo o seu esplendor, ritmos latinos, ritmos tropicais, bases do Jazz, Metal, Core, Djent, Esta grande criação musical é por si só uma batalha bem acentuada nos diferentes ritmos que a banda percorre e nos deixa claro o quão bem eles têm trabalhado ao longo destes anos. 

Bet Your Life/Gold Dust: Tomando as penúltimas músicas do álbum, devo destacar a vanguarda e suas características fundamentais para se destacar do resto que está sendo ouvido. Ambos os temas gozam de nuances claras e composições futuristas perfeitamente adequadas aos dias de hoje, mantendo sempre algo de muito clássico e a batida do jazz é aquela força que mantém a unidade e dá perfeição a cada um dos temas.

No final temos o Super Sudden Death , quando pensaram que tudo tinha se acalmado, colocaram uma tremenda sinfonia de notas em nossos ouvidos, um start incrível de metal progressivo, um meio com bases que te acalmam mas ao mesmo tempo alteram você, realmente nisso. É como ser pego e jogado de um prédio várias vezes. tremendo final.

Conclusão.

Mais uma vez, Arch Echo nos mostra que eles continuam avançando exponencialmente no gênero progressivo, embora possamos encontrar algumas semelhanças, há composições completamente novas misturadas nesses 46 minutos de viagem, explorações sonoras que o envolvem em mundos totalmente desconhecidos, interações rítmicas para obter estourado por completo, uma dedicatória de cada um de seus integrantes que muitas vezes te deixa com vontade de saber mais. Se você aprecia as inovações e novas propostas musicais que realmente continuarão avançando nestes anos, convido você a dar um tempo a este álbum do qual você não vai querer mais se separar.

Crítica: "One Man's Grief" de Deposed King, a dupla húngara surpreende com sua estreia atmosférica prog com jazz, post rock e shoegaze (2023)


Diretamente de Budapeste, na Hungria, com “One Man's Grief” encaro a estreia da dupla formada pelos multi-instrumentistas Dominique Király e Dániel Kriffel, Deposed King.  

“One Man's Grief”, para ser a primeira coisa que Dominique e Dániel nos entregam, mostra um grande amadurecimento de sua arte. Independente da trajetória que cada um possa ter de sua parte, com este trabalho posso pensar que não é o primeiro álbum e sim o resultado de uma trajetória de vários anos da banda, com um extenso alcance e bela combinação de diferentes sonoridades, influências e estilos musicais. 

Pg.Influências perdidas , meditação e um “rock” perfeito para estudar é a primeira tempestade de pensamentos que vem à mente ao ouvir os primeiros minutos do álbum; Porém, mais tarde isso se torna mais complexo quando se começa a distinguir nuances e fusões de jazz, post-rock, rock psicodélico, rock progressivo, música clássica e shoegaze em diálogo com uma estética etérea e “lenta” que se mantém ao longo da gravação. às vezes levando-me a Alcest ou The Gathering como possíveis influências.


“ First Light ”, com o caráter de ser uma introdução e não uma música em si, é a primeira faixa de One Man's Grief, que -imaginando situações- se apresenta como uma excelente peça instrumental para marcar o início do set de um concerto , mas naquele momento antes da dupla subir ao palco. 

“ Caves ”, segunda faixa, (e por falar nisso): com um ar de “Vultures” do Pg.Lost em oposição a  City of Blinding Lights  do U2 , é um ir e vir de melodias doces e aconchegantes como um ir e vir das ondas à beira-mar ou como o movimento suave das folhas nas copas das árvores numa floresta, que por vezes, acompanhadas de um sussurro, te cativam e envolvem nestas paisagens que parecem opostas mas que quando visualizadas paralelamente transformam-se num belo díptico de atmosferas instrumentais.

Só de ouvir as primeiras notas da próxima música, “ Endless Hours ”, já penso nos arranjos que Alicia Keys fez para seu “Take Away Show” em Paris por volta de 2016, dando indícios de que será uma mistura de R&B e jazz , embora de repente através de melodias hipnotizantes de guitarra e sintetizadores a atmosfera se transforme em uma fusão de soft rock e música eletrônica com pequenos flashes de rock no estilo Pink Floyd. É um belo e sutil primeiro ponto de encontro de cores que, talvez, você não pensaria que se complementariam.

Continuando com “ Path of Forlorn ”, estrutura-se a partir de um encontro de melodias tribais e celtas com instrumentais que poderiam ser de uma canção de Dianna Krall , que de repente se enriquecem com atmosferas que me transportam ligeiramente para “Gaza” dos Marillion como um díptico com alguns riffs pesados ​​que por outro lado me lembram Steven Wilson.

Half-Light " tem alguns arranjos de trip-hop fundidos com uma sonata de piano, em alguns momentos, com uma sonoridade e melodia no teclado que dá vibes de ser a trilha sonora instrumental de Stranger Things, mas se fosse produzida por Trent Reznor , transformando em atmosferas que me fazem pensar, de fato, nas composições de Reznor para seus álbuns “Ghosts” no Nine Inch Nails . Por sua vez, o pequeno espaço conduzido pelo piano remete-me para qualquer um dos “Nocturnos” de Fréderic Chopin com um toque de cunho dos pianistas contemporâneos Yann Tiersen ou Philip Glass.

E como se fosse um outtake de “Damnation” do Opeth , mas com um pouco mais de nuances de jazz , “ Fading Shadows ” cria um diálogo entre aquela estética progressiva em uma roupagem de soft-rock com pequenas luzes de “doom-metal” e guitarras que eles inevitavelmente me lembram de Marillion na era “Misplaced Childhood”, até mesmo fazendo acenos possíveis particularmente para “Lavender” ou não para o solo de guitarra de “Purple Rain” de Prince.

“ Sirens of the Sun ” apresenta-se como uma ponte entre “Fading Shadows” e “Ceasing to Exist” com elementos eletrónicos mas também “funkies”, tornando-se gradualmente um órgão ou simulação de órgão que assume o protagonismo através de etéreos mas também sinistros que insinuam um prelúdio para o que logo se torna “ Deixar de Existir ”. Por sua vez, esta última música mencionada é a faixa mais longa (9,24 min) e, talvez, a mais pesada do álbum, incorporando e combinando elementos tanto do rock psicodélico quanto do doom metal, e até, por alguns segundos, referências sutis. ao black metal, como se referindo àquelas tempestades que vêm com força mas que param rapidamente. 

Como aquelas canções que têm seu próprio prelúdio e coda, o último minuto de “Ceasing to Exist” culmina com uma atmosfera que mais uma vez me lembra o Pink Floyd, mas desta vez como um aceno quase direto para a música “Cluster One”.

Quanto a “ Last Night”, é uma bela sonata para piano com atmosferas e vibrações que me fazem pensar em outros pianistas contemporâneos como Bruno Sanfilippo, Fabrizio Paterlin i ou Greg Haines , sendo uma bela decisão fechar uma obra tão cheia de sonoridades diversas . , tonalidades e cores; culminando, por fim, com o som do vaivém das ondas à beira-mar, desta vez não de forma metafórica.

Pensando em bandas como Polyphia, VOLA, ou Leprous, que de diversas formas incorporam elementos que eu não imaginaria que pudessem dialogar com o “metal”, misturando música eletrônica, R&B ou mesmo Pop numa roupagem de Djent/Metal Progressivo, “One Man's Grief ”, embora não seja propriamente da família “metal” mas, como referi antes, numa roupagem etérea e largamente ambiental, é sem dúvida um encontro de influências e estilos musicais diversos que poucos sabem complementar, mas que enfim, em neste caso, eles criam grandes paisagens sonoras e atmosferas. 

Vejo “One Man's Grief” como uma pintura em aquarela que, através de suas diferentes cores, está no ponto exato de saber dar muita informação sem realmente saturar de informação.

Destaque

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