Sinead O'Connor fez carreira usando o coração na manga e condenando as consequências. Seu segundo álbum, I Do Not Want What I Haven't Got, é outro exemplo revelador de exatamente isso, e explora todas as perenes habituais de Sinead - de relacionamentos rompidos à maternidade, à injustiça social e à religião. Todos esses são temas que serão muito familiares para os fãs de seu trabalho e praticamente sempre presentes em todos os seus álbuns.
Eu não quero o que não tenho é a quintessência de Sinead O'Connor - pessoal, íntimo, sincero e raramente seguro. O que marca este álbum como um pouco diferente de seu trabalho anterior ou posterior, no entanto, é a presença de um single de grande sucesso, com a inclusão de sua versão do épico emocional de separação de Prince, 'Nothing Compares 2 U', que foi um No. 1 hit em todo o mundo em 1990.
Essa faixa é um dos destaques mais óbvios do álbum, mas sempre achei bastante peculiar que uma criadora de palavras tão talentosa (por mérito próprio) seja mais conhecida pelas massas por sua interpretação das palavras de outra pessoa. Mas acho que ela não está sozinha nesse aspecto. O que esse sucesso fez foi expor seu trabalho a um público muito mais amplo e, em muitos aspectos, isso por si só concedeu a ela uma quantidade razoável de licença ou liberdade artística quando se tratava de controlar sua produção posterior. Essencialmente, capacitou O'Connor a se entregar e realmente esticar os limites - mesmo que isso resultasse na perda de muitos daqueles convertidos iniciais a longo prazo.
Outra consequência do sucesso de 'Nothing Compares' foi o sucesso comercial quase garantido do álbum em si e IDNWWIHG é geralmente aceito como o trabalho mais popular de Sinead (minha preferência, como fã, é Universal Mother, mas essa é uma crítica totalmente separada) .
Musicalmente, temos um pouco de tudo – cordas, violino, um pouco de programação de bateria, uma variedade de percussão, algumas coisas acústicas solo, até mesmo a mistura mais tradicional de powerpop de quatro peças lançada em boa medida. Os créditos do álbum também têm seus pesos pesados - incluindo o ex-colaborador de Adam Ant Marco Pirroni nas funções de guitarra (além de um crédito de composição para 'Jump In The River'), e o lendário PiLster Jah Wobble compartilhando as responsabilidades do baixo com um certo Andy Rourke ( ex-The Smiths). Ah, e não esquecendo o primeiro marido, baterista e às vezes produtor John Reynolds, que também é o pai do primogênito de Sinead (filho Jake).
De qualquer forma, esta é uma ótima audição, embora um pouco comovente em alguns lugares para o meu gosto pessoal; não é um álbum para todas as ocasiões, mas consistente em qualidade e sem qualquer preenchimento óbvio. Os destaques, além de 'Nothing Compares', incluem: a abertura do cenário 'Feel So Different', o desafio do gênero 'I Am Stretched On Your Grave', a pura simplicidade de 'Three Babies' e a narrativa politicamente motivada. -como se fosse 'Black Boys On Mopeds'.
Antes de My Bloody Valentine mostrar que você poderia dissolver o rock em um mar de euforia plasmática, eles tiveram que provar que podiam fazê-lo à moda antiga - o que, neste caso, significa escrever algumas das maiores e mais incendiárias canções de rock de todos os tempos. tempo todo. Ele combina as sensibilidades melódicas dos Beach Boys da era Smile com a fúria abrasiva do No Wave para criar um som proto-shoegaze barulhento e musculoso. As músicas são contundentes e concisas, movidas a pura adrenalina. Pelo meu dinheiro, o melhor EP já feito.
Il Giardino Delle Delizie 1 Adonai 2 Nel Profondo Dell'Eros 3 Il Giardino Delle Delizie (Primo) 4 Il Giardino Delle Delizie (Secondo) 5 Peccato Originale Quartiere 6 Romanza Quartiere 7 Un Quartiere, All'Alba 8 In Ogni Casa Una Storia 9 Quartetto Per Un Quartiere 10 Solitudine Nel Cortile 11 Stupro Notturno 12 Romanza Quartiere L'Uomo Proiettile 13 L'Uomo Proiettile 14 Amore Nel Circo 15 Il Circo Come Favola 16 L'Uomo Proiettile
Credits Choir – I Cantori Moderni di Alessandroni (1 to 5) Composed By – Andrea Morricone (13 to 16), Ennio Morricone Conductor – Bruno Nicolai (1 to 5), Ennio Morricone (6 to 16) Orchestrated By – Andrea Morricone (13 to 16), Ennio Morricone Violin – Marise Regard (6 to 16) Voice – Edda Dell'Orso (1 to 5, 13 to 16)
Tracks 1-5 from the movie Il giardino delle delizie Tracks 6-12 from the movie Quartiere Tracks 13-16 from the movie L'uomo proiettile
Sounds Of Passion (29:06) A) Prologue 2:16 B) 1st Movement 7:10 C) 2nd Movement 4:05 D) 3rd Movement 5:35 E) 4th Movement - "Finale" 10:00 6 Crazy Fool And Dreamer 4:25 7 Defended 6:43
Musicians: Bass [Fretless Bass], Backing Vocals – Jacky Van Tongeren Drums, Timpani, Xylophone – Mark Eshuis Electric Guitar [Electric Guitars], Acoustic Guitar [Acoustic Guitars], Lead Vocals, Backing Vocals – Jack Witjes Grand Piano, Synthesizer [Assorted Synthesizers], Organ [Hammond, Pipe], Mellotron [Novatron], Clavinet, Sampler [Emulator], Synth [Moog Taurus Bass Pedals], Effects [Special Effects], Percussion [Assorted Percussion], Backing Vocals – Erik De Vroomen Alto Saxophone – Auke De Haan Flute, Piccolo Flute, Recorder – Pip Van Steen
Intergalactic Touring Band (1977) Science Fiction Concept Album (Passport Records) Apresentando participações especiais de dezenas de notáveis artistas de rock progressivo e rock clássico, incluindo Annie Haslam, Larry Fast, Anthony Phillips, Percy Jones, Dave Cousins, Rod Argent , Ben E. King, Meatloaf, Clarence Clemons e muitos mais.
Ok, hoje tenho uma verdadeira curiosidade sobre vinil, a Intergalactic Touring Bandde 1977, que foi um álbum conceitual de ficção científica com dezenas de artistas convidados conhecidos do rock progressivo e clássico. O álbum pretende ser um concerto do futuro da ilustre Intergalactic Touring Band, uma banda imensamente popular que espalha boa vontade musical pelo espaço intergaláctico, e as músicas apresentam uma espécie de história da civilização e sua jornada para colonizar as estrelas e interagir com robôs e espécies exóticas. O projeto foi elaborado por Danny Beckerman e Will Malone, que são conhecidos principalmente por fazer arranjos orquestrais para outros artistas (antes disso, sua principal conexão com o rock progressivo era o trabalho de arranjo orquestral nos álbuns conceituais de Rick Wakeman Journey to the Center da Terra (1974) eThe Myths and Legends of King Arthur (1975), e talvez tenha tido a ideia de montar seu próprio álbum conceitual épico a partir dessas experiências). Beckerman e Malone escreveram todas as músicas, fizeram a maioria dos arranjos e conseguiram reunir uma lista estelar de talentos para participar, incluindo notáveis do rock progressivo, o mago dos sintetizadores Larry Fast (Synergy), Annie Haslam ( Renaissance), Percy Jones (Brand X ), Dave Cousins (The Strawbs), Anthony Phillips (Genesis) e Jim e Brian Cuomo (Fireballet), bem como os baluartes do rock clássico Ben E. King, Rod Argent, Meatloaf, Arthur Brown e Clarence Clemons e jazz grande John Tropea , a Orquestra Sinfônica de Londres,e muitos outros. O álbum veio completo com um livreto brilhante que contava a história e continha todas as letras, etc. Então, parecia ser um projeto bastante impressionante.
Infelizmente, a música resultante no álbum é muito menos impressionante. É certamente uma excursão paralela interessante, digna de ouvir uma ou duas vezes apenas para conferir, mas apesar de seus artistas convidados de rock progressivo, as músicas do álbum são muito mais um pop-rock teatral um tanto cafona, completo com supostamente futurista sons e instrumentos robóticos (vozes sintetizadas, efeitos, etc.), com apenas uma pitada de prog. canções pop. O principal problema é provavelmente que Beckerman e Malone escreveram todas as canções em vez de os artistas convidados contribuírem com seu próprio material e, na maioria das vezes, as canções simplesmente não funcionam muito bem. Há algum humor jogado, e sim, é um pouco divertido de ouvir, mas principalmente por diversão ou como uma experiência exagerada. Então, não, este não é um grande álbum ou uma joia perdida, mas foi um projeto muito interessante, que simplesmente não deu certo. Não surpreendentemente, o álbum desapareceu muito rapidamente depois de ser lançado em 1977. Eu o peguei não muito tempo depois na lixeira recortada apenas com base nos músicos incluídos. Teve uma espécie de ressurreição em 2003, quando foi brevemente relançado em CD, e aparentemente o álbum tem seus fãs (como as críticas na Amazon.com, bem como uma crítica surpreendentemente positiva no Prog Archives.com e um site de fãs pode atestar). Mas, atualmente, não está disponível para venda de nenhuma forma (exceto como vinil ou CD usado), então não há problema em postar aqui. De qualquer forma, aqui está o álbum completo, de um rasgo de agulha do álbum de vinil original, bem como a história completa e o livreto com as letras para leitura. Então, prepare-se para decolar para a visão de futuro dos anos 1970 com a Intergalactic Touring Band.
Tracklist: 1. Approach (Overture) 2. Silver Lady 3. Universal Zoo/Why 4. Starship Jingle 5. Heartbreaker 6. Reaching Out 7. First Landing 8. Space Commando 9. Robot Salesman 10. Love Station 11. A Planet Called Segunda-feira/Epílogo 12. Keeper Keep Us
The Intergalactic Touring Band - Membros fictícios da banda (membros reais da banda) Hope Larson (Brian Cuomo)— Lase Keyboard Panel Ixol Phaane (Larry Fast)— Computerized Keyboard Synthesis Justice Conrad (Peter Sobel)— Globe Lase Base Krys (Pete Marchetti) — Holographic Percussion Raif Reed (David Scance) — Lase Guitar
Créditos parciais (artistas notáveis); Brian Cuomo (Fireballet): IGTB Band - Teclados Larry Fast (Synergy, Nektar, etc.): IGTB Band - Sintetizadores David Scance: IGTB Band - Guitarras Peter Sobel: IGTB Band - Baixo Paul Marchetti: IGTB Band - Bateria e percussão Convidados: Rod Argent (The Zombies, Argent): Vocal principal em "Silver Lady" Arthur Brown (Crazy World of): Vocal principal, "Universal Zoo" Ryche Chlanda (Fireballet, Nektar): Guitarra elétrica em "Robot Salesman" Clarence Clemons (E Sreet Band): Solo de saxofone em "Love Station" Dave Cousins (The Strawbs): Vocal principal em "Heartbreaker" Jim Cuomo (Fireballet): Vocal principal em "Robot Salesman" Annie Haslam (Renaissance): Vocal principal em "Reaching Out" Percy Jones (Brand X): Fretless Bass em "Why" e "Keeper Keep Us" Ben E. King: Vocal principal em "Love Station" Meatloaf: Vocal principal em " Keeper Keep Us" Peppi Marchello (Good Rats): Vocal principal em "Starship Jingle" Anthony Phillips (Genesis): Guitarras acústicas em "Reaching Out" Marge Raymond (Flame): Silver Lady vocal em "Silver Lady" Rick Parfett e Frank Rossi (Status Quo): Vocais principais em "A Planet Called Monday" John Tropea: Guitarras elétricas em "Love Station"; Solo de guitarra em "Love Station" Membros da Orquestra Sinfônica de Londres, regido por Harry Rabinowitz Danny Beckerman,
Geoffrey Arnold Beck (24 de junho de 1944 - 10 de janeiro de 2023) foi um guitarrista inglês que ascendeu ao
destaque como membro da banda de rock Yardbirds e depois fundou e liderou o Jeff Beck Group e Beck, Bogert & Appice. Em 1975, ele mudou para um estilo de música instrumental com foco em um som inovador, e seus lançamentos abrangeram gêneros e estilos que vão do blues rock, hard rock, jazz fusion e uma mistura de guitarra-rock e música eletrônica.
Beck foi classificado entre os cinco primeiros da Rolling Stone e outras listas de revistas de classificação do
maiores guitarristas. Ele costumava ser chamado de "guitarrista do guitarrista". A Rolling Stone o descreveu como "um dos guitarristas mais influentes do rock".
Um dos guitarristas essenciais da Invasão Britânica, Jeff Beck possuía um estilo lírico e mercurial que
soou igualmente em casa na estrondosa fusão de blues-rock e foco suave. Beck tocou os dois estilos em sua longa e imprevisível carreira, sendo pioneiro na psicodelia, heavy metal e jazz-rock. Seu talento prodigioso ficou evidente desde o momento em que ele se juntou aos Yardbirds, empurrando o grupo para o rock alucinante em singles seminais de meados dos anos 60 como "Shapes of Things" e "Over Under Sideways Down".
Beck deixou os Yardbirds depois de passar pouco mais de um ano no grupo, voltando sua atenção para Jeff.
Beck Group, uma banda de rock pesadamente barulhenta com Ron Wood no baixo e Rod Stewart nos vocais. Truth, sua estreia em 1968, desenhou o projeto que o Led Zeppelin logo seguiria, mas Beck nunca rivalizou com o grupo de Jimmy Page em termos de popularidade. Durante o início dos anos 1970, ele passou por novas bandas, incluindo um super trio com a seção rítmica de Vanilla Fudge, Tim Bogert e Carmine Appice, eventualmente se estabelecendo em um ritmo de jazz liso com o LP Blow by Blow de 1975, produzido por George Martin.
Daquele ponto em diante, a fusão desempenhou um papel crucial na música de Beck, às vezes assumindo o primeiro plano.
como em um álbum ao vivo de 1977 com o Jan Hammer Group - mas mais frequentemente fornecendo a cola em discos de rock aventureiros como Jeff Beck's Guitar Shop de 1989.
Ao longo de sua carreira, Beck equilibrou suas gravações solo com participações especiais em álbuns de outros músicos - notavelmente, ele tocou guitarra solo na estreia solo de Mick Jagger em 1985, She's the Boss e Roger Waters em 1992, Amused to Death - e às vezes essas colaborações resultaram em um álbum completo de duetos, como fez em 18, seu álbum de 2022 com Johnny Depp.
Jeff Beck – Truth & Beck-Ola Gravadora: EMI – CDP 7954692, EMI – 79 5469 2, EMI – CZ 374 Formato: CD, Compilação, Reedição País: Reino Unido e Europa Lançamento: 5 de março de 1991 Gênero: Rock Estilo: Blues Rock , Hard Rock
TRUTH 1968
01. Shapes Of Things 3:21 02. Let Me Love You 4:44 03. Morning Dew 4:43 04. You Shook Me 2:33 05. Ol' Man River 4:01 06. Greensleeves 1:50 07. Rock My Plimsoul 4:14 08. Beck's Bolero 2:55 09. Blues De Luxe 7:33 10. I Ain't Superstitious 4:56
BECK - OLA 1969
11. All Shook Up 4:51 12. Spanish Boots 3:35 13. Girl From Mill Valley 3:47 14. Jailhouse Rock 3:16 15. Plynth (Water Down The Drain) 3:07 16. The Hangman's Knee 4:48 17. Rice Pudding 7:22
Tempo total: [1:11:45,00]
APRESENTAÇÃO:
Rod Stewart Ron Wood Nicky Hopkins Tony Newman Mick Waller
Quando Rod Stewart se juntou aos remanescentes do The Small Faces em 1969, rondando suas salas de ensaio com o amigo igualmente desempregado Ron Wood, ele não foi bem-vindo por todos. Tendo sido abandonado por Steve Marriott, a caminho do supergrupo Humble Pie, os três Small Faces restantes não queriam ser a banda de apoio de ninguém. No entanto, a compatibilidade musical esmagadora manteve essas preocupações em segundo plano até 1971, quando o excelente terceiro álbum da banda coincidiu com o solo de Rod 'Every Picture Tells A Story'.
Sempre houve uma diferença sutil entre os álbuns de Rod Stewart e os álbuns do The Faces . De alguma forma, no último, Rod compartilhou mais os holofotes com seus amigos. Este é definitivamente o caso de Nod... De fato, Stewart apenas canta em dois terços das faixas, deixando Ronnie Lane subir para o microfone vocal para o lembrete. E uma coisa engraçada acontece. Lane praticamente rouba o show. Sua voz é suave e clara. Ele sabe como segurar uma nota e extrair o humor de uma letra, algo que ele faz com bastante facilidade em um pequeno refrão intitulado "Você é tão rude". Este é o conto antigo de um jovem preso em flagrante delito, e Ronnie trabalha com tudo o que pode.
Este ainda é o show de Rod - parece que ele deve dominar o processo, quer queira ou não. Pode ser seu conjunto de canos arranhados. Pode ser sua personalidade efervescente. Talvez seja a respiração dele. Não importa. A essa altura, todo mundo já se acostumou com o estilo extraordinariamente atraente de Stewart, e desde a faixa de abertura, "Miss Judy's Farm", na qual ele leva o herói louco de amor de "Maggie May" mais longe nas pastagens do atrevimento, até o número final, o apropriadamente intitulado "Isso é tudo que você precisa", ele está perfeitamente no comando. .
O material do disco é bem dividido no que diz respeito aos créditos de composição. "Stay With Me", escrita por Rod Wood e Stewart é uma obra-prima estúpida que Rod trata de uma maneira apropriadamente estridente e turbulenta. Um aceno de cabeça (e uma piscadela também) para Chuck Berry por meio de uma versão inteligente e comovente de "Memphis". Um álbum de hi-jinx de alto nível que deve atrair até o mais cego dos cavalos. Infelizmente para os Faces, a continuação, Ooh-La-La, é melhor esquecida, e sua estrela diminuiu quando a de Stewart subiu em direção ao apogeu comercial de Atlantic Crossing e o hino do estádio "Sailing". O resto é história....