CRONICA - RICHARD MARX | Paid Vacation (1994)

 

Como muitos, descobri Richard Marx com seu álbum Repeat Offender que teve seu pequeno sucesso na França com a balada “Right Here Waiting” . Diferente de muitos, não é meu álbum preferido apesar dos singles e algumas faixasque apreciei muito; Acabei me cansando desse disco e falei balada club na época. Apesar de tudo, Richard conseguiu produzir alguns grandes títulos como a excelente e edificante "Should've Known Better" em seu primeiro álbum, um dos meus títulos favoritos do artista, ou "Hazard" em seu terceiro álbum com os falsos ares de "Vida Maravilhosa" de Black. O cara tinha um belo cartão de visita por ter sido backing vocal de Lionel Ritchie, outro artista que gosto em outro gênero, e forneceu backing vocals em alguns álbuns. Ele também tem talento como compositor, tendo escrito muito para os outros e generosamente "dado" um hit ("Edge Of A Broken Heart") e impulso ao grupo feminino Vixen, cujo primeiro álbum ele produziu com o sucesso que o sabe (disco de ouro nos EUA).Rush Street , Richard muda completamente de direção optando por um AOR pop de alta classe da costa oeste e produz a obra-prima de sua discografia pródiga: Paid Vacatione sua impressionante lista de músicos e convidados com currículos fornecidos. Seu lançamento na França foi um pouco confuso na época, os cds promocionais foram enviados e o lançamento adiado por alguns meses por motivos obscuros ligados à incompetência de sua gravadora, sem dúvida. Aqui está, finalmente, esta obra-prima embelezada na França em comparação com o CD promocional e a versão americana de um excelente cover de Billy Joel "Miami 2022", que Richard costuma dizer ser uma de suas maiores influências. O álbum será um semi-sucesso, tendo incompreensivelmente apenas um hit: a balada acústica "Now And Forever", soberba de resto mas ainda assim será disco de platina nos EUA. Nada mal, mas fraco em comparação com as vendas dos dois primeiros, multiplatinados. Podemos nos questionar sobre a conveniência da escolha dos outros singles: "The Way She loves Me" (ainda de volta ao Top 20) e "Silent Scream", bom sem mais. No entanto, ele se sairá bem no mercado asiático.

Tem de tudo nesse álbum mostrando que ele se destaca em todos os estilos:

- Pop à la Billy Joel/Elton/Ritchie com “The Way She Loves Me” que abre o álbum;

- FM AOR Rock de alta classe, "One More Try" que está de olho nas baladas de Def Leppard durante o período da Histeria ou a nervosa "Nothing To Hide" composta com Bruce Gaitsch.

- Da costa oeste voadora com uma das minhas faixas favoritas do cara (com “Eternity” no próximo álbum), a sublime “Soul Motion”.

Títulos ligeiramente mais animados (cuidado, não é metal!) surgem do lado B, como a tosca Heaven's Waiting ou a electroacústica Goodbye Hollywood e o álbum termina com uma magnífica balada, One Man . Richard nunca fará melhor depois.

Tracklisting:
1.The Way She Loves Me
2.One More Try
3.Silent Scream
4.Nothing to Hide
5.Whole World to Save
6.Soul Motion
7.Now and Forever
8.Goodbye Hollywood
9.Heaven's Waiting
10.Nothing Left Left Behind Us
11.What You Want
12.One Man
13.Miami 2017 (Seen the Lights Go Out on Broadway)
14.Baby Blues

Músicos:
Richard Marx – vocais, backing vocals (1, 3-6, 8-11), arranjos (1-5, 8, 10–12), teclados (2, 8), violão (4), teclados (6), estalos de dedos (9), piano (10, 13) Bill Champlin – órgão (1,
11 , 12), backing vocals (5, 11), arranjo BGV (11)
Bill Payne – teclados (3), órgão (10), piano (10)
David Innis – órgão (4)
Greg Phillinganes – guitarra (5), teclados (6)
Michael Egizi – teclados (13)
Bruce Gaitsch – arranjos (1, 2), guitarra (1–3, 6, 8-12), guitarra acústico (7), bandolim (7)
Terry Thomas – guitarra (4), backing vocals (4), arranjos (4)
Paul Warren – guitarra (5, 13), solo de guitarra (12)
Leland Sklar – arranjos (1) , bases (1, 8, 12)
Randy Jackson – baixo (2, 3, 5, 6, 9–11, 13), estalos de dedos (9)
Nathan East – baixo (7)
Jonathan Moffett – bateria (1, 2, 6 , 8-11), estalos de dedos (9)
Russ Kunkel – bateria (3)
Tony Baird – bateria (4)
Jeff Porcaro – bateria (12)
Myron Grombacher – bateria (13)
Luis Conte – percussão (3)
Chris Trujillo – percussão (3, 5)
Ross Garfield – estalos de dedos (9)
Steve Grove – saxofone (1, 5)
Lee Thornburg – trombone (1), trompete (1)
John “Juke” Logan – gaita (11)
Lionel Richie – backing vocals (1)
Luther Vandross – backing vocals (1)
Cheryl Lynn – backing vocals (4)
Marilyn Martin – backing vocals (4, 8)
Max Carl – backing vocals (5, 11)
Ruth Marx – vocais “Ooh” ( 5)
Timothy B. Schmit – backing vocals (8)
Vince Gill – backing vocals (10)

Produtor: Richard Marx; Terry Thomas

Autor: Harry

CRONICA - HEADSTONE | Bad Habits (1974)

 

Headstone foi criado em Londres em 1974 por um ex-membro do Rare Bird, o baterista Mark Ashton, que após o primeiro álbum impresso em 1969 e seu hit "Sympathy" foi buscar fortuna em outro lugar. Trocando a bateria pelos vocais e guitarra, juntou-se a ele o guitarrista Steve Bolton que se destacou com o Atomic Rooster. Completando a formação estão o baixista jamaicano Phil Chen e o baterista Chile Charles de Trinidad e Tobago. O quarteto lança no mesmo ano um Lp na EMI intitulado Bad Habits . Para a ocasião, Headstone é apoiado pelo sintetizador Tony Lukyn, violinista Joe O'Donnell, um quarteto vocal: Carl Douglas, Juanita, Sparky, Steve Gould. Até conhecemos um membro do Rare Bird, Dave Kaffinetti no piano elétrico.

Composto por 11 canções, esta primeira obra é um álbum de soft rock com aromas progressivos. Um disco pop despretensioso, apesar de alguma sofisticação. Um Lp que joga com as emoções, muito bom, gostoso de ouvir e que é bem variado tendo como fio condutor a voz cativante de Mark Asheton.

Há um pouco de Southern Rock, "Don't Turn Your Back" que cheira a sol com suas magníficas harmonias vocais e o funk mais misterioso "3 OB", alterado por um break pesado e até ameaçador. A secção rítmica vinda das ilhas, temos direito ao exotismo com “Love You Too” um pouco jazzy e “Live For Each Other” mais funky. Deparamo-nos com a revigorante "High On You" com efeitos estratosféricos, a breve country "Open Your Eyes", a tribal estoniana "Take A Plane" com muitos metais e coros femininos cheios de alma, onde Mark Ashton se empenha no canto. Este vinil também traz sua parcela de baladas, o doloroso título homônimo falsamente medieval, a melancólica "You've Heard It All Before" com um tema de folk rock e a delicada execução de Steve Bolton nas seis cordas elétricas. Mas acima de tudo há a nostálgica e atmosférica “Take Me Down”, polvilhada com um violino outonal e sintetizadores celestiais, provavelmente a peça mais bonita desta galette. O caso termina com o fabuloso “DMT” no registo hard folk do sul permitindo concluir este disco num clima sombrio e vagamente perturbador.

Bad Habits não teve o sucesso esperado, provavelmente devido à falta de promoção e à ausência de um verdadeiro sucesso. Infortúnio que não impede Headstone de pensar em uma segunda volta de 33 voltas.

Títulos:
1. Don’t Turn Your Back      
2. Take Me Down     
3. High On You         
4. Love You Too       
5. 3 O B         
6. Open Your Eyes    
7. Live For Each Other         
8. You’ve Heard It All Before          
9. Bad Habits 
10. Take A Plane      
11. D M T

Músicos:
Mark Ashton: Vocais, Guitarra
Steve Bolton: Guitarra
Chili Charles: Bateria
Phil Chen: Baixo
+
Joe O'Donnell: Violino
Tony Lukyn: Sintetizador
Dave Kaffinetti: Piano Elétrico
Carl Douglas, Juanita, Sparky, Steve Gould: Backing vocals

Produção: John Anthony

CRONICA - THE CRAZY WORLD OF ARTHUR BROWN | The Crazy World Of Arthur Brown (1968)

 

Existem aqueles caras que aconteça o que acontecer não desistem, apesar das tendências passageiras. Assim como Gong, Pink Fairies, Hawkwind e a outra Edgar Broughton Band, o exuberante Arthur Brown, nascido em 1942 em Whitby, Inglaterra, dará continuidade ao longo de sua carreira musical o que se extinguiu em São Francisco no final dos anos 60, o rock psicodélico.

Tudo começou em junho de 1968, com o aparecimento, sabe-se lá onde, deste LP homônimo do Crazy World Of Arthur Brown na Track Record. Um OVNI psicodélico, sob efeito de ácido, completamente barrado que, para surpresa de todos, teve grande sucesso tanto nos EUA quanto na Europa. O hit “Fire” (nada a ver com Jimi Hendrix) vendeu mais de um milhão de cópias. Longe de se igualar ao Sgt Pepper's dos Beatles ou ao The Piper do Floyd então liderado por Syd Barrett, este disco alucinante do Crazy World é uma referência no mundo da psique.

Mas antes disso, o maluco Arthur Brown conheceu o organista/pianista Vincent Cane em Londres em 1967. Os dois músicos vão construir um show misturando rock e teatro. Apresentando-se no UFO da capital inglesa, local underground onde o Pink Floyd fez sua estreia, surge o Crazy World Of Arthur Brown. Juntamente com os bateristas Drachen Theaker e John Marshall, bem como o baixista Nick Greenwood (sob o nome de Sean Nicholas), chega este disco homónimo com a produção de Pete Townshend, composto por 10 temas com comentários que cheiram ao inferno.

Além de "Fire", um rhythm & blues pirotécnico transfigurado por bombardeios de metais, nos deparamos com covers bem elaborados, "I Put a Spell on You" Screamin' Jay Hawkins (grande influência em Arthur Brown por sua ousadia) e " I've Got Money” de James Brown. Mas se este LP deve destacar a voz sóbria e quente de Arthur Brown beirando a histeria, ele destaca a execução explosiva, esmagadora, gótica e incisiva de Vincent Crane que muito contribui para a escrita

O LP abre com "Prelude/Nightmare" começando com suntuosas orquestrações para rapidamente dar lugar a uma alma devastadora onde Arthur Brown rasga suas cordas vocais, Vincent Crane coloca toda a goma nele, sacudido por metais reforçados.

De resto, o combo convida-nos a viagens alucinatórias onde o possuído Arthur Brown fala mais do que canta e os teclados de Vincent Crane marcam a cena e impõem os tempos entre a vaporosa esquizofrenia “Fanfare/Fire Poem”, a sombria metronômica “Come and Buy” insana no final, a dark “Time/Confusion” com melodias vagamente preocupantes. Nesta estranha e insalubre atmosfera podemos citar a angustiante “Spontaneous Apple Creation” dando lugar ao que parece ser uma balada ingênua, “Rest Cure” único momento que nos traz à tona. Depois de tanta emoção, o caso termina com o boogie jazzístico de 6 minutos de “Child of My Kingdom”.

Pouco depois, alguns membros vão para outro lugar. Drachen Theaker depois de ter prestado seus serviços para Love é esquecido. Ele morreu em 1992. John Marshall, que gravou apenas duas faixas, saiu para ingressar na Nucleus antes de substituir Robert Wyatt na Soft Machine. Estando o lugar de baterista vago, é um certo Carl Palmer que o mantém para a promoção que se segue à saída do vinil. Entretanto, o cantor/líder é acusado de plágio pelo produtor Peter Ker e pelo baixista Mike Finesilver, co-autor da música "Baby, You're a Long Way" onde ouvimos semelhanças com "Fire". Vincent Crane também sendo o autor do tubo, encontra-se em turbulência. No meio de uma turnê norte-americana, ele deixou o Crazy World ao enfrentar Carl Palmer para fundar o Atomic Rooster em 1970. Encontrando-se sozinho, Arthur Brown não desiste do jogo, no entanto. Mas ele terá que revisar sua cópia. Quanto a “Fire”, este título será repetido muitas vezes (Lizzy Mercier Descloux, Pete Townshend, sampleado por Marilyn Manson, Death Grips…).

Títulos:
1. Prelude-Nightmare
2. Fanfare-Fire Poem
3. Fire
4. Come And Buy     
5. Time/Confusion    
6. I Put A Spell On You        
7. Spontaneous Apple Creation        
8. Rest Cure   
9. I’ve Got Money     
10. Child Of My Kingdom

Músicos:
Arthur Brown: Chant
Vincent Crane: Orgue, Piano
Nick Greenwood: Basse
Drachen Theaker: Batterie
John Marshall: Batterie

Produção: Pete Townshend, Kit Lambert

Laura Groves - Radio Red (2023)

 

Radio Red (2023)

Laura Groves

O aguardado longa-metragem de Laura Groves após uma década de EPs. E é um assunto bastante discreto, com apenas algumas músicas que são aceleradas e mais algumas com qualquer tipo de andamento. A abertura e single principal, Sky At Night, vê o álbum em sua forma mais onírica e bombástica e leva as coisas a um começo brilhante e crescente, graças ao aumento vertiginoso de cada refrão. A segunda música, Good Intention, é um contraponto saboroso e contrastante e é uma jam de festa RnB direta. A partir desse ponto, baladas arejadas, trêmulas e leves são o modo preferido. Por causa deste suave, suave, natureza trotando por nuvens, não parece um disco que dá muitos passos, mas definitivamente comete o menor dos erros com o D 4 N, de outra forma poderoso, quando os vocais RnB de Sampha entram em jogo e acabam não sendo realmente de um bom ajuste com o estilo puramente gelado e em seu próprio mundo de Groves. Felizmente, a 5ª faixa e o segundo single, I'm Not Crying, estão lá para corrigir imediatamente as coisas, sendo um pouquinho mais terno e bonito e empacotando apenas um pouco mais de poder lírico.

A segunda metade é essencialmente sólida como uma rocha, apesar de sua tendência predominantemente sem batidas. Any Day Now é apenas um pouco mais pesado no groove e absolutamente sufocante em beleza e a sexta faixa Time é uma iteração mais suave, ainda groovy o suficiente. As batidas neste ponto desaparecem completamente, mas as harmonias espectrais começam a se acumular rapidamente com Sarah e Make A Start apresentando alguns dos arranjos mais completos e estelares. Closer Silver Lining aparece como uma cantiga popular mais simples, strummier e alegre em comparação. No geral, a voz fina de Groves é a principal vitrine aqui, juntamente com as teclas atmosféricas consistentemente tontas. O estilo de composição descontraído e flutuante é principalmente adorável o tempo todo, mas pode ser um pouco disperso e pouco dramático para alguns. Não groovalicious, mas talvez um passo melhor… Grove-alicious.

Pixies - Bossanova (1990)

 

Bossanova (1990)

Pixies

A música alternativa dos anos 90 não teria sido a mesma sem os álbuns Pixies lançados na segunda metade da década anterior. Com sua mistura de doçura melódica açucarada, ironia louca e guitarras dissonantes afiadas, e com a alternância de explosões silenciosas e sonoras, as balas ácidas embaladas pela banda serão uma deliciosa inspiração para o universo alternativo que em breve se tornará mainstream. Um momento antes dessa explosão acontecer, alterando o equilíbrio entre rock independente e rock de paradas, Pixies lança o disco em que a fronteira entre pop e experimentação é mais lábil - espécie de premonição do que acontecerá na cena musical do futuro imediato. Se os discos anteriores tinham como protagonista os contrastes (deliberadamente discordantes), em Bossanova tudo surge em perfeita simbiose.Cecilia Ann (cover de Surftones), assim como as canções de ninar obsessivas infantis se fundem naturalmente com notas de dissonância e ruídos elétricos em The Happening . Em comparação com os dois álbuns anteriores, as melodias tornam-se menos tortas e, embora mantenham um sabor agridoce, são mais suaves e sonhadoras. A banda de Boston afina a receita de seus doces: talvez não tão desestabilizadores e surpreendentes como no passado (e, portanto, menos apreciados pelos fãs de antigamente), mas mais digeríveis e saborosos para um público agora pronto para a mistura de melodia e barulho.

Injury Reserve - Knees (2021)

 

Knees (2021)

Injury Reserve

Brandon Roy foi a razão pela qual me tornei o fã do Portland Trail Blazers que sou hoje. Elaborado após uma era desonrosa na história da equipe conhecida como "Jail Blazers", Roy rapidamente se tornou o herói local após uma rápida ascensão ao estrelato no basquete, com temporadas consecutivas de sucesso e seleções do All Star. Um homem que renovou as esperanças e ambições daqueles que só têm Blazers para torcer nas 4 principais ligas americanas, Roy também tinha um problema crônico no joelho que o atormentava desde a faculdade. Ele machucou o joelho esquerdo, depois o tendão da coxa, depois o joelho direito, rompeu o menisco e, ainda após 8 dias de recuperação, estava em um jogo do playoff.

Em 2011, Roy fez uma cirurgia artroscópica em ambos os joelhos. Roy foi literalmente o reserva lesionado naquele ano. Ele nunca voltou ao seu nível All Star. Seus joelhos estavam se deteriorando a cada dia, sua contusão óssea havia atingido um nível em que ele tinha que injetar fluidos após cada jogo para alívio, a certa altura ele não conseguia nem levantar halteres de 5 quilos sem muita dor. Naquela entressafra, os joelhos de Roy degeneraram tanto que ele se aposentou.

Ele tinha 27 anos. Ele tentou retornar em 2012-13, mas depois de 5 jogos seus joelhos não aguentaram mais.


Eu nunca soube o estado de espírito de Roy em todos esses anos. Condenado a uma morte que é inevitável e, eventualmente, prestes a acontecer. Eu não conseguia nem imaginar. Eu nem pensei que algo poderia se aproximar para refletir a dor que ele sentia. Agora eu sei.


No hip hop, lutar com vícios e problemas não é um tema estranho. Tem sido tratado por muitos, alguns justos, até arrogantes, auto-motivados, pacíficos, violentos, até mesmo indiferentes. Mas não me lembro de ter havido um caso em que o agente que está lidando com essas questões esteja totalmente infeliz. Fim da estrada. Irreversível.

O segundo álbum do Injury Reserve, Knees off Injury Reserve, é uma música sobre seguir em frente, seguir em frente sem possibilidade de solução. Seguir em frente no sentido de passar, não de prosseguir. A música espirala em si mesma, loop reverso, as cordas que soam como se fossem destinadas a continuar uma melodia que nunca vem, os refrões, a bateria e os chimbales que soam tão independentes e dispersos que você pode suspeitar que não foram feitos estar nesta música. No topo de tudo isso está a única performance da falecida Stepa J. Groggs no álbum, um verso que é quase sarcástico em sua abordagem para a resolução iminente. Ele sabe que os mortos não crescem, os joelhos não doem, porque estão deitados, cresceram horizontalmente. As referências ao seu alcoolismo seriam, na melhor das hipóteses, sombrias ou sombrias se ele estivesse vivo, mas no contexto de todo o álbum é absolutamente assustador. É como se ele soubesse que a destruição foi feita, a sorte foi lançada e agora não há nada a fazer a não ser esperar até o fim dos dias. É uma pílula difícil de engolir, mas que opção você tem? A falta de opções, o desespero que essa música transmite, sem igual. Eu realmente não me lembro da última vez que algo mexeu comigo emocionalmente tanto quanto a marca das 3:30. Parece que Ritchie percebeu naquele segundo que não pode fazer nada. O pesadelo deve ser desenrolado, não interrompido. Eu realmente não me lembro da última vez que algo mexeu comigo emocionalmente tanto quanto a marca das 3:30. Parece que Ritchie percebeu naquele segundo que não pode fazer nada. O pesadelo deve ser desenrolado, não interrompido. Eu realmente não me lembro da última vez que algo mexeu comigo emocionalmente tanto quanto a marca das 3:30. Parece que Ritchie percebeu naquele segundo que não pode fazer nada. O pesadelo deve ser desenrolado, não interrompido.

Acho que Knees, e o álbum em geral, é um momento monumental no hip hop, da mesma forma que acho que Atrocity Exhibition ou Some Rap Songs são momentos monumentais da história: eles são tão sombrios e flagrantes na maneira como mergulham nas trevas dos vícios e sua interação com o indivíduo enquanto cria uma paisagem sonora que expande as convenções de uma produção regular de rap. Não acho que o termo pós-rap seja tão pretensioso quanto algumas pessoas afirmam, porque se formos usar o post da mesma forma que o usamos, então sim, essa é definitivamente uma música de rap, temática e expressivamente o hip hop em sua natureza, apresentado em melodias que não são necessariamente hip hop. De qualquer forma, esses são eventualmente debates tolos, o ponto é, espero que Knees seja um dos melhores singles da década quando tudo estiver dito e feito. Uma manifestação poderosa e um retrato bastante preciso do confronto com o último grande sono. O sono que você está preparando sua cama há algum tempo.

Resenha: «At The Mercy Of Manannán» de M-Opus, o grupo irlandês com resquícios dos anos 70 e seu novo álbum baseado no Deus aquático da mitologia irlandesa

A máquina do tempo M-Opus nos leva desta vez ao ano de 1972 para descobrir uma joia progressiva perdida no tempo. A banda, formada em Dublin, na Irlanda, em 2014, tem funcionado desde então como um projeto flexível e aberto, onde a dupla fundadora Casey/Sullivan libera sua criatividade e estilo. Ambos músicos renomados tocaram com o ex-King Crimson David Cross e estão imersos na cultura progressiva desde a infância. Neste álbum, eles se juntam ao virtuoso PJ O'Connell, que levará a guitarra principal de forma proeminente e incisiva; um pilar fundamental na sua composição.

Inspirados pelo som que sempre os cativou, Casey e Sullivan decidiram escrever uma série de álbuns inspirados no som progressivo de cada ano em particular; em seus dois álbuns anteriores representaram os anos de 1975 e 1978. Em "At The Mercy Of Manannán" optaram por um álbum complexo, cheio de mellotrons e baixos agressivos, replicando o som da era de ouro do progressivo 72-73. O resultado é excelente porque cumpre a sua missão, caracterizando a sinfonia da época com um toque eclético. Como poderia ser de outra forma; eles nos presentearam com um álbum conceitual, que segue uma história tão intrincada quanto gratificante; a do deus do mar, o feiticeiro Manannán mac Lir.

“Setting Off” é o prelúdio caloroso deste disco, que nos recebe diretamente com a voz de Casey, entre assobios e sons ambientes. Nos seus dois minutos a canção transmite diferentes emoções que nos preparam para a viagem que será o resto da obra.

O hard-rocker “Riverflow” nos atinge com força, com algumas linhas de baixo fenomenais de Chris Squire seguindo de perto e pungentemente a voz, que desenha melodias atraentes e nítidas. Ouvimos os teclados vintage e a mistura de guitarras vibrantes e juvenis. Para os amantes do tom; temos acústica, temos elétrica, com drive, com chorus, reverb ou flanger, o que quisermos. Mesmo com teclados; ouvimos hammonds, mellotrons e sintetizadores de outras dimensões. 

O refrão dessa música é uma demonstração maravilhosa de que você pode ser muito progressivo, mas também cativante e gentil com o ouvido. Os solos são um primeiro momento de dedicação total ao álbum, ouvindo os instrumentistas presentes que o virtuosismo profundamente surpreende. Um tema que deve ser ouvido repetidamente...

"Whirlpool" é uma peça instrumental e divertida com importantes apontamentos de Jazz Fusion, aqui, O'Connell dá-nos uma masterclass de guitarra . Em um ambiente caótico e tenso, ele toca pequenas linhas cromáticas e harmônicas que quebram as expectativas do ouvinte repetidas vezes.

"To The Other Side" é a faixa mais longa do álbum; cresce e desenvolve-se, atravessa diferentes fases e interlúdios e permite ao ouvinte uma interpretação integral dos mesmos. Os primeiros minutos da música são suaves, com guitarras limpas e mellotrons criando belas paisagens que se fundem entre si; parece um passeio no campo, você sente os moinhos girando e os passos retumbantes que não levam a lugar nenhum.

Uma mudança repentina ocorre no meio da composição, deixando-nos a sós com o outro lado, citando a letra: Acordamos em outro reino, com escuridão por toda parte . Um motivo mellotron assombrosamente misterioso guia a música de forma épica e implacável, entre solos de teclado suaves e ambientes pontuados por uma repetição constante do riff de baixo. Esta seção impressionante se desenrola em um mar de mellotrons; e acima os graves e agudos são contrastados em uma interação harmoniosa. Uma viagem

A seguir nos é apresentada “Na Bruídaí”, outra música relativamente longa, beirando os 8 minutos. Estamos perante uma peça bastante complexa, com solos pomposos, tanto para guitarra como para teclado. Vemos aspectos que lembram The Flower Kings nas composições; especialmente nas seções mais otimistas. O refrão blueseiro que aparece e desaparece é um bom recurso para fundamentar as intrincadas seções instrumentais que são desencadeadas. A guitarra de O'Connell brilha intensamente.

Suave inicia “Valley Of Elah” entre violões e mellotron. Sabemos o que nos espera; um tema doce, fofo e suave. E assim é, cumpre o slogan. Destaca-se o outro, que traz de volta o som do baixo pungente que caracteriza o álbum e descarrega a energia gerada ao longo da música em uma seção fervente e extravagante.

“Scaling Novas” dura cerca de três minutos, mas é mais do que suficiente para tocar em certos aspectos necessários nesta fase do álbum; mudanças explosivas, sintetizadores, melodias estranhas, polirritmias; bateria movimentada e vigorosa, sons ambientes. Este tema encapsula em muito pouco tempo toda a essência do progressivo dos anos setenta. Final sinistro que lentamente se torna a última faixa do álbum.

"Carnivale" começa devagar, com uma guitarra filtrada que transmite um certo sentimento pós-rocker. Escutamos uns tons ao longe que nos preparam para um groove irremediável e uma bela guitarra com vontade de acabar caindo. Uma maravilhosa interação hipnótica se desenrola, o baixo e a bateria fazem uma mistura perfeita de desconforto com ritmo; aquele violão de fundo não cessa que mantém uma sensação de tensão constante nessa hipnose da qual ele não escapa. Mais uma vez, um som que lembra muito The Flower Kings, canções como “Devil's Playground” ou “Circus Brimstone”. Ele estende esse groove e suas estranhas melodias com suas variações e a adição de múltiplas camadas de complexidade. Um final puramente instrumental, poderoso e transcendental para este tremendo disco.

Você realmente tem que enfatizar a produção maravilhosa e o trabalho por trás desse trabalho; É vintage, claro, pela analogia dos instrumentos e pelo som em geral, mas é mixado de forma que soa claro e moderno, convida a ouvir e ouvir no repeat.

As inspirações são claras, Genesis, sim, até fusão da época (Mahavishnu, Zappa), e a verdade é que é uma grande homenagem e muito bem feita. Recomendado acima de tudo para os amantes do retro-prog, mellotron storms e do baixo de Chris Squire.