'Heaven Tonight' do Cheap Trick: eles pareciam um pouco estranhos

Robin Zander (esq.) e Tom Petersson estamparam a capa de Heaven Tonight

Heaven Tonight , o terceiro álbum geral do Cheap Trick e o segundo (de três) a ser produzido por Tom Werman, continuou a ascensão da banda nas paradas.

Seu álbum de estreia autointitulado apenas borbulhou na Billboard 200, na posição # 207. In Color , também sob os auspícios de Werman, chegou ao 73º lugar. Então Heaven Tonight terminou em 48º lugar - mesmo que tímido em relação ao 4º lugar ao vivo no Budokan em 1978, e Dream Police de 1979 , o terceiro e último álbum da trilogia de produção de Werman, em 6º lugar.

Para sempre, para seu crédito, Heaven Tonight , lançado em meados de maio de 1978, continha a faixa que rapidamente se tornaria uma das canções de assinatura da banda, “Surrender”. A música, na qual um boomer descreve sua mãe pirralha do exército (“serviu nos WACs nas Filipinas”), que alerta seu filho para “ficar longe de garotas” como aquela a quem ele está se dirigindo, porque “você nunca saberá o que vai acontecer”. pegar." No final da música, a lacuna entre gerações foi superada, com “Então eu acordei, mamãe e papai estão rolando no sofá/Rolling numbers, rock and roll/Tenho meus discos do Kiss lançados”.

A contracapa do álbum, com Rick Nielsen (esq.) e Bun E. Carlos

“Surrender” é um original de Rick Nielsen que o Cheap Trick esperou três álbuns para lançar – foi um destaque em seus shows de três sets por noite no Centro-Oeste já em 1975… dois anos antes de assinar com a Epic Records. É também uma das canções power pop mais cativantes de todos os tempos, com interesse adicional devido às mudanças de tom no meio da música (de Si bemol maior para Si maior e Dó maior). Em seu livro Shake Some Action: The Ultimate Power Pop Guide de 2007 , o autor John Borack chamou-o de "um clássico de pedra para todos os tempos".

Embora o single tenha chegado apenas ao 62º lugar, é um dos clássicos de todos os tempos do Cheap Trick; continua sendo o set habitual da banda mais próximo (pré-encore) desta data, geralmente posicionado antes de “Auf Wiedersehen”, também do álbum, que não é um adeus casual do tipo “até breve”, mas sim uma música sobre suicídio, um dos dois do álbum. A segunda música relacionada à morte é a exuberante faixa-título (“Heaven Tonight”) que, com um grau mais sutil, narra uma morte relacionada às drogas (“há um limite, você ultrapassou”).

Assista Cheap Trick tocar “Auf Wiedersehen” ao vivo

(Essas, é claro, seguem a tradição de “Oh Candy” de seu álbum de estreia, em que o palestrante tenta convencer um amigo fotógrafo deprimido a não acabar com tudo – infelizmente, essa era uma música verdadeira e o suicídio era real. )

Heaven Tonight combina algumas das últimas músicas não gravadas da época dos clubes de pré-gravação da banda (“Surrender”, “Auf Wiedersehen”, “High Roller”, seu cover de “California Man” de Roy Wood, e a faixa bônus instrumental “Oh Claire” que não está listada na sequência). O restante do álbum consistia em seis músicas que seus primeiros fãs frequentadores de clubes ainda não tinham ouvido, que, com uma exceção, caíram no lado dois (“On Top of the World”, “Takin' Me Back”, “On the Rádio”, “Heaven Tonight”, “Competição acirrada” e “Como você está”).

Contrariando o velho clichê dos executivos de gravação de “Eu não ouço um single”, quase todas as músicas do Heaven Tonight poderiam ter sido um single – mesmo que o som geral ainda estivesse um pouco descentralizado em relação ao rock corporativo. soa preferido pelas estações de rock FM da época, embora de alguma forma mais mainstream e pronto para o rádio do que a maior parte das gravações indie punk e new wave também lançadas naquele ano.

Provavelmente não machucou suas relações com o rádio por ter incluído uma canção de amor no rádio, “On the Radio”: “Todos os DJs de rock and roll colocaram os dedos no mundo / Porque eles tocam as músicas que fazem você e eu nos sentirmos tão bom." Essa música contrastava fortemente com “Radio Radio” de Elvis Costello (“Eu quero morder a mão que me alimenta/Eu quero fazê-los desejar que nunca tivessem me visto”), lançada no mesmo ano. Na resenha deste escritor de 1978 sobre Heaven Tonight in Lively Times , o jornal semanal de entretenimento da cidade natal da banda, Rockford, Illinois, escrevi: “Para Costello, o rádio é uma triste salvação, enquanto para o Cheap Trick, é ótimo”.

Sua disposição de se ajoelhar no altar do rádio, juntamente com sua decisão de fazer turnê com bandas mainstream (Kansas, Heart, Rush, REO Speedwagon), em vez de punk-rockers (com exceções notáveis, é claro, como o Clash), ajudou a torná-los queridos. programadores de rádio do final dos anos 70.

A banda prestou homenagem às suas raízes musicais com “California Man” do Move, escrita por Roy Wood, a versão do Cheap Trick famosamente pontuada com o riff de guitarra de outra música do Wood/Move, “Brontosaurus”. A música tinha duplo significado, já que Cheap Trick já havia conquistado seguidores respeitáveis ​​​​no Golden State, um de seus shows em Los Angeles do ano anterior tendo sido lançado em vinil e (a partir de 16 de dezembro passado, como um conjunto de 4 CDs) como fora para pegar você! Ao vivo no Whiskey 1977 . Ele retrata a eletricidade dos primeiros dias da banda em clubes de uma forma que é muito mais vendida no At Budokannão. (Tenho esperança de que um dia eles lancem um álbum ao vivo gravado no Brat Stop em Kenosha, Wisconsin, no UpRising em DeKalb, Illinois, no Haymakers em Palatine, Illinois, ou no Phoenix em sua cidade natal, Rockford , tudo isso preparou o cenário para algumas das apresentações ao vivo mais emocionantes do Cheap Trick.)

Entre as músicas mais recentes, a faixa-título em camadas “Heaven Tonight” se destacou. O amor da banda pelos Beatles do período posterior ficou totalmente à mostra, com Nielsen tocando mandocello, cravo e violoncelo na faixa, que ele descreveu como uma “música antidrogas” e uma das duas músicas sobre mortalidade do álbum. Tocado em tom menor, foi comparado a “Strawberry Fields Forever” dos Beatles, “Kashmir” do Led Zeppelin e “I Want You (She's So Heavy)” dos Beatles.

“Heaven Tonight” foi uma das três músicas de seu álbum homônimo que evocou o Fab Four, outras incluindo “Takin’ Me Back” e a mais próxima (excluindo a faixa bônus não listada a seguir) “How Are You”. A última faixa faz uma alusão divertida à letra de “I Want You to Want Me”, o single da banda de In Color e a versão ao vivo de At Budokan : “Eu disse que quero você, preciso de você, te amo, quero que você me queira… lembrar?"

Uma das faixas mais profundas do álbum é também uma das primeiras canções da banda, “High Roller”, co-escrita por Nielsen, o vocalista Robin Zander e o baixista Tom Petersson. É supostamente a história de um traficante de drogas em Lake Geneva, Wisconsin, um autoproclamado grande apostador, que “sempre consegue as coisas que eu escolho”.

Embora quase todas as músicas do repertório do Cheap Trick sejam uma vitrine para a voz de Zander, a faixa “On Top of the World” mostra seu dom de transmitir as letras muitas vezes humorísticas de Nielsen, especialmente na linha “Tive sorte com a garota da porta ao lado/Ela estava sozinho e não se importava.”

Ao longo do álbum, o tecladista Jai ​​Winding, filho do trombonista e compositor de jazz Kai Winding, fornece uma melodia que passou a ser associada aos três álbuns produzidos por Tom Werman, o segundo de quatro gravados em Los Angeles. O toque de Werman mais tarde causaria certo arrependimento à banda; eles contrataram Steve Albini das bandas pós-punk Big Black e Shellac - e produtor do multiplatina Nevermind do Nirvana - para regravar In Color como um disco de rock direto. Quanto a Heaven Tonight , só precisamos imaginar como seria uma versão simplificada. Ou podemos deleitar-nos com a sua complexidade e a sua aguçada sensação de espaço entre as notas. AllMusic escreveu sobre o álbum: “Where In Colormuitas vezes soando emasculado, Heaven Tonight recupera o poder poderoso e pronto para a arena de Cheap Trick, mas o cruza com uma produção inteligente para rádio que depende tanto de sintetizadores quanto de efeitos de estúdio.

Este anúncio do álbum apareceu na edição de 8 de julho de 1978 da Record World

Podemos também mencionar Bun E. Carlos, que continuou com seus ritmos big beat em músicas como “Surrender”, “California Man”, “High Roller” e “Auf Wiedersehen”? Mesmo que você raramente note o trabalho da bateria, você notará isso aqui. Embora Daxx Nielsen, filho de Rick, atualmente grave e faça turnês com a banda, os ritmos de Bun E. permanecem honrados e imitados.

Concluí minha própria análise em tempo real no semanário alternativo de Rockford assim: “Heaven Tonight é uma declaração sólida de uma banda que não permanecerá em um modo por mais tempo do que o necessário”. Talvez eu devesse ter guardado esse julgamento para as mudanças que ocorreriam quando o Cheap Trick, após seu sucessor de Heaven Tonight ,  Dream Police , se mudou de Werman (sob cujos auspícios eles gravaram seus maiores sucessos até a poderosa balada “The Flame ” hit # 1 em 1988) para uma variedade de outros produtores lendários: Roy Thomas Baker, Todd Rundgren, Ian Taylor, Richie Zito, Ted Templeman, Julian Raymond, Steve Albini e até Linda Perry em uma faixa.

Como Zander canta no coral de encerramento de “Surrender”: “Bun E. está bem, Tom está bem, Robin está bem, Rick está bem.” Verdade na publicidade - Cheap Trick parece consistentemente bom em Heaven Tonight. Vá em frente e renda-se à sua grandeza. Apenas não se entregue.

Assista -os tocando o clássico no The Midnight Special em novembro de 78, seis meses após o lançamento do álbum

 

'Gaucho' de Steely Dan: perfeição e caos

 

Quando o Gaucho finalmente surgiu em 1980, quaisquer temores de que o Steely Dan pudesse relaxar seus padrões exigentes foram silenciados com a primeira queda da agulha. As obsessões perfeccionistas que impulsionaram os compositores Walter Becker e Donald Fagen permaneceram audíveis no brilho das sete canções do conjunto. Na verdade, os arranjos foram ainda mais meticulosamente preparados, seu acabamento sonoro ainda mais suave do que em Aja , a reconhecida obra-prima que o precedeu três anos antes.

Antes de Aja elevá-los à estatura multi-platina, Becker e Fagen levaram cada novo LP ainda mais em direção a ambiciosos objetivos musicais e técnicos. Desde que passaram de uma banda de trabalho para uma oficina de estúdio flutuante, eles lançaram uma rede cada vez maior para recrutar músicos de peso, ganhando a reputação de capatazes exigentes, dispostos a queimar quilômetros de fitas multipista em busca do take perfeito. Desde o início eles aspiraram ao estado da arte da gravação, muito antes de Aja se tornar onipresente como um disco demo para salões de som de alta qualidade.

Gaucho continuou a missão que Becker, Fagen, o produtor Gary Katz e o engenheiro Roger Nichols começaram com o álbum de estreia de Steely Dan em 1972, mas a conclusão exigiu navegar por um labirinto de obstáculos técnicos, legais e pessoais depois que os compositores voltaram para Nova York após seis anos. em Los Angeles. Ações judiciais, partidas falsas, fitas master perdidas, uma lesão debilitante e uma morte por overdose aumentaram o intervalo entre Aja e Gaúcho para três anos.

Agora somos dois: Walter Becker do Steely Dan, à esquerda, e Donald Fagen por volta de 1977

Ao todo, eles gravaram uma dúzia de músicas durante sessões em estúdios em Nova York, Los Angeles e Filadélfia, comparáveis ​​aos álbuns anteriores, a partir de um grupo de 42 músicos. Na véspera de seu lançamento, Becker e Fagen notaram uma maior dependência de faixas em camadas. Uma vítima do processo de overdubbing resultou do apagamento acidental, por um engenheiro assistente, de quase três semanas de trabalho em “The Second Arrangement”, um dos primeiros candidatos a uma de suas faixas mais promissoras.

Outros obstáculos técnicos incluíram testes do sistema Soundstream, um dos primeiros gravadores de áudio digital. No final das contas, eles optaram por usar a fita analógica depois de considerarem o som “diferente, mas não necessariamente melhor”, na avaliação de Becker.

Depois houve Wendel, uma aventura cara para combinar a complexidade e o toque sutil de bateristas de classe mundial com a precisão mecânica do disco. Roger Nichols se ofereceu para enfrentar o desafio, aproveitando sua carreira anterior como engenheiro nuclear. Seis semanas e US$ 150 mil depois, Nichols entregou um editor digital de 12 bits que lhes permitia manipular e domesticar dezenas de tomadas em uma faixa rítmica final.

Essa busca pelo groove perfeito provou ser um denominador chave em todo o álbum, que recua de mudanças mais ousadas na métrica para se inclinar em direção ao R&B constante, ao latim e, sim, até mesmo às pulsações disco silenciadas.

O álbum finalizado combina perfeitamente com os arranjos personalizados de Aja . Esse álbum provou ser um ponto de inflexão no design geral do conjunto de Becker e Fagen, afastando-se ainda mais da instrumentação do rock para esculpir o material com teclados, percussão e sopros. Gaucho mantém essa contenção elegante com “Babylon Sisters”, uma ode descontraída à decadência de Cali que inicia o set com uma indiferença estudada.

“Dirija para oeste na Sunset até o mar”, Fagen orienta seus companheiros em antecipação a um encontro a três com uma pulsação de reggae levemente anestesiada, minando a provocação lasciva do cantor para as “irmãs”. “Este não é um caso de uma noite, é uma ocasião real”, ele insiste, apenas para comparar o encontro deles com “um fim de semana em TJ… é barato, mas não é de graça” antes que as vocalistas ofereçam um refrão suave que é um aviso mal disfarçado: “Lá vêm aqueles ventos de Santa Ana de novo”, eles arrulham, aludindo aos “ventos do diabo” que sopram para oeste a partir dos desertos da Califórnia, que Raymond Chandler e Joan Didion notoriamente invocaram como arautos do caos.

A faixa introduz uma corrente subjacente de ansiedade sexual que se estende a “Hey Nineteen”, que transforma seu medo de envelhecer em uma farsa entre gerações entre um pretenso Lotário e uma ninfa patinadora. Em última análise, apenas o sexo e os produtos químicos – “o Cuervo Gold, o belo colombiano” – proporcionam um terreno comum.

O sul da Califórnia domina o imaginário do Gaucho mais do que nos álbuns anteriores, com sua música ensolarada contrastando com temas sombrios de dissolução e decadência. A versão de Becker e Fagen de Hollywood Babylon informa cinco das sete faixas onde os álbuns anteriores variaram livremente entre as costas e além, cruzando oceanos e até mesmo aventurando-se fora do mundo.

“Glamour Profession” segue um traficante de cocaína com “concessão de Los Angeles”, conectando-se com clientes abastados, incluindo uma estrela da NBA “fora do estádio” e um rico sibarita em seu iate a caminho de Barbados, fechando mais tarde um acordo com um fornecedor , Jive Miguel, sobre “bolinhos Szechuan no Mr. Chow's” em Beverly Hills. A faixa galopa em um ritmo apropriadamente acelerado, decorada com vocais de fundo cremosos e os saxofones tenor de Tom Scott e Michael Brecker.

No meio do álbum, a música-título diminui para um estilo gospel emoldurado por teclados acústicos e elétricos, baixo e o tenor comovente de Tom Scott enquanto o narrador repreende um amigo gay por sua paixão embaraçosa. O foco na segunda pessoa da letra tanto obscurece quanto revela, com o refrão envolvendo as imagens do acampamento em uma melodia rapsódica, perguntando: “Quem é o gaúcho, amigo? Por que ele está parado com seu poncho amarelo com lantejoulas e sapatos elevadores?

O que poderia ter sido mal interpretado como uma piada antes da epidemia de AIDS, daqui a um ano, exclui o cantor, e não o amigo ou seu “cowboy corpulento”, para o desprezo homofóbico do narrador.

A canção pode acusar seu narrador, mas o virtuoso compositor e pianista Keith Jarrett indiciou Becker e Fagen por sua semelhança com sua peça de 1974, “Long as You Know You're Living Yours”, uma peça que os compositores reconheceram que conheciam e amavam. Após o processo de Jarrett, ele foi adicionado aos créditos de composição e recebeu uma parte dos royalties de publicação.

Enquanto “Glamour Profession” ofereceu um falso romance ao comércio de cocaína, “Time Out of Mind” fala bem, encoberta por uma promessa de “perfeição e graça” em letras que provocam transformações místicas no caminho para uma solução “hoje à noite quando eu perseguir o Dragão." Da mesma forma, o arranjo apresenta um groove flutuante pontuado por uma seção de sopros tensa com David Sanborn, Ronnie Cuber e os irmãos Brecker, com backing vocals igualmente ousados ​​de Michael McDonald, Patti Austin e Valerie Simpson. Os sinuosos solos de Stratocaster de Mark Knopfler são reduzidos a 40 segundos de tempo de execução.

Escondida em sua entrega alegre está uma das piadas mais sombrias do álbum, fundindo o êxtase religioso com o esquecimento narcótico e revestindo a proposta com uma falsa exuberância. Longe de ser a primeira vez que a dupla aludiu às drogas pesadas, “Time Out of Mind” foi concebido quando a luta do próprio Walter Becker contra o vício foi agravada em janeiro de 1980 pela morte de sua parceira de longa data, Karen Stanley, por overdose no apartamento deles.

Mesmo enquanto se recuperava daquela tragédia, Becker foi atropelado por um táxi enquanto atravessava uma rua de Manhattan, quebrando a perna direita em vários lugares. Crises legais e médicas o afastariam em grande parte das fases de mixagem e masterização da produção gaúcha , o que prejudicou a conclusão do projeto. Becker, Fagen, o produtor Katz e o engenheiro Nichols tinham ouvidos aguçados, mas Becker era um audiófilo alfa cuja contribuição era vital. Sua ausência pesou muito para Fagen durante a mixagem e Katz durante a masterização.

O gosto de Becker e Fagen por letras oblíquas e narrativas fragmentadas está evidente no encerramento do álbum, “Third World Man”, um lamento em tom menor para um protagonista surreal em seu “bunker feito de areia”, que pode ou não ser um psicopata. , diante de imagens tremeluzentes de fogos de artifício e vizinhos gritando. Em tom e ritmo, o arranjo é um canto fúnebre exuberante explorado por outro conjunto de estrelas, desta vez incluindo Joe Sample e Rob Mounsey nos teclados, Larry Carlton e Steve Khan nas guitarras, e uma seção rítmica formidável com o baixista Chuck Rainey e o baterista Steve Gaddo.

Durante a longa marcha para completar o álbum, turbulências legais surgiram, prendendo Steely Dan entre a Warner Bros. Records, com a qual eles haviam assinado enquanto gravavam Aja , e a MCA Records, que havia absorvido a ABC. A equipe Dan tentou anular qualquer obrigação restante sob uma cláusula de saída de seu antigo acordo, mas a MCA prevaleceu. Durante o intervalo desde Aja , o cenário pop mudou com a popularização do disco e a insurgência do punk e da nova onda, com os confeitos de estúdio de mega orçamento de Steely Dan propensos a um olhar crítico de especialistas do rock que suspeitam do polimento do estúdio em uma época de “autenticidade” DIY.

Comercialmente, Gaucho , lançado em 21 de novembro de 1980, ganharia disco de platina e quebraria o top 10 nas paradas de álbuns, mesmo que não tivesse o impacto do álbum anterior, ganhando três indicações ao Grammy, ganhando por gravações pop de melhor engenharia como Aja tinha três anos antes. Até então, Walter Becker e Donald Fagen haviam dissolvido silenciosamente o Steely Dan, com Becker se retirando para Maui, onde se concentraria na recuperação enquanto Fagen começava a trabalhar em seu álbum solo de estreia, The Nightfly , que seria lançado em 1982.

Se a parceria formal fosse encerrada, a amizade permanecia. Gary Katz organizou uma reunião casual quando ambos tocaram em uma sessão para a cantora Rosie Vela em 1986, prefigurando a surpresa bem-vinda da ressurreição de Steely Dan para uma turnê ao vivo em 1993. Naquele ano, Becker produziu o segundo álbum solo de Fagen, Kamakiriad, com Fagen retornando . o favor um ano depois como co-produtor do primeiro set solo de Becker, 11 Tracks of Whack.

Três semanas de trabalho desapareceram quando um engenheiro assistente apagou acidentalmente a maioria das faixas do master multitrack de Steely Dan para esta faixa gaúcha perdida. A música tem sido tocada periodicamente ao vivo nas turnês do Steely Dan, ao dedicar o set list de uma noite a “Rarities”. Esta versão demo, resgatada de uma cópia em cassete, sobrevive em várias edições online.

Vídeo bônus: influência “gaúcha” de Keith Jarrett

Gravada para seu álbum de 1974, Belonging , esta peça de Keith Jarrett tocada com seu quarteto europeu era uma das favoritas de Walter Becker e Donald Fagen - e mais tarde se tornou o tema do processo judicial bem-sucedido de Jarrett, ganhando créditos de co-autoria e royalties de publicação em “Gaucho”. a faixa-título do sétimo álbum de Steely Dan. Aqui Jarrett executa a peça daquele ano, com a participação do saxofonista tenor Jan Garbarek.

AVALIAÇÃO - ABUELO MIGUEL

Miguel Abuelo et Nada
Abuelo Miguel Heavy Prog

 Diz-se que o principal problema desta banda foi a forte tensão interna estabelecida entre o guitarrista Daniel Sbarra que privilegiava canções baseadas em riffs pesados ​​e o violoncelista chileno Carlos Beyris que preferia uma abordagem mais clássica e pastoral com Abuelo desempenhando o difícil papel de caminhar na linha divisória, tentando encontrar algum equilíbrio como cantor e líder de banda. Diz-se, ainda, que a referida disputa culminou numa dissolução precoce, o que é uma interpretação muito credível do desaparecimento prematuro deste extraordinário grupo de músicos talentosos.

Agora, se eu tiver que dar a minha opinião sobre o efeito que tal diferença musical parece ter tido no álbum em si, devo dizer que conduziu a uma fusão fascinante de ambos os aspectos, resultando no final numa audição completamente absorvente.

A voz de Abuelo é talvez um gosto adquirido, mas também é dotada de um registo extenso e de uma capacidade expressiva dúctil, e ambas as vertentes permitem-lhe expressar os muito diferentes estados de espírito e níveis de energia criados sucessivamente por uma banda que está sempre a desafiar as suas proezas.

Como guia de audição, sugiro que você escolha as faixas 1 Tirando piedras al río (Throwing Stones To The River) e 3 Estoy Aqui Parado Sentado Y Acostado (I'm Here Standing Sitting And Lying), se você estiver interessado principalmente em o lado mais pesado das coisas (mesmo quando incluem também passagens clássicas), e para as faixas 2 El largo día de vivir (The Long Day Of Living) e 4 El muelle (The Dock), caso você prefira ouvir as coisas mais calmas primeiro (mesmo quando a última evolui gradualmente para um clímax fantástico e pesado).

O álbum inteiro é excelente, pelas ótimas performances, composições notáveis ​​e excelente qualidade sonora, e certamente vale a pena uma audição cuidadosa, íntima e descontraída. 

AVALIAÇÃO - ABSTRAKT

 

Limbosis
Abstrakt Metal Progressivo

 Apesar de ter um fluxo muito interessante e o épico do ano na música de abertura do álbum, "Teratoma" (10:38) (10/10), o álbum eventualmente envelhece e é quase estranho e peculiar demais para o meu gosto, com cada música parecendo demorar muito para se desenvolver ou ter muitos momentos de parar e começar. Gostei muito de ouvi-lo pela primeira vez, mas, como disse, rapidamente envelheceu e perdeu o brilho inicial. O estilo sonoro e dramático parece se tornar repetitivo e chato - e, às vezes, muito RIVERSIDE. Ainda assim, uma coleção de músicas realmente interessante e agradável – cada uma delas funciona muito bem por si só, mas perde seu toque fresco e inovador como um coletivo. Excelente bateria e teclado e efeitos incrivelmente criativos. O trabalho de guitarra é onde a música do Abstrakt realmente sofre. Seu vocalista principal Krzysztof Podsiadlo

2. "The Bus" abre muito bem com um ótimo vocal, mas depois, no terceiro minuto, muda para uma música estereotipada de metal. A seção instrumental no quarto minuto é agradável, com um solo de guitarra com acordes incomuns (que então se repete até enjoar). O vocal é bastante teatral - como se houvesse um show para acompanhar sua performance. Às 4:25 as coisas se acalmam um pouco - o que se torna o padrão: seção suave alternada com acordes fracos de guitarra. O trabalho principal da guitarra elétrica é tão deliberado e metódico que é estranho, talvez até embaraçoso. (7/10)

3. "The Clockhouse" (7:37) inclui um ótimo uso de vocais de fundo femininos e amplitude geral (9/10).

4. “Wolf” (10:24) é outra música que se esforça tanto, mas trai a falta de maturidade composicional e técnica da banda. Alguns trabalhos de guitarra solo muito bons no terceiro e quarto minutos. A seção intermediária dominada pela guitarra pesada e poderosa quase funciona com sua excelência de teclado, vocal e bateria. A música (vocais e opções de progressão de acordes) do oitavo minuto até o final é horrível - embaraçosamente tão - totalmente indigna de uma banda tão talentosa. (5/10)

5. "Bloody Mary" (10:40) tem ótimo som, teclados e efeitos para produzir uma atmosfera incrível, mas nunca parece ir a lugar nenhum - o que envelhece nos primeiros sete minutos - e depois decepciona enormemente quando finalmente chega entre em ação nos três minutos finais (7/10).

6. "Liar's Symphony" (6:33) também tem um som incrível - cria uma atmosfera maravilhosa nos primeiros dois terços da música, mas decepciona com seu clímax (8/10).

7. "Greatnot" (8:48) é ótimo por ser mais estável e uniforme do início ao fim (9/10).

8. O final, “Journey” (10:23) é outro estranho, pois suas quatro partes não são necessariamente coesas (exceto a bateria e, talvez, o enredo) – e ainda assim mostra potencial e prende o ouvinte. por sua promessa e possibilidades. A seção de abertura sombria e taciturna vem direto do repertório de RIVERSIDE a seção intermediária soa um pouco como uma música dos SMITHS a terceira seção é rebocada por um acorde poderoso de dois acordes excessivamente dominante enquanto a seção final de efeitos sonoros de metal e objetos de vidro novamente simplesmente confundem. (8/10).

Uma banda com um ótimo som, criando ótimas texturas atmosféricas, mas que de alguma forma segue direções estranhas e insatisfatórias quando amplifica as coisas - geralmente nas seções intermediárias ou finais. Enorme potencial – definitivamente uma banda que estarei assistindo.

Um bom álbum de três estrelas; bom, mas não essencial.

Limbosis
Abstrakt Metal Progressivo

 Há uma dinâmica fascinante a ser afirmada quando se trata da cena do rock progressivo na Polônia. Tantas bandas novas para explorar - em nenhum outro lugar nesse sentido nos últimos dias. Eh... isso não significa que eu iria encobrir tudo isso, apenas como distribuir um bônus porque eles são vindos da vizinhança ou algo assim. Mas certamente um grande número está oferecendo um resultado realmente desafiador, pelo menos é essa a minha impressão. Agora vindo de Poznan (Posen), o ABSTRAKT é um novato no que diz respeito ao metal - riffs de guitarra pesados ​​por toda parte são significativos - e não leva muito tempo para reconhecer que o Tool parece ser sua principal influência. Não é um problema para o meu gosto, o que significa que isso não poderia realmente me impedir de ir mais fundo... felizmente.

O início definitivo de 'Limbosis' é muito bonito, quero dizer, o trabalho inicial de guitarra em Teratoma - isso ficou gravado em minha mente nesse meio tempo. Entre as mudanças de humor para algo irracional, os padrões ambientais são combinados com ruídos variados, como perfuração. Seu som não se reduz ao metal progressivo e ao heavy alternativo; muitas vezes há sintetizadores espaciais e guitarras psicodélicas suficientes para serem reconhecidos no meio. Os samples também estão bem intercalados, aparece um violino aqui, um didgeridoo ali... no geral tudo é imprevisível nesta ocasião. Algumas músicas como The Bus lembram New Model Army, a voz de Krzysztof Podsiadlo chega parcialmente perto de Justin Sullivan, de fato.

E não é de admirar que, de facto, também os compatriotas Riverside estejam a brilhar de vez em quando. Os graves fortes e estrondosos atingem principalmente Clockhouse , excelente! E então, de repente, o ABSTRAKT está colocando um coral escolar suave em primeiro plano como um contraste confiável. A rigor, não há necessidade de enfatizar nenhuma música, não necessariamente, porque 'Limbosis' é uma coisa muito consistente. No geral, acho isso um verdadeiro fogo de artifício quando se trata de prog metal melódico moderno. Além do fato de que cada banda é influenciada por outros artistas, mais ou menos, o ABSTRAKT certamente faz seu próprio negócio aqui. Esta é uma estreia de muito sucesso, no que diz respeito ao meu gosto, uma sacola surpresa recomendada!