As escolhas do abaixo-assinado para os melhores discos de 1988.
- Talk Talk: Spirit of Eden (UK) *****
- The Herb Robertson Brass Ensemble: Shades of Bud Powell (US) ****½
- Fred Frith : The Technology of Tears (UK) ****
- Raoul Björkenheim / Krakatau: Ritual (FI) ****
- Dagmar Krause : The Tank Battles – The Songs Of Hanns Eisler (DE) ****
- Dark: Tamna voda (DE) ****
- The Lodge: Smell Of Friend (UK) ****
- John Surman : Private City (UK) ****
- Last Exit: Iron Path (DE/US) ****
- Pharoah Sanders : Africa (US) ****
1.Talk Talk: Spirit Of Eden
Spirit Of Eden é o quarto álbum de estúdio do Talk Talk .
Poucas bandas têm uma curva de desenvolvimento tão interessante e radical como a Talk Talk, fundada em 1981. Pilotados pelo cantor Mark Hollis , os Talk Talk iniciaram sua carreira com synth pop, cujo ponto de comparação mais próximo eram bandas da moda, mas superficiais, como Duran Duran . No final, a banda acabou fazendo algo muito original com seus dois últimos álbuns. De sintetizadores, baterias eletrônicas e refrões cativantes, passamos para música semi-abstrata totalmente tocada à mão e amplamente improvisada, com influências de jazz, vanguarda, ambiente, progesta e, claro.
O quarto álbum da banda, Spirit Of Eden, é justamente considerado o salto mais radical da banda rumo ao desconhecido, mas não foi uma transição repentina. O terceiro álbum The Color Of Spring já era uma indicação clara de que a banda, e especialmente Mark Hollis, queriam seguir uma direção completamente nova. The Color Of Spring, que expandiu radicalmente a paleta sonora da banda, deixando de ser baseada em sintetizadores, já soava mais como Peter Gabriel do que como Duran Duran. Embora The Color Of Spring fosse um disco ambicioso, conseguiu atingir um grande público e se tornou o álbum de maior sucesso da banda. Isso também é essencial para o nascimento do Spirit Of Eden ...
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2. The Herb Robertson Brass Ensemble: Tons de Bud Powell
Shades Of Bud Powell é o terceiro álbum de Herb Robertson como líder da banda.
Estudado no famoso Berklee College of Music, o trompetista Herb Robertson (n. 1951) é talvez mais conhecido por seu papel nos discos do jazzista de vanguarda Tim Berne , mas também tem uma longa carreira como líder de sua própria banda.
Shades Of Bud Powell é uma homenagem do trompetista Herb Robertson ao grande pianista bebob Bud Powell, falecido em 1966 . Das seis músicas do álbum, todas, exceto a faixa-título de 12 minutos, que é a caligrafia do próprio Robertson, são composições de Powell.
Mesmo sendo uma música composta originalmente por um pianista, você não ouve nenhum piano no álbum, mas como você pode deduzir pelo nome de uma das músicas de Robertson, os instrumentos de sopro desempenham um papel importante. Na verdade, com exceção do baterista Joey Baron ( Naked City ), todo o sexteto é composto apenas por músicos de metais. Portanto, a formação nem inclui baixista, mas tudo bem porque o trombone de Robin Eubanks e a tuba de Bob Stewart lidam mais com as frequências baixas do que de maneira modelar, balançando e balançando seus instrumentos.
A música é principalmente muito barulhenta e chega a ser bastante vanguardista em alguns lugares, mas como contrapeso a toda a meca você também pode ouvir músicas parecidas com baladas, como a lenta e lindamente alongada "I'll Keep Loving You". Principalmente, porém, o som é caracterizado por numerosas linhas de vento diferentes competindo entre si, que criam tramas harmônicas complexas, muitas vezes vagando para o lado da dissonância. A bateria forte de Baron ao mesmo tempo impulsiona a música e, por outro lado, mantém os tocadores de metais selvagens sob controle.
Shades Of Bud Powell produzido por Stefan F. Winter é um álbum muito bem gravado. O som é distinto, mas ainda alto. A imagem sonora é ampla e clara, mas nunca muito solta. Há muita dinâmica. O som é atemporal e é quase difícil acreditar que o álbum foi gravado no final dos anos 80.
Shades Of Bud Powell é um disco de jazz único, até o ponto em que estou um pouco chateado por não parecer haver nada mais parecido. Shades Of Bud Powell é uma das melhores gravações de jazz de vanguarda dos anos 80 que tive o prazer de ouvir.
Melhores músicas: "Un Poco Loco", "I'll Keep Loving You", "Hallucinations"
****½
3. Fred Frith : The Technology of Tears
A Tecnologia das Lágrimas é, por ex. Quinto álbum solo do guitarrista Fred Frith , conhecido por Henry Cow e Art Bears .
Os anos 80 foram uma época difícil para os músicos progressistas. Eles basicamente tinham duas opções; simplificar a sua música para que ela se encaixe num molde ainda mais restrito da música mainstream, ou continuar com a sua própria linha intransigente e aceitar uma redução significativa no público comprador. Os artistas da vertente mais experimental da música progressiva nem sequer tiveram a primeira oportunidade mencionada, porque mesmo que tivessem passado para a música pop, não haveria maquinaria suficiente por trás deles para empurrar aquele material para o mercado com suficiente força. Muitos vanguardistas do rock progressivo encontraram um novo canal para a sua criatividade e, ao mesmo tempo, a oportunidade de ganhar algum dinheiro com a “música útil”. Do lado das artes performativas, havia uma procura pela sua criatividade e por ex. Colega de banda de Frith, Henry Cow Nas décadas de 80 e 90, Lindsay Cooper compôs muitas músicas para cinema, teatro, televisão e principalmente para o cenário da dança experimental.
A arte da dança também empregou Fred Frith em diversas ocasiões e The Technology Of Tears contém suas primeiras composições criadas para esse fim. Frith experimentou um pouco com sintetizadores e baterias eletrônicas em seu disco solo bastante humorístico, Cheap At The Half-Price (1983), mas com The Technology Of Tears ele salta seriamente para o fundo da tecnologia mais moderna de seu tempo. Especialmente as três partes do álbum "The Techonology Of Tears", que Rosalind Newman encomendou para a peça de dança de mesmo nome, usa o artista de vanguarda nova-iorquino John Zorn (Frith tocou um pouco mais tarde em Zorn's Naked City- configuração) sintetizador Synclavier emprestado capaz de amostragem. A combinação de sons sintéticos e orgânicos de Frith, instrumentos afinados à mão e sequências programadas me lembra às vezes Le mariage du ciel et de l'enfer de Art Zoyd . A obra composta para o ballet pelo coreógrafo francês Roland Petit da Art Zoyd é uma das obras de assinatura dos anos 80 em termos de música instrumental feita por músicos de vanguarda. Especialmente o uso de ostinatos sintéticos que se repetem persistentemente une as obras de Frith e Art Zoyd.
"The Techology Of Tears", de três partes e com aproximadamente 40 minutos de duração, é uma música premente e avassaladora, teimosamente batendo e batendo, que cria visões de pesadelo e totalmente claustrofóbicas de espirais ou labirintos sem fim girando em torno de si mesmos. No meio da fria pedalada tecnológica, entretanto, há vislumbres de humanidade aqui e ali, especialmente na forma das partes relativamente quentes do violino de Frith. Por outro lado, os uivos torturados do saxofone de Zorn são capazes de refletir a paranóia de um indivíduo vagando no meio de um beco sem saída tecnológico. Além de Zorn, a composição conta com a voz de Tenko Ueno e o scratching do toca-discos de Christian Marclay . Caso contrário, todos os instrumentos são tocados pelo próprio Frith.
A segunda composição do álbum, dividida em duas partes e com cerca de 18 minutos de duração, "Jigsaw" também foi encomendada para a peça de dança de Newman. Assim como "The Techology Of Tears", "Jigsaw" é tocado principalmente apenas por Frith. O único músico convidado desta vez é o trombonista Jim Staley . "Jigsaw" é uma música muito angular e muito emocionante. No estado de espírito errado, "Jigsaw" balançando perturbadamente é totalmente cansativo de ouvir. Um dos aspectos mais interessantes de “Jigsaw” é como Frith usa efetivamente diferentes vozes humanas como parte da música. Grunhidos amostrados e exclamações estranhas tornam-se uma parte natural da música complexa.
No final, "Jigsaw" oferece um pouco de alívio, já que sua conclusão, "Jigsaw Coda", relativamente suave, de três minutos, retorna às influências anteriores da música folk de Frith. É uma reminiscência das composições do lendário Gravity (1980) e contém um toque de guitarra elétrica deliciosamente sinuoso, que esteve frequentemente presente no álbum, mas não exatamente no papel principal.
The Technology Of Tears, que foi originalmente lançado em vinil como disco duplo, também continha uma obra chamada "Propaganda" com duração de mais de vinte minutos, que desde então foi lançada como um disco separado como uma versão expandida. Eu pessoalmente conheci The Technology Of Tears como uma versão mais curta em CD de 60 minutos que contém apenas "The Technology Of Tears" e "Jigsaw" e isso por si só é bastante desafiador. A Tecnologia das Lágrimas com ou sem “Propaganda” é pesada e intensa. mas com o estado de espírito certo, uma experiência muito gratificante.
Melhores músicas: "Sadness, Its Bones Bleached Behind Us", "You Are What You Eat", "Jigsaw Coda"
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4. Raoul Björkenheim / Krakatau: Ritual
Ritual é o primeiro álbum de estúdio do Krakatau liderado pelo guitarrista Raoul Björkenheim .
Nascido na Califórnia, mas mudou-se para a Finlândia ainda adolescente, o guitarrista Björkenheim (n.1959) conseguiu uma posição adequada no mundo do jazz pela primeira vez no Sound & Fury, uma mistura da oficina e da banda do baterista Edward Vesala . Incentivado por Vesala, Björkenheim também fundou sua própria banda Krakatau. Na verdade, pelo que entendi, Vesala até tocou na banda nos primeiros tempos, mas para a estreia em estúdio ele não está mais na turnê.
Ritual serve uma mistura exuberante de rock e jazz de vanguarda que soa bastante brutal. Junto com as batidas violentas da guitarra elétrica de Björkenheim, os instrumentos de sopro tocados rapidamente por Jorma Tapio e Tapani Rinnee desempenham um grande papel. O grupo rítmico também é forte. O contrabaixo e o baixo são tocados por Sampo Lassi e a bateria é tocada por Heikki Lehto e Michael Lambert . A maioria das músicas tem pelo menos dois bateristas.
Raramente o nome da banda e, por outro lado, o nome do álbum descrevem o conteúdo tão bem como no caso de Krakatau Ritual . O nome da banda Krakatau reflete onomatopeicamente
na minha opinião, o soneto barulhento e barulhento da banda é perfeito. Por outro lado, o nome do álbum Ritual é fácil de conectar com algum ritual exótico e ligeiramente sinistro que é realizado no topo do vulcão Krakatau, com fumaça subindo da cratera, Björkenheim e seus companheiros batendo seus instrumentos enquanto faíscas voam para dentro. o céu noturno escuro.
O álbum também tem momentos suaves de balada, mas no geral, Krakatau está no seu melhor com material um pouco mais violento. De um conjunto de alta qualidade (algumas músicas são fragmentos um pouco curtos), a faixa de abertura "Foot Talk" se destaca das demais, que troveja como um exército marchando por países e mantu. Um exército que tem ritmo em seu passo! A faixa título “Ritual” também é muito eficaz. Nele, os tocadores de metais e Björkenheim se transformam em animais selvagens rosnando e rosnando agressivamente, como em uma selva, enquanto o grupo rítmico toca um ritmo tribal ao fundo. No final, a vocalização das feras torna-se mais suave graças ao toque mais suave das flautas.
Ritual é uma obra marcante do jazz de vanguarda finlandês que tem recebido muito pouca atenção. Na sua forma espontânea de combinar jazz e rock, há algo completamente novo que está a anos-luz do jazz-rock nascido quase 20 anos antes. Em 1996, a banda americana de rock de vanguarda Cuneiform relançou o álbum com duas faixas bônus.
Nos seis anos seguintes, Krakatau lançou mais três álbuns de estúdio de alta qualidade, mas acho que há algo especialmente novo e cativante em Ritual .
Melhores músicas: "Foot Talk", "Matinaal", "Ritual", "New Day"
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5. Dagmar Krause : The Tank Battles – The Songs Of Hanns Eisler
The Tank Battles – The Songs Of Hanns Eisler é o segundo álbum solo de Dagmar Krause .
A alemã Dagmar Krause (n.1950) iniciou sua carreira aos 14 anos, cantando nas notórias casas noturnas Reeperbahn. No mundo do rock, ele se tornou conhecido não apenas por sua voz distinta, mas também por seu papel nas proeminentes bandas de rock de vanguarda Slapp Happy e Henry Cow .
Hanns Eisler (1898-1962) foi um compositor e ativista político austríaco conhecido por suas contribuições musicais, especialmente no campo da música cinematográfica e da música política. Estudou composição com Arnold Schönberg e ingressou em outra escola vienense. Eisler foi forçado a fugir da Alemanha em 1933 devido às suas convicções esquerdistas e ascendência judaica e se estabeleceu nos Estados Unidos. Lá ele compôs trilhas sonoras de filmes e colaborou com cineastas conhecidos (Eisler recebeu uma indicação ao Oscar por Hangmen Also Die , de Fritz Lang ). No entanto, as suas atividades políticas levaram à expulsão em 1948 de McCarthyna época. Retornou à Alemanha Oriental, onde compôs amplamente, inclusive o hino nacional da República Democrática Alemã (RDA).
A música de Hanns Eisler é caracterizada por uma combinação única de elementos de música clássica e popular. Guiado por Schoenberg, Eisler incorporou atonalidade e técnicas de 12 tons em suas composições. No entanto, Eisler rejeitou o modernismo como "elitismo burguês" (aqui está uma diferença interessante para Henry Cow, que era da opinião de que a mensagem progressista deveria ser envolvida na música mais progressista possível) já em meados do século XX e começou a inspiram-se cada vez mais na música folclórica, no cabaré e no jazz. Eisler escreveu muitas canções com comentários políticos mordazes nas letras.
A música de Eisler fascinou os músicos de tendência esquerdista de Henry Cow já na década de 70, e especialmente as muitas composições de Lindsay Cooper buscaram inspiração nessa direção. Krause cantava a música de Eisler ao vivo desde o final dos anos 70, e seu primeiro álbum solo Supply & Demand (1986) foi construído em torno das composições de Kurt Weill e Eisler. Com The Tank Battles, Krause se concentra exclusivamente na música de Eisler. Tal como acontece com Supply & Demand, o interesse de Krause desta vez está focado especificamente nas canções políticas de Eisler. As letras são escritas principalmente por Bertolt Brech . As primeiras composições são do final da década de 1920 e as últimas de meados da década de 1950.
As letras de Brecht têm um humor agudo e até ofensivo em alguns lugares, que Krause interpreta deliciosamente, sem esforço, versátil e cantando em estilos diferentes. O estilo é teatral, mas o núcleo emocional nunca é esquecido. Krause usa ricamente sua voz contralto rica em vibrato, mas em nenhum momento ele se entrega a uma alegria tão violenta de vanguarda como nas fileiras de Henry Cow ou Art Bears. Quem tem medo dos extremos de Krause não precisa se preocupar: Krause canta nos termos das músicas, mas ainda mantém sua originalidade.
Os ricos arranjos de Greg Cohen são semi-orquestrais. A música é uma estranha mistura de cabaré, jazz e música artística. As composições são curtas, de 2 a 3 minutos, miniaturas e às vezes acabam muito rápido.
O mundo sonoro totalmente acústico é construído com percussão, contrabaixo, viola, saxofone soprano, piano e fagote. Esta configuração básica é frequentemente complementada com um grande número de ventiladores adicionais. As estrelas da verdadeira "banda da casa" são o fagotista Lindsay Cooper e o contrabaixista Danny Thompson . O banjo de Graeme Taylor, conhecido dos convidados Gryphon , desempenha um papel significativo em algumas músicas.
Panzerschlacht: Die Lieder von Hanns Eisler, uma versão alemã de Tank Battles , também foi publicada no mesmo ano , mas não tive o prazer de ouvi-la.
Admito que não sei muito sobre as composições originais de Eisler, então é difícil para mim julgar o quão bem Krause e Cohen conseguem levar as músicas para novas faixas, mas pelo menos para um beco sem saída, The Tank Battles é um refrescante e curiosidade fascinante no meio do deserto pop oco e plástico dos anos 80.
Melhores músicas: "Song Of The Whitewash", "(I Read About) Tank Battles", "Ballad Of The Sacklingers", "The Rat Men - Nightmare", "Bankenlied", "Ballad Of (Bourgeois) Welfare", "The Trincheiras" "
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6. Dark: Tamna voda
Tamna Voda é o segundo álbum de estúdio da multinacional Dark .
Formado na Alemanha, liderado pelo baterista Mark Nauseef, o Dark lançou seu primeiro álbum em 1986.
O segundo álbum da banda foi feito com composição de quarteto. A bateria de Nauseef é acompanhada pela guitarra elétrica de Miroslav Tadić , baixo de Mark London Sims e percussão de Leonice Shinneman . Além disso, o violinista L. Shankar e o guitarrista David Torn fazem participações especiais em algumas músicas .
As forças motrizes de Dark são o guitarrista Miroslav Tadić e especialmente o baterista Mark Nauseef. O estilo de tocar de Tadić é uma mistura de John McLaughlin e Robert Fripp e, na verdade, de uma forma difícil de definir, às vezes penso na lenda do saxofonista John Coltrane . Nauseef, por outro lado, é um baterista muito forte e virtuoso que toca muito constantemente, mas nunca demais. Em seu estilo ouço uma sugestão de Bill Bruford e Trilok Gurtu . O gravador Walter Quintus também captou o som de Nauseef de forma excelente. Nauseef também compôs a maior parte do material de Tamna Voda.
A música instrumental de Tamna Voda pode ser descrita como uma mistura de jazz-rock e rock progressivo, e também há algumas influências étnicas do tipo gamelão. Apesar do nome, a música de Dark não é particularmente sombria, mas mesmo assim tem tons intensos e sombrios.
As melhores faixas do álbum são "Trilok", "Sacred Heart" e "Buzzed Heart". A faixa de abertura "Trilok" é um crawl intenso cujos riffs às vezes vão para cinco, às vezes param, me lembrando Mahavishnu Orchestra e King Crimson por outro lado . Na música, Shankar toca um solo de violino poderoso e rosnante. Por outro lado, o padrão de guitarra elétrica deslizante em forma de cobra de "Sacred Heart" traz vibrações de Fripp. No final, o padrão sinuoso da guitarra é deliciosamente acompanhado por um vibrafone agradavelmente tilintante por um tempo. "Buzzard Luck", por outro lado, é uma verdadeira bravura para Nauseef e sua batida de bateria é maravilhosa de ouvir.
Embora a música de Tamla Voda ocasionalmente traga à mente exemplos claros, ela nunca parece uma imitação vazia, mas a banda tem uma abordagem suficientemente original. É uma pena que Dark não tenha desenvolvido mais seu estilo, mas Tamla Voda foi o último álbum da banda.
Melhores músicas: “Trilok”, “Sacred Heart”, “Buzzard Luck”
7. The Lodge: Smell Of Friend
Smell Of A Friend é a primeira e única gravação do The Lodge .
O baixista John Greaves e o cantor/guitarrista Peter Blegvad se conheceram quando Henry Cow e Slapp Happy colaboraram no álbum Desperate Straights em meados dos anos 70 . Greaves e Blegvad imediatamente se deram bem e em 1977 lançaram o aclamado clássico cult do rock progressivo Kew. Ródano . Nesse álbum, as composições complexas de Greaves e as letras estranhas de Blegvad formaram um todo verdadeiramente encantador e único.
Kew. Ródano . não foi realmente um grande sucesso, mas o álbum se tornou um marco importante para Greaves e Blegvad, e eles planejaram durante anos fazer uma continuação do álbum. As raízes do The Lodge também estão nesses planos. Greaves e Blegvad fizeram alguma colaboração na década de 80 como parte de seus próprios discos solo, mas o projeto The Lodge foi originalmente iniciado com o propósito específico de completar a ideia há muito fervida de uma sequência de Kew . Ródano . No final, porém, o projeto tomou uma direção completamente diferente e a música de Smell Of A Friend não lembra muito Kew. Ródano. som avant-prog denso.
Na Loja, ao lado de Greaves e Blegvad, reuniram-se especialmente os colaboradores e parentes deste último. O irmão de Blegvad, Kristoffer Blegvad, foi escolhido como vocalista , e o futuro guitarrista do King Crimson, Jakko M. Jakszyk , que foi convidado nos dois álbuns solo de Blegvad, foi escolhido como guitarrista solo. A bateria é tocada por Anton Fier, com quem Blegvad tocou na banda The Golden Palominos . Kew. Ródano. -ecoa com Lisa Herman, que cantou naquele disco, que também canta outra música em Smell Of Friend. Eu teria gostado de ouvir mais de sua bela e melodiosa voz, porque Kristoffer Blegvad é bastante competente como vocalista, mas não particularmente interessante. Além da banda principal, os arranjos são complementados por alguns vocalistas de fundo, o contrabaixo de David Hofstra , o saxofone tenor do músico de jazz de vanguarda Gary Windo e o trompete do futuro maestro de smooth jazz Chris Bott . Os fãs vão trazer isso
Em vez de um avant-prog artístico, Smell Of A Friend é um rock artístico mais artístico ou pop progressivo suavizado com uma produção mainstream polida. Provocativamente, você poderia dizer que parece mais Dire Straits do que Henry Cow. Na verdade, se o álbum fosse descrito como Steely Dan tocando a música de Slapp Happy, eu diria que não cairia muito mal. A coisa mais estranha do álbum são as letras de Blegvad, que são tipicamente ambíguas e até enigmáticas. A letra da última faixa "Milk" fala de forma impressionante sobre o leite como parte de um ritual ocultista! Bem, vamos admitir que a atmosfera de festa sombria de "Old Man's Mood" também é bastante estranha musicalmente.
A habilidosa banda do The Lodge toca suas músicas relativamente simples de forma eficaz e sem grandes truques. Embora os preenchimentos de bateria de Fieri sejam bastante ativos em alguns pontos e claramente vão além dos requisitos mínimos das composições. Jakszyk toca um excelente solo de guitarra inspirado em Allan Holdsworth na faixa-título.
Algumas músicas do álbum, "Solitary" e "The Song", posteriormente ganharam novas versões nos álbuns solo de Greaves. E tenho que admitir que talvez essas versões dêem mais crédito às composições do que as interpretações de The Lodge.
Se Smell Of A Friend for confundido com o único Kew. Como sequência de Rhone ., certamente irá decepcionar. No entanto, se você definir seus objetivos um pouco mais baixos, Smell Of A Friend é um disco de pop progressivo bastante agradável e suficientemente original.
Melhores músicas: "Solitary", "Not All Fathers", "Smell Of A Friend", "Swelling Valley"
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8. John Surman : Private City
O saxofonista inglês John Surman ganhou destaque pela primeira vez ao lado do artista de vanguarda Mike Westbrook em meados dos anos 60. Surman vem gravando discos em seu próprio nome desde 1969. Desde o final da década de 70 gravou de perto especificamente para a empresa ECM, que também publica Private City .
Do lado do rock (e uso o termo vagamente agora) há muitos músicos como Mike Oldfield e Vangelis , que constroem paisagens sonoras ricas para seus discos sozinhos no estúdio com a ajuda de gravações sobrepostas. No jazz isto é raro, o que não é surpreendente, uma vez que o jazz se baseia em grande parte na interação espontânea de músicos. Claro, músicos de jazz fizeram muitas gravações para instrumentos solo, de guitarra a piano e contrabaixo, mas uma gravação baseada em gravações sobrepostas como Private City de Surman é uma raridade.
Private City é, portanto, uma gravação inteiramente construída por Surman sozinho em estúdio. O resultado final do trabalho árduo de Surman foi uma bela música instrumental enevoada e sensível que se move em algum lugar entre o jazz e o ambiente. Os instrumentos de sopro de Surman estão firmemente no papel principal e ele acompanha o pequeno gesto elegantemente com tapetes sintetizadores, piano ocasional e até sequências de luz que felizmente são misturadas claramente no fundo.
Os saxofones de Surman tecem padrões melódicos maravilhosos e muitas vezes bastante estranhos, que muitas vezes ocorrem em muitos níveis diferentes. O saxofone barítono e o clarinete baixo geralmente criam uma plataforma luxuosa sobre a qual o saxofone soprano pode pairar. O som dos saxofones de Surman é deliciosamente suave, mas ainda assim irregular e animado. O som tem influências étnicas de todo o planeta, sem que Surman tente fazer um pastiche da música de uma determinada região. Bem, vamos admitir que "On Hubbard's Hill" se move talvez com muita clareza e raiva.
Devido à sua natureza de luz suave, Private City é adequado como música de fundo, mas também tem aderência suficiente para uma audição ativa.
Melhores músicas: "Portrait of a Romantic", "The Wizard's Song"
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9. Last Exit: Iron Path
Iron Path é o primeiro álbum de estúdio da banda germano-americana Last Exit .
Tendo estreado em 1986 com o álbum ao vivo homônimo, Last Exit é composto por quatro músicos durões e experientes. Você quase poderia chamá-lo de supergrupo de jazz de vanguarda.
O saxofonista Peter Brötzmann (1941-2023) é conhecido por seu estilo de tocar intenso e até brutal. Machine Gun, lançado pelo octeto Brötzmann em 1968, é um clássico do free jazz. O baterista Ronald Shannon Jackson tocou, por exemplo. Ao lado de Ornette Coleman , Cecil Taylor e Albert Ayler . O guitarrista Sonny Sharrock já tocou com, por exemplo, Miles Davis , Pharoah Sanders e Herbie Mann . No mundo rock/pop, o integrante mais famoso do grupo é o baixista Bill Laswellque produziu artistas pop, mas também tocou em bandas de rock experimental como Massacre , New York Gong e Material .
Na música áspera e intensa do Iron Path , o free jazz encontra o típico rock sem ondas de Laswell de forma eficaz. Com toda a sua ferocidade, também poderia ser chamado de punk jazz. As 10 músicas do álbum são explosões compactas de 2 a 4 minutos onde muita coisa acontece. Na música, a imprevisibilidade do free jazz e o poder do rock em sua forma mais crua se encontram de forma cativante. Do Caminho de Ferrovocê pode dizer com a consciência tranquila o velho clichê de que é jazz onde ninguém solos e todos solos. Então praticamente todo mundo faz solo juntos o tempo todo. O resultado final de um caos controlado, que é principalmente emocionante, às vezes exaustivo. A maioria das músicas do Iron Path são explosões rápidas e violentas, mas felizmente há alguns gritos mais calmos. Às vezes, a música também tem uma atmosfera psicodélica legal
Junto com Killing Time do Massacre , Iron Path é um dos melhores discos de jazz/rock baseados em improvisação dos anos 80.
Last Exit continuou operando até o início dos anos 90, lançando muitos discos ao vivo, mas Iron Path continuou sendo o único disco de estúdio do quarteto.
Melhores músicas: "Prayer", "The Black Bat", "Detonator", "Devil's Rain"
10. Pharoah Sanders : Africa
O saxofonista Pharoah Sanders (1940-2022), que lançou o seu primeiro álbum como líder de banda em 1965, é uma das figuras centrais do jazz de vanguarda e é também conhecido como o chamado como um pioneiro do jazz espiritual. Especialmente o álbum Karma de 1969 é um trabalho significativo neste campo.
O texto da capa do álbum diz que Africa é uma homenagem ao saxofonista John Coltrane . As composições do álbum são "Naimaa" de Coltrane e "Speak Low" de Kurt Weill , exceto pela caligrafia de Sanders e do pianista da banda John Hicks . Em termos de estilo , porém, penso que África consegue imaginar um disco que Coltrane poderia muito bem ter feito em meados dos anos 60, depois de A Love Supreme , se o salto do homem para o espaço exterior não tivesse sido tão radical como foi. Nessa medida, África mistura com sucesso o jazz pós-bob e o jazz de vanguarda.
O álbum foi gravado com uma composição clássica de quarteto de jazz, ou seja, o saxofone tenor de Sanders é acompanhado por piano, baixo e bateria. O piano alegre, mas não muito alto, do pianista Hicks em particular impressiona, mas o grupo rítmico Curtis Lundy (baixo) e Idris Muhammad (bateria) também administram seu próprio enredo com estilo. O próprio saxofone de Sanders às vezes vibra maravilhosamente, mas principalmente sua execução é bastante suave desta vez. Esses dois lados do homem se encontram de uma forma maravilhosa na cativante faixa de abertura do álbum "You've Got to Have Freedom".
Em uma música, o quarteto é reduzido pela metade enquanto Sanders e o baterista Muhammad separam os dois no apropriadamente chamado “Duo”. É um raro dueto de saxofone e bateria de sucesso! Em geral, a África está no seu melhor em músicas rápidas. Nada de particularmente interessante pode ser extraído da balada "Naima" de Coltrane.
África não é um disco particularmente revolucionário, mas é um disco rápido e bem-humorado, mas também um jazz adequadamente ágil, que não demora muito.
Melhores músicas: “You've Got to Have Freedom” “Africa”, “After The Morning” “Duo”
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