Southern Empire e seu terceiro álbum de estúdio vêm com tons diferentes. Após a saída de Danny Lopresto, a adição do novo vocalista Shaun Holton traz outro tipo de marca melódica ao álbum de 7 músicas. Another World tem um entusiasmo bem equilibrado, clareza na sua natureza comovente e firmeza na execução instrumental. O desafio de explorar esses climas renovados nos traz um álbum com uma ampla gama de fontes e alternativas que traz à tona músicas e fragmentos divertidos que merecem um ponto extra de atenção.
Reaching Out inicia o álbum e se atém a elementos muito bem distribuídos. O ponto alto da banda está na faixa vocal dinâmica que invade e gera efeitos que se adaptam naturalmente. A música marca um ponto de destaque no álbum pela ideia de equilíbrio nesse novo mundo que estão construindo.
Face The Dawn apresenta acenos mais ambiciosos a outras bandas e conta com trechos agudos que marcam o nível de execução e compreensão instrumental que um trabalho de 12 minutos nos traz com tons sombrios e elegantes que deixam espaços para que os efeitos do arranjo coral sejam ouvidos .e os solos de guitarra marcantes. A música tem vários sucessos marcantes a serem resgatados, um deles é o pequeno fragmento de violino de Unruh.
Hold On To Me oferece uma pausa que destaca os sérios contrastes de Blokland com o poder de Holton. A combinação é interessante e tem um toque um tanto meloso que enfatiza totalmente a profundidade da letra. Tem um ar visceral de confissão e está prestes a ser muito longo.
When You Return começa com ondas mais imensas, assim como o discurso do universo que introduz aquela ampla alternativa de criatividade que o álbum ainda tem para nos oferecer. As variantes mais descoladas são marcantes e permitem avançar com segurança para aqueles tecidos harmoniosos que destacam a fusão coral que são um ponto alto para curtir e repetir. Os momentos de exploração espacial são um sucesso total dentro do álbum e continuam com aquele impulso lírico e musical para chegar a Moving Through Tomorrowo que é um desafio inspirador pelos seus elementos e recursos que proporcionam sentimentos de continuar tentando melhorar a cada dia. Os recursos fluidos, sintetizadores e harmonia vocal são maravilhosos e beiram a escuridão através de uma batida percussiva mais profunda e melódica que serve de pára-quedas para o que resta. É a música que une os pedaços de toda aquela ideia desafiadora de sobreviver diante das adversidades.
White Shadows é uma música que dura 20 minutos e é carregada de letras que beiram sutilmente a poesia e que se tornam muito relevantes pelo espaço que os instrumentos dão à lírica. O piano fluido, as passagens orquestrais e os sons eletrônicos proporcionam explosões emocionantes e cheias de confiança que gradualmente se espalham para cair na essência principal da música. A parte mais pesada é embebida numa fantástica sequência de instrumentos alinhados e afinados que é muito cerebral. As variações progressivas são melódicas e realmente destacam a experiência do Southern Empire na criação de obras completas de rock progressivo moderno e de alta qualidade.
Butterfly fecha o álbum com delicadeza, fluidez e com arranjos adequados para curtir os instrumentos que o acompanham. Como a maioria das músicas do álbum, a força da letra é o que lhe dá a dinâmica necessária para que o encerramento seja o esperado.
Outro Mundo é a síntese da evolução e do progresso significativo que o Império do Sul desenvolveu para transmitir a sua ideia. Conservou as ferramentas que os diferenciam e explorou outras sonoridades que fortaleceram sua ideia de rock progressivo com mais recursos visuais que destacam sua imaginação e sua capacidade de composição lírica. Os australianos deram o passo final para voar com mais confiança. O encerramento do álbum é um testemunho, eles têm asas, asas de voar, tudo muito borboleta .
Verdadeiros clássicos da modernidade; Os brilhantes brummies do IO Earth não param de nos encantar com discos e discos de extrema originalidade e carácter. O seu sétimo álbum de estúdio “Sanctuary” não é exceção, pois apresentam um trabalho profundamente atmosférico, mutável e melódico. Destaca-se a maravilhosa exibição vocal de Linda Odinsen , criando um rico contraste com as guitarras voluptuosas de Cureton. É uma banda que tanto estética como sonoramente nos lembra Evanescence (não há elogio maior), The Gathering ou Galahad. Bem como outros grupos neoprogressistas clássicos (IQ, Arena).
“Outside” consolida a vibração geral do álbum com uma introdução profunda e sombria sobre uma almofada de percussão eletrônica e moduladores. Um violão clássico aparece demonstrando a versatilidade e os contrastes da banda; Pouco depois, as melodias começam a ser construídas em vozes de duas oitavas. A bipolaridade do grupo se intensifica à medida que a distorção aparece nos riffs da guitarra sobre as cordas limpas e os pads brilhantes. Passamos da potência harmônica total para um conjunto silencioso de melodias árabes e vice-versa; tudo em questão de segundos. Uma ótima música que pode ser difícil de assimilar devido à forte presença da eletrônica em confronto com a organicidade dos demais instrumentos (essa particularidade é exposta diversas vezes ao longo do álbum).
Após o solo abrasador que encerra a música anterior, começa “Running”, com as melodias suaves oferecidas por Odinsen, cuja voz celestial de alguma forma evoca o canto de Anneke van Giersbergen do The Gathering. Uma bateria Trance estabelece um ritmo poderoso e marcado durante os versos para trazer à tona um refrão épico e emocional; transitório. A música termina com uma pausa instrumental caótica cheia de sintetizadores e dinamismo.
“Sanctuary”, a faixa título é um perfil musical da banda e todos os contrastes que ela tem a oferecer. Um baixo cortante e vários componentes eletrônicos guiam as melodias complicadas através de diferentes paisagens desoladas até o refrão detonar. Escuro, mas bonito, sombrio e pesado. Outra composição que usa a atmosfera e o cenário como contrapeso àquelas seções explosivas e arrepiantes. Tensões agudas aumentam em direção a um final decoroso; sintetizadores e guitarras virtuosos encerram a música em um gesto de poder, lembrando-nos que estamos ouvindo um progressivo de alta classe.
Em seus quase nove minutos, “The Child” nos captura em um belo mundo habitado por teclados de todos os tipos, a voz incessante de Linda e melodias estrondosas de guitarra que se apresentam em madeira e metal, através das passagens virtuosísticas e do acúmulo progressivo de complexidade. Um tom de guitarra profuso é respondido pelo baixo gerando temas instrumentais memoráveis e majestosos; A epopeia é sublime e oceânica, conseguindo elevar estas composições ousadas e arrojadas a um pedestal divino.
O clímax final de “The Child” pode sobrecarregar completamente o ouvinte e é por isso que “Close By” segue logo depois; uma peça muito mais reservada e intimista, melancólica e de intensidade limitada. A voz de Linda se funde com o piano clássico e preenche sozinha as frequências baixas e altas; proporcionando-nos uma magnífica demonstração do poder do romantismo e da solidão.
“Airborne” é uma fera melódica, com riffs pesados e pads de cordas no mais puro estilo Dream Theater. O violão clássico complementa maravilhosamente as melodias dissonantes que às vezes aparecem. São mostrados momentos maravilhosos de deboche instrumental: Estamos diante de um tema muito épico e pesado que vai dos tons menores aos maiores sem nenhum esforço, adotando uma gama emocional muito ampla.
“Changes” segue o caminho que “Airborne” marcou, e você ouve, como o título indica, mudanças bruscas, travamentos e impulsos. Mudanças de tonalidade e dinâmica fazem dessa música uma surpresa atrás da outra; Passamos do ambiente mais puro ao neo-prog visceral mais violento. Por vezes o baixo ocupa o centro do palco e guia-nos por um labirinto vocal decorado por outros instrumentos que se juntam a ele. A guitarra pesada é dúctil; indica mudança e também manutenção; hipnose. Que maravilhoso encontrar entre a frieza deste álbum seções tão abrasivas, melódicas e até esperançosas onde parecia não haver mais esperança. A música mais progressiva de todo o álbum, cheia de loucura harmônica.
“Sunshine” começa com um riff contra o sol; É hipnótico e sombrio; Como a Lua. Num ritmo incontrolável, a voz de Lídia está ligada e revela uma luz fraca refratada através de um vidro pesado. Uma música com uma produção estranhamente mais leve que as demais, talvez mais reservada e de menor profundidade; gera um efeito artístico interessante. No meio da música, um sax aperta nossas almas e rompe em um solo emocionante e inesperado. No final a guitarra volta ao centro do palco em um trecho mais rock progressivo para retornar ao riff inicial após tal deslocamento.
O álbum encerra com “Won't Be Afraid”, um trabalho acústico suave que sabe intercalar a eletrônica para gerar tensão. Lindas cordas se fundem com a voz de Odinsen para capturar as melodias que se despedem do mundo de “Sanctuary”. A bateria mais digitalizada explode no meio da música, mas a guitarra solo a acompanha em uma seção contrastante e explosiva. O álbum termina neste tom; mas com a voz feminina calorosa e as cordas assumindo a liderança em uma batida que se desenvolve continuamente.
Esta é uma obra que desde a sua capa denota uma dualidade bem marcada entre a beleza e o que nela se esconde; um tema principal que dá emoção à obra e a ilustra com uma sonoridade multicolorida, quebrando os padrões do gênero das formas mais inesperadas.
A ação de certas duplas de alto desempenho gera contrastes marcantes que caracterizam harmoniosamente o álbum: o masculino e o feminino, o tecnológico e o analógico, o ambiente e o melódico. Estar atento a estes detalhes reforça a experiência e profundidade intrínsecas a este trabalho; feito para todos e para ninguém.
Se fizessem uma lista com as bandas mais explosivas da história do rock, certamente o quinteto norte-americano MC5 estaria incluído sem a menor sombra de dúvidas. Através de uma sonoridade hiperagressiva, com guitarras distorcidas e sujas, bateria demolidora e vocais ensandecidos, o MC5 antecipava no final dos nos 1960 o que o punk rock faria em meados da década seguinte.
A banda foi formada em 1964, na cidade de Detroit, no estado do Michigan, Estados Unidos, a mesma cidade onde três anos depois surgiria outra banda explosiva, The Stooges, liderada pelo vocalista e “dublê” de contorcionista Iggy Pop. O grupo contava na sua primeira formação com Rob Tyner (vocais), Fred "Sonic" Smith (guitarra), Wayne Kramer (guitarra), Pat Burrows (baixo) e Bob Gaspar (bateria). No início, a banda era chamada de Motor City Five, por causa da fama da indústria automobilística da cidade natal, mas logo o nome foi abreviado para MC5.
Em 1965, o quinteto passa a explorar uma sonoridade mais pesada, suja e agressiva, o que motivou a saída de Pat Burrows e Bob Gaspar. No lugar deles, entraram o baixista Michael Davis e o baterista Dennis Thompson. Com a nova formação, o quinteto tornou-se a grande sensação no circuito de clubes de Detroit e arredores. O Grande Ballroom, em Detroit, era a principal casa de shows onde o MC5 se apresentava, sempre com apresentações arrebatadoras, tocando num volume ensurdecedor e arrastando uma legião de fãs. Além de tocarem de maneira agressiva e veloz, os integrantes do grupo se apresentavam bêbados ou “chapados”.
MC5, da esquerda para a direita: Fred "Sonic" Smith, Dennis Thompson, Rob Tyner, Wayne Kramer e Michael Davis. Na foto, os cinco usam no peito o button dos White Panthers, movimento do qual a banda era militante.
As apresentações acachapantes do MC5 chamaram a atenção do poeta e ativista John Sinclair, fundador e líder do grupo político de esquerda White Panthers (Panteras Brancas), de Detroit, que ao contrário do que se possa imaginar, nada tinha a ver com ideais de supremacia branca tão comuns nos Estados Unidos. Não só não tinha a ver como o grupo de militantes apoiava a causa dos Black Panthers (Panteras Negras) na luta pelos direitos civis dos negros. Os White Panthers defendiam o fim do capitalismo, a liberdade sexual e a liberação das drogas, principalmente a maconha. Sinclair se interessou no MC5 e se propôs a agenciar a carreira na banda. Além do talento, Sinclair parecia acreditar que a rebeldia e a popularidade da banda em Detroit seriam úteis para difundir a ideologia dos White Panthers. E não demorou muito para o MC5 se engajar na filosofia propagada por Sinclair e seus militantes.
Em 1966, o MC5 lança o seu primeiro single, “I Can Only Give You Everything”, e no ano seguinte, o segundo, “One Of The Guys”. O MC5 se mostrava cada vez mais envolvido no engajamento político dos White Panthers, tocando nas convenções promovidas pelos militantes e também nos protestos contra a Guerra do Vietnã como o que ocorreu em Chicago, em 1968, que reuniu milhares de hippies.
Ainda em 1968, após uma apresentação no Yippies’ Festival Of Life, em Chicago, o MC5 foi sondado por um representante da gravadora Elektra Records. Em pouco tempo, a banda de Detroit estava assinando contrato com aquela gravadora. Nos dias 30 e 31 de outubro do mesmo ano, o MC5 se apresentou no Grande Ballroom, em Detroit. As apresentações foram gravadas para o primeiro álbum da banda.
John Sinclair, em 1969: líder dos White Panthers e empresário do MC5.
Somente em fevereiro de 1969, chegou às lojas Kick Out The Jams. Álbum de estreia do MC5, gravado ao vivo no Grande Ballroom, Kick Out The Jams captou muito bem a energia avassaladora do quinteto cuspida no palco como poucas bandas de rock daquela época faziam.
O álbum começa com um discurso exaltado de John Sinclair, líder dos White Panthers e empresário do MC5. Em seguida, a banda ataca com a primeira música, “Ramblin’ Rose”, um rock forte e vigoroso, um som caótico, cantado pelo guitarrista Wayne Kramer. Uma frase polêmica e que virou grito de guerra do MC5, “Kick Out The Jams, Your Motherfuckers!”(Algo como “Vamos detonar, filhos da puta!”), é a senha para dar início à porrada sonora “Kick Out The Jams”, faixa que dá nome ao álbum, na qual o vocalista Rob Tyner parece vomitar tudo que sente nas entranhas. Sexo é um tema constante nas músicas do MC5, como em “Come Together”, onde Tyner canta a plenos pulmões “Nipples stiffen mama / Let me give tongue to it yes…”(“Mamilos endurecem mama / Deixe-me dar língua para ele sim...”). A pesada e veloz “Rocket Reducer Nº 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)” encerra o lado A do álbum com louvor.
Quem poderia imaginar que em meio àquela massa sonora ensurdecedora do MC5, era possível falar de amor? Em “Boderline”, faixa que abre o lado B, foi possível falar de amor sob uma base sonora caótica “I'm at my borderline / Love you girl, but I just don't know why / I, have to love you so.”(“Estou no meu limite / Te amo garota, mas eu não sei por que / Tenho que te amar tanto.”).
A faixa seguinte, “Motor City Is Burning”, havia sido gravado primeiramente pelo bluesman John Lee Hooker, em 1967, para o seu álbum Urban Blues. “Motor City Is Burning” diz muito a respeito da cidade natal do MC5. A música fala sobre um confronto monumental entre a polícia e a comunidade negra de Detroit, cujo estopim foi a prisão de 82 negros num bar que funcionava ilegalmente. O confronto ganhou grandes proporções que chegou a envolver a Guarda Nacional e até tanques do Exército. Com o MC5, “Motor City Is Burning” virou um blues rock. Nem precisa pensar muito pra saber de que lado daquele confronto o MC5 ficou.
Conflito racial ocorrido em Detroit, em 1967, e que virou tema abordado na letra da música “Motor City Is Burning”.
“I Want You Right Now” tem andamento lento, mas é pesada e traz guitarras distorcidas ao extremo e um canto rasgado e ensandecido de Rob Tyner, que em alguns momentos parece estar sendo espancado.
A longa e lisérgica “Starship” fecha o álbum. Conta sobre o desejo da banda em viajar numa nave espacial e percorrer o espaço sideral. Da metade para o fim da música, é puro experimentalismo psicodélico. Os músicos criam toda uma atmosfera psicodélica através dos ruídos de guitarra e bateria, levando o público a “viajar” naquela loucura sonora de pouco mais de 8 minutos.
Grande Ballroom, casa de shows onde o MC5 gravou ao vivo o álbum Kick Out The Jams, em 1969.
Kick Out The Jams comercialmente não foi lá grande coisa. Conquistou um modesto 30º lugar na Billboard 200, nos Estados Unidos. O single da faixa-título alcançou o 82º Billboard Hot 100.
Logo após o lançamento de Kick Out The Jams, o MC5 se meteu em várias confusões, e muito por conta da sua postura radical e agressiva. O seu famoso bordão “Kick Out The Jams, Your Motherfuckers!” havia se tornado um incômodo para setores mais conservadores. Até a própria gravadora, a Elektra Records, ficou chocada com a frase e tentou convencer a banda a trocar o bordão por outro: “Kick Out The Jams, Brothers and Sisters!” (“Vamos detonar, irmãos e irmãs!”).
Anúncio do MC5 publicado numa revista alternativa contra as lojas Hudson's.
Algumas lojas chegaram a boicotar o álbum do MC5, dentre elas a loja de departamentos Hudson’s. Respondendo ao boicote da Hudson’s, o MC5 publicou um anúncio de página inteira numa revista alternativa, onde incentivava os fã chutarem a porta da loja que não vendesse o álbum da banda. O anúncio finalizava com uma frase que pôs mais lenha na fogueira: “Fuck Hudson’s!”. O fato de o anúncio trazer a logo da Elektra Records, foi interpretado pelo Hudsons’s como se a gravadora estivesse conivente com aquela propaganda desaforada. A rede de lojas decidiu tomar uma atitude radical: não só manteve o boicote ao álbum do MC5, mas também aos discos de todos os artistas da gravadora Elektra. Atitude do MC5 revoltou os executivos da Elektra que não havia autorizado o uso de sua marca no tal anúncio polêmico. Por causa do prejuízo e da imagem arranhada perante a opinião pública provocada pelo anúncio do MC5, a Elektra reincidiu o contrato com quinteto de Detroit.
Para completar o “pacote de problemas” do MC5, ainda em 1969, o empresário da banda e líder dos White Panthers, John Sinclair, foi preso por ter oferecido dois cigarros de maconha a um policial disfarçado. Certamente, Sinclair já estaria na mira das autoridades norte-americanas por causa do seu ativismo em defesa da liberação da maconha. Sinclair foi jugado e condenado a dez anos de prisão. A condenação de Sinclair gerou protestos, e o ativista recebeu apoio de astros da música como John Lennon e Stevie Wonder pedindo a liberdade do agora ex-empresário do MC5. Em 1971, John Sinclair foi libertado.
Quanto ao MC5, a banda seguiu sem Sinclair, assinou um contrato com a gravadora Atlantic Records em 1970, por onde lançou dois álbuns, Back In The USA(1970) e High Time(1971), ambos álbuns de estúdio. Em 1972, o MC5 encerrou as suas atividades. Rob Tyner faleceu em 1991, vítima de ataque cardíaco, aos 46 anos. Pelo mesmo motivo, morreu três anos depois Fred “Sonic” Smith, aos 45 anos, que era casado com a cantora e poetisa Patti Smith.
Mesmo com toda a polêmica e confusões que provocou, o álbum Kick Out The Jams deixou um legado inquestionável. Ao longo do tempo, tornou-se uma obra relevante para a história do rock, por ter pavimentado caminho para as vertentes roqueiras que vieram eram depois do seu lançamento e que primavam pelo som agressivo e sujo, como o punk rock e o grunge rock. Não à toa, a crítica, numa atitude revisionista da história do rock, passou a classificar anos mais tarde o som do MC5 e de bandas semelhantes de sua geração como Stooges, de proto-punk, ou seja, seriam os precursores do punk rock.
Faixas
Lado A
“Ramblin' Rose” (Fred Burch - Marijohn Wilkin)
“Kick Out the Jams”
“Come Together”
“Rocket Reducer No. 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)”
Lado B
“Borderline”
“Motor City Is Burning” (Al Smith)
“I Want You Right Now” (Colin Frechter - Larry Page)
“Starship” (MC5 - Sun Ra)
Todas as faixas são de autoria do MC5, exceto as indicadas.
MC5: Rob Tyner ( vocais), Wayne Kramer (guitarra solo, vocal de apoio e vocal principal em “Ramblin' Rose”), Fred "Sonic" Smith (guitarra base e vocais de apoio), Michael Davis (baixo) e Dennis Thompson (bateria).
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