Badfinger 'Straight Up': uma obra-prima do Power Pop

 

Capa do álbum Straight Up de 1971 do Badfinger

Se alguma banda parecia preparada para continuar o manto dos Beatles no início dos anos 70, essa banda era Badfinger. Assinado com o selo Apple Records dos Beatles, o quarteto britânico - Pete Ham, Tom Evans, Joey Molland e Mike Gibbins - já havia marcado dois sucessos no Top 10 em 1971. O primeiro, uma música irresistível e chiclete intitulada “Come and Get It”, foi escrita e produzida para a banda por Paul McCartney. A segunda, uma explosão contundente de pop-rock intitulada “No Matter What”, foi escrita por Ham, cujas extraordinárias habilidades de composição estavam rapidamente se tornando evidentes.

Esse foi o pano de fundo para Straight Up , terceiro LP de Badfinger. Lançado nos EUA em 13 de dezembro de 1971, o álbum é justamente considerado um marco no power pop. “Foi assim que passou a ser chamado o tipo de música que fazíamos”, disse Molland, falando sobre a etiqueta “power pop” com este escritor em 2012, para um artigo do M: Music & Musicians . “Nós nos considerávamos continuadores da tradição da música com a qual crescemos, que incluía tudo, incluindo os Beatles. Isso significava canções tradicionais galesas, canções folclóricas, rock and roll americano e bandas vocais americanas. Demos um toque pesado à música, porque gostávamos de rock and roll, mas também tornamos as músicas melódicas.”

As sessões de Straight Up começaram em janeiro de 1971 no Abbey Road Studios, com o engenheiro dos Beatles Geoff Emerick auxiliando Ham e Evans na produção. Sob pressão para trabalhar rapidamente – uma turnê de primavera de dois meses na América se aproximava – o grupo completou 12 faixas até março. No entanto, os poderosos da Apple rejeitaram as gravações como “muito grosseiras”, e George Harrison foi contratado para supervisionar uma nova rodada de sessões começando no final de maio.

Harrison, um ávido fã de Badfinger , já havia trabalhado extensivamente com o grupo, recrutando todos os quatro membros um ano antes como parte de seu conjunto na obra de 1970, All Things Must Pass . “[De todos os Beatles], ele era definitivamente o mais próximo da banda”, disse Molland mais tarde ao Vintage Rock . O plano geral de Harrison para Straight Up era criar algo “mais sofisticado”.

“George queria suavizar as coisas”, lembrou Molland. “Ele queria fazer um álbum mais no estilo Abbey Road . Ele pegou nossa versão original de Straight Up , examinou as músicas e letras e os arranjou da mesma forma que fazia com sua própria música. E então ele nos fez tocar esses arranjos. Ficou ótimo, embora até hoje eu ache que algumas das versões originais estão mais próximas do que a banda era.”

Molland elogiou Harrison como um colaborador “extremamente agradável”. “Ele não agiu como um 'rock star' ou um Beatle”, disse ele. “Foi tudo muito confortável. Ele não teve escrúpulos em pegar seu violão e tocar um pouco conosco. Na verdade, acho que ele gostou de fazer isso, tanto quanto gostou de todo o resto. Ele trabalhou nas letras conosco e ficou animado com as músicas à medida que elas tocavam. Ele começou a sentir que poderia ser um disco de sucesso.”

Na verdade, a majestosa ponte da balada característica de Straight Up , “Day After Day”, consiste em um dueto de guitarra tocado por Harrison e Ham. “Pete e eu estávamos no estúdio, trabalhando nas partes, e George entrou e perguntou se nos importaríamos se ele tocasse nela”, lembra Molland. “É claro que dissemos: 'Não, não nos importamos!' Dei a ele meu violão e ele começou a trabalhar nele.”

Ao todo, Badfinger completou cinco músicas com Harrison - “I'd Die Babe”, “Sweet Tuesday Morning”, “Suitcase”, “Name of the Game” e “Day After Day”. Outras pessoas envolvidas nas sessões de Harrison incluíram Leon Russell, cujo trabalho de piano aparece com destaque em “Day After Day”, e Klaus Voormann, que contribuiu com piano elétrico em “Suitcase”. Russell também adicionou partes de guitarra à última música.

Infelizmente, as sessões com Harrison foram interrompidas no final de junho, quando o ex-Beatle voou para Los Angeles para trabalhar com Ravi Shankar. Enquanto estava em Los Angeles, Harrison concordou em encenar o Concert for Bangladesh, o que efetivamente acabou com qualquer chance de seu trabalho de produção em Straight Up ser retomado . Com a bênção de Harrison, Todd Rundgren foi contratado para completar as sessões. Apesar (ou talvez devido à) tensão contínua entre Rundgren e a banda, o projeto foi concluído em apenas duas semanas. Os pontos altos das sessões de Rundgren incluíram “Take It All”, uma meditação escrita por Ham sobre a performance de Badfinger no concerto beneficente de Harrison; e “Baby Blue”, uma obra-prima baseada em riffs fuzz que desde então se tornou um clássico do rock clássico.

Molland ficou satisfeito com os resultados, mas também estava determinado a que Badfinger não perdesse a vantagem e se tornasse um peso leve pop. “Tínhamos sucessos pop, claro, e estávamos orgulhosos deles, mas queríamos ser conhecidos como uma banda de rock”, disse ele mais tarde ao Music Radar . “Não queríamos ser um desses grupos twee como o Marmalade. Damos muito valor a ter ótimas músicas, mas quando chegou a hora de subir ao palco, fizemos shows de duas horas e fizemos jams, a coisa toda. Se você fosse ver Badfinger, tinha um show de rock; não se tratava apenas de ver esse grupo que tinha algumas músicas nas paradas.”

Foto sem data de Badfingersite.com

Straight Up , é claro, alcançou um sucesso comercial considerável - incluindo uma permanência de 32 semanas na parada dos 200 melhores álbuns da Billboard . O single “Day After Day” alcançou a posição # 4 na parada Hot 100, e seu sucessor, “Baby Blue”, teve um desempenho quase tão bom. As resenhas do álbum foram geralmente favoráveis ​​e, mais importante, o legado e a influência de longo alcance do LP perduraram. Tudo isso torna a história abrangente de Badfinger ainda mais triste.

Infelizmente, o que deveria ter sido um futuro longo e glorioso para Badfinger acabou se tornando uma tragédia de dimensão shakespeariana. Vitimado por uma gestão sem escrúpulos, o grupo separou-se apenas três anos depois o lançamento de Straight Up . Dois dos membros fundadores da banda - Pete Ham e Tom Evans - acabaram suicidando-se. Para seus muitos fãs, a tristeza perdura, mas nada pode diminuir o brilho do que Badfinger realizou.

“Estávamos sempre nos esforçando para fazer algo grandioso”, disse Molland. “Prestamos muita atenção ao que nossos colegas estavam fazendo, ao que as bandas da nossa época estavam fazendo, e queríamos ser tão bons quanto qualquer um deles. Todos esses anos depois, a música de muitas dessas bandas não resistiu ao teste do tempo, mas o material do Badfinger continua. Acho que Pete e Tom ficariam surpresos. Eu sei que eles ficariam muito felizes.”

'Any Day Now' de Joan Baez: um tributo amoroso a Bob Dylan

 

Em 29 de julho de 1966, Bob Dylan estava viajando perto de sua casa em Woodstock, Nova York, quando bateu sua motocicleta Triumph Tiger 100, supostamente danificando várias vértebras do pescoço. Nenhuma ambulância foi chamada e ele nunca foi hospitalizado; a maioria dos detalhes foi ocultada da mídia. Em sua autobiografia, Crônicas, Dylan admitiu que “se machucou, mas me recuperei. A verdade é que eu queria sair da corrida desenfreada.” Ele se estabeleceu em uma vida doméstica com sua esposa e filhos.

Seu poderoso empresário Albert Grossman foi forçado a aceitar a retirada de Dylan dos shows ao vivo e sessões de gravação, mas para manter a renda fluindo, Grossman decidiu espalhar discretamente demos de mais de uma centena de músicas que Dylan nunca havia lançado comercialmente, algumas das quais foram recentemente lançadas. feito com sua banda de apoio, os Hawks, que moravam em uma casa próxima apelidada de “Big Pink”. Várias músicas se tornaram sucessos, incluindo “Mighty Quinn” de Manfred Mann, “You Ain't Going Nowhere” dos Byrds, “Too Much of Nothing” de Peter, Paul & Mary e (na Inglaterra) “This Wheel's On Fire” de Julie Driscoll. , Brian Auger e The Trinity e uma versão em francês de “If You Gotta Go, Go Now” da Fairport Convention. As músicas de Dylan podiam funcionar no mercado mesmo quando ele se recusava a aparecer.

Este anúncio do álbum apareceu na edição de 9 de janeiro de 1969 da revista especializada Record World.

Joan Baez , que esteve no círculo íntimo de Dylan por muitos anos, tanto como parceira romântica intermitente quanto como líder de torcida musical, decidiu lançar um álbum inteiro dessas novas e negligenciadas composições de Dylan para seu selo Vanguard, mudando-se para a CBS de Nashville. estúdios no outono de 1968. A nata dos “gatos de sessão” da Music City foi reunida, incluindo Pete Drake (guitarra de aço), Fred Carter Jr. (bandolim), Kenny Buttrey (bateria), Norbert Puttnam (baixo), Hargus “Pig ” Robbins (piano), Johnny Gimble (violino) e os guitarristas Jerry Reed, Jerry Kennedy e Grady Martin, que também atuou como diretor da banda. (Stephen Stills também está listado no encarte, mas como todos os instrumentistas, não há identificação exata do que ele tocou.)

Muitos dos músicos se juntaram a Dylan nas sessões de Blonde on Blonde no mesmo estúdio de gravação, e tocaram mais uma vez para Baez e seu produtor/proprietário da gravadora Maynard Solomon. O LP duplo lançado alguns meses depois, em dezembro, Any Day Now , “ganhou ouro”, alcançou a posição 30 na parada de álbuns pop da Billboard e rendeu um sucesso de rádio com “Love Is Just a Four-Letter Word”. As sessões foram tão frutíferas que até forneceram o conteúdo de seu álbum seguinte, David's Album , lançado apenas seis meses depois.

Para muitos, o relacionamento de Baez com Dylan como pessoa e compositor foi e é difícil de entender. Como ela escreveu nas notas de seu box Rare, Live & Classic : “Tocar com Bob Dylan foi eletrizante, especialmente durante os primeiros anos. Ele tinha um carisma reverso que me atraiu, pela forma como se afastou. Eu era exatamente o oposto, mas lá estávamos nós juntos. Foi provocador de tensão. O público ficou surpreso com toda a mitologia de tudo isso.”

Velhos amigos: Bob Dylan e Joan Baez se reuniram no concerto do Domingo da Paz em 1982

Any Day Now começa com “Love Minus Zero/No Limit”, originalmente ouvida no LP Bringing It All Back Home de Dylan. O arranjo depende muito da cítara elétrica Danelectro, anteriormente apresentada em “Cry Like a Baby” dos Box Tops e “Green Tambourine” dos Lemon Pipers. Combinado com a guitarra de aço no meio do caminho, proporciona uma atmosfera verdadeiramente incomum, junto com a bateria leve e os violões brilhantes. A voz de Baez é cristalina, sua articulação das letras complexas é perfeita, enquanto ela se afasta um pouco de seu vibrato poderoso. A gravação anuncia que este será um álbum de experimentação e detalhes com influências country, totalmente diferente de seu lançamento de meados de 1968, Baptism: A Journey Through Our Time .

O dobro (tocado por Harold Bradley ou Harold Rugg) conduz uma versão galopante e lindamente solta de “You Ain't Going Nowhere”, que também apresenta uma adorável seção de violino de alguma combinação de Buddy Spicher, Tommy Jackson e Johnny Gimble.

Baez apresenta versões igualmente confiáveis ​​de canções de Dylan já ouvidas em LPs conhecidos (quatro de The Times They Are A-Changin' e o épico “Sad Eyed Lady of the Lowlands” de Blonde On Blonde ), mas o núcleo de Any Day Now consiste em canções que não veriam a luz do dia até o álbum subsequente de Dylan, John Wesley Harding , e Music From Big Pink da banda . “Drifter's Escape” (mais dobro excelente e uma bateria muito estilosa) e uma “I Pity the Poor Immigrant” conduzida pelo piano encerram o lado um de Any Day Now . Os vocais de Baez são maravilhosamente emocionais, lidando tanto com brincadeiras quanto com baladas: é uma blasfêmia sugerir que ela canta ambos melhor do que o autor?

Baez maneja audaciosamente "Tears of Rage" a cappella . Escrita por Dylan com Richard Manuel da banda, a versão Music From Big Pink é uma obra-prima, mas a versão de Baez é surpreendente, de cair o queixo e superlativa. A nota que ela dá a “ladrão” deveria ser consagrada no hall da fama de um vocalista.

“Sad Eyed Lady of the Lowlands”, de 11 minutos, tem uma infinidade de toques instrumentais delicados, e Baez traz um tipo diferente de melancolia feminina às palavras, proporcionando um gêmeo adequado à leitura do próprio Dylan. Essas duas músicas preenchem todo o lado do LP com brilho ininterrupto.

O terceiro lado do LP começa com “Love Is Just a Four-Letter Word”, uma música que Dylan nunca tocou ao vivo ou lançada em disco, e que pode ser vista sendo roubada por Baez antes mesmo de ser concluída durante a turnê britânica de Dylan em 1965 no documentário Não olhe para trás . The Danelectro retorna em um arranjo que ultrapassa a fronteira do country-pop. Mereceu alcançar muito mais do que a posição 86 na parada de singles da Billboard . O Vanguard não era conhecido por ter a força necessária para o marketing da música pop, mas conseguiu dar a Baez seu único hit no top 5 alguns anos depois, quando “The Night They Drove Old Dixie Down” alcançou o terceiro lugar na Billboard quando retirado dela . último álbum do Vanguard, Blessed Are. . .

Mais duas músicas eventuais de John Wesley Harding , “I Dreamed I Saw St. Augustine” e “Dear Landlord”, são estreadas no lado três. Baez não parece completamente à vontade com nenhum deles: o primeiro tem um vocal um tanto brando que soa como um primeiro take, e o arranjo folk-rock do segundo parece um pouco cafona demais em 2022. A valsa “Walls of Red Wing” combina melhor com Baez, com violino e pedal steel da tradição dancehall do Texas e trabalho de piano que ecoa o ícone de Nashville, Floyd Cramer. Dylan gravou duas vezes durante 1963 e rejeitou ambas as versões; o take das sessões do Freewheelin' acabou sendo lançado como parte do primeiro volume da Bootleg Series em 1991.

Outro destaque do Any Day Now é “I Shall Be Released”. Baez mergulha exuberantemente na melodia e adiciona um sabor gospel com um refrão overdub. É bem diferente da maneira como Richard Manuel canta em Music From Big Pink . Essa foi a única música de Any Day Now que Baez escolheu para tocar durante seu set em Woodstock no dia 16 de agosto de 1969, à 1h30, e sua versão ao vivo lá é ainda melhor.

Baez lida bem com a novidade “Walkin' Down the Line”, mas certamente é Bob menor, originalmente interpretada por Dylan para a revista Broadside em 1962 e como uma demo de publicação no ano seguinte. Foi gravado por outros cerca de uma dúzia de vezes antes de Baez experimentá-lo; ela não consegue extrair tanto humor disso quanto Arlo Guthrie fez quando cantou em Woodstock, suficientemente chapado.

“Boots of Spanish Leather” e a conclusão “Restless Farewell” são verdadeiramente mágicas, com dois dos melhores vocais de Baez. Ela coloca “Restless Farewell” como a faixa final do álbum, assim como Dylan fez em The Times They Are A-Changin' , mas é outro caso em que o aluno excede o mestre, não no cansaço do mundo (Dylan tem controle sobre isso), mas na beleza da expressão e no poder lírico.

Baez desenhou os desenhos fantasiosos que enfeitam a capa e a capa interna do LP duplo, tirando o título do álbum do refrão emocionante de “I Shall Be Released”. Quando seus dias como artista da Vanguard terminaram, ela começou uma associação frutífera com a A&M Records, produzindo uma de suas raras canções de sua autoria, “Diamonds & Rust”, uma retrospectiva de seu relacionamento com Bob Dylan e a cena de Greenwich Village.

Baez, nascida em 9 de janeiro de 1941, continua como uma ativista e musicista influente, com integridade e voz intactas.

Assista Baez reprisar seu cover de “Love is Just a Four-Letter Word” de Dylan para o documentário de Martin Scorsese, No Direction Home

'Souvenirs' de Dan Fogelberg - uma lembrança que fazia parte do plano

 

Mesmo no início, Dan Fogelberg parecia ter tudo a seu favor: um talento tremendo, um estoque excepcional de músicas, uma abordagem despretensiosa e uma série de amigos famosos em quem ele podia confiar prontamente. Isso foi confirmado pelo fato de que apenas com seu segundo álbum, S ouvenirs, ele foi capaz de se estabelecer rapidamente como um cantor/compositor promissor e proficiente. Sua música era atraente em vários níveis, visto que compartilhava um som que o posicionava dentro do mainstream musical do sul da Califórnia e um lugar de destaque que ele desfrutou ao lado dos Eagles, America, Jackson Browne, Poco, Flying Burrito Brothers e outras bandas que compartilhava uma sensibilidade semelhante. Nesse sentido, também apelou às massas, com canções sugestivas mas sóbrias, íntimas e ao mesmo tempo acessíveis, tudo ao mesmo tempo.

Embora seu primeiro Home Free, lançado dois anos antes, se apoiasse em uma abordagem mais campestre e, como resultado, ganhou apenas uma atenção limitada, Souvenirs, lançado em novembro de 1974, evitou quaisquer restrições melódicas específicas, cortesia de um conjunto de canções que colocava ênfase em refrões convincentes que facilmente causavam um impacto imediato. A abordagem valeu a pena, colocando o álbum entre os 20 primeiros e culminando em vendas que equivaleram ao status de platina dupla. Não atrapalhou o fato de ele ter um elenco repleto de estrelas que dividiam espaço com ele na marquise, principalmente Joe Walsh, que não apenas supervisionou a produção do álbum, mas também tocou guitarra em 10 das 11 faixas do álbum. Ele não estava sozinho; outros membros do conjunto de Fogelberg incluíam Eagles Glenn Frey e Don Henley, Graham Nash, Gerry Beckley of America, o percussionista Joe Lala, o veterano baterista Russ Kunkel, o pedal steel player Al Perkins e dois arranjadores de cordas excepcionais, Paul Harris e Jimmie Haskell .

Este anúncio do álbum e do single “Part of the Plan” apareceu na edição de 30 de novembro de 1974 da Record World

Também é justo dizer que a associação de Fogelberg com seu empresário e promotor de alto nível, Irving Azoff, também ajudou em sua posição. Ele foi apenas o segundo artista a assinar com a crescente lista de clientes famosos de Azoff, que inicialmente incluía REO Speedwagon, mas eventualmente cresceria para abranger Eagles, Journey, Lindsey Buckingham, Steely Dan, Van Halen, Harry Styles e Bon Jovi. Azoff também adquiriu Walsh para sua lista, o que provavelmente ajudou a encorajar a disposição de Walsh de sentar-se atrás dos conselhos, uma das poucas vezes em sua carreira em que ele concordou em assumir as funções de produção de outro artista.

Dito isto, dada a reputação de Walsh como um roqueiro decididamente implacável, tanto sozinho quanto com sua banda seminal, James Gang, alguém poderia facilmente ser perdoado por pensar que a relação Fogelberg/Walsh poderia ter evoluído para uma incompatibilidade musical. Até mesmo os Eagles estavam preocupados com a possibilidade de Walsh ingressar em suas fileiras desde o início, pensando que ele era muito selvagem e imprudente para encontrar um ajuste em seu estilo perfeito.

Felizmente, descobriu-se que não havia motivo para preocupação.  Souvenirs produziria várias das canções mais indeléveis encontradas no excepcional catálogo de Fogelberg. A onda de abertura de “Part of the Plan” dá o tom, uma introdução hino que transmite seus sentimentos através de uma entrega decididamente determinada. O plano em questão, o mantra musical de Fogelberg, estava perfeitamente alinhado, já no início.

A música que se segue, “Illinois”, lembra o acaso caseiro tão predominante no início de Home Free , mas é deixada para a narrativa sóbria compartilhada em “Song from Half Mountain” e o réquiem revelador que conclui o álbum, “There a Place in o mundo para um jogador”, para evocar as emoções tão centrais na perspectiva aparentemente presciente de Fogelberg:

“Há uma luz nas profundezas
Da sua escuridão
Há uma calma no olho
De cada tempestade.
Há uma luz nas profundezas
da sua escuridão.
Deixe brilhar"

Infelizmente, a música acabaria por prever o destino que se abateria sobre o próprio Fogelberg em uma idade muito precoce. Em maio de 2004, ele foi diagnosticado com câncer de próstata e, embora tenha entrado em remissão parcial, retornou pouco tempo depois e acabou ceifando sua vida. Na época, ele tinha 56 anos.

Ouça “As the Raven Flies”

Em última análise, é a música “Morning Sky” que parece resumir melhor sua promessa inicial e o legado persistente que ele deixou para trás:

“OOO, e isso me faz parar e
me perguntar por que
As pessoas dão seus corações e se viram
e dizem adeus
Se há algo em sua mente
É melhor você dizer isso enquanto há tempo
Porque eu vou embora quando vejo aquele
céu da manhã”

A letra prediz o fato de que, embora houvesse outras canções clássicas geradas em seu arsenal musical nos anos seguintes - “Leader of the Band”, “Same Old Lang Syne”, “Part of the Plan” e “The Language of Love ”entre eles - Fogelberg deixou o mundo cedo demais. Ele era um trovador de coração terno que exibia suas emoções em sua proverbial manga e as compartilhava alegremente com legiões de ouvintes, que o viam como o epítome de um artista infinitamente expressivo, mas também alguém que foi capaz de trazer outros para sua órbita através de tanto ternura quanto tenacidade.

Nesse sentido, Souvenirs continua a ser uma lembrança essencial, e se não for o melhor álbum de Fogelberg – embora muitos insistam que é – é o único trabalho que ainda o resume sucintamente.

Ouça Fogelberg cantar a faixa-título de Souvenirs ao vivo no Carnegie Hall