terça-feira, 2 de janeiro de 2024

CRONICA - YONIN BAYASHI | ’73 四人囃子 (1978)

 

Para quem quer redescobrir a magia e a formação de Ishoku-Sokuhatsu , este 6º Lp de Yonin Bayashi (四人囃子) é feito para você. Bom para quem errou um passo, Yonin Bayashi é a referência do prog japonês. Formado nos subúrbios de Tóquio no início dos anos 70, este grupo reúne o guitarrista/vocalista Katsutoshi Morizono, o baixista Shin'ichi Nakamura, o baterista Daiji Okai e o tecladista Hidemi Sakasita. Eles tiveram a oportunidade de lançar seu primeiro álbum em 1973, compondo parte da trilha sonora de二十歳の原点(Hatachi No Genten). No ano seguinte imprimiu Ishoku-Sokuhatsu , referência no prog japonês. Só que a sequência não será do mesmo calibre, entre a saída de alguns músicos e uma mudança de gravadora, Yonin Bayashi não pôde estar ali artisticamente. Os discos que se seguem não devem ser jogados fora, mas estamos longe do risco de Ishoku-Sokuhatsu .

Portanto, este '73四人囃子chega na hora certa. Exceto que esta LP é publicada sem o conhecimento dos interessados. Na verdade, o LP foi impresso em 1978 pela gravadora Tam, uma gravadora que publicou二十歳の原点Ishoku-Sokuhatsu antes de Yonin Bayashi partir para a CBS e mais tarde para See-Saw.

Gravado em 1973, este disco ao vivo traz boa parte do setlist de Ishoku-Sokuhatsu aguardando para ser lançado. Feito de 4 peças cantadas em japonês, o som é correcto mas acima de tudo ouvimos um grupo que não sofre pressões dos estúdios para nos oferecer um prog libertado, por vezes feito com improvisações tentadoras. Abre com os 13 minutos de “おまつり” (Omatsuri Yappari) num clima descontraído, tranquilo, um pouco exótico que nos convida a viajar. A influência do Pink Floyd paira sobre este título. Isto irá aumentar a pressão sem nunca nos preocupar com esta pausa espetacular. O lado A termina com os 8 minutos de “ 空飛ぶ円盤に弟が乗ったよ” (Soratobuenban Ni Ototo Ga Notta Yo) para uma introdução devastadora e ameaçadora no estilo ELP. Depois entra em delírios épicos como Yes ou mesmo Deep Purple.

O segundo lado abre com os 5 minutos de “中村君の作った曲” (Nakamuraku No Tsukutta Kyoku) um ritmo e blues jazzístico com toques de funky, pesado e boogie capaz, porém, de trazer um pouco de doçura. Chega o final, os 15 minutos de “一触即発” (Ishoku-Sokuhatsu). Começa com uma guitarra hard rock que arrasa tudo em seu caminho. Mas a cantora, brincando com as emoções, acalma os ânimos. Não termina com jams apocalípticas no estilo Deep Purple para cavalgadas infernais onde a guitarra se mostrará prolífica.

Até hoje meu disco favorito do Yonin Bayashi.

Títulos:
1. おまつり
2. 空飛ぶ円盤に弟が乗ったよ
3. 中村君の作った曲
4. 一触即発

Músicos:
Daiji Okai: Bateria
Katsutoshi Morizono: Guitarra, Vocais
Shin'ichi Nakamura: Baixo
Hidemi Sakasita: Teclados



CRONICA - COSMOS FACTORY | Metal Reflection (1977)

 

Se há uma consistência no Cosmos Factory é mudar o estilo musical enquanto permanece na esfera do rock progressivo. Passando do rock ácido cósmico para o eletro psyche que brinca com as emoções, feito de aromas carmesim para terminar com rock espacial com molho King Crimson.

Com Metal Reflection impresso pela Express em 1977, a mudança foi radical! Com excepção de duas peças que tentam em vão agarrar-se ao prog, Cosmos Factory oferece-nos um Lp que se divide entre o funk metalóide e o synth-pop com sonoridades industriais próximas do Kraftwerk e David Bowie, mas ainda assim com mais rock. Os dois gêneros às vezes combinam maravilhosamente.

O órgão retrô que ouvimos no Lp homônimo (1973) e A Journey With The Cosmos Factory (1975) se foi. Terminei esta guitarra sob influência de Robert Fripp que se estendeu em Black Hole (1976). Exceto talvez na balada sonhadora e nebulosa “Rainy Day Dreams”. Momento raro que nos leva de volta ao passado. Sai também o japonês, agora o quarteto canta em inglês provavelmente na esperança de atingir o público internacional.

Porém, o baixista Toshikazu Taki, o tecladista Tsutomu Izumi, o guitarrista Hisashi Mizutani e o baterista Kazuo Okamoto não caíram na simplicidade. Mesmo que pareça mais direto, com a ajuda do percussionista Kuni Toyoda, eles tiveram o cuidado de complicar seu setlist com alguns truques impressionantes.  

No lado funky temos a abertura futurista “Down The Highway” que cheira a urgência, a exótica “Violent Heat” onde o baixo impressiona atravessado por uma flauta jazzística suingante. Sem falar no heavy jazz desenfreado, “Sexy Cats” com seu sax abrasivo e esse solo de violão que te leva na cara. Um título precursor disso seria King Crimson nos anos 80.

Do lado do synthpop há o folk cósmico sombrio “Shades Of Time” tocando as emoções, a revigorante e cativante “A Glass Of Happiness” onde retorna este órgão retrô rasgado por uma guitarra hard rock e um sintetizador esmagador. Concluímos com a faixa homônima, pedaços de heavy metal estratosférico embebidos em querosene e assombrados pelo fantasma de Hendrix.

De resto deparamo-nos com o galopante instrumental punk “Strato-Dynamite” bem como com a sinfónica e dramática “White Moon” conduzida por um piano melodioso com um cravo desesperado à espreita.

Nunca tendo alcançado o sucesso, Metal Reflection será o último esforço da Cosmos Factory, que se desfez pouco depois. Todos serão esquecidos. Continua sendo um grupo que se tornou cult.

Títulos:
1. Down The Highway          
2. Shades Of Time    
3. Violent Heat          
4. Rainy Day Dreams
5. Um copo de felicidade      
6. Sexy Cats  
7. Strato-Dynamite   
8. White Moon          
9. Metal Reflection

Músicos:
Toshikazu Taki: baixo, voz
Kazuo Okamoto: bateria
Hisashi Mizutani: guitarra, voz
Tsutomu Izumi: teclado, voz

Produção: Fábrica Cosmos



CRONICA - HIGH RISE | II (1986)

 

HIGH RISE foi um grupo de Tóquio que existiu entre 1982 e 2002. Durante este tempo, esta formação estruturada em torno do vocalista/baixista Asahito Nanjo e do guitarrista Munehiro Narita lançou 4 álbuns de estúdio e 3 álbuns ao vivo. Inicialmente, o grupo de Tóquio decidiu se chamar PSYCHEDELIC SPEED FREAKS, mas, a conselho de sua gravadora PSF, mudou seu nome para escolher definitivamente HIGH RISE.

HIGH RISE fez sua estreia em gravação em 1984 com uma performance ao vivo intitulada…  Psychedelic Speed ​​​​Freaks  ! Para o lançamento de seu primeiro álbum de estúdio real, HIGH RISE teve que esperar até 1986 para lançá-lo e foi chamado  II .

Neste álbum, HIGH RISE mistura alegremente Garage-Rock, Punk, Rock Psicodélico e jams instrumentais. Ao ouvir este  II , o trio de Tóquio parece não impor limites a si mesmo. A speederie instrumental punkoid “Cycle Goddess”, ágil com seus 54 segundos no relógio, é apenas um aperitivo que serve para trazer o ouvinte para dentro do álbum. As coisas sérias realmente começam com “Turn You Cry”, uma explosão de Garage-Rock/Punk que é tocada no fio da navalha com guitarras raivosas e afiadas que cospem seu veneno, um solo muito presente, um baixo muito presente, constantemente sob pressão e uma canção velada, quase aérea, que contribui para tornar tudo eficaz. Um pouco mais adiante, a contundente “Last Rites” é igualmente carregada de adrenalina e os músicos aproveitam a oportunidade para enlouquecer, largando os cavalos sem calcular com suas guitarras ardentes e incontroláveis ​​e, pensando bem, foi certamente útil fonte de inspiração para o movimento chamado Action Rock. Mudanças em HIGH RISE se registram no mid-tempo “Cotton Top”, preso entre Garage-Rock e Rock Psicodélico, que tem a particularidade de enfeitiçar, de inebriar com suas guitarras hipnóticas e agressivas, um solo incandescente, o canto aéreo de 'Asahito Nanjo , bem como um final ao vivo que tem o dom de transportar você para uma viagem alucinógena e, do meu ponto de vista, teria sido bom ver este título um sucesso na época, só para ir contra a corrente. Ainda nestas mesmas águas musicais, "Wipe Out" tem uma atmosfera desencantada, ao mesmo tempo que liberta uma verdadeira raiva autêntica com um solo de guitarra incendiário que serve de motor a este título e que, neste momento, parece o início dos anos 70, especialmente porque os músicos se permitem improvisar. O momento mágico e louco do álbum é “Pop Sicle”: esta peça fluida de 13'09 ecoa o período 1969-1972, quando os grupos se permitiam longos vôos instrumentais improvisados; os músicos tocam dando a impressão de estar possuído, o guitarrista Munehiro Narita parece estar em outro planeta enquanto faz riffs e solos como se sua vida dependesse disso, como se o amanhã não existisse com seu jeito de desferir maratonas de assaltos de guitarra, sem fôlego , imparável. Além do mais, o final é louco, desenfreado graças ao ritmo acelerado. Aqui está uma peça tão alucinante quanto encantadora, uma peça musical extraordinária que beneficiaria se fosse descoberta e, sobre este assunto, se um YouTuber quiser oferecer um vídeo listando joias raras lançadas nos anos 80, este "Pop Sicle" é tudo anotado.

Este primeiro álbum real do HIGH RISE é muito bom e destaca claramente a coesão entre os músicos. Estes estão em chamas, inspirados, muitas vezes possuídos. Em 1986, este  II  era uma espécie de OVNI musical que não atendia a nenhuma especificação específica e passou despercebido, pelo menos fora do Japão. De qualquer forma, vale a pena tentar este primeiro álbum do HIGH RISE.

Lista de faixas:
1. Cycle Goddess
2. Turn You Cry
3. Cotton Top
4. Last Rites
5. Wipe Out
6. Pop Sicle
7. Monster a Go Go [faixa bônus 1993]
8. Induced Depression [faixa bônus 1993]

Formação:
Asahito Nanjo (vocal, baixo)
Munehiro Narita (guitarra)
Yuro Ujiie (bateria)

Rótulo : PSF

Produtores : Kazu Hama e Kenji Nakazawa



Maravilhas do Mundo Prog: Mike Oldfield - Hergest Ridge [1974]

 



Depois do incrível e inesperado sucesso de Tubular Bells, a mídia voltou seus olhos e ouvidos para as invenções do jovem Mike Oldfield. A imagem do músico britânico foi exaustivamente divulgada em tudo que é revista, programa de TV e álbum de figurinhas (esse último, um exagero obviamente), deixando o mesmo cansado e irritado com a exposição de sua figura.

Para tentar livrar-se do assédio que estava sofrendo, Mike decidiu mudar-se para o interior da Inglaterra, vivendo nos limites do país com o País de Gales, na colina de Hergest Ridge, em Kington, Herefordshire. O local é conhecido por ser o ponto mais alto da Inglaterra, com aproximadamente 430 metros, e é um dos locais mais belos daquele país.

Mike Oldfield, na sala de mixagem da Virgin

Foi nesse retiro, cercado apenas pela natureza, que Mike continuou suas experimentações musicais, aprofundando seu conhecimento nos mais diversos instrumentos, e criando mais uma obra essencial dentro do rock progressivo. Segundo o próprio Mike Oldfield, "Hergest Ridge é um lamento para os ambientes calmos", e durante suas duas partes, somos levados por amenos e intensos instantes de música.

Gravado durante a primavera inglesa de 1974, o segundo álbum de Mike Oldfield chegou às lojas em agosto daquele ano, levando o nome da colina-refúgio do guitarrista, baixista, percussionista e diversos outros instrumentos que o britânico toca, alcançando  a primeira posição em vendas no Reino Unido em 14 de setembro daquele ano, aonde permaneceu por três semanas, seguido por Tubullar Bells na segunda colocação, sendo que em 05 de outubro de 1974 Hergest Ridge foi ultrapassado por Tubular Bells, mostrando que os fãs estavam famintos pelas experimentações do músico.

David Bedford e Mike Oldfield

Trazendo a participação de Chilli Charles (caixa), Terry Olffield (instrumentos de sopro), Lindsay Cooper (oboé), June Whiting (oboé), Ted Hobart (trompete), William Murray (chimbal), Sally Oldfield (vocais), Clodagh Simonds (vocais), o coral London Sinfonietta Voices e um quarteto de cordas, ambos conduzidos por David Bedford, e lembrando que Oldfield toca: violão, baixo, guitarras, órgaos Farfisa, Gemini, e Lowrey, glockenspiel, gongo, mandolin, nutcracker, sleigh bells, tímpano e sinos tubulares.o álbum demonstra uma maior inclinação para o lado orquestral, quando comparado com Tubular Bells, mas possui diversos momentos que nos remetem ao primeiro álbum de Oldfield.

A suíte começa com um longo acorde de teclado, e tímidas notas nos sinos tubulares apresentam o tema central, muito lento, feito por instrumentos de sopro, lembrando temas galeses que nos acostumamos a ver em filmes relacionados aquele país. Esse tema repete-se por diversas vezes, com alterações nas notas e/ou sequência das mesmas. O mandolin passa a acompanhar os instrumentos de sopro, repetindo o tema central e trazendo outros instrumentos, como piano e violões, que encorpam a canção por alguns instantes.

Mike Oldfield

A partir de então, o mandolin fica repetindo o tema central, acompanhado por um órgão que repete suas notas como um eco, e pelo andar suave das cordas ao fundo, enquanto os sinos tubulares saltitam alegres entre os dois. Uma guitarra repleta de efeitos encerra o tema do mandolin, e abre espaço para o trompete.

Agora, ele é que repete o tema central, com o acompanhamento ao fundo cada vez mais forte, e ganhando beleza com uma leve guitarra que sola alucinada entre as notas do trompete. A canção ganha corpo, evoluindo maravilhosamente com a entrada de outros instrumentos (violão, guitarra, órgão, ...).

Repentinamente, a guitarra surge em camadas (como já havia ocorrido em "Tubular Bells"), e torna a canção mais fúnebre, levando para o breve solo de órgão, acompanhado por um dedilhado estranho da guitarra. Guitarra e órgão fazem mais um tema, muito breve, e entramos em um novo momento na suíte.

Oldfield exibe-se ao violão clássico, com um dedilhado muito belo, e o oboé abrilhanta seu solo, remetendo-nos ao tema central mas com muitas variações. A presença do coral nesse trecho de "Hergest Ridge", bem como a sobreposição dos oboés, é belíssima, digna de ser comparada aos gigantes da música clássica como Beethoven e Mozart.

Oldfield tocando baixo

As guitarras sobrepostas voltam a preencher a canção, com notas arrastadas e carregadas de efeito, para dividir espaço ao mesmo tempo com os oboés e o coral, ora com os oboés em destaque, ora com as guitarras em destaque, mas em ambos os casos, é impossível não perceber o lindo dedilhado de violão clássico que continua ocorrendo ao fundo. É essa junção de instrumentos que torna a suíte tão linda.

Sinos tubulares e guitarras modificam novamente a canção, que agora torna-se agitada, com o xilofone fazendo seu solo acompanhado por baixo, guitarra e teclados, lembrando bastante o trecho das apresentações dos instrumentos em "Tubular Bells", principalmente pelo andamento das notas de baixo, e sobre esse andamento, Oldfield sola sua guitarra em notas longas, sem nenhum virtuosismo, colocando apenas seu sentimento para fora, em uma melodia agradável. 

O solo de guitarras sobrepostas continua, acompanhado agora apenas por longos acordes de órgão, e então o coral aparece com suas vocalizações, e com a guitarra e o violão divertindo-se sobre o tema vocal do coral, a primeira parte da suíte é encerrada ao som de sinos tubulares e do tema central feito novamente pelos instrumentos de sopro, deixando a expectativa para o que virá no lado B. 

Contra-capa original de Hergest Ridge

A segunda parte de "Hergest Ridge" surge com um dedilhado de violão e longos acordes de sintetizadores, deixando guitarras e instrumentos de sopro criarem um novo tema, que irá governar essa sessão por alguns instantes, sendo esse tema apresentado por guitarra, xilofone e teclados. A guitarra pula soberba dessa repetição de temas, com muitos arpejos que percorrem todo o braço, trazendo baixo, violão e instrumentos de sopro.

O violão sola sobre o andamento de violões, baixo e instrumentos de sopro, assim como o coral também permite-se fazer um solo vocal em quatro estrofes, cantando as seguintes palavras que lembram o italiano, mas não tem significao a princípio: 

Selo do LP, n° V2013
"Borla, Di ena, Labato, Oncota, Dolmonya, Oh gusto, Mekara, Ah resta mena (2x)

Borla, Di ena, Labato, Oncota, Dolmonya, Oh gusto, Mekara, Oh gosto mega

Borla, Di ena, Labato, Oncota, Dolmonya, Oh gusto, Mekara"

enquanto as guitarras e violão continuam a solar ao fundo.

Guitarras, mandolin e teclados encerram o solo vocal, e o andamento leve mantém-se, com o violão sendo o centro das atenções. O tema central da primeira parte reaparece timidamente, feito por sintetizadores, e é seguido pela sobreposição de guitarras, que faz o mesmo tema de forma sombria e tensa, acompanhado pelas notas fortes de baixo e por longos acordes de sintetizador. 

É o sintetizador que dita o ritmo do solo de flauta, e uma grande explosão nos leva para o veloz trecho, com guitarras dobradas, teclados e baixo repetindo o mesmo tema por diversas vezes, em um ritmo alucinado, que é dividido em duass partes: a primeira mais cadenciada, lembrando o tema central do Lado A, e a segunda é mais longa, na qual Oldfield sola com sua guitarra, e que parece ter sido chupinhada por diversas bandas de synth pop nos anos 80, faltando apenas batidas bate-estaca ao fundo.

O trecho é concluído, deixando o violão dedilhar e nos levar ao encerramento de "Hergest Ridge", acompanhado por cordas, repetindo o tema central ao lado de guitarras, órgão, flautas e a repetição das vocalizações em italiano, para longos acordes de sintetizador e violões fazerem as notas de despedida de mais uma Maravilhosa obra de Oldfield.

Relançamento de 2010, no formato DELUXE

Em 2010 o álbum foi relançado pela Mercury Records (originalmente, Hergest Ridge foi lançado pela Virgin, com número de catálogo V2013, ou seja, o décimo terceiro disco do selo), trazendo uma nova mixagem para a versão original do vinil. O álbum também saiu no formato DELUXE, trazendo como bônus "In Dulci Jubilo (For Maureen)" e "Spanish Tune". 

A principal diferença em ambas as edições, além da mixagem de 2010, é a nova capa, que consta com uma imagem de uma fotografia aérea sobre a região de Hergest Ridge, ao invés do tradicional cachorrinho da capa original. Uma limitadíssima versão Box Set, com apenas duzentas e cincoenta cópias, também foi produzido, e vendida apenas pelo site oficial do músico. Nesta caixa, estão a versão DELUXE, um LP e a capa autografada do álbum.

Box em tiragem limitada

Oldfield continuou sua carreira, lançado o ótimo Ommadawn (com a participação dos africanos do Jabula) em 1975 e o maravilhoso Incantations, álbum duplo de 1978, que talvez seja o seu trabalho mais audacioso. Ambos são verdadeiras Maravilhas Prog, mas serão tratados futuramente por aqui. Exposed (1979) é o álbum duplo ao vivo que encerrou a primeira e mais criativa fase da carreira do britânico, com álbuns apenas com uma única canção, repletas de novidades e sonoridades.

O músico continua perambulando pelos palcos da Europa e América, lançando álbuns regularmente - o mais recente é Man on the Rocks, que saiu no último 03 de março, sendo o vigésimo quinto álbum do artista - e ainda encantando com os clássicos de um passado Maravilhoso.

Mike Oldfield em 2013, sempre sob a sombra de Tubular Bells

Track list

1. Hergest Ridge - Part I
2. Hergest Ridge - Part II





Mahavishnu Orchestra - 1973-02-17 - Case Western University, Cleveland

 



Mahavishnu Orchestra
February 17, 1973
Adelbert Gymnasium,
Case Western University,
Cleveland, OH

O guitarrista de jazz britânico John McLaughlin começou tocando em várias bandas do Reino Unido e fazendo sessão de trabalho em meados da década de 1960. Em 1969, mudou-se de Londres para Nova York para se envolver na cena jazz de Nova York. E ele era muito ativo, tocando com Tony Williams , Wayne Shorter, MiroslavVituos, Joe Farrel e, mais notavelmente, tocou em vários álbuns de Miles Davis , incluindo In a Silent Way, Bitches Brew, Live-Evil, On The Corner, Big Fun. e A Tribute to Jack Johnson . Ele também lançou uma série de álbuns solo, incluindo Extrapolation (1969), Devotion (1970) e My Goal's Beyond ( 1971) nessa época. Esse último álbum foi inspirado no líder espiritual indiano de John, Sri Chimnoy , e foi por inspiração que ele assumiu o nome de 'Mahavishnu'. Após esse álbum, McLaughlin recrutou o baterista panamenho Billy Cobham e o violinista americano Jerry Goodman , que havia trabalhado com ele no álbum, para se juntarem a ele em sua nova banda de jazz-rock fusion, a Orquestra Mahavishnu. Também se juntaram ao grupo o baixista irlandês Rick Laird e o tecladista tchecoslovaco Jan Hammer . Seu estilo musical misturou muitos gêneros, combinando jazz com rock eletrificado de alto volume, ritmos complexos e compassos incomuns, música clássica indiana e europeia e funk. Seus dois primeiros álbuns, The Inner Mounting Flame (1971) e Birds of Fire (1973), ambos instrumentais, foram lançados com ótimas críticas e respostas entusiasmadas. Eles estavam na vanguarda do contingente de rock progressivo movido a jazz do início dos anos 1970. No entanto, durante as sessões de seu próximo álbum, tensão, turbulência e desentendimentos pessoais dentro do grupo surgiram e as sessões foram abortadas, e a banda se separou. Um álbum ao vivo Between Nothingness and Eternity (1973) foi lançado (que incluía músicas das sessões abortadas), mas essas sessões só foram lançadas quase 40 anos depois ( The Lost Trident Sessions - 2011). McLaughlin rapidamente reformou a banda com novos músicos em 1974 ( Jean-Luc Ponty-violino, Gayle Moran-teclados, Ralph Armstrong-baixo, Narada Michael Walden-bateria) e outra série de álbuns lançados ( Apocalypse- 1974, Visions of o Emerald Beyond -1975, eInner Worlds- 1976), embora com algumas mudanças adicionais de pessoal a cada álbum, antes da banda se separar novamente em 1976. McLaughlin passou a vários outros projetos ao longo dos anos, incluindo Shakti, One Truth e The Translators , antes de se reformar. Mahavishnu novamente em 1984, com o baterista original Billy Cobham , mas nessa época sua música era muito diferente da banda original. Após esta curta terceira encarnação, McLaughlin passou para o John McLaughlin Guitar Trio e outros projetos. Billy Cobham teve uma carreira solo de sucesso, além de tocar com muitas outras bandas. Jan Hammer e Jerry Goodman também tiveram carreiras de sucesso trabalhando com vários músicos, bem como um aclamado álbum juntos ( Like Children -1974). Mas aqui temos um grande show do início do apogeu da banda original, após o lançamento de Birds of Fire , mas antes do fim da formação original. Aqui está uma impressionante demonstração do estilo inovador e influente da Orquestra Mahavishnu original .

Tracklist:
1. Birds Of Fire >
2. Open Country Joy
3. Hope >
4. Awakening
5. Miles Beyond
6. One Word
7. Sanctuary >
8. The Dance Of Maya
9. Vital Transformation

John McLaughlin - Guitarra Elétrica Doubleneck
Rick Laird - Baixo elétrico
Jerry Goodman - Violino elétrico
Jan Hammer - Teclados
Billy Cobham - Bateria




Destaque

Cássia Eller - Veneno Antimonotonia (1997)

  Álbum lançado em 1997 e é uma homenagem ao cantor e compositor Cazuza, com regravações de algumas de suas canções. Faixas do álbum: 01. Br...