CRONICA - RICHARD MARX | Richard Marx (1987)

 

Filho de músicos, Richard Marx esteve imerso no mundo artístico desde criança. Foi com o pai que se formou na profissão, frequentando desde muito cedo os estúdios de gravação, enquanto os amigos da escola ainda estavam na caixa de areia. Precoce em tudo, Marx ainda era um estudante do ensino médio em sua cidade natal, Chicago, quando começou a lançar sua primeira demo. Por uma feliz coincidência, caiu nas mãos de um certo Lionel Richie que teve a gentileza de contactar o jovem Marx, encorajando-o a mudar-se para Los Angeles e até oferecendo-se para tentar abrir-lhe algumas portas. Isso será feito alguns meses depois. Estamos então no início dos anos 80 e esse garoto da voz de ouro ainda terá que provar seu valor antes de experimentar o sucesso que estamos experimentando. Terá primeiro de crescer à sombra daqueles que são maiores do que ele, e é como corista e por vezes também compositor que se aproximará de alguns dos pesos pesados ​​do momento: Lionel Richie dá-lhe naturalmente a sua oportunidade, oferecendo-lhe o seu primeiro noivado; outros como George Benson, Kenny Rogers, Christopher Cross e Madonna, por sua vez, abrirão o caminho para ele. Marx é ambicioso; Seguro do que sabe, reserva as suas melhores canções, aquelas cujo potencial claramente sente, como “Should've Known Better”, que se tornará um dos seus grandes sucessos poucos anos depois de a ter composto.

No início de 1986, o cantor assinou seu primeiro contrato como artista solo. As coisas acontecerão muito rapidamente a partir de então. Primeiro single – no qual encontramos três ex-Eagles incluindo Joe Walsh na guitarra slide – “Don't Mean Nothing”, com seus toques blues, se consolidou no ranking americano e perdeu por pouco o primeiro lugar na Billboard Hot 100, principal barômetro de vendas de discos de 45 rpm nos Estados Unidos. Não foi nenhuma grande surpresa com a balada, “Hold On To The Nights”, que ele ganhou o prêmio alguns meses depois. E devemos reconhecer que, neste registo tão perigoso, e ainda mais quando temos a imagem de um pedaço e, portanto, se espera que dobremos a esquina, devemos reconhecer, portanto, que Marx tinha know-how nesta matéria. área. Também temos confirmação disso em “Endless Summer Nights” e “Heaven Only Knows” que com um groove westcoast e um bom reforço de saxofone devem ter derretido mais de um admirador. Sem dúvida menos conhecido do grande público pelas suas canções mais rock, Richard Marx foi, no entanto, particularmente notável. No gênero AOR, “Should've Known Better”, por exemplo, não falta fôlego. Frescura, melodia cativante, dinamismo, está tudo aí. Um pouco mais áspera, “Have Mercy” dá lugar de destaque aos guitarristas Michael Landau e Bruce Gaitsch – que permanecerão por muito tempo parceiros fiéis do cantor – com sonoridade e estilo que evocam Steve Lukather, que fará parte da comitiva de Marx desde o próximo álbum.

O fato é que Marx ainda é um jovem e que alguns erros também devem ser notados: com um início promissor e vagamente sombrio, “Lonely Heart” decepciona quando chega o refrão. Muito leve, muito suave... Esta é também a crítica que poderíamos fazer a "Remember Manhattan", sem falar nos arranjos pop que outrora teríamos descrito como "hi-tech" e que não envelheceram muito bem. As letras dessas duas faixas menos bem-sucedidas musicalmente foram escritas por seu amigo Fee Waybill, vocalista do The Tubes. Isso significa que Richard Marx teve mais dificuldade em musicar textos que ele mesmo não havia escrito? Entre o pop e o rhythm & blues, “Rhythm Of Life” também sofre um pouco com o peso dos anos, principalmente pelos arranjos um pouco secos novamente. De referir, de passagem, que os pais da cantora, Ruth e Dick Marx, dão modestamente o seu contributo ao juntarem-se à longa lista de coristas que emprestaram a sua voz a este título.

O contido mid-tempo "The Flame Of Love", por outro lado, é muito mais sedutor, neste registo AOR que tão bem convinha a Richard Marx e que, na sua carreira, infelizmente rapidamente se tornará apenas uma memória. Longe de ser uma concha vazia, Marx apresentava-se aos vinte e quatro anos como um músico talentoso, um compositor inspirado com influências bastante diversas e um cantor de primeira linha que também sabia cercar-se bem. Um músico que superou em muito a imagem do cantor bucetão que também foi, de fato, nesse período, mas que seria muita burrice reduzir a isso.

Títulos:
01. Should’ve Known Better*
02. Don’t Mean Nothing
03. Endless Summer Night*
04. Lonely Heart
05. Hold On To The Night
06. Have Mercy
07. Remember Manhattan
08. The Flame Of Love
09. Rhythm Of Life
10. Heaven Only Knows*

Músicos:
Richard Marx: vocais, backing vocals, teclado, bateria, piano
+
Michael Landau: guitarra
Bruce Gaitsch: guitarra
Joe Walsh: slide guitar (2)
Michael Omartian: piano, teclado
Rhett Lawrence: teclado, programação, bateria
Jim Lang: teclado , formação
Tom Keane: teclado
John Pierce: baixo
Nathan East: baixo
Patrick O'Hearn: baixo
Joe Chemay: baixo
Prairie Prince: bateria
John Keane: bateria
Tris Imboden: bateria
Paulinho Da Costa: percussão
Alex Acuna: percussão
Dave Boruff: saxofone
Jerry Ei: metais (9)
Bill Reichenbach: metais (9)
Gary Grant: metais (9)
Larry Williams: metais (9)
Fee Waybill: backing vocals
Timothy B. Schmit: backing vocals
Randy Meisner: backing vocals
Karyn White: backing vocals
Ruth Marx: backing vocals
Cynthia Rhodes: backing vocals
Terry Williams: backing vocals
Dean Pitchford: backing vocals
Bobby Colomby:
backing vocals Peter Doell: backing vocals
DeWayne Brady: backing vocals
Dick Marx: backing vocals
Loretta Munoz: backing vocals
Ross Schwartz: backing vocals
Anne Schwartz: backing vocals
Susanne Christian: backing vocals
Susanne Edgren: backing vocals
Shelley Cole: backing vocals
Brittney Cole: backing vocals
David Cole: backing vocals
Julie Landau: backing vocals

Production : Richard Marx, David Cole, Humberto Gatica (*)

Label : Manhattan Records

CRONICA - BILLY SQUIER | The Tale Of The Tape (1980)

 

Nascido em 12 de maio de 1950 em Massachusetts, Billy SQUIER fez muitas aventuras durante os anos 70, trabalhou notavelmente no PIPER durante a segunda metade desta década, tendo também tido o privilégio de abrir o KISS em 1977 (com 2 noites no Madison Square Garden em Nova York). Apesar de tudo, PIPER não teve sucesso e acabou jogando a toalha.

Billy SQUIER, nada desanimado, rapidamente se recuperou fechando contrato com a Capitol e, no início dos anos 80, trabalhou em seu primeiro álbum solo. Este, co-produzido por Billy Squier com Eddie Offord, é intitulado  The Tale Of The Tape  e lançado em 1980. Entre os músicos que apoiam Billy SQUIER, destacamos o baterista Bobby Chouinard (que mais tarde encontraremos ao lado de Ted NUGENT, Peter WOLF, Robin BECK e especialmente ALICE COOPER no  Trash ) e o guitarrista Bruce Kulick (futuro Michael BOLTON, KISS, UNION, em particular).

É impossível ignorar "The Big Beat", título que abre o álbum e que se tornou um clássico ao longo do tempo: esta peça de rock groovy está focada num ritmo robusto que lhe serve de espinha dorsal, tem um refrão que permanece bem impresso em o cérebro. Embora "The Big Beat" não tenha sido um sucesso em sua época, foi posteriormente sampleado inúmeras vezes por rappers. O outro single do álbum, "You Should Be High Love", alterna entre versos contidos e refrões mais rock, um trabalho bastante melódico e vacilante Hard, mostra-se muito versátil para atrair a atenção (não teve sucesso). Os momentos de satisfação deste álbum podem ser encontrados em outro lugar. Por exemplo, ao lado de “Who's Your Boyfriend”, uma excelente peça melódica Classic-Rock/Hard apoiada por um ritmo simples mas eficaz, backing vocals que apoiam bem Billy Squier, algumas palmas e que é pensada para agradar ao Classic rádios -Rock, desde a balada poderosa “Like I'm Lovin' You' com seus versos suaves e persuasivos, até o refrão mais musculoso e particularmente completo que lhe confere um certo charme, ou mesmo de “Young Girls”, uma peça bastante bem trabalhada que alterna guitarras acústicas e elétricas, momentos calmos e mais cortantes, que tem uma certa sensibilidade. Quanto ao resto do álbum; o Pop-Rock mid-tempo com dicas de AOR e New-Wave "The Music's All Right", bem ancorado em sua época, é bastante bem construído com um refrão que fica bem gravado na mente, além de um leve toque de amargura ; “Rich Kid” é uma música de Hard Rock bem feita, com vocais quentes e algumas camadas discretas de teclado que fazem dela uma ponte entre o final dos anos 70 e o início dos anos 80, enquanto o blues mid-tempo “Calley Oh”, entre AOR e Heartland-Rock é bom. Quanto a “Who Knows What A Love Can Do”, é uma composição com forte sabor AOR e bastante polivalente, não impressiona apesar das guitarras elétricas e acústicas que se revezam sem contar e do breve aparecimento de um piano no meio do título.

Este primeiro álbum a solo de Billy SQUIER, entre Pop-Rock, AOR e Melodic Hard, contém portanto certas coisas boas, mas também outras que deixam indiferente. The Tale Of The Tape não é de qualquer forma um dos melhores álbuns do ano de 1980. Este álbum, embora imperfeito, ainda revelou os talentos do cantor e compositor de Billy SQUIER, cujo potencial ainda está por ser visto. o futuro.

Tracklist:
1. The Big Beat
2. Calley Oh
3. Rich Kid
4. Like I’m Lovin’ You
5. Who Knows What A Love Can Do
6. You Should Be High Love
7. Who’s Your Boyfriend
8. The Music’s All Right
9. Young Girls

Formação:
Billy Squier (vocal, guitarra, percussão)
Bruce Kulick (guitarra)
Bucky Ballard (baixo)
Bobby Chouinard (bateria)
David Sancious (teclados, sintetizadores)
Richard T. Bear (teclados)

Rótulo : Capitólio

Produtores : Billy Squier e Eddy Offord

CRONICA - MAGMA | Köhntarkösz (1974)

1974 foi um bom ano para Magma. Após a publicação do formidável e iconoclasta Mekanïk Destruktïẁ Kommandöh em 1973, 3º ^movimento de Theuzs Hamtaahk, a gangue Christian Vander (reduzida a 4 membros) lançou a trilha sonora de Tristan Et Yseult do diretor Yves Lagrange. Também intitulada Ẁurdah Ïtah e atribuída a Christian Vander, esta obra é o segundo movimento de Theuzs Hamtaahk . Nesse ínterim, ocorreram mudanças no treinamento. A seção de metais e grande parte dos coros partiram (o que já acontecia com Tristan Et Yseult ). Por sua vez, o pianista Jean-Luc Manderlier e o guitarrista Claude Olmos deixaram o navio.

Apoiado pelo maluco baixista Jannick Top, pelo cantor guru Klaus Blasquiz e pela angelical cantora Stella Vander, o excêntrico baterista recruta o pianista/organista Gérard Bikialo, o pianista clavineteiro Michel Graillier (que já havia feito algumas cenas com Magma) e O guitarrista inglês Brian Godding (ex Blossom Toe). Esta nova formação lança pela A&M Records Köhntarkösz , a quarta obra do Magma (a 5ª ^se considerarmos Tristan Et Yseult como LP do grupo). Só para constar, o título parece ser uma homenagem aos heróis dos quadrinhos Black e Mortimer que, em uma de suas aventuras, O Enigma da Atlântida , se deparam com Magon que leva o título de Contarkos.

Logicamente este deveria ser o primeiro movimento do Theuzs Hamtaahk . Muitos estão esperando por um segundo Mekanïk Destruktïẁ Kommandöh . Exceto que Christian leva o público para o lado errado. O primeiro ^movimento vai esperar. Correndo o máximo de riscos possível, ele não quer se afundar no sucesso do MDK . Muito fácil. O que não nos impedirá de produzir uma nova obra-prima intemporal.

Se o estilo Zeuhl de Magma com os seus aromas jazzísticos é facilmente reconhecível por esta canção imaginária que é o Kobaïen, Köhntarkösz toma outra direcção musical que é desconcertante no início, mas que rapidamente se revelará sedutora.

O disco é essencialmente mantido unido pela peça homônima em duas partes que abrem cada lado. Magnífica composição de dois tempos de 15 minutos onde a tensão é palpável a cada momento. Título deslumbrante, livre dos pomposos metais dos discos anteriores. Com andamentos lentos, uma atmosfera pesada, perturbadora, vaporosa, fantasmagórica, elevada, misteriosa, perturbadora mas nunca angustiante, “Köhntarkösz” mergulha-nos num peplum cósmico nas fronteiras das mitologias e mitos do planeta Kobaïa.

Mas o que chama a atenção não são esses teclados cativantes, quase árabes, beirando o jazz fusion. Não é esse canto e esses coros encantadores. Não é esse baixo assustadoramente lindo. Não é este piano coltraniano com motivos hipnóticos. Não ! É esta bateria. Longe da execução convulsiva e grosseira a que Christian Vander nos habituou, este último com palavras mais sóbrias e pesadas estabelece uma batida original, uma colocação no ar das pulsações rítmicas que em vez de marcar as batidas está continuamente acima. Resumindo, uma peça que nos mantém em suspense até à última nota.

De resto, duas peças mais curtas (entre 4 e 5 minutos) que fecham cada lado. Em primeiro lugar, uma composição de Jannick Top, “Ork Alarm” que narra a evacuação dos habitantes do planeta Ork após uma grande ameaça. Título doentio que, como o próprio nome sugere, é alarmista e sufocante atravessado por um solo de guitarra esquizofrênico. Por fim tem a majestosa “Coltrane Sündïa” conduzida por um piano grandiloquente e celestial (tocado por Christian Vander) para uma homenagem ao famoso saxofonista de jazz, imensa influência do baterista francês.

Títulos:
1. Köhntarkösz (Parte I)
2. Ork Alarm
3. Köhntarkösz (Parte II)
4. Coltrane Sündïa

Músicos:
Christian Vander: bateria, voz, piano, percussão
Brian Godding: guitarra
Jannick Top: baixo
Klaus Blasquiz: voz, percussão
Stella Vander: voz
Gérard Bikialo: piano, órgão
Michel Graillier: piano, clavinete

Produzido por: Giorgio Gomelsky

CRONICA - LE ROUX | So Fired Up (1983)

 

Em suas colunas, o amigo Trendkill observou o ecletismo dos dois primeiros álbuns de Le Roux (então chamado de Le Roux da Louisiana), que alternavam entre Southern Rock, AOR, funk, etc. A partir do terceiro álbum, o grupo de Baton Rouge não apenas encurtou seu nome, mas também reorientou seu estilo focando em AOR, com muito bons sucessos em outros lugares. Após o quarto álbum, o cantor e guitarrista Jeff Pollard deixou não só seus parceiros, mas também o mundo da música, para dedicar sua vida ao evangelismo. O vazio que deixou foi preenchido com a chegada de dois novos integrantes: um jovem guitarrista chamado Jim Odom e, sobretudo, um cantor que começava a ser procurado: logo chamado para substituir Bobby Kimball no Toto, Fergie Frederiksen já havia efetivado foi abordado por grupos de primeira linha como Kansas e Survivor. Outra mudança: o multi-instrumentista Bobby Campo (percussão, violino, metais), subempregado desde o terceiro álbum, também havia deixado o grupo em 1982.

Então Fired Up continuou o caminho percorrido nos dois discos anteriores, acentuando por vezes os tons “pom rock” já tocados no passado. A voz estratosférica de Frederiksen encorajou o grupo a enfatizar refrões enfáticos, como o muito bom mid-tempo "Lifeline" e a balada poderosa "Let Me In", ambos construídos como uma montanha-russa, alternando versos relaxantes e refrões ascendentes. Estas são provavelmente as duas peças mais marcantes deste álbum que, no entanto, não carece de boas canções. A receita dos dois títulos anteriores ainda se aplica a “Yours Tonight”, a meio caminho entre uma balada (os versos) e um refrão estridente onde pudemos ver em retrospectiva os contornos do que um certo Bon Jovi ofereceria alguns meses depois. Também poderíamos falar desse tipo de conexão novamente em títulos como o de tirar o fôlego “Turning Point”, até mesmo “Don't Take Me Away”, peças que endurecem um pouco o tom e não teriam deixado marca no primeiro álbum do glórias futuras de Nova Jersey. De um AOR mais suave, o single “Carrie's Gone” – música com contribuição de Frederiksen, que fala sobre seu rompimento com a atriz Carrie Hamilton – chegará aos primeiros 80 lugares do ranking americano. Será o último sucesso relativo do grupo que posteriormente se dispersará, deixando este disco como o último da discografia de Le Roux por muito tempo.

Títulos:
01. So Fired Up
02. Lifeline
03. Let Me In
04. Yours Tonight
05. Line On Love
06. Carrie’s Gone*
07. Wait One Minute
08. Turning Point*
09. Don’t Take It Away
10. Look Out

Músicos:
Fergie Frederiksen: vocais, backing vocals
Tony Haselden: guitarra, backing vocals
Jim Odom: guitarra, backing vocals
Leon Medica: baixo, backing vocals
Rod Roddy: teclado, backing vocals
David Peters: bateria, percussão, backing vocals
+
David Pack: vocais de apoio (*)

Produzido por: Leon Medica

Rótulo: RCA

ROCK ART

 

"I Love It Loud" é uma música do Kiss lançada no álbum "Creatures of the Night" em 1982.

"I Love It Loud" é uma música do Kiss lançada no álbum "Creatures of the Night" em 1982. É uma das músicas mais icônicas da banda, com seu poderoso riff de guitarra e letras cativantes. A música se tornou um clássico e é muito apreciada pelos fãs de rock. A energia dessa música é contagiante

 

Crítica ao disco de RPWL - 'Crime Scene' (2023)

 RPWL - 'Crime Scene (2023)

(17 de março de 2023, Gentle Art of Music)

Hoje apresentamos o mais recente trabalho da banda neoprogressiva alemã RPWL , que atualmente opera com a formação de Yogi Lang [vocal e teclados], Kalle Wallner [guitarras e teclados], Marc Turiaux [bateria] e Markus Grützner [baixo]. . “Crime Scene” é o título do álbum que hoje discutimos e foi publicado em meados de março passado pela editora Gentle Art Of Music, tanto em CD como em vinil (com vermelho, azul, amarelo ou o habitual preto opções de cores). ). “Crime Scene” é o primeiro álbum em quarteto depois de ter gravado uma série de três álbuns em quinteto com um tecladista extra entre 2012 e 2019 (“Beyond Man And Time”, “Wanted” e “Tales From Outer Space”). Fazendo um pouco de história, RPWL (nomeado pelas iniciais dos sobrenomes dos integrantes do quarteto original, que eram Phil Paul Risettio, Chris Postl, Waller e Lung) surgiu em 1997 como uma banda tributo ao PINK FLOYD que enfatizava seu material de 1973 em diante, e sua abordagem sinfônica moderna permitiu à banda amadurecer sua própria modalidade neo-progressiva. Começando a fazer suas próprias composições, o pessoal do RPWL fez sua estreia fonográfica às portas do novo milênio com o álbum “God Has Failed”. Este álbum de estreia chamou a atenção do mesmo público que adorava MARILLION, MOSTLY AUTUMN, PORCUPINE TREE e, posteriormente, GAZPACHO, RIVERSIDE e THE PINEAPPLE THIEF. Aliás, ao longo da sua carreira fonográfica, este grupo tem vindo a estabelecer diversas ligações estilísticas com os referidos grupos. O álbum que estamos discutindo agora é um trabalho conceitual sobre crimes infames. Por exemplo, a canção 'Red Rose' é inspirada na depravação necrófila que o radiologista germano-americano Carl von Cosel impôs ao cadáver de María Elena Milagro-Hoyos; Há também ‘A Cold Spring Day In’22’, que é inspirado no massacre da vila de Hinterkaifeck, que significou um massacre cruel de seis membros de uma família inteira.

Tudo começa com 'Victim Of Desire', música que se sai muito bem na elaboração dos desenvolvimentos temáticos e dos ambientes estilizados que os cercam após um prelúdio cósmico de certas arestas densas. Instalada a pronta engenharia do grupo, a banda mostra suas afinidades com MARILLION, PALLAS e THE PINEAPPLE THIEF (e, colateralmente, com COLDPLAY) enquanto se move com fluidez por suas diversas seções temáticas. Uma viragem cibernética que ocorre pouco antes de atingir a fronteira do quarto minuto e meio serve para explorar efémeramente o caminho do space-rock, e, aliás, dar uma breve carta branca aos tambores para que possam brilhar. Um truque bastante interessante que nos pega de surpresa e que, talvez, merecesse uma expansão um pouco maior. Após esse início atraente chega a vez da bela canção 'Red Rose', cuja estratégia expressiva consiste em entrar em uma aura contemplativa e reflexiva sobre um andamento de 7/8 em tom lento. Esta inspirada balada progressiva sabe ser envolvida por uma atmosfera amigável enquanto a letra revela os desejos sombrios do protagonista alucinado, o que implica literalmente um cruzamento entre Eros e Thanatos: “Toda a minha ajuda parecia falhar / Mas até o seu último suspiro, / Eu sei que você é minha futura noiva. / Não é um mundo que precisamos dizer.” – “Na ausência da sua luz / Quase desmoronei, / Mas agora começamos um novo dia. / Eu sei o quanto você está assustado, / Mas, por favor, volte à vida. / Você é meu refúgio em um mundo sem coração.” Uma menção especial vai para o solo de guitarra de Gimouriano que entra em cena perto do final devido à sua forma eficaz de realçar a base melódica criada para a ocasião. 'A Cold Spring Day In '22' é uma agradável música mid-tempo que nos leva simultaneamente de volta ao MARILLION de 2004 e ao PORCUPINE TREE da fase 1999-2000. Quando chega a hora de 'Life In A Cage', o grupo retorna parcialmente à majestade densamente estilizada que marcou a peça de abertura. Claro que aqui notamos uma atitude um pouco mais restrita na gestão do rock punch ativado para o esquema sonoro. Tudo começa com um tenor um tanto etéreo e depois se transforma em um swing moderado onde as vibrações melódicas do violão assumem o novo comando do bloco sonoro integral. Há muita ligação com o PINK FLOYD pós-Waters pela música que abraça essas letras inspiradas na mentalidade de um sociopata carcerário que se sente tanto prisioneiro do regime prisional quanto de sua própria mente.

Com duração de pouco mais de 12 minutos e meio, 'King Of The World' se destaca como a peça mais longa do álbum, sendo explicitamente projetada para elevá-lo ao auge da riqueza musical. Para começar, temos o prólogo mais animado de todas as canções que compõem este repertório, uma excursão musical bem definida onde os instrumentos contribuem com os seus próprios destaques para reforçar a maquinação comunitária. O próprio baixo proporciona floreios muito interessantes para realçar a orquestração, muito imersa no espírito do paradigma neo-progressivo britânico dos anos 80 (não podemos deixar de evocar aqueles primeiros álbuns de PENDRAGON, MARILLION e IQ quando percebemos tudo o que acontece no primeiro minuto e um quarto). Uma vez iniciada a cantoria, as coisas se acalmam para que seja dada a quantidade adequada de cerimônia para a música, e as coisas continuam assim por um longo tempo para que a atmosfera emocional forneça a forma adequada ao esquema melódico em andamento. No meio do caminho, as coisas ficam moderadamente sofisticadas e é aqui que o palco parece apropriado para um bom solo de sintetizador no estilo Banks e outro bom solo de guitarra no estilo Rothery. O fato de esse brilho refrescante ser manuseado com sóbria facilidade garante que a seção cantada fique em um terreno compacto, ao mesmo tempo que assume maior poder do rock. O encerramento do repertório vem com 'Another Life Beyond Control', música que retorna integralmente às convergências estilísticas com THE PINEAPPLE THIEF e o PORCUPINE TREE do final do último milênio. Seu mid-tempo constante e sua maneira muito particular de filtrar com elegância sistemática o punch rock da banda alimentam de forma eficiente o groove principal e os vários ornamentos de teclado que surgem ao longo do caminho. Tudo isso foi o que nos foi oferecido com “Crime Scene” da sede da RPWL, banda veterana que já tem nome próprio dentro do universo neoprogressista do novo milênio. Do nosso ponto de vista, é uma das obras mais notáveis ​​deste grupo que, hoje, já conta com um público muito fiel, e claro que é merecido.

- Amostras de 'Crime Scene:

Victim Of Desire:

Red Rose: