Hoje me concentro em " A Taste of Honey " , uma música pop escrita por Bobby Scott e Ric Marlow. Foi inicialmente uma peça instrumental interpretada por Scott e seu título foi inspirado na peça de mesmo nome apresentada na Broadway em 1960.
A versão instrumental de Herb Alpert tem sido usada há muitos anos como tema do programa de rádio " Tutto il calcio minuti per minuti " (de 1983 a 1988, e novamente de 1997 até os dias atuais), tanto que se tornou familiar a um vasto público de adeptos do futebol que, na sua maioria, desconhece a sua origem.
Os muito jovens e ainda desconhecidos Beatles incluíram a música em seu repertório ao vivo e em 1963 lançaram uma versão dela em seu álbum de estreia, bem menos rítmica e decididamente "doce".
Os italianos também tiveram uma versão própria, a dos Gigantes , rebatizada de " In Paese è festa ".
Ainda existem muitos covers da música, mas acrescentarei apenas a versão do The Hollies .
O novo remix de Steven Wilson do álbum de 1977 do Gentle Giant, The Missing Piece, foi lançado em março
As lendas do prog do Reino Unido, Gentle Giant, compartilharam um novo vídeo promocional animado para o remix de Memories Of Old de Steven Wilson , que proponho seguir. O vídeo foi dirigido e animado pelo filho de Derek, Noah Shulman.
A faixa é, claro, do álbum da banda de 1977, The Missing Piece , do qual um novo remix de Steven Wilson será lançado em CD, Blu-ray e vinil colorido pela Chrysalis Records em 29 de março.
The Missing Piece , gravado por Derek Shulman , Ray Shulman , Kerry Minnear , Gary Green e John 'Pugwash' Weathers no Relight Studios em Hilvaranbeek, na Holanda, foi o nono álbum de estúdio do Gentle Giant, após Interview de 1976. O álbum foi um álbum conceitual , The Missing Piece realmente ultrapassou os limites da banda, com um lado apresentando uma ampla variedade de estilos musicais, do pop ao punk, e o segundo lado apresentando o som de rock progressivo mais tradicional da banda.
É frequentemente citado pelos fãs como o início da mudança da banda em direção a uma música mais simples e menos complexa, o que ficou ainda mais evidente em seus dois últimos álbuns, Giant For A Day de 1978 e no último álbum de estúdio de 1980 , Civilian .
The Missing Piece estará disponível em CD digipack, Blu-ray e CD com Steven Wilson Remix 2024, Dolby Atmos Mix, 5.1 Surround Sound Mix, Instrumental Mix, Original Stereo Mix, faixa bônus "Winning" (Outtake). Além disso, arte personalizada para cada faixa, como vinil 180g e vinil verde transparente 180g de edição limitada.
Em 2005, Paramore lançou seu primeiro álbum, All We Know Is Falling. Não foi necessariamente a melhor estreia que o mundo já viu, mas pelo menos tinha potencial. Ao longo de seus álbuns subsequentes, o Paramore percebeu esse potencial e muito mais. Agora, com mais de 15 anos de carreira musical, eles percorreram um longo, longo caminho desde seu início desfavorável, ganhando prêmios Grammy, sucessos no Top Ten e elogios da crítica. Veja como classificamos todos os álbuns do Paramore, do pior ao melhor.
6. All We Know Is Falling
Algumas bandas nunca conseguem chegar ao topo do primeiro álbum. Paramore não é esse tipo de banda. All We Know Is Falling não é ofensivo, mas como observa soundbitereviews.com , há muitos lembretes de quão jovem e inexperiente a banda era na época de seu lançamento. Músicas como All We Know, My Heart e Emergency mostram um imenso potencial, mas outras (Never Let This Go e Whoa, em particular) parecem ter sido escritas por crianças, para crianças.
Considerando que a vocalista Hayley Williams tinha apenas dezesseis anos e o baterista Zac Farro tinha apenas quatorze na época, a imaturidade é inteiramente compreensível – se não completamente audível. Para piorar o problema do álbum, o baixista Jeremy Davis saiu (pela primeira, mas não a última vez) no meio da gravação do álbum – ter um membro da banda saindo durante a gravação raramente significa coisas boas para um álbum, e certamente não. 'lá. No entanto, apesar de todos os seus problemas, o estilo corajoso e emotivo e o entusiasmo absoluto da banda tornam difícil descartar completamente o álbum.
Pode ser insignificante em comparação com seus esforços posteriores, mas toda banda precisa começar de algum lugar, e algumas começaram em lugares muito piores do que este. Lançado em 26 de julho de 2005, o álbum não conseguiu entrar na Billboard 200, mas conseguiu alcançar a 30ª posição na Billboard's Heatseekers Chart. Teve uma melhor recepção no Reino Unido, alcançando a 51ª posição na parada de álbuns e a 4ª posição na parada de rock.
5. The Final Riot!
Como observa returnofrock.com , é raro uma banda soar melhor ao vivo do que em uma gravação de estúdio, mas no The Final Riot! Paramore chega perto. Gravado no Congress Theatre em Chicago durante The Final Riot! Summer Tour, apresenta alguns vocais espetaculares de Hayley Williams e uma performance incrivelmente firme do resto da banda. A lista de músicas é excelente, com uma boa porção dos melhores cortes da Riot!. Lançado em 25 de novembro de 2008, alcançou a 22ª posição na parada de álbuns de rock da Billboard dos EUA e a 18ª posição na parada de rock do Reino Unido
4. Riot!
Se há uma coisa boa em uma estreia decepcionante, é que a pressão para sua sequência diminuiu. Felizmente, motim! foi um grande avanço para a banda, que soa mais unida, mais focada e mais madura do que seu antecessor. Musicalmente, é mais aventureiro: o som que cultivaram em All We Know Is Falling ainda está lá, mas há diversidade suficiente para lhe dar potencial de crossover, com alguns críticos comparando suas sensibilidades pop-rock às de Kelly Clarkson e Avril Lavigne .
Nem todo mundo adorou ( Gareth Dobson, do Drowned in Sound, foi um dos críticos mais contundentes, chamando-o de “um longo balido com infusão de açúcar”), mas muitos gostaram, com a Stylus Magazine descrevendo-o como “power pop irreprimível” e nomeando-o como sua lista de 50 álbuns de 2007. Em última análise, não é um álbum que será lembrado por muitos como o melhor da banda. No entanto, o enorme avanço que fez em sua estreia mostrou que o Paramore era uma banda que poderia crescer e melhorar, algo que eles continuaram a fazer em quase todos os lançamentos subsequentes. Lançado em 12 de junho de 2007, alcançou a posição 15 na Billboard 200 e desde então alcançou o status de tripla platina nos EUA
3. Paramore
Como diz o What Culture , após a saída dos irmãos Farro em 2010, o futuro do Paramore foi colocado em dúvida. Quando Hayley Williams começou a fazer várias participações especiais em álbuns de outros artistas, muitos fãs pensaram que os dias da banda haviam acabado. Mas então, em 2013, eles fizeram um retorno desafiador com o Paramore. Artisticamente, eles nunca pareceram tão aventureiros, brincando com tudo, desde bubblegum pop até new wave e funk. Quando os experimentos atingem seu objetivo (como acontece em faixas como Fast In My Car, Anklebiters, Proof e Future), eles funcionam de maneira brilhante.
O problema é que, com 17 faixas, as ideias acabam antes do álbum. Há muitas emoções, mas muito preenchimento entre elas. Com uma edição mais criteriosa, poderia facilmente ter sido classificado como um de seus esforços mais bem-sucedidos. Do jeito que está, fica um pouco aquém. Por tudo isso, tornou-se o álbum de maior sucesso da banda até então, ganhando o primeiro lugar na Billboard 200 dos EUA e liderando as paradas no Reino Unido, Irlanda, Austrália, Nova Zelândia, Brasil, Argentina e México. Também lhes rendeu seu primeiro Grammy pelo single Ain't It Fun.
2. After Laughter
Após um hiato de quatro anos, Paramore retornou em 2017 com After Laughter. Sonoramente, é um mundo distante de suas raízes punk, com a banda mergulhando de cabeça nos sons synth-pop e nas vibrações new wave que começaram a abraçar no Paramore de 2013. Embora a mudança de direção possa ter deixado alguns fãs com saudades dos sons emo de seus primeiros dias, a maioria dos ouvintes acolheu bem a mudança, especialmente em destaques como Hard Times, Fake Happy e Grudges. Em suma, é um álbum extraordinariamente focado e coeso que mereceu totalmente a recepção calorosa que recebeu no seu lançamento. Lançado em 12 de maio de 2017, tornou-se seu terceiro álbum no Top Ten nos EUA, alcançando a 6ª posição na Billboard 200
1. Brand New Eyes
Em 2008, o Paramore estava em apuros. Um ano de turnê ininterrupta os deixou enfrentando “problemas internos”, cancelando shows e lutando para criar novo material. Os problemas levaram à especulação de que a Riot! provaria ser o canto do cisne da banda. Mas então, em 2009, eles lançaram Brand New Eyes, um álbum que silenciou para sempre seus críticos e provou de uma vez por todas que um pouco de tensão nunca faz mal a uma banda. Aclamado como o projeto mais maduro até o momento, o álbum foi um sucesso estrondoso, ganhando uma série de elogios (incluindo uma indicação ao Grammy pelo single The Only Exception e um prêmio Kerrang! de Melhor Álbum) e alcançando o segundo lugar na Billboard. 200 – sua posição mais alta nas paradas até o Paramore de 2013. Ele também liderou as paradas no Reino Unido, Irlanda, Austrália e Nova Zelândia.
Metal industrial imundo, desprezível e cheio de ruído. Entrei nessa banda quando eu tinha uns 12 anos por meio da trilha sonora surpreendentemente sólida de Mortal Kombat , que também me apresentou ao KMFDM e ao Napalm Death, e nem preciso dizer que, quando finalmente coloquei as mãos nele, TeknoWhore explodiu minha cabecinha inocente. Era mais pesado que "Creature of the Wheel ", mais perturbador e violentamente sexual que "Big Man with a Gun" , mais futurista que "Juke Joint Jezebel" e mais distorcido que "Misery Machine" . Nada contra nenhuma dessas músicas ou artistas, mas para um misantropo em crescimento, viciado em hormônios, preso no subúrbio de Maryland, esses foram os verdadeiros testes de mérito artístico, e Bile rapidamente se tornou minha banda preferida para impressionar meus colegas suburbanos angustiados.
Track listing: 1. Intro 2. TeknoWhore 3. Weather Control 4. No One I Call My Friend 5. Habitual Sphere 6. Compound Pressure 7. Interstate Hate Song 8. Green Day 9. No I Don't No 10. Suckers 11. Lowest Form 12. You Can't Love This (Pt. 1) 13. You Can't Love This (Pt. 2) 14. You Can't Love This (Pt. 3) 15. You Can't Love This (Pt. 4) 16. Solitude Is Bliss
Foi editado em 1969 e representou um esforço de grande ambição dos Bee Gees que não seria reconhecido no seu tempo. Um álbum concetual com temperos folk, country, prog e aromas ainda próximos do modo como o psicadelismo marcou a pop dos 60s.
Os Bee Gees eram já um nome com carreira internacional estabelecida dez anos antes de o filme A Febre de Sábado à Noite os ter catapultado para um patamar de sucesso planetário, dessa vez animados por uma recentemente encontrada devoção global ao disco sound (que tanto o filme como as canções do grupo ajudaram a amplificar). Formados na Austrália (para onde os pais, ingleses, se tinham mudado em finais dos anos 50), os Bee Gees começaram a editar discos em 1963, tendo obtido um primeiro êxito internacional em 1966 com Spicks and Specks (canção que então deu título ao seu segundo álbum). Em 1967 fizeram as malas para regressar ao Reino Unido, editando então 1st, o seu primeiro álbum com edição internacional, somando logo uma primeira mão cheia, e bem açucarada, de singles de sucesso como New York Mining Disaster 1941, To Love Somebody, Holiday e Massachussets. Em 1968, entre outros mais singles, lançaram I Started A Joke (sim, aquele tema que valentes anos depois teria uma deliciosa versão pelos Faith No More). Eram por isso uma banda já com sucesso considerável quando, ainda em 1968, aproveitaram uma semana de tempo de estúdio em Nova Iorque, por ocasião de uns momentos de folga numa digressão americana, para registar um conjunto de canções que poderiam ter conhecido dois destinos. Ou rumava, a uma edição imediata. Ou seria, afinal, o começo de uma ideia mais ambiciosa. Optaram pelo segundo caminho…
Foi assim que começou a nascer Odessa, um álbum duplo. Era coisa rara nos anos 60, com raras exceções em casos como o “álbum branco” dos Beatles ou Blonde on Blonde de Bob Dylan. Mas a ambição da ideia que partiu daquelas sessões iniciais em Nova Iorque ganhou a dimensão de um objeto concetual maior. Passou, ao longo da sua conceção, por títulos de trabalho como “Masterpeace” ou “An American Opera” e apresentava como fio narrativo a memória de um naufrágio em 1899. As sessões prolongaram-se por algum tempo – pelo caminho lançaram o álbum Idea (ainda em 1968) – e cedo abriram momentos de tensão na história do álbum. Com apenas oito canções gravadas, o guitarrista Vince Melounay anunciou que iria abandonar o grupo (que era então um quinteto) para se concentrar em caminhos mais próximos dos blues, juntando-se aos Funny Adams (que editariam apenas um álbum, em 1971). Já com o disco gravado, a escolha de First of May para single de apresentação levou a que Robin Gibb se afastasse momentaneamente dos Bee Gees.
Editado em março de 1969, com capa em veludo vermelho, Odessa revelou um projeto de facto ambicioso, conciliando no vasto corpo de canções elementos de uma então emergente estética “progressiva”, imponentes baladas orquestrais (numa linha nada estranha a caminhos seguidos nos discos de 1967 e 68), uma evidente contaminação de elementos folk e até mesmo country e, ainda, uma clara presença de ecos da forma como a cultura psicadélica se manifestara em terrenos pop. Apesar do lote de potenciais grandes singles apenas First of May foi então editado a 45 rotações. Um segundo single (Melody Fair) surgiria dois anos depois, mas na verdade por surgir então na banda sonora do filme “Melody” (é verdade, houve uma banda sonora com canções dos Bee Gees antes das febres de sábado).
Odessa não correspondeu de todo ao patamar de sucesso que até então eram alcançado pelos discos dos Bee Gees e está igualmente longe do êxito global que alcançariam anos depois. De resto, o disco inicia uma etapa de visibilidade mais discreta que só seria ultrapassada precisamente pelos discos de finais dos anos 70 nos quais o grupo (então reduzido aos três irmãos Gibb) se apresentava já reinventado ao assimilar o r&b e o disco sound. O tempo deu razão a Odessa, disco que chegou a merecer uma reedição em 2009 que juntava as misturas mono e estéreo originais a gravações de estúdio destas sessões então ainda inéditas e o reconhecia como uma obra maior na discografia dos Bee Gees.
“Odessa”, dos Bee Gees, teve edição original em formato de duplo LP em misturas mono e estéreo lançadas pela Polydor em 1969. Houve depois edições em formato de um só LP com alinhamento condensado. As primeiras edições em CD datam de 1985, chegando em 2009 uma reedição “definitiva” numa caixa com um CD triplo acima referida. Por essa altura saiu ainda uma edição em vinil HQ 180 respeitando a capa original.
Da discografia dos Bee Gees vale a pena descobrir discos como: “1 St” (1967) “Children of The World” (1976) “Spirits Having Flown” (1979)
Foi editado em 1970 e apresentou um disco marcante para reencontrarmos o modo como a ‘folk’ então desenhava novas possibilidades para heranças antigas.
A folk (e sobretudo as suas recentes evoluções em diálogo com a música elétrica) era terreno fértil em ideias e a viver sob o foco das atenções no Reino Unido na reta final da década de 60. E entre as figuras de proa de uma cena que então cativou muitas atenções estava Sandy Denny. Começara por atuar em pequenos palcos do circuito folk, gravara um primeiro disco (em 1967) em parceria com o norte-americano Jackson C. Frank e, depois, juntou-se aos Strawbs. Em 1968 os Fairport Convention – banda de proa da cena folk britânica de então – procuravam uma nova voz para tomar o lugar de Judy Dyble e encontraram em Sandy Denny não apenas a resposta à demanda mas uma força que os levou a embarcar na etapa mais aclamada da sua carreira. A presença de Sandy Denny foi, contudo, sol de pouca dura entre os Fairport Convention e em finais de 1969 saiu, procurando então um espaço onde pudesse focar mais atenções no seu trabalho como autora. E foi então que surgiu um projeto com o qual nasceu um álbum único (houve uma reunião, mas sem Sandy Denny, uns valentes anos depois) que podemos lembrar como um bom retrato do que estava em jogo na confluência de referências e nos horizontes de possibilidades que então se podia viver em terreno folk, por aqueles lados.
Foi assim que nasceu o coletivo Fotheringay, juntando a Sandy Denny dois músicos que vinham dos Eclection (Trevor Lucas e Gary Conway) e ainda dois antigos elementos dos Poet and The One Man Band (Jerry Donahue e Pat Donaldson). O nome da banda foi encontrado no título de uma canção de Sandy Denny que abria o alinhamento do álbum de 1968 dos Fairport Convention “What We Did on Our Holidays” e na qual era referido o Castelo de Fotheringhay, local onde esteve presa Mary, rainha dos escoceses. A capa desse que foi (nessa primeira vida do grupo) o único álbum dos Fotheringay apresentava uma ilustração que mostrava o grupo com roupas de cores vivas, sugerindo o cruzamento dos tempos mas deixando logo bem evidente uma verdade: a folk que praticavam juntava as guitarras acústicas às elétricas.
As sugestões da capa não podiam ser melhor apresentação da música que ali se revelava. Apesar do claro protagonismo de raízes folk – que se nota desde a composição ao modo de cantar da própria Sandy Denny -, há entre as canções de Fotehringay uma série de manifestações de assimilações que passam pela presença de solos de guitarra elétrica e ocasionais momentos de alguma complexidade maior em alguns arranjos. Há todavia uma presença firme do gosto em evocar histórias, lugares e figuras de outros tempos que cruzava muitas das narrativas apresentadas em canções folk. E é nesses diálogos entre tempos que aqui se vinca uma expressão de contemporaneidade para um universo de referências que assim assimilava os ecos do seu tempo. O disco é dominado por composições da própria Sandy Denny (e também de Trevor Lucas, que dá voz principal a um dos temas) mas abre espaços à presença de um tradicional e a versões de canções de Bob Dylan e Gordon Lightfoot. Vale ainda a pena lembrar que a produção é de Joe Boyd, outro dos protagonistas da cena folk de então, com obra assinada junto de nomes como os Fairport Convention, Nick Drake ou Vashti Bunyan.
O projeto Fotheringay teve vida curta e, nesta formação, durou apenas o tempo de editar um álbum e o apresentar. Sandy Denny partiria pouco depois para uma carreira a solo. Em 2009 surgiu Fotheringay 2 um disco criado a partir de gravações inacabadas e inéditas deixadas há muito no arquivo. E em 2016 três dos elementos sobreviventes e alguns novos músicos reativaram o grupo.
“Fotheringay” teve uma edição original em 1970 pela Island Records. Há edições em CD desde 1978, tendo as que surgiram depois da viragem do século acrescentado faixas bónus ao alinhamento. Nos últimos anos voltaram a surgir novas prensagens em vinil.
Da discografia dos Fotheringay e de Sandy Denny vale a pena descobrir discos como: “Sandy” (1972), de Sandy Denny “Essen 1970” (2011) “Nothing More – The Collected Fotheringay” (2015)
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