Waxahatchee - Tigers Blood (2024)

Tigers Blood (2024)

Waxahatchee

É como uma revelação – ou o mais próximo que chegarei de uma. Tudo o que você pode dizer sobre um álbum como este é que é algum tipo de “arte superior”. Como se as indescritíveis "Formas" de Platão finalmente tivessem descido à terra e estivessem aqui, em 12 canções, incorporadas.

Todos os músicos que mais importam para mim, do passado e do presente, circulam em torno de Katie Crutchfield.

Na guitarra e backing vocals: MJ Lenderman, também do Wednesday.

Na bateria: Spencer Tweedy, filho de vocês sabem quem.

Produzido por: Brad Cook, também associado a His Golden Messenger e William Tyler.

Ainda assombrado por uma colaboração anterior com Jess Williamson, sua majestade.

E você pode ouvir em seus ossos: Molina e os Drive-By Truckers.

E sempre em seu coração: Kevin.

E ela chega em algum lugar entre tudo isso: indie rock e slowcore e folk e country alternativo e Southern Rock e psicodelia. Você pensaria que com isso como sua fonte ela estaria esgotada, sem esperança, quebrada e com o coração partido. Mas ela não é. Ela não está caindo no mito do “artista torturado”, e este álbum é a prova viva contra isso: e dessa forma está em sintonia com o trabalho posterior de Bill Callahan, ou do já mencionado Jeff Tweedy, que se comprometeram com a premissa que boa música pode vir de uma vida estável e feliz.

O que Katie é, simplesmente, é uma mulher que se destacou: grata, graciosa, enraizada, compassiva. Santo. Cloud foi seu primeiro e triunfante passo em suas próprias botas. Com Tigers Blood, ela os quebrou e deu um passo à frente.

Liricamente, especialmente, estes são novos patamares: suas palavras são maduras, empáticas, evocativas, nunca muito diretas, nunca muito oblíquas. Chegando ao coração da América rural com imagens que atingem o nervo – um nervo do estado de espírito do país. Basta olhar para os títulos das músicas. Tem um universalismo, mas suas frases e frases assumem significados secretos para cada um de nós, eu acho – vindo para encontrar uma segunda vida em nós.

Passei o dia de ontem, sexta-feira do lançamento, andando sem rumo no metrô, de uma ponta a outra da linha, e depois voltando, ouvindo Tigers Blood. Acompanhei faixa por faixa, com longas pausas para processá-la. Foi um ano solitário: preso, como estou, numa cidade grande com poucos amigos, longe do campo aberto que sempre será o meu lar. E lá estava eu, no metrô, numa sexta-feira à noite, pressionado por pessoas – passageiros, festeiros, turistas, estudantes – num espaço tão íntimo, tão terrivelmente solitário.

Mas Tigers Blood é o tipo especial de disco que me faz olhar para todos esses estranhos no metrô de forma diferente: com um sorriso, em vez do meu habitual desprezo, pensando sobre suas histórias e seus romances e os belos dramas de suas vidas únicas. Saber que cada um deles receberá algo a oferecer. E casa parezia um pouco mais perto, ontem à noite, do que normal é.

 

CRONICA - LARRY CORYELL | Spaces (1970)

 

Foi em março de 1969, no 23rd Street Studios da Vanguard, em Nova York, que aconteceram as exibições de Spaces , terceira obra de Larry Coryell. Desde que se tornou guitarrista do quarteto xilofonista de Gary Burton, Larry Coryell tornou-se um músico respeitável. Na verdade, participam nas sessões de gravação grandes nomes do jazz, o baterista Billy Cobhan, o contrabaixista Miroslav Vitouš, mas especialmente o organista Chick Corea e o guitarrista John McLaughlin. Os dois últimos acabam de sair das sessões com Mile Davis para um disco nas lojas em breve e que deverá revolucionar o jazz.

John McLaughlin e Chick Corea foram profundamente afetados por esta experiência com o trompetista e isso influenciaria o Spaces . Depois de dois álbuns de rock, o guitarrista texano queria voltar a um estilo de jazz mais pronunciado. No primeiro dia de gravação, Larry Corryell e seus convidados tentam tocar “Tyrone” de Larry Young, na esperança de que dê certo. Só que toma um rumo completamente diferente, imposto pelo organista e violonista inglês. Nada será lembrado deste primeiro dia (talvez alguns anos depois para um LP). São as sessões do dia seguinte onde os músicos deixaram a sua marca que servirão de material para o Spaces . E como o próprio nome sugere, este disco será espacial. Não no sentido cósmico mas no espaço sonoro que ocupará toda a obra. Bem-vindo ao jazz fusion, ao jazz elétrico e talvez até ao jazz rock, a escolha é sua.

Spaces abre com “Spaces (Infinite)”, em quarteto (sem Chick Corea que encontraremos mais tarde) onde o contrabaixo tocado como arqueiro irá impor o clima monótono e celestial deste início. Enquanto John McLaughlin assume o ritmo, seu companheiro inicia solos volúveis e fluidos. É a vez do guitarrista inglês mostrar do que é capaz, igualmente volúvel, mas mais seco. Por sua vez, Billy Cobhan e Miroslav Vitouš são responsáveis ​​pela variação dos andamentos. Em dueto surge “Rene's Theme”, cover do guitarrista belga René Thomas, contemporâneo de Django Reinhardt. Foi John McLaughlin o primeiro a desenhar a mão para um festival cigano. Em trio, baixo/guitarra/bateria, surge o suingante “Gloria's Step” onde mais uma vez o contrabaixo impõe uma decoração outonal com momentos de free jazz em alguns pontos.

Retorno do quarteto inicial ao lado B com os 9 minutos de “Wrong Is Right” mais galopantes que a faixa de abertura. Mas desta vez, o contrabaixista mostra que é capaz de refrãos tão formidáveis ​​quanto o par de seis cordas elétricas.

Finalmente todo o grupo está lá, em “Chris” também com 9 minutos de duração e um clima mais suave. O piano elétrico de Chick Corea traz profundidade pontilhada com toques caleidoscópicos, latinos e românticos. A serenidade oferecida pelo pianista parece perturbada por guitarras dissonantes que aumentam a pressão. Termina com os 20 segundos de “Dia de Ano Novo em Los Angeles 1968”, onde Larry Coryell está sozinho para um título aparentemente anedótico.

Quando foi lançado no ano seguinte, Spaces não obteve grande sucesso. No entanto, em 1974, Vangard relançou-o com uma capa diferente (do pintor Jacques Wyrs), o que tornou este disco um must-have de Larry Coryell.

Títulos:
1. Spaces (Infinite)
2. Rene’s Theme
3. Gloria’s Step
4. Wrong Is Right
5. Chris
6. New Year’s Day In Los Angeles – 1968

Músicos:
Larry Coryell: Guitarra
John McLaughlin: Guitarra
Chic Corea: Teclados
Billy Cobhan: Bateria
Miroslav Vitouš: Contrabaixo

Produzido por: Danny Weiss

CRONICA - IT’S A BEAUTIFUL DAY | Choice Quality Stuff / Anytime (1971)

 

Com sua capa bastante engraçada, Choice Quality Stuff / Anytime é a terceira obra do grupo de São Francisco It's A Beautiful Day lançada em 1971 pela Columbia. Desde a publicação de Marrying Maiden no ano anterior, encontramos a mesma formação: o violinista/vocalista David Laflamme, a cantora Pattie Santos, o guitarrista Hal Wagenet, o baixista Mitchell Holman, o tecladista Fred Webb e o baterista Val Fuentes. Ressaltamos, porém, que Hal Wagenet deixará o grupo no meio da sessão para ser substituído na guitarra por Billy Gregory com um estilo de tocar mais aguçado. Porém, o combo pode ter o suporte de acordo com as peças de alguns convidados como o flautista Rolf Stuart, o trompetista Bill Atwood, o violinista Sid Page, o baixista Mitchell Holman, o trombonista Papa Van Hughes, o saxofonista alto Robert Ferreira, o o saxofonista barítono Charles Peterson, o gaitista Bruce Steinberg, os percussionistas Coke Escovedo e José Chepitó Areas mas principalmente o pianista Greg Rolie, conhecido por ser integrante da Banda Santana.

Composto por 11 peças com duração média de 3 minutos por título, este LP tem duas faces bem distintas. O primeiro, intitulado Choice Quality Stuff, parte para um rock com aromas diretos da psique country, sem artifícios e sem complexidade, distinguindo-se das produções anteriores. Começa com um hard funk “Creed Of Love” onde o violino e a gaita se inclinam para o Southern Rock. Southern rock pesado encontrado no instrumental "The Grand Camel Suite "  . Mas antes disso “Bye Bye Baby” e um boogie rock com os velhos tempos passam pelo violino mais uma vez. “Lady Love” é um acid rock pesado próximo ao Jefferson Airplane. “Palavras” que cheiram a urgência são em grande parte inspiradas em Santana. Diz-se que os percussionistas do violonista mexicano participam desta peça furiosa. Até a balada “No Word For Glad” com seu piano delicado tem uma aparência nervosa atravessada por uma flauta abafada.

Chamado Anytime , o segundo lado é mais leve, muitas vezes orquestrado. Abrimos o baile com o mágico “Place Of Dreams” carregado de emoção. Segue-se o despreocupado instrumental “Oranges & Apples”. “Anytime” surge para um crooner desencantado atravessado por bombardeios de metais, um sax sensual e um órgão perturbador. Chega mais latim “Vinho Amargo ”  . Terminamos tudo isto com “Misery Loves Company”, uma balada mid-tempo onde os cruzamentos de piano, órgão e violino são avassaladores enquanto as seis cordas elétricas desenvolvem refrões magníficos.

Não tão atraente quanto as duas primeiras obras, Choice Quality Stuff / Anytime pode ser cativante.

Títulos:
1. Creed of Love
2. Bye Bye Baby
3. The Grand Camel Suite
4. No Word for Glad
5. Lady Love
6. Words
7. Place of Dreams
8. Oranges and Apples
9. Anytime
10. Bitter Wine
11. Misery Loves Company

Músicos:
David LaFlamme: violino, voz, guitarra
Billy Gregory: guitarra
Fred Webb: órgão, piano, trompa francesa, coro
Tom Fowler: baixo
Val Fuentes: bateria
Pattie Santos: percussão, coro
Hal Wagenet: guitarra
+
Gregg Rolie: pianista
Rolf Stuart : Flauta
Bill Atwood: Trompete
Charles Peterson, Robert Ferreira: Saxofone
Papa Van Hughes: Trombone
Bruce Steinberg: Gaita
Sid Page: Violino
Mitchell Holman: Baixo
Coke Escovedo, José Chepitó Áreas: Percussão

Produzido por: David LaFlamme

CRONICA - THE BLUES PROJECT | Lazarus (1971)

 

Após a publicação em 1968 de Planned Obsolescence, o contrato entre o selo Verve e o Blues Project chegou ao fim, que agora era apenas uma sombra de si mesmo. Da formação original, apenas o baterista Roy Blumenfeld e o baixista/flautista Andy Kulberg permanecem. A pedido do tecladista Al Kooper, o guitarrista/harmônico Steve Katz se juntará ao Blood, Sweat & Tears. Por sua vez, o guitarrista/vocalista Danny Kalb, demasiado consumido pelas drogas, será esquecido.

A partir de agora a nova formação se chama Seatrain para um folk rock psicodélico que vem das raízes com a participação do violinista Richard Greene, do saxofonista/baixista Don Kretmar e do guitarrista John Gregory

No entanto, logo após a publicação do primeiro álbum em 1969, Roy Blumenfeld e Don Kretmar deixaram o Seatrain. No ano seguinte, eles foram contatados por Danny Kalb, que havia retornado de sua péssima viagem de ácido para relançar o Blues Project. O trio assinou com a Capitol e partiu para a Inglaterra para lançar o Lp Lazarus em 1971 com a participação ao piano de Tom Parker.

Composto por 10 músicas, o combo se reconectará com o blues rock desgastado em Planned Obsolescence . Porém, não encontraremos a magia psicodélica das Projeções , a ausência dos órgãos alucinatórios de Al Kooper provavelmente terá algo a ver com isso. Mais conciso, Lazarus ainda continua sendo um álbum que está longe de ser ruim.

Abre com “It's Alright” para um boogie blues com toques gospel e um sax que se inclina para o soul e o jazz. O piano e o saxofone conduzindo a dança, estamos no mesmo registo com a groovy “Personal Mercy”, a revigorante “Yellow Cab”, a stoniana “Brown Eyed Handsome Man” e a psique “So Far, So Near” em conclusão . O trio também nos oferece folk blues com cheiro de ar livre com o country “Reachings”, a balada “Midnight Rain” e a comovente “Vision Of Flowers”.

Mas as atrações deste Lp são certamente estes dois blues com andamentos lentos, “Black Night” (sem relação com Deep Purple) e o título homônimo. “Black Night” parece mais padronizada com seu órgão cavernoso que traz profundidade e esse acid rock elétrico de seis cordas. Mas a faixa homônima, com 9 minutos de duração, mostra outra face. Mais pesado, mais rastejante, mais chapado, “Lazarus” parece seguir os passos dos Doors para uma jornada sombria, desesperada e sombria.

Um disco que não tem nada de revolucionário, mas que é bom de ouvir.

Títulos:
1. It’s Alright
2. Personal Mercy
3. Black Night
4. Vision Of Flowers
5. Yellow Cab
6. Lazarus
7. Brown Eyed Handsome Man
8. Reachings
9. Midnight Rain
10. So Far, So Near

Músicos:
Danny Kalb: guitarra, voz
Don Kretmar: baixo, saxofone
Roy Blumenfeld: bateria
+
Tom Parker: piano

Produção: Shel Talmy

Miles Davis - Bitches Brew (1970)

 

Bitches Brew (1970)

Miles Davis

Na primeira audição, 'Bitches Brew' parece ser nada mais do que uma longa jam session, uma confusão de teclados e seção rítmica, enquanto os solos em staccato de Davis percorrem o resto da banda. Em escutas mais aprofundadas, no entanto, revela-se um trabalho habilmente construído. A cada audição, há sempre algo novo para descobrir. Seja a execução extremamente inovadora de Davis, o estranho solo de sax aqui e ali, a excelente seção rítmica ou o excelente trabalho de guitarra estilo funk de McLaughlin, 'Bitches Brew' faz mais sentido a cada audição consecutiva. O surpreendente círculo de músicos sob a direção de Davis aqui – Wayne Shorter, Chick Corea, Joe Zawinul, John McLaughlin, Bennie Maupin – estavam todos no apogeu de seus poderes, e cada um trouxe sua personalidade inimitável para essas gravações.

Os vinte minutos de 'Pharaoh's Dance' se desenrolam lentamente, quase como um exercício de minimalismo meditativo, antes de explodir em um ritmo impulsionado por uma batida forte, destacando o amor recém-descoberto de Davis por ritmos agressivos e texturas impulsionadas pelo rock. O trabalho duro de bateria dupla de Lenny White e Jack DeJohnette fornece uma base tangível para os solos e vampiros sobrepostos. A faixa-título abre com uma colagem sonora quase impenetrável antes de entrar em outro groove pesado. A banda oscila para frente e para trás, diminuindo e fluindo entre explosões de notas impulsionadas pela bateria e períodos perturbadores de silêncio pontuados pela execução caótica de Davis. A música se estabelece em um colapso final antes de se dissipar novamente em um diminuendo de forma livre. O segundo LP apresenta algumas das peças mais focadas das sessões, onde o faux-shuffle de 'Spanish Key' de dezessete minutos e o inteligentemente nomeado (e apropriadamente guiado pela guitarra) 'John McLaughlin' fornecem uma boa sensação de contraponto e equilíbrio para o registro. 'Miles Runs the Voodoo Down' apresenta algumas das músicas mais emotivas de Davis até hoje, enquanto a discreta 'Sanctuary' funciona quase como uma exalação musical. Para completar, a arte gatefold projetada por Mati Klarwein é a própria definição de icônico e é facilmente uma das melhores capas de álbuns de todos os tempos.

Ao ouvir a música de Bitches Brew e das sessões de Bitches Brew, o espaço e o tempo tremem, estremecem e tornam-se elásticos. Num momento, você está viajando rápida e furiosamente para trás em direção ao Big Bang – no momento seguinte, você parou e ficou suspenso, a um milhão de anos-luz de lugar nenhum, curvando-se perigosamente sobre alguma colisão cósmica. Então, de repente, você está avançando, a velocidade aumentando, qualquer capacidade de avaliar o tempo perdido na queima, girando e caindo para cima, para baixo, para fora. Imagens - o tempo decorrido de uma orquídea em flor, fragmentos pixelados em movimento rápido da decadência urbana - avançam, param, retrocedem em outra velocidade, apenas para aparecerem cautelosamente. Há uma sensação de expansão, contração, implosão, quietude. As regras da física tornaram-se abertas à interpretação. A grade sobre a qual o universo está mapeado ondula ligeiramente – os padrões mudam. Criaturas imponentes de cor e luz gemem e balançam. O fio entre a primeira célula e o fim dos tempos enrola-se e desenrola-se descontroladamente como uma linha de energia quebrada num furacão, torcendo-se e expelindo energia. . . O que foi criado nesta música - em seu andamento experimental e experimental, em seus ritmos em evolução, em suas explosões, explosões e arrotos de melodia - foi algo estranhamente familiar, mas totalmente original, inteiramente próprio. O que se uniu à medida que esses dez a vinte músicos se alimentavam freneticamente dos impulsos impetuosos uns dos outros foi uma música que literalmente se afastou de seu controle consciente e começou a tomar suas próprias decisões. Às vezes temível, outras de tirar o fôlego, Bitches Brew é a música como um organismo liberado, crescendo e subindo, lindo e aterrorizante, levando você a lugares sombrios e fantásticos para os quais somente ela contém o mapa.

A música de Bitches Brew é eclética, coesa, uma coalescência sublime e repleta de contradições. O que é mais surpreendente nisso é como Miles criou um trabalho composto de fragmentos e peças que soam e parecem uma gravação contínua, tão perfeita é a edição. Há uma sensação de liberdade, de uma alma livre, impregnando o álbum, mas todos estão inabalavelmente no controle. A palavra 'único' é absoluta. Não há gradações ou graus – algo é ou não é. Não há como negar, entretanto, que Bitches Brew continua sendo um dos discos mais importantes da história do jazz, mesmo que apenas pelo impacto duradouro que teve na forma da música moderna. Um marco cultural.

GAS - Pop (2000)

Pop (2000)

GAS

O álbum mais orgânico que já ouvi foi quase inteiramente feito de gravações orquestrais, sampleadas eletronicamente e manipuladas de forma irreconhecível. Cada aspecto do Pop – sua exuberante arte de livreto embebida em tons vivos de verde, amarelo e azul; os lindos e surreais riachos de quase água fluindo pelas faixas 1–3; os feixes rítmicos e silenciosos escondidos sob o tema semelhante a um teclado na faixa 4; as rajadas de ar assombrosas, contorcidas e fortes na faixa 7 que assumem uma presença física quando reproduzidas em volumes altos - parecem tão antigas e vivas quanto a flora no coração da floresta alemã que a inspirou, e tão alucinantes quanto os desenvolvimentos atômicos do século 20 que tornaram possível seu lançamento na virada do milênio. Ao cortar a sua ligação aos instrumentos musicais físicos, ao omitir qualquer sinal de presença humana e ao concentrar-se apenas na atmosfera meditativa e naturalista, poucas outras obras de arte sonora chegam tão perto da experiência existencial e espiritual de estados alterados de consciência induzidos por compostos psicadélicos como efetivamente como Pop . Através de seu trabalho, pode-se argumentar que a filosofia de Wolfgang Voigt sobre os psicodélicos é que eles apenas oferecem um ponto de vista diferente sobre o que já está lá, ou já é conhecido subconscientemente; não é necessário retornar a essas substâncias para recuperar a sensação de admiração pela majestade do Universo. Ouvir Pop pode evocar imagens de excursões vertiginosas da primeira infância ao ar livre, ou qualia tão minúsculas quanto pequenas formigas subindo em um monte de solo, ou a ideia de que corpos celestes que existem em uma escala incompreensível para nós são totalmente indiferentes à nossa situação. Precisamos realmente de um lembrete externo, seja substancial ou musical, para apreciar essas coisas? De qualquer forma, a grandeza do Pop não se desvalorizou em nenhum momento entre 2000 dC e o momento presente, e você não pode ser culpado por voltar a isso. Falando nas décadas desde o lançamento deste álbum, é uma pena que a remasterização amplamente distribuída de 2010 execute um filtro passa-baixa em toda a extensão do álbum, eliminando imprudentemente os ruídos de alta frequência necessários que separam metade dessas faixas do pseudo. -gravações de campo. Mas para os proprietários do CD original de 2000 (e para as pessoas que sabem como encontrar cópias legalmente duvidosas dele), o renascimento do projeto GAS por Voigt que o viu lançar disse que 'de-master' não pode manchar sua beleza imaculada. Aphex Twin argumentou que música eletrônica não é para ser comentada. É difícil discordar dele, dado o efeito totalmente inexplicável que Pop

CRONICA - TASTE | Taste (1969)

 

Um dos grupos irlandeses de hard blues que se tornou lendário por ter lançado a carreira de um dos maiores guitarristas do rock: Rory Gallagher.

O combo foi formado em 1966 em Cork, no sul da República da Irlanda, por iniciativa do guitarrista/cantor, gaitista e saxofonista Rory Gallagher. Dois anos depois, o grupo fez uma turnê pelo Reino Unido e se estabilizou com a chegada do baixista Richard McCracken e do baterista John Wilson, que começou a trabalhar com Van Morrison's Them, outra banda irlandesa notável. Mudando-se para Londres, o power trio causou tanta sensação que abriu a turnê de despedida do Cream. Pouco depois, os músicos assinaram com a Polydor e lançaram um LP homônimo em abril de 1969.

Composto por 9 peças, este disco é o testemunho de um blues rock britânico que se endurece para dar origem ao hard rock iniciado por Cream e Jimi Hendrix Experience, dois trios explosivos como Taste. Duas grandes influências, mais particularmente Eric Clapton, para Rory Gallagher que será o chefe, o maestro deste LP tanto nas composições como nos covers. Como esta capa onde observamos o guitar hero de cabelos rebeldes em pleno esforço relegando Richard McCracken e John Wilson a simples intérpretes. Mas este gibão rítmico se mostrará formidável a serviço de um campeão das seis cordas elétricas que tem o blues no sangue. 

Abre com a estratosférica “Blister on the Moon” onde a influência do Cream fica evidente até nos vocais. Os irlandeses exibem seus músculos, especialmente Rory Gallagher com sua Fender Stratocaster 1961 com verniz descascado. Não tendo nada a invejar de Clapton e Hendrix, ele executou riffs e solos quase ao mesmo tempo. Mais adiante encontramos outras músicas de hard rock como “Same Old Story” com um groove Hendrixiano e “Dual Carriageway Pain” um furioso ritmo e blues boogie. “Born on the Wrong Side of Time” revela outra face onde momentos calmos, por vezes sombrios, com um toque celta, se alternam com passagens mais sustentadas, até galopantes. Acima de tudo, o elétrico e o acústico se cruzam, revelando um guitarrista à vontade com este último. Ele prova isso de forma marcante em “Hail” onde fica sozinho com seu violão para um blues rústico. Sem falar no cover de Hank Snow de “I'm Moving On” no final, um country blues onde o baixo vira jazz. E já que estamos falando de jazz, ele tem esse cover de Lead Belly, "Leavin' Blues" onde o guitarrista irlandês usa o gargalo.

Mas entre os covers, os que mais se destacam são esses dois trad blues da década de 1930 com mais de 7 minutos, “Sugar Mama” e “Catfish” popularizados por John Lee Hooker e Muddy Waters. Dois padrões colocados no moinho do hard rock com um som sujo para bluesmen profissionais. Não é à toa que o Taste é apelidado de Creme do Pobre. A atmosfera é pesada e insalubre, especialmente com o desenfreado e cataclísmico “Catfish”. A bateria é destrutiva. O baixo é paquidérmico. A voz de Rory Gallagher é rouca, áspera, nervosa, chapada. Já o violão destrói tudo em seu caminho, não deixando nada crescer novamente. Resumindo, Taste inventa o blues do heavy metal para nós.

Este disco homônimo foi lançado dois meses após a primeira tentativa do Led Zeppelin. Se o álbum do Taste não é tão devastador quanto o do dirigível principal, ainda assim permanece sólido e convincente. A única desvantagem (e novamente) é querer seguir as referências citadas acima. Mas Rory Gallagher tem meios mais que suficientes para se destacar num power trio capaz de demolir tudo.

Títulos:
1. Blister On The Moon        
2. Leaving Blues       
3. Sugar Mama          
4. Hail
5. Born On The Wrong Side Of Time          
6. Dual Carriageway Pain     
7. Same Old Story     
8. Catfish       
9. I’m Moving On

Músicos:
Rory Gallagher: guitarra, voz
Richard McCracken: baixo
John Wilson: bateria

Produzido por: Tony Colton