quarta-feira, 1 de maio de 2024

Sparks - Kimono My House (1974)

 

O que são exatamente Sparks? Bem, Sparks são Russell Mael e Ron Mael em sua essência, uma dupla dinâmica de irmãos que ultrapassou os limites do pop, rock e qualquer outro gênero musical que eles conseguiram colocar em suas mãos inteligentes e distorcidas durante os últimos mais de 50 anos de sua carreira. .

Isso os torna frustrante e deliciosamente não categóricos. Cada álbum parece ter uma identidade e atmosfera distintas, mesmo que tenham sido lançados com menos de um ano de diferença. Mas, se eu tivesse que nomear um álbum que melhor represente o Sparks (em termos de ethos e som), eu o daria ao seu álbum inovador de 1974, Kimono My House .

Sparks começou com os irmãos Mael na Califórnia em 1966. Inspirado pela "era de ouro" da cena club de Los Angeles (pense em The Doors , Love , The Byrds e outros grupos semelhantes tocando todas as noites), bem como nas memórias de seu pai levando os irmãos ao cinema, plantando as sementes de seu futuro amor pelo cinema, pela narrativa e por todas as coisas de “arte”. O primeiro grupo dos Maels, Urban Renewal Project, fez gravações em 1967 que permanecem em sua maioria inéditas. Esta banda se transformou em Halfnelson em 1968, que chamou a atenção de Todd Rundgren e a banda lançou um álbum com esse nome antes de mudar seu nome para Sparks em 1972.

Halfnelson/Sparks ganhou pouca atenção nos EUA, exceto por um pequeno sucesso regional Wonder Girl / (Não mais) Sr. Caras Bonzinhos . Assim, quando a banda fez uma residência no Reino Unido e realmente conquistou seguidores, os irmãos Mael se mudaram para lá e começaram a escrever/gravar um novo álbum com músicos britânicos. Curiosamente, os irmãos Mael se descreviam como “anglófilos” de qualquer maneira, devido ao seu amor por vários grupos britânicos como Pink Floyd e The Kinks .

Em 1974, a cena musical britânica estava apaixonada por essa novidade chamada "glam rock". Artistas como T. Rex , Roxy Music e David Bowie ( Michi Hirota , a mulher à esquerda da capa do álbum, mais tarde forneceria os vocais para "It's No Game" de Bowie em 1980) já estavam fazendo sucesso nas paradas musicais britânicas e mesmo ocasionalmente através da água na América do Norte. Portanto, não é nenhuma surpresa que os irmãos Mael tenham tomado isso como um modelo para o seu novo álbum.

Mas Kimono My House é (um trocadilho com o hit de 1951 de Rosemary Clooney, Come On-a My House / Rose of the Mountain) um típico álbum glam dos anos 70? Oh não, não, é um pouco mais especial do que isso. Por exemplo, há os vocais e letras de Russell Mael. Admito que quando ouvi esse disco pela primeira vez, confundi o Mael mais jovem com uma mulher. Os vocais de Russell sobem e brilham em um falsete quase natural, como um glam Tiny Tim . Pessoalmente, adoro isso. Talvez seja um gosto adquirido por alguns, mas o álbum não seria tão mágico sem ele. Além disso, as letras costumam ser bastante excêntricas e bem-humoradas. Enquanto a maioria das outras bandas glam cantavam sobre se divertir e beijar garotas, Sparks explora assuntos mais interessantes, como a família de Albert Einstein querendo sua herança ("Talent Is an Asset") e estar entediado no céu ("Here in Heaven"). Espalhado por diversas referências da cultura pop e encantamentos vocais surpreendentes, o jovem Mael oferece entretenimento sem fim ao longo do LP.

Depois, há Ron Mael, o mais velho e de aparência mais conservadora dos dois irmãos. Ron é o mais responsável pelo lado musical do Sparks e é o principal compositor. E ele faz isso lindamente. As músicas são simultaneamente acessíveis, estranhas, camp, escolares de arte, wagnerianas e, claro, glam. Os músicos britânicos contratados pelos Maels realizam perfeitamente essas explorações musicais geniais. Mas você não pode esquecer do toque de teclado de Ron. Depois de substituir seu piano eletrônico Wurlitzer pelo RMI Electra-Piano 3000, mais estável e portátil, Ron alimentou este novo brinquedo através de uma unidade de fita Echoplex para dar-lhe um som mais completo e brilhante, que pode ser ouvido em várias faixas, principalmente na abertura. "Esta cidade não é grande o suficiente para nós dois" (Ron admitiria que fez isso porque a qualidade tonal do RMI era "terrível").

Kimono My House foi lançado em maio de 1974 e foi um sucesso surpresa. Isso se deveu principalmente à popularidade inesperada do primeiro single do álbum, This Town Ain't Big Enough for Both of Us / Barbecutie , que alcançou o segundo lugar nas paradas do Reino Unido (sendo mantido fora do primeiro lugar por uma roupa glamourosa muito mais básica). , The Rubettes e sua música Sugar Baby Love / You Could Have Told Me ). De repente, Sparks e os irmãos Mael se tornaram sensações nacionais e apareceram em capas de diversas revistas musicais e adolescentes de todo o país. Sparks lançaria mais dois álbuns no estilo glam, Propaganda (também 1974) e Indiscreet (1975), com sucesso gradualmente decrescente, mas este permanece como o auge artístico da trilogia glam da banda e talvez de toda a sua carreira.

Destaques : Esta cidade não é grande o suficiente para nós dois, Hora do Amador, Talento é um ativo , Equador
Letra favorita : "Você ouve o trovão de rinocerontes em debandada, elefantes e tigres cafonas" [Esta cidade não é grande o suficiente para nós dois]
Momento de destaque: 1:33-1:46 de Esta cidade não é grande o suficiente para nós dois



Autechre - Confield (2001)

Confield (2001)
Este é simultaneamente um dos álbuns mais silenciosos e intensos que possuo. Nele, Autechre continua sua descida musical à loucura, misturando toda a sua paleta sonora. Algumas batidas são óbvias, como na funky “Cfern”, enquanto outras batem bem sob as camadas óbvias de atenção, bicando suavemente um fluxo constante de ritmos anormalmente inventivos. Na maioria das vezes é difícil distinguir os aspectos rítmicos e harmônicos da música. Certas linhas de sintetizador são ásperas e percussivas o suficiente para serem consideradas parte da bateria eletrônica e são partes integrantes dos padrões gerais de batida. Da mesma forma, sons que seriam difíceis de confundir com qualquer coisa que não fosse bateria eletrônica em circunstâncias normais são habilmente manipulados e transmogrificados pela dupla, por meio de Deus sabe quantos ajustes nos botões, em algo que puxa você ao longo de uma narrativa quase como uma melodia. Existem muitos exemplos dessa 'percussão melódica' em Confield, mas o primeiro exemplo que dá um tapa na cara é "Pen Expers", uma faixa que está em algum lugar entre o break dance e uma convulsão com alguns acordes maravilhosamente distorcidos entrando e saindo de por trás das batidas de corrida. (É um pouco como um "Piezo" mais evoluído, para aqueles que já ouviram o álbum Amber.)

Um aspecto importante deste álbum é seu tom suave. Apesar de todas as explosões ardentes de ritmo e truques divertidos de som, ele é produzido e arranjado de tal forma que toda a experiência a princípio se funde quase indistinguivelmente. Quando alguém chega a este álbum, é um borrão turvo de ruídos de computador que, na melhor das hipóteses, preenche o silêncio, um ruído branco com falhas. À medida que o ouvido se ajusta e começa a reconhecer os elementos musicais, o efeito é ao mesmo tempo calmante e envolvente. "Vi Scose Poise" é a introdução perfeita aos timbres vítreos que este álbum faz tão bem, e é o único por ser o mais livre e ambiental, e também o mais obviamente melódico. Mais adiante, os ruídos fantasmagóricos insidiosos de “Parhelic Triangle” são como uma trilha sonora fria para um serial killer em ascensão, a batida principal pulsante e aterrada lentamente se afastando para revelar os sinos psicóticos e o ar sussurrante. Poucas faixas depois vem "Eidetic Casein", algo que quase se aproxima do hip-hop.

Como você pode ver, o clima de cada música varia consideravelmente, mas a estética do álbum como um todo é inconfundível. É difícil pensar em maneiras de melhorar, como um estágio da evolução do Autechre ou puramente como uma experiência auditiva. É algo que você pode adormecer ou curtir no seu quarto com fones de ouvido. Atenção: requer uma digestão prolongada, principalmente para pessoas que não seguem o Autechre como hábito.


CRONICA - PANEM | Zeitgeist / Absolute Monopoly (2020)

 

Mais uma vez, só posso agradecer cem vezes mais à Internet por existir. Com efeito, e falo como um velho, temos agora a oportunidade de descobrir um monte de artistas ou grupos que merecem um verdadeiro desvio. Por enquanto, meu último favorito será o Touraines de Panem.

Panem foi formado em 2018 sob a liderança de Yacine Aït Amer (guitarra e compositor) com os excelentes músicos Emeline Fougeray no baixo (na verdade, encorajo calorosamente o leitor curioso a ouvir seus covers funky que groove no YouTube), a baterista Mogan Cornebert com seu toque leve e dinâmico e Marie Morrow com sua voz agradável, suave e poderosa. Assassinos então. Mas assassinos inteligentes. Veja, esses 4 amigos, sem dúvida, têm uma formação técnica impressionante, mas em nenhum caso eles exibirão bilhões de notas por metro quadrado ou uma habilidade vocal alucinante. Não, não, tudo é controlado e atende aos 6 títulos aqui oferecidos. E é isso que torna Panem interessante. Porque este grupo é, em última análise, inclassificável. Detectamos influências variadas que vão muito além do rock puro. Alternando pop, progressivo, rock, hard e até soul music, Panem é um caldeirão de influências de sucesso que conferem ao combo uma personalidade muito bonita.
Portanto, estes 6 títulos oferecidos neste Zeitgeist/Monopólio Absoluto são todos sucessos. Começando pela belíssima “Zeitgeist, Absolute Monopoly” e seus belos arpejos que carregam a bela voz de Marie. A interpretação, com grande detalhe, é de rara limpeza. Também nos lembraremos do lindo e incrivelmente descolado intervalo de baixo/bateria. “Breath, Pretender” tem um espírito mais pop rock com aquele que é sem dúvida o refrão mais completo oferecido por Panem. “Face Tomorrow” está preso entre o rock progressivo, a soul music e o funk. Esta peça terrivelmente bem elaborada consegue manter o ouvinte em suspense com sua grande riqueza de influências, por mais contraditórias que sejam, que se misturam perfeitamente. “A Line In The Sand”, uma canção que trata do conflito israelo-palestiniano, é uma bela peça lenta, muitas vezes jazzística na sua abordagem. Os acordes poderosos durante os refrões conferem-lhe um lado dramático bem executado. Mais surpreendente é o seu “Algo que eu não sei”. Começando como uma música melancólica carregada por arpejos, o próprio refrão de soul music de repente segue e dá um colorido muito Soul Music / Motown para o melhor efeito. De qualquer forma, é sem dúvida a composição mais bem-sucedida e procurada oferecida neste excelente EP de 6 faixas. Finalmente o Metal mais progressivo “Empty Man” fecha tudo da melhor maneira com esses bons riffs poderosos mais uma vez carregados por uma seção rítmica implacável e pela voz mágica de Marie Morrow. Finalmente Yacine nos mostra que também sabe ser um guitarrista solo inspirado e inventivo. Principal.
Esses 6 títulos de muito sucesso pressagiam um futuro brilhante para Panem. O que é triste é que esses 6 títulos passam rápido demais. Este pequeno defeito será sem dúvida corrigido quando os Touraines oferecerem novos equipamentos no final de 2022 – início de 2023.

Outro grupo a acompanhar muito, muito de perto.

Tracklisting:
1.Zeitgeist, Absolute Monopoly
2.Breathe, Pretender
3.Face Tomorrow
4.A Line In The Sand
5.Something I Don't Know
6.The Empty Man

Músicos:
Emeline Fougeray: Baixo
Marie Morrow: Vocais
Mogan Cornebert: Bateria
Yacine Aït Amer: guitarra, backing vocals




CRONICA - RICHARD BETTS | Highway Call (1974)

 

Uma das lendas do Southernrock faleceu no dia 18 de abril. O guitarrista/cantor americano Dickey Betts, membro original da Allman Brothers Band, tinha 80 anos.

Nascido em dezembro de 1943 em West Palm Beach, Flórida, no final dos anos 60 Dickey Betts ingressou na Allman Brothers Band em Jacksonville onde foi co-guitarrista com Duane Allman. Numa maravilhosa mistura de rock, country e blues, os dois pistoleiros elétricos de seis cordas ficarão famosos pelas suas longas e muitas vezes improvisadas harmonizações de guitarra. Durante este período Dickey Betts escreveu canções memoráveis ​​como “In Memory of Elizabeth Reed”, “Ramblin' Man”, “Jessica”…

Sob o nome de Richard Betts, em 1974 lançou seu primeiro álbum solo, Highway Call, impresso pela Capricorn. Para a ocasião ele se cerca de uma infinidade de músicos, incluindo o violinista de jazz Vassar Clements, o guitarrista Tommy Talton (We the People, Cowboy), o pianista Chuck Leavell (que recentemente se juntou à Allman Brothers Band), o trio vocal feminino The Rambos…

Feito de 6 faixas, Highway Call difere dos registros da ABB. Aqui o líder vai focar no country, revelando que é Dickey Betts quem atrai o grupo de Jacksonville para este estilo musical.

Abre com “Long Time Gone” para uma música muito suingante. Canção entusiasmada que cheira ao sol da Flórida, atravessada por lindas harmonizações vocais e slide guitar sonhadora. Reconhecemos o estilo country/blues e a voz anasalada de Dickey Betts. Continuamos no mesmo registro com “Rain” com seus aromas gospel. Um passeio nostálgico, o título homônimo cheira a amplos espaços abertos onde o piano desenvolverá melodias magníficas. Através de banjos, “Let Nature Sing” transforma-se em bluegrass para um ambiente rústico.

O lado B contará com dois instrumentais, “Hand Picked” com 14 minutos de duração e “Kissimmee Kid” na conclusão. Neste segundo lado é o violino que será a estrela conduzindo os músicos numa mistura de swing, cajun, old time, boogie, jazz cigano, blues... com guitarras acústicas, banjo, gaita, dobro, bandolim, piano... e, de fato, as seis cordas elétricas brilhantes de Richard Betts

Após este teste muito cativante, Dickey Betts retornará ao serviço na Allman Brothers Band.

Títulos:
1. Long Time Gone
2. Rain
3. Highway Call
4. Let Nature Sing
5. Hand Picked
6. Kissimmee Kid

Músicos:
Dickey Betts: guitarra, vocais
Vassar Clements: violino
Chuck Leavell: piano
Tommy Talton, Jeff Hanna: violão
John Hughey: guitarra de aço
Walter Poindexter: banjo, coro
Leon Poindexter: violão, coro
Frank Poindexter: Dobro,
Stray Straton Choir – Baixo, backing vocals
Johnny Sandlin: baixo
Oscar Underwood Adams: bandolim
David Walshaw: bateria
Reese Wynans: gaita
The Rambos – (Buck, Dottie e Reba): backing vocals

Produção: Johnny Sandlin, Dickey Betts



POEMAS CANTADOS DE CAETANO VELOSO


Livros

Caetano Veloso

Livros
Caetano Veloso

Tropeçavas nos astros desastrada 
 Quase não tínhamos livros em casa 
 E a cidade não tinha livraria 
 Mas os livros que em nossa vida entraram 
 São como a radiação de um corpo negro 
 Apontando pra a expansão do Universo 
 Porque a frase, o conceito, o enredo, o verso 
 (E, sem dúvida, sobretudo o verso) 
 É o que pode lançar mundos no mundo.
Tropeçavas nos astros desastrada 
 Sem saber que a ventura e a desventura 
 Dessa estrada que vai do nada ao nada 
 São livros e o luar contra a cultura.
Os livros são objetos transcendentes 
 Mas podemos amá-los do amor táctil 
 Que votamos aos maços de cigarro 
 Domá-los, cultivá-los em aquários, 
 Em estantes, gaiolas, em fogueiras 
 Ou lançá-los pra fora das janelas 
 (Talvez isso nos livre de lançarmo-nos) 
 Ou ­ o que é muito pior ­ por odiarmo-los 
 Podemos simplesmente escrever um:
Encher de vãs palavras muitas páginas 
 E de mais confusão as prateleiras. 
 Tropeçavas nos astros desastrada 
 Mas pra mim foste a estrela entre as estrelas.


Lobão Tem Razão

Caetano Veloso

Lobão Tem Razão
Caetano Veloso

Lobão tem razão
Irmão meu Lobão
Chega de verdade
É o que a mulher diz
Tô tão infeliz
Um crucificado 
Deitado ao lado
Os nervos tremem 
No chão do quarto
Por onde o semên 
Se espalhou

O mundo acabou
Mas elas virão
E nos salvarão
A ambos nós dois
O medo já foi
O homem é o próprio 
Lobão do homem
Ela só vem 
Quando os mortos 
Somem
Ela que quase 
Nos matou

Chove devagar
Sobre o Redentor
Se ela me chamar
Agora 
Eu vou

Mais vale um Lobão
So que um leão
Meto um sincerão
E nada se dá
O rock acertou
Quando você tocou 
Com sua banda
E tamborim 
Na escola de samba
E falou mal 
Do seu amor

Chove devagar
Cobre o Redentor
Se ela me chamar
Agora
Eu vou



 

Crítica ao disco de Elephant9 - 'Mythical River' (2024)

 Elephant9 - 'Mythical River'

(19 de abril de 2024, Rune Grammofon)

A melhor novidade da cena do jazz progressivo para o mês de abril vem do trio norueguês ELEPHANT9 com o lançamento de seu novo álbum “ Mythical River ”. O trio formado por Ståle Storløkken [órgão Hammond L100, pianos clássicos e elétricos Fender Rhodes, sintetizadores MiniMoog, ARP Pro-Soloist e Continuum, mellotron, celesta e harpsipiano], Nikolai Hængsle [baixo] e Torstein Lofthus [bateria e percussão] , Como de costume, viu seu novo trabalho publicado pelo selo Rune Grammofon em CD e vinil (formatos preto e branco, à sua escolha). O que notamos neste álbum, em termos gerais, é uma síntese eficaz e versátil das estruturas sonoras exploradas em “Greatest Show On Earth” e “Arrival Of The New Elders” (de 2018 e 2021, respetivamente), conferindo-lhe alguns traços de novo vigor em algumas passagens específicas. Mattias Glavå foi responsável pela engenharia de som durante as sessões de gravação, bem como pela mixagem subsequente. Vejamos agora os detalhes estritamente musicais do álbum.

Curiosamente, o setlist de “Mythical River” começa com 'Solitude In Limbo #2' e termina com 'Solitude In Limbo#1'. 'Solitude In Limbo #2' exibe em pouco mais de um minuto e meio eflúvios sonhadores que têm algo do padrão VANGELIS do período 1979-83 e das explorações cósmicas de JAN HAMMER. Parece mais paradisíaco do que liminar, embora deva possivelmente ser descrito como misteriosamente introspectivo. Desta forma, abrem-se as portas para a chegada da peça titular, que dura cerca de 8 minutos. 'Mythical River' centra-se basicamente numa combinação entre a faceta mais etérea da chamada Canterbury (GILGAMESH, NATIONAL HEALTH) e o aspecto mais sereno do discurso vanguardista de alguns EXMAGMA; O grupo é totalmente especialista neste último e, de fato, são perceptíveis os ecos estilísticos do álbum anterior. Os fraseados do órgão e os ornamentos sintetizados transbordam delicadamente o esquema rítmico arquitetônico durante a primeira seção, e mais tarde há um recurso de sofisticação amplificada que, sem alterar nem um pouco o groove geral, acrescenta uma cor extra. Um grande apogeu do álbum desde o início, e logo depois chega a vez de outro, 'Party Among The Stars'. Sua abordagem é mais musculosa e extrovertida que a da música homônima, o que permite à banda explorar seu lado mais brilhante. O esquema sonoro é muito animado, em termos gerais, embora pouco antes de ultrapassar a fronteira do terceiro minuto e meio, o trio baixe um pouco os decibéis para criar um crescendo marcante onde o motivo central é retomado com renovado vigor. 'Chamber Of Silence' basta com seu espaço de menos de 3 minutos para exibir uma noção melódica marcada por uma espiritualidade calma, que se deixa envolver por uma atmosfera etérea psicodélica em seus momentos finais. 'Heading For Desolate Wastelands' também é uma composição calma, mas desta vez é uma exploração em climas crepusculares marcados por flertes com um minimalismo acinzentado, embora não demore muito para a peça animar um pouco a sua jam central. Os ornamentos mellotron e as pontuações graves apelam ao lado estimulante do Crimsonismo. As confluências com as estratégias utilizadas por outras bandas como FIRE! e RED KITE para criar atmosferas tão inescrutáveis ​​quanto cativantes são fáceis de perceber.

'Star Cluster Detective' apela mais uma vez ao lado ágil do trio no desenvolvimento da sua abordagem sonora e esquema composicional. a vivacidade contínua é tratada com elegância sublime enquanto trechos de órgão e sintetizador ornamentam o groove apoiado pelo piano elétrico. São diversas intervenções da bateria que se aproximam do motorik de NEU!, e enquanto isso, os teclados elaboram aqueles que são talvez os lugares mais exuberantes contribuídos por Storløkken em todo o álbum. 'Cavern Of The Red Lion' segue em seguida para remodelar a cor da peça anterior e adicionar elementos de densidade graciosa que já encontramos na terceira faixa do álbum. Desta forma, o trio se concentra em realizar uma complexa e estilizada engenharia jazz-progressiva onde seu peculiar senso de cor e luz na arte do som encontra uma concreção maravilhosa. Aqui está um grande exemplo da generosidade galante de que são capazes as pessoas do ELEPHANT9, administradores de enclaves brilhantes como este. Até certo ponto, lembramo-nos do segundo volume de “Psychedelic Backfire” (de 2019). Mas ainda há um pouco mais. Como dissemos no parágrafo anterior, 'Solitude In Limbo #1' fecha o álbum; Aliás, dura praticamente igual à miniatura que o abriu. O cenário é o mesmo, mas o nervo reflectido pelas camadas do órgão confere-lhe um nervo adicional, algo que deixa a sua marca apesar da efemeridade deste item final. Esta é a nova magnum opus que o ELEPHANT9 nos dá: “Mythical River” é um álbum excelente e requintado que só merece elogios. Apesar da sua relativa brevidade (tem menos de 40 minutos de duração), deve ser recomendado 300% em qualquer biblioteca musical dedicada à música engenhosa de ontem e de hoje: 100% para cada membro do grupo.


- Amostras de  'Mythical River':


Crítica ao disco de Hawkwind - 'Stories From Time and Space' (2024)

 Hawkwind - 'Stories From Time and Space'

(5 de abril de 2024, Cherry Red Records)


O lendário grupo britânico HAWKWIND regressa à arena do rock com o seu novo trabalho fonográfico “ Stories From Time and Space ” que sucede durante um ano ao excelente “The Future Never Waits”. Este novo álbum que foi lançado no início de abril em CD e vinil duplo pelo selo Cherry Red Records também é notável, já o antecipamos, mas por enquanto nos concentramos nos detalhes técnicos. A entidade HAWKWIND permanece forte com a formação atualmente forte de Dave Brock [guitarras, teclados, sintetizadores e vocais], Richard Chadwick [bateria e percussão], Magnus Martin [guitarras, teclados, sintetizadores e vocais], Doug MacKinnon [baixo e]. Tim “Thighpaulsandra” Lewis [teclados e sintetizadores principais]. O saxofonista polonês Michael Sosna colabora em uma das músicas do álbum. Sendo Brock autor ou coautor de quase todo o material aqui contido, aprecia-se que um homem que completará 83 anos em agosto próximo permaneça lúcido e enérgico o suficiente para preservar o caminho artístico do HAWKWIND com novo material e novas turnês. É claro que o papel proativo dos seus companheiros de viagem nos arranjos é essencial para que o grupo, como um todo orgânico e perfeitamente articulado, continue atualizando a sua própria magnificência. Kris Tait, esposa de longa data do Sr. Brock, continua sendo a empresária da banda e a principal organizadora de shows e sessões de gravação (por um tempo, ela também atuou como dançarina, mímica e comedora de fogo nos shows). Se “The Future Never Waits” recebeu tantos elogios em 2023 pela sua forma engenhosa de repensar a essência histórica da banda, o que é mostrado em “Stories From Time And Space” dá sinais claros de que o conjunto atual está muito claramente integrado ao redor. a missão de gerar novas estratégias dentro de uma abordagem que permanece espacial. Como detalhe curioso, o novo álbum foi masterizado no lendário Abbey Road Studios. Desde o início deste mês de abril, o HAWKWIND está em turnê para divulgar esse novo álbum, cujo repertório analisamos a seguir.

A música que dá início é 'Our Lives Can't Last Forever' e sua aura cerimoniosa estabelece um cruzamento gracioso entre o senhorio contemplativo do PINK FLOYD do período 1973-75 e o vigor estilizado do PORCUPINE TREE do início do milênio. . Sob um manto cósmico desdobra-se uma musicalidade razoavelmente serena onde reina uma aura reflexiva. O clima do rock se agita um pouco com a chegada da segunda música, intitulada ‘The Starship (One Love One Life)’. Sua linha de trabalho se concentra na inoculação de um groove jazz-rock marcante nas bases da expansão psicodélica com arestas futurísticas que foi projetada para a ocasião. Aqui está um encontro entre os OZRIC TENTACLES de 1989 e os próprios HAWKWIND de 1977. O extenso solo de guitarra merece uma menção especial pelo dinamismo individual que traz ao bloco sonoro geral. 'What Are We Going To Do While We're Here' começa com uma abordagem instrumental muito lírica e com algumas conotações fusionistas flutuantes (algo em linha com QUANTUM FANTAY e VESPERO); Na segunda metade, orienta-se para uma expansão rochosa destemida e contundente que faz com que a elegância anterior adote um revestimento mais totalmente ácido. A coda introspectiva completa a tarefa magnificamente. The Tracker' é uma peça eminentemente contundente, muito fiel ao paradigma histórico da banda, agregando um toque mais contemporâneo nas camadas e ornamentos dos sintetizadores. Três zênites sucessivos. A miniatura 'Eternal Light' exibe alguns pedaços flutuantes de sintetizador que se relacionam com a linha de trabalho de TANGERINE DREAM de 1975, e é daí que surge 'Till I Found You', uma bela e suave canção que começa por localizar mais um mid-tempo para depois se expandir em uma batida intensa cuja facilidade é imediatamente transmitida às guitarras e às pulsações do baixo. O fade-out chega cedo demais pois o sintetizador delineia um lindo solo que combina com as agitações comemorativas da parte central da música, mas é então a vez de 'Underwater City', um instrumental bucólico cativante onde a guitarra acústica projeta ares pastorais com base barroca. As orquestrações flutuantes dos sintetizadores trazem uma tonalidade lisérgica oportuna à matéria.


'The Night Sky' é outro instrumental que, ao contrário do anterior, exibe uma vivacidade cinematográfica imponente, explorando plenamente o potencial envolvente das orquestrações e mantos dos sintetizadores; Em algum momento, certos ornamentos percussivos marcam um ritmo marcial com razoável sutileza. O épico volta totalmente ao primeiro plano com 'Traveller Of Time & Space', peça cuja estratégia estrutural recebe impactos estilísticos das músicas #2 e #3, embora com um manejo mais comedido da vitalidade do rock. Os arranjos rítmicos e o esquema melódico básico emanam certos ares exóticos; Além disso, a convivência entre violões e espirais sintetizadas é bem administrada, e os arranjos corais reforçam o caráter benevolente da peça. No último terço, a canção adopta uma atitude sumptuosa que permite ao motivo central assumir uma policromia acrescida. Outro destaque do álbum. 'Re-generate' começa com uma misteriosa atmosfera cósmica e continua com o estabelecimento de uma jam reconhecível na encruzilhada do jazz-fusion e do space-rock. O papel dos vários teclados de execução é manter um brilho operacional enquanto os delicados floreios dos pianos e das linhas de baixo estão associados a uma exuberância mágica, que é até um tanto sensual. A miniatura 'O Mar Negro' estabelece mais uma exposição de camadas flutuantes, tendo como principal função abrir as portas para 'Frozen In Time', o próximo item. Esta música é uma semi-balada psicodélica progressiva bem definida, cuja paixão pelo rock é filtrada por uma aura contemplativa. En un momento de despiste, podría confundirse con una canción de algún disco de PORCUPINE TREE entre 1999 y 2002. 'Stargazers' es el refinado instrumental que cierra el repertorio perpetuando el talante contemplativo de la canción precedente reactivando el aura ceremoniosa con la que había comenzado o disco. Claro que se nota aqui uma dose maior de sofisticação sonora graças ao uso de um groove típico do discurso jazz-fusion, como se algo intermediário entre RETURN TO FOREVER e PASSPORT estivesse inserido dentro da engenharia musical pensada para a ocasião. Os floreios do piano eléctrico e os instrumentos percussivos dão um toque aristocrático a este voo cósmico final.

Tudo isto foi “Stories From Time And Space”, uma prova contundente e concreta de que a voz do HAWKWIND continua a ressoar fortemente no rock avançado do space-rock progressivo com uma intensidade que quase iguala aquele período 1970-75 que costuma ser catalogado como o seu dourado idade. Os senhores Brock, Martin, Lewis, MacKinnon e Chadwick merecem ter um lugar nas melhores prateleiras das coleções de rock e também merecem as nossas palavras de agradecimento pela criatividade e dedicação na criação desta nova obra fonográfica.


- Amostras de'Stories From Time and Space'  :


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