Procession: Fiaba (1974)

Depois de uma estreia corajosa mas poeticamente fraca , os Procession passaram por um período de estase principalmente devido ao fracasso da sua gravadora, " Help ", da qual foram os últimos protagonistas em 33 rpm.

Além disso, devido às modestas vendas do primeiro trabalho e alguns problemas devido ao draft, o grupo também passou por uma remodelação que deixou intactos apenas 2/5 da banda original.
Primeiro saem o guitarrista Marcello Capra e o baixista Angelo Girardi , partindo para o serviço militar, e depois o baterista Giancarlo Capello sai para dar lugar a Maurizio Gianotti (sax e flauta) e Paolo D'Angelo (baixo).
Por fim, o baterista Francesco Froggio Francica , ex Raccomandata con Ricevuta di Ritorno , será adicionado a estes, trazendo a banda de volta à estrutura original de cinco homens.

Mantendo-se fiel ao produtor Pino Tuccimei , o renovado Procession desembarcou na Fonit-Cetra que os chamou para gravar seu segundo álbum nos estúdios da Via Bertola em Torino . Depois de quase dois meses de ensaios e gravações, " Fiaba " foi lançado em 1974 : seis músicas de igual número de minutos cada uma compostas principalmente por Roby Munciguerra que, por um lado, lembram muito o clima de " Frontiera ", por outro não os cobrem de problemas que vão além das capacidades narrativas de Marina Comin , que também neste caso continua sendo a autora de todos os textos. E desta vez é preciso dizer que a dimensão de conto de fadas que envolve o álbum não só se adapta melhor à poética sonhadora das letras , mas também à sonoridade do grupo que é muito mais suave e orgânica. A capa em si já não lembra os símbolos duros de um drama histórico (a mala do emigrante em " Frontier "), mas sim símbolos heráldicos imaginativos e, na capa interna, um pitoresco castelo para o qual convergem simbolicamente músicos clássicos e jovens músicos pop. .

Para selar o novo rumo da sua carreira, a Procissão conta ainda com três convidados de grande prestígio. A ex-cantora-percussionista do Circus 2000 Silvana Aliotta e o tecladista do Delirium Ettore Vigo que dão sua contribuição à música "


Era uma vez ", e o tecladista Franco Fernandez que toca em " Un mondo desperdiçado " e " Fiaba ".

Considerado por unanimidade o melhor trabalho do grupo de Turim, " Fiaba " abre com um intenso galope de percussão no qual intervêm gradativamente todos os instrumentos definem o groove geral do álbum em poucos compassos: um Prog agradável e muito mais acústico que elétrico, com grandes concessões ao Jazz-Fusion , principalmente no uso das trompas

quanto mais as partes rock são confiadas ao elétrico. violão de Roby Munciguerra que, principalmente na primeira música " Uomini di vento " oferece um excelente cartão de visita de suas habilidades, enquanto o lado mais suave é representado pela flauta de Maurizio Gianotti que contrapõe delicadamente a textura harmônica completa com duplicação nas notas.
As notas também são intervenções de sax extremamente eficazes que, especialmente no ataque de " Cera una volta ", atingem um raro nível de eficácia e beleza, apesar de pagarem uma dívida talvez excessiva ao músico de estúdio do Pink Floyd, Dick Parry . Mesmo neste caso, porém, a duplicação no final é usada para personalizar o solo com dignidade. Ainda na mesma música, a excelente contribuição de Silvana Aliotta que nesse mesmo período acabava de lançar seu primeiro excelente single " Madre ", é realmente muito parecida com a Claire Torry de " The great gig in the sky ". Finalmente , a verdadeira marca registrada de Procession é a esplêndida voz de Gianfranco Gaza , cujo registro agudo e poderoso se destaca por exemplo em " Notturno " graças a um belo dueto com o mellotron que também destaca a busca cuidadosa de sons particulares dos quais todo o longo brincar está imbuído. A fechar tudo está “ A fuga do medo” (cuja introdução lembra a primeira “ Era de Aquário ”) e um final muito suave que se despede do ouvinte da forma mais coerente possível. Em essência, um trabalho verdadeiramente belo que, no entanto, apesar dos grandes esforços promocionais ao vivo (em que Roberto Balocco do ex- Capsicum Red apareceu na bateria ), não conseguiu decolar comercialmente,causando a dissolução da Procissão



que será reformado apenas graças a Munciguerra 32 anos depois.

Gianfranco Gaza entrará no Arts and Crafts em 1975, Marcello Capra colaborará com Enzo Maolucci e posteriormente com Tito Schipa Jr em "Concerto per un Primo Amore" e finalmente Giannotti voltará à vida em 1979 com o álbum " No Speed " de a banda de Turim " Combo Jazz ". Porém, fora as melhorias que poderiam ter levado a banda a um terceiro trabalho, ficou claro que os sons semi-acústicos e a linguagem cortês de Fiaba já não correspondiam às necessidades de um mundo jovem à beira de uma crise existencial.

COLECIONÁVEIS: Fiaba é um disco muito raro que foi oferecido por cerca de 400 euros até 2007. Depois disso, as suas aparições no mercado tornaram-se cada vez mais raras, ao ponto de reaparecer em 2011 ao preço de 1.500 euros , preço a que ainda é vendido. hoje oferecido em perfeitas condições tanto online quanto em convenções. 

Banco Del Mutuo Soccorso (1972)

 

Estamos no final de 1968 : um jovem tecladista de Marino (RM) Vittorio Nocenzi consegue um teste na RCA, graças à intercessão da popular cantora Gabriella Ferri com quem já havia colaborado anteriormente.

Ele não quer aparecer sozinho. 
Pela conhecida hostilidade das gravadoras em receber cantores solo, ele faz o major acreditar que é o líder de uma banda grande e consolidada.
" Bem, então apareça com seu grupo !", é dito a ele. O grupo, porém, existe apenas na
cabeça de Nocenzi e, para não estragar a audição, o tecladista de dezessete anos monta qualquer banda, com a ajuda de amigos e parentes.

Seu irmão Gianni , o baixista Fabrizio Falco, o baterista Mario Achilli - já junto com Vittorio no Crash - e Gianfranco Colletta do extinto Chetro & Co comparecem à chamada . A formação leva o nome de “ Banco de Ajuda Mútua ” (provavelmente para evocar esta campanha inicial de solidariedade) . 
A audição foi um sucesso e o quinteto começou a trabalhar, produzindo grande quantidade de material e gravando três músicas no cassete " Sound '70

". Depois de vários ajustes, nos quais Claudio Falco (irmão de Fabrizio) , Franco Pontecorvi e - dizem - Leonardo Sasso (futura Locanda delle Fate ) também giraram em torno do núcleo Nocenzi , o grupo participou do segundo Festival Pop de Caracalla em 1971, recrutando finalmente o ex-" Esperienze " Francesco Di Giacomo, Renato D'Angelo, Pierluigi Calderoni e o violonista da Fiori di Campo Marcello Todaro , definindo assim sua formação histórica. 
 

Resolvidas as relações com a RCA, o grupo migrou para Milão onde começou a ser notado " no ramo ", entre outras coisas actuando nos palcos do histórico recinto " Carta Vetrata " ( Bollate ) e do "Nautilus " em Cardano al Campo .

Notado pelo produtor Sergio Colombini que os levou para Ricordi , o sexteto iniciou assim uma nova aventura discográfica, que começou na primavera de 72 com uma obra-prima do Prog italiano : " Banco del mutualaiuto ", álbum também conhecido como " cofrinho "devido à capa recortada muito sofisticada baseada em um design de Mimmo Melino .

Musicalmente o álbum é extraordinário, tanto que " In Volo " parece ser uma das melhores faixas de abertura possíveis na história da música progressiva italiana : uma espécie de breve sopro psicodélico, misturado com sutis sugestões de progressão que serão confirmadas pelo música seguinte. Resumindo: “ O que você vê, é! ”.

Em " RiP " então, a ambientação do som BMS se revela em toda a sua majestade e poesia: soberbos galopes rítmicos sustentam uma vocalidade clara e decisiva , que realça claramente cada refinamento da letra, focada nos horrores da guerra.

Cada instrumento ocupa o seu lugar no espectro sonoro sem qualquer prevalência, e isto, apesar do potencial volume timbral dos teclados duplos. 
O virtuosismo pessoal é relativamente limitado e confere à obra um ritmo sólido e homogêneo .

A voz de “Big” Di Giacomo chega e recua como uma onda, alternando momentos de arrogância calibrada com dinâmicas mais sutis.
Por exemplo, no curtíssimo “ Intermezzo ”, isso parece desvanecer-se numa despedida momentânea, mas torna-se desejado nas partes instrumentais vulcânicas de “ Metamorfosi ”: uma verdadeira bravura do grupo.

Baseado em grande parte em sons de rock , " Metamorfosi " é uma demonstração magistral de equilíbrio e habilidade em que o " Banco " atesta tanto a sua total independência dos padrões anglo-saxões pré-estabelecidos como a sua capacidade de aproveitar ao máximo a sua peculiaridade como " primeiro Mediterrâneo grupo com dois teclados complementares ”. O resto é um ritmo selvagem no qual
contam os contrapontos e os diversos sons das guitarras de Todaro quando necessário .

Em “ Metamorphosis ”, veja bem, não há barroco exagerado: rock, psicodelia e citações clássicas se misturam em um núcleo firme e imóvel . E só passados ​​8 longos minutos é que a voz volta a apresentar, num final poderoso, aquela que será a suite memorável do disco: a quilométrica “ The Magician’s Garden ” (18 minutos e meio).

Em " Giardino ", a banda experimenta todo o seu potencial narrativo desenvolvendo diferentes variações sinfônicas do tema principal com equilíbrio. Na rejeição de qualquer obviedade melódica, momentos muito tensos e suaves se alternam com movimentos de rock sinfônico alternando com pausas de vago sabor psicodélico , clássico ou mesmo espacial .

O final da música é puro rock progressivo que desemboca na música final " Traccia ": a síntese certa do barroco, do hard rock e do estilo mediterrâneo radical .

Mais agressivo que o PFM , o Banco del Mutuo Soccorso oferece com esta primeira obra um cartão de visita difícil de ignorar, nem que seja pela sua admirável síntese de estilos pré-estabelecidos e pela sua própria inventividade . 
Aclamado por todas as franjas do underground , ele alcançará patamares comerciais notáveis ​​e pavimentará uma carreira brilhante para o grupo.

Tendo que encontrar falhas nele, você está realmente em dificuldade. Talvez a tendência excessiva para exagerar ou “ dinamizar ” certas passagens possa ser motivo de crítica, assim como a robustez dos textos, mas são ninharias.

Christadoro: Christadoro (2017)

 

Não me lembro exatamente quandoMassimiliano “Mox” Cristadoroeu nos conhecemos: na épocaenviei-lhe os meus parabéns pelo seu livro “Os 100 melhores discos do progressivo italiano”, ou talvez ele me tenha escrito primeiro. 

O fato é que quando nos falamos pela primeira vez ao telefone oentendimento foi imediato, aliás, parecíamos doisvelhos amigosde longa data. A conversa nunca terminava e, a certa altura, nós dois tivemos queagirjuntos.

Entre outras coisas,naquelemomento eu nãoentendia muito bemtudo o que esseDJ, crítico e músicohavia feito na vida, mas quando clareei a cabeça, entendi porque éramos tão parecidos. 

M assimiliano foiroadieem muitos shows na década de 1980,bateristade hardcore punkconsultordeLa CruseBaglioni(que aliás adora),apresentadordaRadio RockFM, depoisda Radio Lombardiaálbum de Keith Emerson em 2008 (Keith presente), bem comomuito.
Resumindo... mesmo que ele me chame de " Mestre ", não acho que ele tenha algo que me inveje. 

Porém, há apenas um mês,ele me pediu minha opiniãosobre umprojetoque ele disse que seriaa melhor coisa de sua vida, ou seja, umdiscocom lançamento previsto para13 de janeiro de 2017pelaAMS Recordsde Matthias Scheller

O título? " Christadoro ": sete covers de autores interpretados por um quinteto montado pelo próprio Mox, com convidados bombásticos como Pilli Cossa do Biglietto per L'Inferno , Renato "Garbo" Abate , o violoncelista suíço Zeno Gabaglio, e ninguém menos que Franco Mussida , do logo após deixar a PFM e para a ocasião apresentando uma de suas músicas inéditas exclusivas . 

Premissas atraentes , portanto, mas não só: a tracklist oficial : é, dizíamos, uma sequência de sete joias da composição italiana, mas escolhida não tanto pelo desejo habitual de fazer uma fita cassete , mas com uma consciência digna de um historiador da rocha. 

Começamos com L'Operaio Gerolamo de Lucio Dalla , Il Sosia de Gaber e L'Ultimo Spettacolo de Vecchioni . Prosseguimos com Figli di.. de Decibel , o esplêndido Lo Stambecco Ferito de Venditti , e no verso do perturbador novo trabalho de Mussida , uma versão chocante de Solo de Claudio Baglioni e L'Ombra della Luce de Franco Battiato que fecha o trabalho inteiro. 
Em outras palavras, não creio que poderíamos pedir algo melhor. 

Mas vamos ao aspecto técnico e musical . 
A qualidade e a energia das gravações feitas no Saman Studio em Milão são transmitidas de uma forma tão envolvente que quase parece que estamos na presença dos próprios músicos. Aliás : Andrea “Mitzi” Dal Santo nos vocais, Fabio Zuffanti (baixo), Paolo “Ske” Botta (teclados), Pier Panzeri (guitarras) e claro Mox na bateria. O resto é puro rock no auge do seu requinte.

Em suma, basta marcar na sua agenda a data de 13 de janeiro de 2017 , e a da vitrine de apresentação que acontecerá no dia 31 de março no Legend Club de Milão . Nem é preciso dizer que estarei lá.

Você acha que ele foi muito magnânimo ? Não, porque? Mas se você quiser que seja crítico , não há problema. Apenas por exemplo, requer múltiplas audições porque desestabiliza a versão original de 77 a tal ponto que poderia inicialmente deixar alguém sem palavras. 
A música de Mussida soa quase etérea em comparação com o cenário pesado do álbum, mas afinal, se King Crimson não fosse uma opinião, então ela se encaixa perfeitamente . 

Nada mais pode ser dito . Resta apenas ouvir .

Review: Bruce Springsteen – Western Stars (2019)

Um senhor em idade já avançada com um olhar perdido e melancólico para o horizonte onde o sol lentamente se põe, enquanto as memórias de toda uma vida passam fugazes por uma mente anestesiada pela dor das escolhas. Essa é a imagem que eu vejo ao fechar os olhos e ouvir o novo disco de Bruce Springsteen, com uma audição mais atenta em suas letras. Mas é importante destacar que, apesar disso, a imagem que tenho na cabeça em nada se assemelha ao músico, mas versão amálgama entre as histórias registradas nas canções.

Cantar sobre a vida e suas histórias, com um olhar especial para as pessoas simples com suas agruras e dificuldades diárias, sempre foi uma característica marcante nas músicas de Springsteen, que tem em suas letras verdadeiras narrativas sobre a vida. E é basicamente disso que se trata Western Stars. Um momento um pouco diferente para quem acompanha a carreira do roqueiro, que deixa de lado as canções mais agitadas para nos brindar com uma versão mais intimista de si próprio.

O novo disco toca mais lento e mantém o foco em uma voz mais grave, enveredando por uma levada mais country mas sem que se possa rotular desse estilo propriamente dito. Todos os elementos de composição dos discos gravados nos últimos vinte anos estão ali, mas de certa forma diferentes. Basta ouvir, por exemplo, "Tucson Train" -  uma das melhores faixas - para perceber que ela poderia estar em álbuns como Wrecking Ball (2012) ou Working on a Dream (2009). Mas a sutil percussão, a falta de uma guitarra marcante e o acréscimo de uma orquestração para acompanhar as histórias narradas tornam essa audição talvez um pouco estranha de primeira, mas se tornando cada vez mais agradável na medida em que se ouve o disco.

Um certo tom melancólico permeia cada uma das treze faixas, seja na letra ou na melodia, como em "Wayfarer", quando Springsteen canta que “é a mesma história triste, amor e glória dando voltas e voltas”, ou em "Drive Fast (The Stuntman)", que fala sobre a vida de um dublê de filmes B que, apesar das cicatrizes, não se importava com o amanhã. Em algumas músicas esse sentimento taciturno é mais forte, basta prestar atenção em "Somewhere North of Nashville", quando os versos quase sussurrados dizem “eu fico acordado no meio da noite, fazendo uma lista de coisas que eu não fiz direito”, ou em "Stones", que conta sobre um relacionamento com mentiras envolvidas.

O clima todo é de uma grande reflexão sobre as escolhas da vida sem grande abertura para redenção. E talvez seja exatamente essa a intenção, inclusive, com a seleção do primeiro single de divulgação, "Hello Sunshine", com uma batida que lembra um antigo trem em movimento e fala sobre a solidão. O fechamento  desse álbum é bem emotivo e reforça todo sentimento do disco, convergindo na lúgubre letra de "Moonlight Hotel". 

Sem parecer se preocupar em agradar novos ouvintes ou velhos fãs, Bruce Springsteen apresenta o que ele tem de melhor, e a motivação da sua arte é a essência humana despida dos delírios de grandeza, se apoiando em dramas de existências que passam despercebidas pela maioria das pessoas.    

 

Review: Deep Purple – Fireball (1971)

 

De todos os discos da fase clássica do Deep Purple com Ian Gillan nos vocais, Ritchie Blackmore nas guitarras, o maestro Jon Lord  nos teclados, piano e no mais que envenenado órgão Hammond, Ian Paice na bateria e Roger Glover no baixo, este Fireball é de longe o mais experimental e diversificado de todos. Lançado em julho de 1971, o disco veio como um cometa direto nos ouvidos de quem amava o som pesado que a banda criou no álbum anterior, In Rock (1970), e de quebra trouxe novos admiradores que ficaram surpresos com tamanha variedade de estilos que o grupo conseguia tocar.

E com um disco tão variado, nada melhor do que ir direto ao ponto! A abertura da bolacha fica por conta da rápida e feroz canção que dá nome ao álbum. “Fireball” é certeira e traz o som de um gerador sendo ligado (não, não é um sintetizador) antes do ataque frontal de Paice com dois bumbos. Agressividade latente que traz um solo fantástico de Roger Glover no baixo pra lá de distorcido e que em nada deve ao genial e maluco solo de Lord com seu Hammond. Uma canção curta, mas que deu o recado aos desavisados: esse disco não seria para amadores!

“No No No” é uma faixa mais lenta, cheia de classe,  porém nem de longe a mais tranquila. Ian Gillan mostra que era uma das melhores vozes daquele início de anos 1970, com um poderio incrível e cristalino que ganha contornos surpreendentes conforme a canção avança. O ponto alto é o duelo entre piano elétrico de Lord e passagens inspiradas de Blackmore - que foi perfeccionista em cada detalhe.

A terceira canção, pelo menos na versão lançada em disco aqui no Brasil, foi “Strange Kind of Woman” - em outras partes do planeta a escolhida foi “Demon's Eye”, mas vamos falar do que saiu aqui, ok? Estamos falando de uma canção cadenciada e que virou titular em todas as apresentações da banda com esta formação, com direito ao famoso duelo entre guitarra e voz que Blackmore e Gillan travavam nos palcos. A versão de estúdio tem momentos sublimes e Gillan alcançando notas nas alturas só no gogó.  

“Anyone’s Doughter” é a primeira grande surpresa do disco em temos de estilo. Um country com piano bar e slide guitar, no melhor estilo velho oeste e aquele clima de saloon recriado de maneira soberba. Blackmore é versátil com um solo limpo, mostrando uma nova faceta aos seus fãs. O Purple tinha muito mais para oferecer do que apenas música pesada e distorcida. 

No lado dois temos logo de cara “The Mule”, uma canção psicodélica que também virou outra peça importante ao vivo - desta feita para servir como desculpa para Ian Paice socar seu kit com toda a força do mundo. Logo após uma série de pandeiros e percussão, a banda ataca com um riff inspirado, sons assombrosos de órgão e uma levada insistente de Paice que não para ao longo de toda a canção. Com letra curta e um solo igualmente rápido (porém certeiro) de Blackmore , a canção segue seu fluxo até um final caótico, dando ao repertório da banda mais uma nova alternativa de estilo. 

Outra grande surpresa - e para mim a melhor do disco - é a progressiva “Fools”.  Incrivelmente e criminalmente desvalorizada por muitos fãs, a banda consegue atingir quase que a perfeição na segunda música do lado dois do disco. Tudo começa com uma introdução calma e instrumental suave até explodir em um riff pesadíssimo e a voz rasgada de Gillan. A banda surge impiedosa como um rolo compressor até que tudo fica novamente cadenciado, com uma batida de Paice que vai ganhando um novo elemento a cada compasso, conforme a faixa avança em silêncio. Então Blackmore cria com solo único utilizando apenas o volume de sua guitarra, intercalando com passagens de Lord. Um momento erudito que a banda já estava acostumada a fazer em trabalhos anteriores. Após alguns minutos, o grupo explode novamente e segue até o seu final marcante com um Hammond distorcido anunciando o fim da epopeia.

O disco fecha com “No One Came”, uma canção funkeada com Glover dando as cartas para que o restante da banda desfile seu talento. Nem preciso dizer que Paice segura a batida de maneira extremamente competente para  Lord e Blackmore brilharem enquanto Gillan canta dentro de uma métrica absurda, sem sair do complicado compasso que a música traz.

Fireball convence a todos. Muitos fãs classificam o trabalho como um álbum de transição entre o já citado In Rock de um ano antes e o super aclamado Machine Head do ano seguinte, mas de uma coisa podemos  ter certeza: este é o disco que traz a MK II pingando suor e transpirando talento em diversos estilos. Este é, meus amigos e minhas amigas, um trabalho de referência para toda a discografia do Purple.

Ah, e sobre “Demons's Eye” (que esteve em algumas versões em outros países no lugar de “Strange Kind of Woman”), tudo  o que posso dizer é que foi outro grande momento da banda e que não deve em nada à sua substituta: órgão insistente, riffs perfeitos de Blackmore calcados no blues, Glover desfilando nas quatro cordas e Ian Paice mais solto do que nunca em um festival de  viradas - uma atrás da outra - para Gillan cantar como nunca. Faz falta ao disco? Como eu cresci ouvindo apenas a versão nacional, não muito. Mas esta é uma grande canção também!